Analytischer Kubismus vs. Synthetischer Kubismus – Was ist der Unterschied?

Analytischer Kubismus vs. Synthetischer Kubismus – für viele gelegentliche Kunstbetrachter können die beiden Begriffe für Verwirrung sorgen.

Der Kubismus ist eine Kunstbewegung, die einen bleibenden Eindruck in der Welt des Ausdrucks als Ganzes hinterlassen hat, indem sie die Aufmerksamkeit auf verschiedene Perspektiven lenkte.

Der Kubismus entstand, als sich viele Künstler des frühen 20. Jahrhunderts von den traditionellen Methoden der Darstellung eines bestimmten Themas abwandten und Stile entwickelten, die die Art und Weise, wie ein Gegenstand oder ein anderes Thema dargestellt wurde, aufwerteten.

Der Kubismus wurde ursprünglich von vielen einflussreichen Kunstkritikern und -liebhabern gemieden, da er sich gegen lang gehegte Ideale und traditionelle Methoden der Darstellung eines bestimmten Themas richtete.

Künstler wie Pablo Picasso und George Braque waren Pioniere der kubistischen Bewegung und gehörten zu den bedeutendsten Künstlern dieser Zeit, da sie den neuen Malstil auf die Bühne der Kunst des 20.

Analytischer Kubismus vs. Synthetischer Kubismus

Die Unterschiede zwischen dem Analytischen Kubismus und dem Synthetischen Kubismus bestehen darin, dass der Synthetische Kubismus darauf abzielt, ein Objekt zu einem 2D-Bild zu verflachen, oft in Form einer Collage, während der Analytische Kubismus ein Objekt aus mehreren Blickwinkeln zerlegt und neu konfiguriert, so dass jeder Aspekt des Bildes auf einer 2D-Ebene sichtbar ist.

Was ist Kubismus?

Das Prinzip des Kubismus kann als das Bestreben des Künstlers beschrieben werden, die übliche Darstellung eines Themas oder einer Szene zu dekonstruieren und eine Collage aus visuellen Darstellungen zu schaffen, die dem Betrachter viele verschiedene Perspektiven des Themas bieten. Es wird oft so beschrieben, dass das Thema dekonstruiert wird, um es dann auf eine Art und Weise wieder zusammenzusetzen, die verschiedene Gesichtspunkte hervorhebt, die der Betrachter selbst vielleicht nicht in Betracht gezogen hätte.

Im Gegensatz zu anderen Formen der Malerei, die schon seit Jahrhunderten und sogar Tausenden von Jahren zuvor existierten, drehte sich der Kubismus um neue und neuartige Methoden, Themen auf eine Art und Weise darzustellen, wie es noch nie zuvor geschehen war.

Viele kubistische Künstler versuchten, neue Denkweisen über die Kunst und die Darstellung bestimmter Gegenstände einzubringen. Einige Kunstkritiker aus der Zeit, als der Kubismus begann, sich von den allgemeineren Ausdrucksformen abzuheben, hatten Schwierigkeiten, das Gesamtkonzept der kubistischen Bewegung zu erfassen. Pablo Picasso wird mit folgenden Worten zitiert:

„Die Tatsache, dass der Kubismus lange Zeit nicht verstanden wurde und dass es auch heute noch Menschen gibt, die darin nichts erkennen können, bedeutet nichts. Ich lese kein Englisch, ein englisches Buch ist für mich ein leeres Buch. Das heißt aber nicht, dass es die englische Sprache nicht gibt. Warum sollte ich jemand anderem als mir selbst die Schuld geben, wenn ich etwas nicht verstehe, wovon ich nichts weiß?“

Ursprünge des Kubismus

Einer der ersten Künstler, der sich mit der Anwendung von Methoden und Konzepten beschäftigte, die später als Grundpfeiler der kubistischen Ideologie gelten sollten, ist Paul Cezanne (1839-1906). Im späten 19. Jahrhundert begann Cezanne, bestimmte Themen und Szenen in einer Weise zu malen, die mehrere Perspektiven auf ein und dasselbe zentrale Bild darstellte.

Diese Methode wurde zu dieser Zeit nicht sehr gut verstanden, und viele Kunstkritiker betrachteten Cezannes verzerrte Darstellungen als Fehler des Künstlers selbst, da er versuchte, Szenen zu malen, die sonst als gewöhnliche realistische Werke angesehen werden könnten.

Später in seinem Leben gab Cezanne die konventionelle Art, die Welt um ihn herum darzustellen, auf und wandte sich einer neuen, neugierigen Art der Malerei zu, bei der er tief in die Gedankenwelt des Künstlers eindrang, um verschiedene Perspektiven herauszuarbeiten, von denen er glaubte, dass sie vom Betrachter nicht so gewürdigt wurden, wie sie es sollten.

Cezanne begann auf eine neue Art und Weise zu malen, die keine Tiefe außerhalb des zentralen Themas beinhaltete, das oft ein Korb mit Früchten, Musikinstrumenten oder anderen einfachen Gegenständen war, die er bearbeitete, um neues Leben in das Thema zu bringen.

