Die 30 besten Songs des Jahres 2020

Für ein Jahr, das keinen Sinn gemacht hat, ist es nur passend, dass die besten Songs des Jahres 2020 seltsame Nachbarn auf einem Mixtape sind.

Man kann das Jahr 2020 nicht rekapitulieren, ohne Cardi B und Megan Thee Stallions „WAP“ zu erwähnen, ein Sexsong, der so schmutzig ist, dass sogar die bearbeitete Version in Richtung R-Rating tendiert („wet and gushy“, wer will das?). Aber in dieser Zusammenstellung gibt es im Grunde einen Künstler für jede Stimmung oder Gelegenheit: soziales Aufbegehren (Run the Jewels), apokalyptisches Grübeln (Phoebe Bridgers), sogar einfach nur glückseliger Kopfhörer-Eskapismus (Tame Impala).

Während sich dieses deprimierende Jahr dem Ende zuneigt, lasst uns auf die Songs anstoßen, die uns im Spiel gehalten haben.

(Haftungsausschluss: Alle qualifizierten Songs waren auf Alben, die 2020 veröffentlicht wurden.)

30. Christian Scott aTunde Adjuah – „Guinnevere“

Im Jahr 1969 nahm das Folk-Trio Crosby, Stills & Nash eine kryptische Kastanie mit dem Titel „Guinnevere“ auf und veröffentlichte sie. Im darauf folgenden Jahr versuchten sich zwei Jazzmeister an dem Stück: der Flötist Herbie Mann mit einer originalgetreuen Instrumentalversion und der Trompeter Miles Davis mit einer Neuinterpretation in Form eines intergalaktischen, nicht wiederzuerkennenden Epos, das sich der 20-Minuten-Marke näherte. Bei der Live-Version, die auf Axiom erscheint, ist der New Orleans-Bandleader Christian Scott aTunde Adjuah am meisten an Davis‘ Vision des Songs interessiert. E-Piano, Sitar und eine hektische Trägheit wurden zugunsten von Djembe, Congas und einem Hauch von Lebensfreude gestrichen. Hier verdichten Adjuah – der unter anderem Trompete und umgekehrtes Flügelhorn spielt – und seine Band „Guinnevere“ und versehen es mit einer pointierten Verve. Die Bläser schwanken zwischen wummernd, himmlisch und frenetisch, und vor allem Corey Fonvilles Schlagzeug hebt diese Musik in neue, gewagte Höhen. – Raymond Cummings

29. Tobacco (feat. Trent Reznor) – „Babysitter“

Der Breakout-Track von Tom Fecs neuem Album Hot Wet & Sassy beginnt mit einem riesigen, schmierigen Synthie-Bass, der sich über abgeschnittenen Hi-Hats und verzerrtem Vocoder windet und darauf besteht: „Ich bin der neue Babysitter, und ich kann die Zeit verlangsamen.“ Dann wird es irgendwie immer verrückter, mit schrägen strukturellen Taumelschritten und brennenden, abrasiven Harmonien. Der relativ beruhigende Cameo-Auftritt des Nine Inch Nails-Frontmanns, langjährigen TOBACCO-Fans und Landsmanns aus West-Pennsylvania, Trent Reznor, setzt einen klugen klanglichen Kontrapunkt, bevor der Song wieder Fahrt aufnimmt. Das wahnsinnig verstörende Video mit einem voyeuristischen Falkor (aus Die unendliche Geschichte), der vor einem Vorstadthaus lauert, ist das Sahnehäubchen auf dieser gruseligen Torte. – John Paul Bullock

28. Soccer Mommy – „Circle the drain“

Sophie Allisons Untersuchung von Isolation und Depression war die perfekte Zusammenfassung des Müllcontainers 2020. Ihr Kampf „stark zu sein für meine Liebe, für meine Familie und meine Freunde“ hallte nach, während jeder versuchte, das Jahr zu überstehen. Die knackige Produktion, der fröhliche Gesang und die fetten FM-Radiogitarren aus den späten 90ern unterstreichen perfekt den konstanten Sog der Dunkelheit, den wir alle erleben. Es ist ein mutiger, brutal ehrlicher Song über mentale Gesundheit, der zu einer Zeit kommt, in der wir ihn wirklich brauchen. – J.P.B.

