Bradford Young, ASC : L’importance de l’inspiration

Le directeur de la photographie évoque les choix, les motivations et les influences qui l’ont conduit à faire carrière derrière la caméra.

De nombreuses personnes créatives sont confrontées à un carrefour dans la vie, où elles doivent soit embrasser et poursuivre leur passion, soit se conformer aux attentes – réelles ou imaginaires. En tant que jeune homme grandissant à Louisville, Ky, Bradford Young, ASC semblait avoir un chemin prédestiné – dicté par la géographie, la pression sociale et l’attente qu’il reprenne l’entreprise familiale. Mais d’autres forces sont intervenues.

Les admirateurs du travail de Young savent que le directeur de la photographie primé s’est imposé comme une nouvelle voix avec des longs métrages indépendants tels que Pariah (AC avril ’11), Middle of Nowhere (AC nov. ’12), Mother of George (AC avril ’13), Ain’t Them Bodies Saints (AC sept. 13), Pawn Sacrifice, Selma et A Most Violent Year (AC fév. 15, les deux derniers), ainsi que les longs métrages à gros budget Arrival (AC déc. 16) – pour lequel il a été nommé aux ASC, BAFTA et Oscars – et Solo : A Star Wars Story (AC juillet 18), et la mini-série When They See Us (pour laquelle il a été nommé aux Emmy Awards). Mais peu de gens se rendent compte que le chemin du succès de Young était loin d’être une route directe.

En tant qu’étudiant à l’université Howard, Young a étudié sous la direction du cinéaste et professeur éthiopien Haile Gerima – lui-même diplômé en 1976 de l’UCLA School of Theater, Film and Television – qui a dépassé le rôle de professeur pour Young, et est devenu un mentor. Gerima était l’un de ceux qui allaient modifier la perception de Young de ce qui était possible pour lui-même en tant que personne artistique cherchant à raconter des histoires à travers des images.

Lors d’une interview de grande envergure réalisée dans le cadre d’une prochaine initiative d’éducation en ligne de l’ASC, Young a longuement parlé de la façon dont sa vie a été changée par des individus qui l’ont inspiré, et comment ces expériences l’ont aidé tout au long de son voyage – un voyage qu’il continue à parcourir et à cartographier.

« J’avais besoin que quelqu’un me dise : « Tu vas être un artiste, tu vas faire des films » »

American Cinematographer : Lorsque vous rencontrez de jeunes directeurs de la photographie en herbe, qu’est-ce qu’ils veulent le plus savoir sur vous ?

Bradford Young, ASC : C’est une bonne question, et une question à laquelle il est difficile de répondre sans paraître trop présomptueux. Quand j’étais un gamin de 18 ou 19 ans qui pensait à la cinématographie en tant que forme d’art et qui rêvait d’essayer de travailler comme je le fais maintenant – et qui pensait même à rencontrer quelqu’un comme Malik Sayeed ou Ernest Dickerson – la chose qui manquait vraiment dans ma vie était ce sentiment d’authenticité. Je cherchais à interagir avec des gens qui avaient des expériences authentiques, et qui utilisaient le film, le cinéma ou l’art pour cartographier leur expérience de vie. Si je devais transférer mon esprit de 18, 19 ou 20 ans dans l’esprit des jeunes pour qui la communication et la compréhension sont tellement plus présentes qu’à leur âge, je dirais que ce besoin d’authenticité n’a pas disparu. Quelle que soit l’époque à laquelle nous vivons, les gens cherchent à établir une connexion, à avoir une conversation, même s’ils sont à des milliers de kilomètres. Dans cet environnement où les images nous assaillent toute la journée, les jeunes veulent toujours de l’authenticité.

Et nous devons parler de démystification. Nous sommes des artistes travaillant dans une forme d’art qui – dans certaines régions – est encore enveloppée d’une manière très mystifiée, et vue à travers une lentille orientée vers la célébrité. Les jeunes doivent savoir que derrière ce linceul, derrière ce rideau, il y a de vraies personnes – des personnes qui ont leurs propres luttes et questions sur leur propre identité, leur culture, l’environnement dans lequel elles vivent. Et ce sont des gens qui se réveillent chaque matin excités à l’idée de participer à cette forme d’art parce qu’elle leur donne l’occasion d’être leur vrai moi, authentique.

J’essaie juste de montrer aux jeunes que je suis un homie – je suis leur cousin, leur oncle, leur père. Je ne suis pas différent, et j’ai les mêmes préoccupations concernant ma propre famille, mes propres enfants, mon partenariat avec ma charmante épouse – toutes les mêmes préoccupations que tout le monde.

Chaque fois que j’ai la chance de faire tourner une caméra, ou que quelqu’un le fasse pour moi, je ne le prends pas pour acquis. Tout commence avec une seule image, puis 24 images par seconde, et je comprends les implications de cela. J’espère que les jeunes que je croise – et mes aînés – comprennent que je prends chaque instant au sérieux lorsque nous construisons ces idées et ces images.

