Kinds of Blue Black

Die Farben, die sich der dunklen Seite nähern, und folglich insbesondere das Blau, können dem Schwarz angenähert werden; in der Tat erscheint ein sehr perfektes Preußischblau oder ein Indigo, das mit Vitriolsäure behandelt wurde, fast wie ein Schwarz.

-Johann Wolfgang von Goethe, Theorie der Farben (1810)

Als ich vor Ellsworth Kellys Blue Black (2000) stand, einer achtundzwanzig Fuß hohen Wandskulptur aus bemaltem Aluminium, die für den Hauptausstellungsraum der Pulitzer Arts Foundation in Auftrag gegeben wurde, hörte ich Louis Armstrongs von Kieseln übersäte Stimme singen: „What did I do to be so black and blue?“ Angesichts des Titels der Skulptur war es nicht so unerwartet, dass mir der Armstrong-Song in den Sinn kam, und doch musste ich mich fragen, was der Text eines melancholischen Musiktitels über die Ungleichheit der Rassen mit Kellys strengen und eleganten Gemälden, Skulpturen, Zeichnungen und Collagen zu tun hatte, die Teil einer künstlerischen Praxis sind, die darauf abzielt, „alle ‚Bedeutung‘ aus dem Gesehenen zu löschen“, damit „die wirkliche Bedeutung des Gesehenen verstanden und gefühlt werden kann.“ Wenn man ein Werk dieses Künstlers betrachtet, wird man sich in der Tat intensiv der Farbe, der Form und der Gestalt bewusst, und Blue Black ist mit seiner kräftigen Farbpalette und der sorgfältigen Platzierung in dem strengen und doch sinnlichen Gebäude des Architekten Tadao Ando ein perfektes Beispiel für Kellys künstlerische Meisterschaft.

Doch die Farben Blau und Schwarz sind, wie Armstrongs beharrliche Stimme in meinem Kopf andeutete, auf eine Art und Weise evokativ, die vielleicht außerhalb von Kellys Vision für sein Werk liegt. Zum Beispiel ist „blau-schwarz“ ein Begriff, der hauptsächlich von Afroamerikanern verwendet wird, um einen Hautton zu beschreiben, der bei dunkelhäutigen Menschen auf dem afrikanischen Kontinent zu finden ist. Blau und Schwarz kommen auch im Blues vor, einer Musikform, die tief in der afroamerikanischen Kultur verwurzelt ist, und die Farben tauchen in Steve Reichs minimalistischer Komposition „Come Out“ (1966) auf, die die Aussagen von Daniel Hamm aufnimmt, einem von sechs schwarzen Jugendlichen, die 1964 in Harlem zu Unrecht eines Mordes beschuldigt wurden. Nachdem er von der Polizei verprügelt worden war, so Hamm, musste er seine blauen Flecken aufschneiden, „damit etwas von dem Blut der blauen Flecken herauskam, um ihnen das Ausmaß seiner Verletzungen zu zeigen“. Damit soll nicht gesagt werden, dass alle Assoziationen mit Schwarz und Blau, die über Kellys Konzept für die Skulptur hinausgehen, rassistisch sind, sondern es soll damit begonnen werden, über die Art und Weise nachzudenken, in der Farbe oft die Grenzen der erklärten Absichten eines Künstlers überschreitet.

Als ich die Kelly-Skulptur bei meinem ersten Besuch im Pulitzer Museum betrachtete, wurde mir klar, dass mir eine Idee für eine interessante Ausstellung vor Augen stand – eine Ausstellung, die den Raum zwischen Kellys „Blue Black“ und Armstrongs „Black and Blue“ erforschen und sie als Buchstützen für eine Untersuchung nutzen würde, wie diese beiden Farben in einem breiten Spektrum künstlerischer Praktiken eingesetzt wurden. Die Ausstellung „Blue Black“, die ich in diesem Jahr in der Pulitzer Arts Foundation kuratiert habe, ist keineswegs ein umfassender Überblick über dieses Thema. Die ausgewählten Werke halten sich flexibel an das Thema, viele enthalten andere Farben als die titelgebenden Pigmente der Ausstellung und einige evozieren Blau oder Schwarz, ohne sie zu verwenden. Die Ausstellung ist als eine Meditation über die formale, politische und metaphysische Verwendung der Farben gedacht und als ein Versuch, die Gespräche aufzuzeigen, die die Künstler zwischen den Farben geführt haben. In meiner idealen Ausstellung würden sich die Kunstwerke physisch berühren – Blau und Schwarz hätten eine gemeinsame Identität, die zu metaphorischem Schulterklopfen und Faustschlägen führen würde.