27. 24kGoldn (feat. Iann Dior) – „Mood“

Es gibt alle paar Jahre einen seltenen Moment, in dem sich Alternative, Pop und rhythmische Radioformate auf einen Song einigen können, wie OutKasts „Hey Ya!“ oder Gnarls Barkleys „Crazy“. Und 2020 standen die Sterne gut für 24kGoldn und Iann Dior, zwei junge Rapper aus L.A., die eines Tages Call of Duty spielten und sich von den Vibes des Produzenten Omer Fedi anstecken ließen, als dieser ein klingendes Gitarrenriff spielte. Diors höhnischer Pre-Chorus leitet perfekt in Goldns hymnische Hook ein. Ihre nasalen Pop-Punk-Stimmen verleihen der Art von Emo-Rap, die seit Jahren auf SoundCloud gedeiht, einen Bubblegum-Spin. – Al Shipley

26. Halsey – „You Should Be Sad“

Der beste Trennungsknaller des Jahres, „You Should Be Sad“ ist sowohl lustig als auch heftig. Hut ab vor Halsey und dem Super-Songwriter Greg Kurstin (Adele, Pink, Kelly Clarkson), die eine straffe Country-Pop-Single herausgebracht haben, die alle Verflossenen, die sich ihr in den Weg stellen, absolut ausweidet. „Ich bin so froh, dass ich nie ein Baby mit dir hatte“, spottet der Popstar über ein Akustikgitarren-Sample – wie Carrie Underwood mit einer Extraportion Jersey-Girl-Wut. Manic ist Halseys weitreichendstes Album, sowohl textlich als auch thematisch – und obwohl es nicht den gleichen Erfolg hatte wie ihr Chartstürmer „Without Me“, ist „You Should Be Sad“ wahrscheinlich das Herzstück der LP. – Bobby Olivier

25. Charlotte Dos Santos – „Helio“

Mit ihrer luxuriösen Harvest Time EP schwenkte die brasilianisch-norwegische Songwriterin Charlotte Dos Santos vom Beat/Sample-getriebenen Stil des 2017er Albums Cleo in einen organischeren Bereich. Das wilde „Helio“ landet irgendwo zwischen dem Synthetischen und dem Menschlichen, indem es ein taufrisches Jazz-Piano und einen rumpelnden Kontrabass mit leise schwirrender Elektronik und gestapelten, gesungenen Vocals mischt, die nur durch intensives Overdubbing erreicht werden konnten. „Ich bin mein Neptun“, singt sie. „Ich bin mein Herrscher.“ Sie klingt, als hätte sie die volle Kontrolle über diesen formbarem Sound. – Ryan Reed

24. My Morning Jacket – „Wasted“

„Wasted“ ist das Psych-Rock-Mittelstück von The Waterfall II, der lang erwarteten Fortsetzung der 2015er LP von My Morning Jacket. Und es fühlt sich an wie eine Therapiesitzung: Frontmann Jim James blickt über seine Schulter auf personifizierte Schuldgefühle – eine chorische Kaskade von Stimmen, die ihn anflehen, „sich dem zu stellen“, was immer „es“ auch bedeuten mag. „Zu ängstlich, um zu leben“, singt James. „Du hast etwas falsch gemacht.“ Die Band begegnet dieser Schwere mit einem serpentinenartigen, symphonischen Arrangement: Bong-Hit-Riffs, Bläsersätze, ein bluesiges E-Piano-Solo. Die Dunkelheit steht ihnen, wie immer, gut. – R.R.

23. Kali Uchis (feat. Jhay Cortez) – „La Luz (Fín)“

Mit ihrem ersten spanischsprachigen Album Sin Miedo (del Amor y Otros Demonios) zeigt sich die Alt-Soul-Sängerin Kali Uchis ganz von ihrer Latina-Seite. Die kolumbianisch-amerikanische Künstlerin glänzt auf „La Luz (Fín)“ (oder „The Light (End)“) mit Jhay Cortez, dem puerto-ricanischen Visionär, der den Reggaetón in die Zukunft führt. Der Boricua-Produzent Marco „Tainy“ Masís hat das Ruder in die Hand genommen und Uchis‘ R&B-Vibe nahtlos mit Cortez‘ Reggaetón-Welt verschmelzen lassen. Die beiden Sängerinnen bilden auf der verführerischen Single ein Dreamteam, wobei Cortez‘ kokette Bewegungen Uchis‘ fesselnde Anmachsprüche ergänzen. – Lucas Villa