De nombreux aspirants directeurs de la photographie qui ont pu rencontrer des professionnels établis dans le domaine – et avoir une conversation franche – reviennent avec une impression similaire : « Je n’arrive pas à croire qu’ils ont les mêmes problèmes que moi ». Êtes-vous toujours confronté aux mêmes problèmes qu’au début ?

Young : Je pense que cela revient à ce que je disais sur l’authenticité – la vulnérabilité. la chose à laquelle nous devons accéder pour ouvrir nos sens créatifs au cinéma, parce que nous cartographions le comportement humain en temps réel, quelle que soit la conjoncture qui se présente en termes d’histoire. La vulnérabilité est l’une de nos « armes ». Et parce que j’essaie toujours d’être – même à travers mes propres filtres – une personne vulnérable, ce processus d’apprentissage et de faire des erreurs et d’échouer est finalement plus important que ce que nous considérons comme des succès ou la façon dont nous réussissons.

J’ai lutté en tant que jeune personne en pensant à la création d’images comme la  » hache  » que j’utilise pour exprimer mes idées personnelles – mon dilemme personnel – la vulnérabilité est cette ancre sur laquelle je peux me tenir pendant que je déballe le moment que je traite est authentique. Il est donc important pour nous qui travaillons en tant que professionnels de l’image que ce métier, cette forme d’art, soit un véhicule de guérison. Pour nous aider à gérer nos traumatismes. Et il est important que les jeunes sachent que nous sommes tous – en général, dans le monde occidental – confrontés aux mêmes types de traumatismes. Le processus d’exorcisation est un chemin personnalisé, mais un chemin sur lequel nous sommes tous ensemble. La vulnérabilité peut nous aider à nous ouvrir et à accéder à des compétences, à des techniques et à des idées qui nous sont souvent fermées parce que nous sommes tellement protégés de nos traumatismes et de notre douleur. J’espère toujours que les jeunes pourront retirer cela de ce travail.

C’est intéressant parce que notre contribution en tant que directeurs de la photographie est si visible et pourtant si invisible, vous savez ? Je pense parfois qu’à part les acteurs, nous sommes les personnes les plus vulnérables sur le plateau. Et il est important que les gens sachent que notre processus consiste en partie à être vulnérables. Chaque directeur de la photographie pourrait utiliser un mot différent pour décrire la façon dont il ouvre cet esprit ou ce cosmos interne pour faire naître des images, mais « vulnérable » est celui que j’utilise.

« Premièrement, si vous étiez une jeune personne noire qui grandissait à Louisville et que vous n’aviez pas vu
School Daze, alors vous aviez une
expérience noire authentique. »

Quelles sont les premières expériences qui vous ont permis de découvrir que le cinéma est une  » chose « , et même quelque chose que l’on peut faire ? Beaucoup de gens qui aiment les films ne font jamais cette prise de conscience.Vous avez déjà dit que voir School Daze de Spike Lee a été un grand moment.

Young : C’est une question que je me pose depuis un certain temps, et son itération actuelle comporte de nombreuses couches. Mon expérience cinématographique en tant que jeune Noir américain – et je me concentre sur le mot Noir avec un grand B – a influencé mon engagement et ma compréhension du cinéma. J’y réponds maintenant dans ma pratique actuelle. Sans que je le sache, les films que j’ai vus avant School Daze faisaient en fait des choses que je ne savais pas qu’ils faisaient. Je ne me voyais pas dans ces films, je ne voyais pas ma famille, ma communauté ou des choses qui m’intéressaient. En tant qu’enfant américain, ces films m’ont permis de m’évader et m’ont procuré de la joie, m’ont fait rire et pleurer, et tout cela me semblait normal. C’était une expérience commune, on partageait une boîte de pop-corn et on passait un bon moment. Mais School Dazecha a changé tout cela, à plusieurs niveaux. D’abord, si vous étiez un jeune Noir qui grandissait à Louisville et que vous n’aviez pas vu School Daze, vous aviez une expérience noire authentique. Vous aviez besoin d’aller au théâtre parce que ce jeune cinéaste noir nommé Spike Lee avait fait ça pour vous.

C’était la première fois que je faisais l’expérience du cinéma en tant que mouvement. Je n’en étais pas conscient à l’époque, mais j’étais conscient que tout le monde parlait de ce film. J’y suis allée avec ma mère, et mes sœurs qui étaient un peu plus âgées que moi, et j’ai vu mes amis dans la salle. C’était la première fois que j’allais au cinéma et que je voyais des familles noires réunies au même endroit pour regarder un film spécialement conçu pour un public noir. J’étais allé au cinéma 100 fois et je n’avais jamais vu ça. Ni pour Les Goonies, ni pour Le Retour du Jedi, rien de tout ça. Mais pour School Daze, tout le monde était là, et je me souviens que cela résonnait en moi parce que j’avais l’impression de partager quelque chose avec eux. Et puis le film est arrivé.