Was ist der analytische Kubismus?

Der analytische Kubismus ist hauptsächlich eine Kunstmethode, die die Fähigkeit eines Künstlers hervorhebt, ein bestimmtes Thema zu dekonstruieren und viele verschiedene Standpunkte und Perspektiven auf eine Art und Weise zusammenzubringen, die dem Betrachter das Thema noch einmal vor Augen führt. Dies zwingt den Betrachter, diese neuen Gesichtspunkte in Betracht zu ziehen und sie alle auf einmal auf eine Weise zu „analysieren“, die eine größere Wertschätzung für diese Gegenstände hervorruft.

Als der Stil des Kubismus zu wachsen und sich zu entwickeln begann, gab es nur wenige Künstler, die eine ähnliche Methode der Darstellung von Objekten beibehielten, während andere sehr unterschiedliche Methoden der Malerei hatten, die immer noch als Teil der kubistischen Art betrachtet wurden, ihre eigenen Interpretationen eines bestimmten Themas auszudrücken.

Viele Kunsthistoriker, Kritiker und Enthusiasten sind der Meinung, dass der analytische Kubismus die Bemühungen des Künstlers beinhaltet, ein bestimmtes Thema mit geometrischen Formen darzustellen, um einen bestimmten Gegenstand in ihren Werken zu repräsentieren.

Der Analytische Kubismus begann 1907, die Kunstwelt zu erobern, und man geht davon aus, dass er einige Jahre später seinen Höhepunkt erreichte und bis etwa 1912 andauerte, bevor der Stil anderen Bewegungen wich.

Was ist der Synthetische Kubismus?

Der Synthetische Kubismus konzentriert sich mehr auf die Farbgebung eines bestimmten Bildes und die Rekonstruktion eines Themas auf eine Art und Weise, die die Bilder in einer kollektiven, oft zweidimensionalen Weise verbessert. Während die meisten anderen kubistischen Gemälde reale oder natürliche Motive darstellten, konzentriert sich der synthetische Kubismus mehr auf die Nachahmung des Motivs oder des Gegenstands, der im Mittelpunkt steht, mit Hilfe von lebhafteren Farben und kontrastreichen Farbtönen.

Der synthetische Kubismus soll um das Jahr 1912 aus dem analytischen Kubismus hervorgegangen sein, als immer mehr Künstler begannen, ihre eigenen inspirierenden Ideen und Perspektiven dieser besonderen Bewegung aufzugreifen und das Konzept der Nachahmung eines Gegenstands mit unkonventionellen Methoden zu erforschen.

Vergleich zwischen analytischem und synthetischem Kubismus

Es ist in der Kunstwissenschaft und ihrer Geschichte allgemein bekannt, dass der synthetische Kubismus eine Bewegung ist, die aus dem analytischen Kubismus hervorgegangen ist. Diese neue Bewegung entstand um 1912 und wurde von zwei der berühmtesten kubistischen Maler, Pablo Picasso und George Braque, vorangetrieben.

Viele Künstler traten in die Fußstapfen dieser beiden Künstler, während andere versuchten, das Konzept der Darstellung eines Themas oder Gegenstands in einer Weise zu erforschen, die nicht nur die verschiedenen Winkel und Perspektiven, sondern auch Variationen von Farben berücksichtigte, die neue Wege aufzeigten, bestimmte Dinge in einem neuen Licht zu sehen.

Sowohl Picasso als auch Braque malten zwischen den beiden Künstlern Hunderte von kubistischen Werken, und durch die Verwendung von geometrischen Formen, scharfen Winkeln und verdunkelten Flächen versuchten die Künstler, die zu dieser Zeit allgemein akzeptierten Grenzen der Perspektive weiter zu verschieben.

Picasso und Braque brachten ihre Werke auf eine neue Ebene, indem sie die älteren Methoden der kubistischen Pinselführung und die Idee des dreidimensionalen Objekts zugunsten der zweidimensionalen Leinwand und ihrer Fähigkeit, eine einfachere Art von Merkmalen darzustellen, verwarfen, die hellere Farbtöne, einfache Formen und weniger Hintergrundtiefe als zuvor umfasste.

Pablo Picassos kubistische Reise

Picasso wird von vielen Kunsthistorikern und Kritikern als Vater des Kubismus angesehen, da er einer der bedeutendsten Künstler seiner Zeit war, der die allgemein akzeptierten Ausdrucksformen und Perspektiven in Frage stellte.

Seine Serie mit dem Titel „Gitarre“ gilt weithin als das prominenteste Beispiel für den Übergang eines einzelnen Künstlers vom analytischen zum synthetischen Kubismus im Laufe von etwa einem Jahr.

Einer der bemerkenswertesten Unterschiede in Picassos Werk war der Verzicht des Künstlers auf Tiefe in seinen Bildern. Als er begann, in einem Stil zu malen, der die Sicht auf dreidimensionale Objekte vernachlässigte, malte er zunehmend Gegenstände, die einem einfacheren, flacheren Ansatz folgten, der eindeutig zweidimensional war.