22. Megan Thee Stallion – „Captain Hook“

Es ist schwer zu behaupten, dass jemand ein größeres Jahr hatte als Megan Thee Stallion. Bevor sie ihr Debütalbum „Good News“ veröffentlichte und sich mit Cardi B für den Popkultur-Triumph „WAP“ zusammentat, legte sie mit ihrer Suga EP einen der eingängigsten und cleversten Songs des Jahres vor. „Captain Hook“ ist eine geradlinige, sofort wiedererkennbare Hymne mit sanften Sex-Bars, von denen sich die meisten Rapper nur wünschen können, sie hätten sie selbst geschrieben. Mit Zeilen wie „I got a man; I got a bitch / I’m a banana; they gotta split“ ist es vielleicht der beste Song, der je über einen gebogenen Schwanz geschrieben wurde. – Josh Chesler

21. Phoebe Bridgers – „I Know the End“

Phoebe Bridgers‘ zweites Soloalbum, Punisher, war ungewollt der Soundtrack zur Pandemie. Lange bevor die Welt zusammenzubrechen drohte, schrieb Bridgers ihr Grammy-nominiertes Album, das zufällig die Emotionen der Panik, des Schmerzes und der Verzweiflung des Jahres 2020 einfing. Aber der Schlusssong „I Know The End“ ist ein besonders ergreifender Schlag in die Magengrube. Der Song handelt von einer metaphorischen Apokalypse, in der sich Bridgers mit dem Ende ihrer Welt abfindet, aber entschlossen ist, das Beste daraus zu machen. Das intensive, stürmische Crescendo bleibt noch lange nach dem Ende des Songs im Gedächtnis haften. – Tatiana Tenreyro

20. Dua Lipa – „Don’t Start Now“

Bereits 2017 gab Dua Lipa mit „New Rules“ die Anweisung, sich über einen Ex-Liebhaber zu erheben. Nun, es scheint, als würde dieser Lover einfach nicht aufgeben – der Popstar hat eine weitere Hymne aufgenommen, um ihn loszuwerden. „Don’t Start Now“, die Leadsingle von Future Nostalgia, zementiert Grenzen („Don’t show up, don’t come out“), untermalt von einer glitzernden Melodie, die zu einem Studio 54-Revival passt. Der Song wurde zu Lipas größter Single: Er erreichte Platz 2 der Billboard Hot 100 (ihre bisher höchste Chartplatzierung) und wurde für drei Grammys nominiert. Sobald es wieder sicher ist, in der Öffentlichkeit zu tanzen, sollten die DJs bereit sein, diesen Song aufzudrehen. – Bianca Gracie

19. Sufjan Stevens – „America“

„America“ ist ein Akt der traurigen Rebellion, der methodisch gegen ein Land, die Gesellschaft und die törichte Hoffnung auf bessere Tage ankämpft. Zu schwer? Schade. Das ist die ausufernde Leadsingle von Stevens‘ schwermütigem Elektro-Pop-Album The Ascension – eine 12-minütige Odyssee, in der die Sängerin Gott anfleht: „Tu mir nicht das an, was du Amerika angetan hast.“ Der letzte Track des Albums verzichtet auf die Stars and Stripes und ist eine langatmige, aber gnadenlos effektive Erkundung der Desillusionierung. „Ich habe mein Leben gegen ein Bild von der Landschaft eingetauscht“, singt Stevens. An anderer Stelle werden biblische Bilder in das Stück eingewoben – Überschwemmungen, Judas, das Zeichen des Kreuzes – und über weite Teile des hypnotischen Synthesizers gelegt. Passenderweise gibt es keine offensichtliche Belohnung für diejenigen, die bis zu den letzten Momenten des Songs ausharren. Es endet einfach. – B.O.