Während Ellsworth Kelly und Louis Armstrong die Auslöser waren, gibt es viele Künstler, Schriftsteller und Ausstellungen, die das Werk vorweggenommen und geprägt haben. David Hammons‘ Concerto in Black and Blue (2002), eine Installation, die aus riesigen dunklen und leeren Galerieräumen bestand, die die Betrachter mit winzigen blauen LED-Taschenlampen erkundeten, war ein prägender Einfluss, ebenso wie Chris Ofilis kapellenartige Installation dämmernder schwarz-blauer figurativer Gemälde in „Chris Ofili: Night and Day“, seiner Retrospektive 2014 im New Museum in New York. Der Dichter und Theoretiker Fred Moten hielt 2014 im New Museum einen Vortrag über Ofilis Werk mit dem Titel „Bluets, Black + Blue, Lovely Blue“. Ralph Ellisons Roman „Invisible Man“ aus dem Jahr 1952 (dessen Prolog eine brillante Meditation über Armstrongs Aufnahme von „Black and Blue“ enthält) nimmt diese Ausstellung vorweg, ebenso wie Werke von James Baldwin, Toni Morrison und Amiri Baraka.

Die Werke sind grob um drei Kombinationen der Wörter „blau“ und „schwarz“ herum organisiert. Die erste Sektion der Ausstellung, „blue black“, bezieht sich auf die Skulptur von Ellsworth Kelly und verwendet die Farben als diskrete visuelle Elemente. Die zweite Sektion, „blueblack“, versammelt Werke, in denen die Farben in einer Weise verwendet werden, die die Grenze zwischen ihnen visuell verwischt. Der letzte Bereich ist „blue-black“, in dem Porträts verschiedener Art verwendet werden, um die Verbindung zwischen Blau und Schwarz als Farben einerseits und Schwarz als Identität andererseits zu untersuchen. Darüber hinaus soll das Layout der Ausstellung – das Chronologie, Genre und Medium als Ordnungsprinzipien zugunsten von unwahrscheinlichen Gesprächen, provisorischen Allianzen und poetischem Fluss meidet – beim Betrachter eine Untreue gegenüber der kuratorischen Struktur fördern.

So ging ich ins Mutterland; es war so schön. Einfach zu sehen, wie die Schwarzen für alles verantwortlich sind. Ich meine, vom Säufer bis zum Präsidenten. Es war schwarz. Blau-schwarz. Ursprüngliches Schwarz. Die Art von Schwarz, bei der man sagt: „Schwarz!“

-Richard Pryor, 1982

Blauschwarz ist die Art von Schwarz, bei der man sagt: „Schwarz!“ Vielleicht liegt das daran, dass blauschwarz seine Wurzeln bis zu einem mythischen Ursprungsort in Afrika zurückverfolgt, während „schwarz“ zusammen mit „Neger“ und „Afroamerikaner“ nur als eine weitere Station auf dem Weg zu einem noch unbekannten Ziel betrachtet werden kann. Viele Werke in dieser Sektion fügen einen unsichtbaren Bindestrich zwischen die Worte „blau“ und „schwarz“ ein, wobei ihre Darstellungen schwarzer Menschen tief in der Kombination der beiden Farben verwurzelt sind und eine subtile Verbindung zu imaginären afrikanischen Ursprüngen und amerikanischen Identitäten herstellen. Andere Arbeiten stellen Schwarzsein auf eher schräge Art und Weise dar, während wieder andere auf Literatur, Archivmaterial, fotografische Darstellungen und rituelle Praktiken zurückgreifen, um Schwarzsein darzustellen, ein Schwarzsein, das eng mit Blau verbunden ist.