Übergang vom analytischen zum synthetischen Kubismus

Einer der ersten und bemerkenswertesten Unterschiede, den viele Betrachter zwischen den beiden Kunststilen erkennen, ist das Fehlen von leuchtenden und kräftigen Farben im analytischen Kubismus. Da viele Künstler während dieser Bewegung versuchten, durch die Verwendung verschiedener Formen und schräger Ebenen mehr in Themen und neue Perspektiven einzutauchen, fehlte es diesen Werken deutlich an Wärme in der Farbgebung.

Viele der frühen Werke von Picasso und Braque im Stil des Analytischen Kubismus waren eindeutig den wechselnden Perspektiven und der Erforschung der vielen verschiedenen Darstellungen eines einzigen Objekts gewidmet. Später gingen die Künstler jedoch zu einem Stil über, der als Synthetischer Kubismus bezeichnet wird, und kehrten zur Malerei mit leuchtenden und kräftigen Farben zurück, die den Objekten auf einer ansonsten unscheinbaren Leinwand eine neue Definition gaben.

Die Farbpalette von Picassos synthetisch-kubistischen Werken ist deutlich heller als die seiner früheren Werke, doch werden die Themen in einer vereinfachten, zweidimensionalen Weise dargestellt, die manchmal als ohne die perspektivische Tiefe angesehen wird, mit der der Künstler in seinen Gemälden nur wenige Jahre zuvor gearbeitet hatte.

Kräftige Farben sind ein Markenzeichen des Synthetischen Kubismus, denn Künstler wie Picasso arbeiten mit kontrastierenden und sich ergänzenden blauen, grünen, roten und gelben Farbtupfern. Viele Kunsthistoriker können ein Picasso-Gemälde aus dem Synthetischen Kubismus einfach daran erkennen, dass der Künstler helle, auffällige gelbe Farben verwendete, die die Leinwand dominierten.

Sowohl Braque als auch Picasso arbeiteten weiterhin in einer Art und Weise, die einen Collage-Stil der Malerei nutzte, und fügten manchmal echte Notenblätter in ihre Leinwand ein, wenn sie an einem Gemälde arbeiteten, das sich um Musikinstrumente drehte.

Berühmte Maler

Juan Gris war ein weiterer Künstler, der in der kubistischen Bewegung arbeitete und einige der bekanntesten Werke dieses Stils schuf, lange nachdem Picasso und Braque die Bewegung im frühen 20.

Gris‘ Werke drehten sich um die Schrecken des Ersten Weltkriegs, da der Künstler in seiner Heimat Spanien mitten in den Konflikt geriet. Seine Gemälde gelten als einige der besten Werke des synthetischen Kubismus, die je geschaffen wurden.

Auf riesigen Leinwänden malte er Szenen von Personen, die in die gewalttätigen Auseinandersetzungen des Ersten Weltkriegs verwickelt waren, wobei er sowohl Soldaten als auch Zivilisten darstellte und sich auf die Auswirkungen des Krieges auf alle und alles konzentrierte.

Er malte auch eines der berühmtesten kubistischen Porträts von Picasso mit dem Titel „Porträt von Picasso“, das Picasso so sehr beeindruckte, dass er sich von Gris‘ Talent etwas eingeschüchtert fühlte.

Seine Werke waren vor allem zweidimensional und verwendeten eine beträchtliche Anzahl leuchtender Farben, darunter Weiß und Schwarz, die den schmalen Grat zwischen Leben und Tod darstellen sollten, mit dem jeder, der in den Konflikt verwickelt war, ständig in Kontakt kam.

Abschluss

Mehr als hundert Jahre nach der Geburt des Analytischen und des Synthetischen Kubismus sind beide Malstile bei modernen Künstlern nach wie vor beliebt, und zwar in der gleichen Weise, wie die ersten kubistischen Künstler ihre eigenen Werke schufen.

Moderne Maler des Analytischen Kubismus arbeiten weiterhin mit Motiven, die in der Mitte der Leinwand platziert und in einer Weise gemalt werden, die eine breite Variation von Perspektiven unter Verwendung verschiedener geometrischer Formen und weniger Farbe darstellt.

Die Werke des analytischen Kubismus aus der zweiten Hälfte des 20. Jahrhunderts ähneln den älteren Werken der Gründungsmitglieder der Bewegung, da die Künstler weiterhin Schatten und scharfkantige Formen verwenden, um die verschiedenen Erscheinungsformen eines einzelnen Objekts zu betonen.

Die Künstler arbeiten auch weiterhin im Stil des synthetischen Kubismus, der in verschiedenen Epochen des 20. Jahrhunderts sehr einflussreich war. Die Verwendung von leuchtenden, lebhaften Farben und vereinfachten Motiven auf der Leinwand wird dank der Fortschritte in der Technologie und der Computeranimation noch weiter erforscht.

Es ist wahrscheinlich, dass diese beiden Arten des Kubismus weiterhin einflussreiche Kunstgattungen sein werden, die mehr Künstler dazu inspirieren, sich mit den vielen Möglichkeiten der Darstellung unserer Welt zu befassen.