18. Miley Cyrus – „Midnight Sky“

Erhebt eure Hand, wenn ihr Miley Cyrus‘ Rock-Revival kommen saht. Obwohl sie sich zuvor mit ihren Flaming Lips-Kollaborationen im psychedelischen Bereich versucht hatte, vollzog die Sängerin mit ihrem siebten Album Plastic Hearts eine vollständige Rocktransformation, indem sie ihre 80er-Jahre-Arena-Ambitionen aufgriff. Mit seinen blubbernden Synthesizern, der glänzenden Produktion und dem düsteren Gesang klingt „Midnight Sky“ wie ein entfernter Cousin von Stevie Nicks‘ 1982er Hit „Edge of Seventeen“ – eine passende Tatsache, wenn man bedenkt, dass sie die beiden Songs später als Remix zusammengefügt haben. „Midnight Sky“ ist gerade retro genug, um im Jahr 2020 noch aktuell zu sein. – R.R. und D.K.

17. Bad Bunny – „Safaera“

Bad Bunny repräsentiert die Zukunft des Reggaetón, aber mit „Safaera“ huldigt er dem goldenen Zeitalter des Genres in den 2000ern. Der Song versetzt einen sofort in die „pari de marquesina“-Zeiten zurück, in denen man bei Freunden auf Hinterhofpartys zu einem Megamix der neuesten Reggaetón-Hits perreando. „Safaera“ enthält mehrere Songs in einem, an denen einige der größten Namen des Genres beteiligt sind: Jowell y Randy und Ñengo Flow. Aber Bad Bunny gibt diesem Throwback seinen eigenen Dreh, mit Texten über den Wunsch, die betreffende Frau zu beglücken und sich für mamar culo einzusetzen, was es genauso schmutzig macht wie die Songs aus dieser Ära, aber mit einem progressiveren Ansatz. – T.T.

16. Sylvan Esso – „Numb“

„Shaking out the numb,“ gurrt Amelia Meath über Nick Sanborns gedämpfte Gitarrenschleifen und krausen Synth-Bass. Haben wir uns in diesem Jahr nicht alle schon einmal so gefühlt? Dieser sich langsam aufbauende Elektro-Pop-Song könnte die am meisten übersehene Quarantäne-Hymne des Jahres 2020 sein, die unsere emotionale Lähmung aufgreift und gleichzeitig einen Vorgeschmack auf das raveartige, gemeinschaftliche Konzertvergnügen gibt, das wir alle in einer Welt nach der Impfung zu genießen hoffen. „Lass mich etwas fühlen“, fleht Meath. Vielleicht, nur vielleicht, sind wir fast am Ziel. – R.R.

15. Perfume Genius – „On The Floor“

Wie es im Song heißt, durchdringt ein „heftiger Energiestrom“ „On The Floor“ und erzeugt ein Gefühl der Sehnsucht, das so dick ist, dass es nur mit einer Kettensäge durchtrennt werden kann. Eine viszerale sexuelle Spannung unterstreicht die am meisten wiederholbare Single von Set My Heart on Fire Immediately – ein weiteres, einheitlich starkes Projekt des Art-Pop-Songwriters Mike Hadreas. Während des gesamten Liedes versucht der Erzähler, sich aus dem Bann eines anderen Mannes zu befreien: „Wie lange dauert es, bis es weggespült wird? / How long ‚til my body is safe?“, fragt er sich über einer wackelnden, funkigen Basslinie, die aus Stevie Wonders Playbook stammt. Hadreas hat ein Händchen dafür, Menschlichkeit als magnetisches Gefühl zwischen Körpern herauszukristallisieren. – B.O.

14. Khruangbin – „Time (You and I)“

Nach fast vier Minuten im hypnotischen Groove von „Time (You and I)“, dem besten Disco-Revivalist-Jam des Jahres, der es nie in den Nachtclub geschafft hat, fragt Khruangbin schüchtern: „Hörst du immer noch zu?“ Sie fragen nicht wortwörtlich, aber nur aufmerksame Ohren werden bemerken, dass Bassistin Laura Lee beginnt, in anderen Sprachen zu singen (wie Türkisch, Portugiesisch, Serbisch, Hebräisch und Mandarin) – und den universellen Spruch „That’s life“ zu übersetzen. Auch das Thema des Songs fühlt sich global an: das vertraute Bedauern darüber, dass eine Beziehung hätte funktionieren können, wenn einfach mehr Zeit vorhanden gewesen wäre. Das Psych-Funk-Trio aus Houston, das nach dem 2018er-Album „Con Todo El Mundo“ kultige Popularität erlangte, liefert mit der Mordechai-LP erneut ab. „Time (You and I)“ war ein klarer Fan-Favorit, der für Tausende von sozial entfernten Poolpartys bestimmt war. – B.O.