In Kerry James Marshalls Untitled (policeman) (2015) sitzt ein schwarzer Polizist teilnahmslos auf der Motorhaube seines Streifenwagens. Schwarzsein als rassische Kategorie und Farbe konvergieren in Marshalls Verwendung von Knochen-, Elfenbein-, Mars-, Kohlenstoff- und anderen Schwarztönen, um der Darstellung schwarzer Körper Dimensionalität, Tiefe, Nuancen und Komplexität zu verleihen, während Blau in dem Gemälde für Teile der Uniform des Polizisten, den Streifenwagen und den Nachthimmel reserviert ist. Für Blue Black Boy (1997) tönte Carrie Mae Weems die Fotografie eines schwarzen Jungen in ein tiefes Blau und spielte mit der Verbindung zwischen Schwarzsein, Farbe und Sprache. Lynette Yiadom-Boakye ist mit zwei Werken vertreten, Greenhouse Fantasies (2014) und Messages from Elsewhere (2013). Beide verwenden naturalistische Hauttöne bei der Darstellung schwarzer Personen, doch Yiadom-Boakyes Leinwände sind keine Porträts, sondern Zusammenstellungen aus einer Vielzahl von Archivmaterialien. Ihre Titel suggerieren, dass Schwarzsein ein Produkt der Fantasie ist. Dasselbe könnte man von den Fotografien Lemogang (2013) und Kinee (2011) der Fotografin Viviane Sassen sagen, die jeweils ein afrikanisches Subjekt im Schatten vor einem strahlend blauen Himmel zeigen. Schwarz ist in ihrer Arbeit sehr schwarz, und obwohl die Personen in ihren Fotografien individuell benannt sind, bleiben die Arbeiten als Porträts kryptisch.

Es gibt in der Ausstellung eine Art der Figuration, die in der Sprache verwurzelt ist. Tim Rollins und K.O.S.’s Invisible Man (after Ralph Ellison) (2008) zum Beispiel legt die Buchstaben „I“ und „M“ über ein Raster von Seiten aus dem Roman. Die beiden Buchstaben können als Abkürzung für den Titel des Buches oder als die Worte „Ich bin“ gelesen werden, eine historisch und politisch aufgeladene Behauptung des Personseins, die die Suche des namenlosen Protagonisten in Ellisons Roman widerspiegelt. Untitled (I Am Not Tragically Colored) (1990), ein Gemälde von mir, in dem ein Text der Autorin Zora Neale Hurston wiederholt mit blauschwarzem Ölstift über die gesamte Länge einer türförmigen Tafel schabloniert ist, verwendet ebenfalls Sprache, um den Körper darzustellen. Die allmähliche Auflösung des Textes in diesem Werk erinnert an Jean-Michel Basquiats zwei Ölstift-auf-Leinwand-Arbeiten To Repel Ghosts (1986), bei denen eine Farbschicht scheinbar die im Titel ausgedrückte Operation durchführt, die auch der einzige Text ist, der sichtbar bleibt. Das Durchstreichen hebt die Figuration gleichzeitig auf und bekräftigt sie, die Geister, die ihn heimsuchen, werden durch das expressive Zeichen des Autors ausgelöscht.

Ich habe A Small Band (2015) nicht speziell für diese Ausstellung geschaffen, aber ich hätte es tun können. Das Werk besteht aus drei großformatigen Aluminiumwörtern – BLUES, BLOOD und BRUISE -, an denen weiße Neonröhren mit schwarzer Farbe angebracht sind, und verweist auf viele der zentralen Themen dieser Ausstellung: die Verbindung zwischen den Farben Blau und Schwarz, die unzähligen Möglichkeiten, wie Künstler sie in ihren Werken verwendet haben, die zentrale Bedeutung von Musik und Sprache in Bezug auf die beiden Farben und wie Identität durch sie ausgedrückt wird. A Small Band wurde für die Fassade des Zentralpavillons auf der sechsundfünfzigsten Biennale von Venedig 2013 in Auftrag gegeben. Biennale in Venedig in Auftrag gegeben. Es gab den Ton und die Stimmung für die gesamte Ausstellung vor, die von ihrem Kurator Okwui Enwezor als ein „Projekt, das einer neuen Bewertung der Beziehung von Kunst und Künstlern zum aktuellen Stand der Dinge gewidmet ist“, beschrieben wurde. A Small Band ist hier in der Pulitzer Arts Foundation neben Kellys Blue Black ausgestellt und soll signalisieren, dass es Teil eines Gesprächs über den „aktuellen Stand der Dinge“ ist, eines Gesprächs, das zwischen Ellsworth Kelly, Louis Armstrong und mir begann und das zwischen den fast siebzig versammelten Werken fortgesetzt wird. Tadao Ando sagte, er wolle, dass das Pulitzer ein Ort sei, „an dem Kunstwerke nicht nur als Exemplare ausgestellt werden, sondern als lebendige Dinge zu uns sprechen können“, und als Ausstellung will „Blue Black“ laut sein.

Aus dem Katalog-Essay von Glenn Ligon für „Blue Black“, das noch bis zum 7. Oktober in der Pulitzer Arts Foundation zu sehen ist.