13. Thundercat – „Dragonball Durag“

Stephen Bruner schafft es selbst inmitten unendlicher Dunkelheit noch zu unterhalten. In „Dragonball Durag“ ist Thundercat auf der Suche nach einer neuen Liebe, wobei der Durag hier als Thundercats Superheldenumhang fungiert. In dem Video findet er den titelgebenden Gegenstand im Müll und verwandelt sich in einen geschickten Mann (aber nur in seiner Vorstellung). Selbst wenn er sich die Kraft des Durags zunutze macht, gelingt es ihm nicht, Kali Uchis, die Komikerin Quinta Brunson und schließlich Haim zu beeindrucken. Das Bild spiegelt den sanften Groove des Songs wider, der seinen gefühlvollen R&B mit dem geliebten Yacht-Rock verbindet. – D.K.

12. Taylor Swift – „Exile“

Taylor Swift hat sich mit Bon Iver zusammengetan und das von Streichern begleitete, an Gospel angelehnte „Exile“ aufgenommen, ihr innovativstes Stück der letzten Zeit. Vielleicht ist es nur ein Zeichen dafür, dass Swift in ihre nächste Phase eintritt, aber „Exile“ ist ein schärferes, reiferes Stück, als man es von dem Superstar erwartet hätte. Ähnlich wie Beyoncés „Formation“ scheint „Exile“ einen entscheidenden Moment in Swifts Karriere zu markieren – eine Bereitschaft, weiter zu experimentieren, auch wenn ihr Bekanntheitsgrad weiter wächst. – J.C.

11. Haim – „The Steps“

Radio-Pop tritt auf der vierten Single von Haims Women in Music Pt. III gegenüber Country-Rock in den Hintergrund. Die Gitarren quietschen und zucken, das Tempo ist ein dickes Tuckern, gemischt mit einem selbstbewussten Stolzieren. (Und warum sollten sich der 80er-Jahre-Juicy-Fruit-TV-Jingle und das platonische Ideal eines Sheryl-Crow-Hits in der Mitte der Karriere nicht wiederholen?) Aber während das taktile „The Steps“ wie eine musikalische Mahlzeit schmeckt, behandelt es textlich ein eher existenzielles Thema: die schiere Unwahrscheinlichkeit, einen anderen Menschen jemals wirklich, wirklich zu kennen. Die Haim-Schwestern – Este, Danielle und Alana – ringen jeder Note wahre Emotionen ab und formulieren dieses Thema auf persönliche und nachvollziehbare Weise: Wir alle versuchen, etwas zu überwinden; die meisten von uns hatten schon einmal einen Partner, der uns nicht genug unterstützt hat; Flitterwochen enden irgendwann; ein Gefühl der Unabhängigkeit ist von größter Bedeutung. Haim hat natürlich noch Hoffnung: „Wenn ich nach rechts gehe und du nach links / Hey, ich weiß, dass wir uns wieder treffen werden.“ Doch der Zweifel ist nie weit weg, und jeden Tag hart daran zu arbeiten, ihn zu überwinden, ist vielleicht schon die halbe Beziehungsschlacht. – R.C.

10. Deftones – „Ohms“

Nach neun Alben verfeinern die Deftones weiterhin ihren unverkennbaren Art-Metal – Ohms ist die nuancierteste Mischung aus Licht und Schatten, die die Band seit Jahren geschaffen hat. Aber wie sie auf dem Titeltrack beweisen, sind sie auch bereit, Vollgas zu geben, wenn die Stimmung passt. Der Song ist vollgepackt mit Stephen Carpenters schweren, düsteren Riffs und Chino Morenos bedrohlichen, obskuren Texten. Diese Intensität ist angesichts der Beinahe-Apokalypse, die wir heutzutage zu erleben scheinen, angemessener denn je. Sie nennen 2020 vielleicht nicht direkt ein „haunted maze“, aber es wäre sicher eine treffende Beschreibung. – J.C. & R.R.

9. Tame Impala – „Borderline“

Nichts spaltet Fans so sehr wie zwei Studio-Versionen desselben verdammten Songs. Die Geschichte von „Borderline“, der Leadsingle von Tame Impalas euphorischem vierten Album „Slow Rush“, ist diese: Kevin Parker veröffentlichte den Song im April 2019, merkte, dass er mit dem Mix nicht zufrieden war und bastelte daran herum – er pumpte die Synthie-Bass-Linie auf, tauschte ein paar Texte aus und entfernte das von den Fans geliebte „ahhh“ in den ersten paar Sekunden des Tracks. Die neu überarbeitete Version erschien im Februar auf dem Album; das Original wurde aus dem Streaming entfernt, obwohl es immer noch auf YouTube zu finden ist. Egal, welche Version man bevorzugt, es ist immer noch ein Psych-Pop-Knaller – einer von Parkers besten Ohrwürmern. Welcher Fan könnte das berauschende Flötensample, den treibenden Hip-Hop-Beat und die allgemeine Verträumtheit der Produktion leugnen? Dennoch wird es Fans geben, die bei Tames nächster Tournee mit verschränkten Armen dastehen und ihren Freunden vorjammern: „Ich wünschte, er würde den richtigen Song spielen.“ – B.O.

8. Caribou – „New Jade“

„Dolla dealin‘ passer?“ „Dolphin dealer passive?“ Die gesampelte Gesangsschleife, die „New Jade“ eröffnet, ist im Grunde Kauderwelsch – Dan Snaith hat den Sound in eine seltsame neue Form gepresst und aus einem sekundenlangen Melodiefetzen einen weiteren hypnotischen, elektronischen Hook geformt. Nach ein paar Wiederholungen der Zeile klingt das Zungenreden wie eine vertraute Sprache. Neue Fragen tauchen auf: Ist das ein Synthesizer oder eine in der Tonhöhe verschobene Gitarre? Moment mal, ein Hackbrett? – R.R.

7. Waxahatchee – „Fire“

Katie Crutchfield erreicht mit dieser fensterlosen Hommage an die Kraft der Selbstliebe den Gipfel der Road-Hymne – der wärmste und weiseste Moment auf Saint Cloud, ihrer wärmsten und weisesten Waxahatchee-LP. Über einem unaufdringlichen E-Piano, einer zappeligen, handtellergedämpften Gitarre und schließlich einem schleichenden Schlagzeugbeat schüttet Crutchfield ihr Herz vor dem wichtigsten Partner von allen aus: sich selbst. „Wenn ich dich bedingungslos lieben könnte“, singt sie mit einem Hauch von Twang, „könnte ich die Kanten des dunkelsten Himmels ausbügeln.“ – R.R.

6. The Weeknd – „Blinding Lights“

Als The Weeknd die ersten beiden After Hours-Singles in derselben Woche veröffentlichte, spielte sich das Chart-Rennen zwischen den Tracks ab wie die Geschichte von der Schildkröte und dem Hasen. Das clubbige, von Metro Boomin produzierte „Heartless“ erreichte zuerst Platz 1, fiel aber schnell wieder ab, und in den nächsten Monaten entdeckte die Welt den überlegenen Charme der 80er-Jahre-Synthie-Pop-Hommage „Blinding Lights“. Michael Sembello schrieb „Maniac“ bekanntlich für einen Slasher-Film, bevor er für Flashdance umfunktioniert wurde, und das glänzende, leicht bedrohliche „Blinding Lights“ klingt ein wenig so, als hätten Abel Tesfaye und Max Martin „Maniac“ wieder in einen Song für einen Horrorfilm verwandelt. – A.S.

5. Cardi B (feat. Megan Thee Stallion) – „WAP“

Cardi B und Megan Thee Stallion sind alleine nicht zu stoppen, mit einer langen Reihe von Chart-Hits, die sofort zu Klassikern wurden. Da war es nur natürlich, dass sie mit vereinten Kräften einen der größten Songs des Jahres produzierten. Das Duo rettete den trostlosesten aller Sommer mit einem sehr zitierfähigen, anzüglichen Hit über weibliche sexuelle Lust, der einen TikTok-Tanzwahn und unzählige Memes inspirierte. Der Song bewegt sich auf dem schmalen Grat zwischen sinnlich und kitschig – niemand wird jemals wieder Makkaroni in einem Topf auf die gleiche Weise betrachten. – T.T.

4. The 1975 – „If You’re Too Shy (Let Me Know)“

Matt Healy verkörpert das rastlose Id der Jahrtausendwende, wer könnte also besser als der Frontmann von 1975 die Traurigkeit, die Heiterkeit, die Unbeholfenheit und – vielleicht – die Euphorie des erotischen Zoom-Anrufs dokumentieren? Nach einem Strudel geisterhafter Atmosphäre mit der Chorstimme von FKA twigs inmitten des Halls, gleitet die Band in die Art von revisionistischem 80er-Jahre-Glanz, den nur wenige andere überzeugend hinbekommen. Es gibt ein glänzendes, hochoktaviges Gitarren-Lick. Da ist ein Saxophonsolo, das eine Brücke zwischen Spandau Ballet’s „True“ und M83’s „Midnight City“ schlägt. Und dann ist da noch Healy, der seine FaceTime-Beziehung in einem Tagebuch detailliert schildert. „Ich wollte nur ein Happy End“, singt er. Jetzt brauchen wir alle ein Handtuch. – R.R.

3. Fiona Apple – „Heavy Balloon“

Jede Hymne von Fiona Apple ist wohlverdient. Die Singer-Songwriterin hat eine Fülle von Songs über den Kampf – mit sich selbst, mit Männern, mit der Industrie, mit der Welt. In „Heavy Balloon“ sieht Apple triumphierend zu, wie sie den Mist überwindet und den Sieg und das Vertrauen in sich selbst findet. „I spread like strawberries / I climb like peas and beans“ ist ein Mantra, das in den kommenden Jahren wahrscheinlich auf die Arme und Bäuche der Menschen tätowiert werden wird. Es erinnert uns daran, dass wir die Kontrolle über uns selbst, über unsere Selbstwahrnehmung und über unsere Fähigkeiten haben. – Danielle Chelosky

2. Run the Jewels – „Yankee and the Brave (Ep. 4)“

„We don’t mean no harm / But we truly mean all the disrespect“, erklären El-P und Killer Mike auf „Yankee and the Brave (Ep. 4)“. Das ist eine passende These für das rücksichtslose, den Mittelfinger schwingende vierte Album dieses blutsverwandten Duos. Anstelle eines subtilen Intros oder einer langsam brennenden Ouvertüre stürmen RTJ4 mit Wut und Entschlossenheit aus dem Tor, wenn diese Rap-Veteranen Zungenbrecher umeinander herum reimen, ihren Zorn auf rassistische Polizisten und milliardenschwere Scharlatane lenken und sich selbst als fiktives Fernsehduo der 70er Jahre namens Yankee and the Brave vorstellen. Wie vieles in RTJ4 ist es eine Hommage an die alte Schule, eine Rückbesinnung auf die Tage, als Rap-Duos sich von der Energie des anderen ernährten und über Cold Grits-Drumsamples reimten. Zukünftige Historiker werden bemerken, dass RTJ4 vor der Ermordung von George Floyd durch die Polizei aufgenommen und fast unmittelbar danach veröffentlicht wurde, um eine nationale Stimmung von rechtschaffener Wut, Trauer und Massenaufruhr zu nutzen. – Zach Schonfeld

1. Bartees Strange – „Boomer“

Diese schwindelerregende „Live Forever“-Single war eine weitere Werbetafel, auf der stand: Wenn du dir Bartees Strange nicht anhörst, machst du etwas falsch. Der Song, der mit einem ansteckenden Rap beginnt und in Emo und Country-Rock übergeht, erforscht Bartees‘ Ehrgeiz – als Künstler und im Leben im Allgemeinen. „Und genau dann, wenn ich all meine Hoffnungen habe, explodiert etwas / Herr, ich gewinne nie“, schreit er, aber es folgt eine hoffnungsvolle Aussage: Du kannst mich nicht verletzen“. Es ist wahr; der Song selbst beweist, dass Bartees nicht ignoriert werden kann. – D.C.

Hören Sie sich die folgenden Songs an.