Maintenant, mes grands-parents étaient relativement aisés, et ils nous soulignaient que la culture était importante. J’ai donc rencontré des artistes chez eux, je suis allée à des vernissages de galeries d’art, je suis allée à l’opéra et j’ai vu Porgy and Bess. Cela faisait partie de notre éducation, et cela semblait naturel. Donc, en tant que jeune, j’avais une certaine compréhension de l’art. Mais ce film avait un tempérament et une patine que je n’avais jamais vus auparavant. Tout d’abord, les tons de la peau. Je me souviens avoir pensé qu’on pouvait presque les manger ; on pouvait les attraper sur l’écran.

Je ne supportais pas les comédies musicales en grandissant, mais le mélange de drame et de comédie musicale de ce film était agréable, ce qui était nouveau pour moi – peut-être parce qu’il était entouré de tant d’autres choses nouvelles. Il s’agissait d’un collège historiquement afro-américain. La plupart des membres de ma famille ont fréquenté des collèges et des universités afro-américains, et cette expérience m’était donc familière. Ce film avait toutes ces choses qui agissaient sur moi – comme tant d’autres films que j’avais vus auparavant – mais celui-ci était fabriqué pour moi, en tant que jeune personne dans une salle de cinéma. Cela a soulevé beaucoup de questions et laissé une trace profonde en moi. La seule chose que je ne pouvais pas communiquer alors et que je peux maintenant, c’est que ce film a été fabriqué pour nous.

C’est quelque chose dont nous avons du mal à parler dans le monde occidental – les films faits pour un public spécifique. C’est contraire au commerce. C’est contre l’idée que nous avons exorcisé ces choses de notre culture, alors que ce n’est pas le cas. Et cela entre dans la conversation sur la représentation. Pourquoi il est important pour les femmes de faire des films sur et pour les femmes. Pourquoi il est important pour les cinéastes italiens de faire des films sur cette expérience. Pourquoi il est important pour les cinéastes chinois de faire des films chinois. Ce sont des questions auxquelles tous les cinéastes sont confrontés, et j’en ai eu un exemple lorsque j’ai vu School Daze pour la première fois. Il était clair que Spike Lee avait fait ce film pour moi, mais qu’il parlait aussi à toutes les autres personnes présentes dans la salle, et cela m’a montré le pouvoir du cinéma. Si vous regardez le paysage actuel des personnes de couleur qui font des films, je suis sûr que School Daze a eu une influence sur leur poursuite pour devenir un cinéaste ou un conteur.

Que fait le jeune Bradford Young de cette épiphanie ?

Young : D’abord, je l’ai fui, parce que je suis le petit-fils d’un entrepreneur de pompes funèbres, et mon grand-père était une présence très puissante dans ma vie. Je n’ai jamais pensé que je pourrais être un artiste. Alors, quel que soit le sentiment que j’éprouvais, je l’ai rangé dans un sac, à sa « juste » place, sur le côté, parce que… comme beaucoup d’entre nous, j’ai ressenti le lourd poids de remplir une responsabilité familiale. On attendait de moi que je reprenne l’entreprise familiale. J’ai ressenti ce fardeau, même s’il n’était absolument pas dit et explicite. Mon arrière-grand-père et mon grand-père avaient construit une entreprise familiale florissante, et nous devions la maintenir. Donc ce sentiment que j’ai eu au cinéma ? Je l’ai enfoui. Je craignais que si j’exprimais mon désir d’être un artiste – dans une famille très pragmatique – l’idée serait tout simplement rejetée. En tant que personne plus âgée, élevant maintenant mes propres enfants, je sais que ma grand-mère était une fervente partisane des arts et qu’elle enseignait à mon grand-père ce que l’art pouvait être, mais à l’époque, cela n’avait aucune importance. Je n’avais pas les mots pour leur dire que je voulais être une artiste – n’importe quel type d’artiste – et je ne m’intéressais pas du tout à ce qui était important pour eux. Mais après School Daze, je savais que je voulais être un cinéaste.

Alors, quand est-il devenu possible de faire ce changement pour vous-même ?

Jeune : Quand j’avais 18 ans, je ne savais littéralement même pas que des Noirs faisaient des films. C’est fou. Mais je n’avais aucun exemple, je n’avais aucune référence. Et cela me rend un peu émotionnel… parce que je suis heureux que les personnes de cet âge puissent aujourd’hui voir quelques exemples, mais je n’avais personne d’autre que Spike Lee, et plus tard John Singleton, qui racontaient d’excellentes histoires de manière visuelle et artistique. Je n’ai jamais négligé l’importance d’une bonne cinématographie qui pouvait exprimer la profondeur visuelle de l’expérience noire en Amérique. Et je peux réfléchir au sens des responsabilités qu’il fallait avoir pour faire cela.

J’utilise Spike Lee et John Singleton comme exemples parce qu’ils étaient les deux seuls cinéastes noirs que je connaissais à l’époque. Ce n’est que lorsque je suis arrivé à l’université Howard que j’ai découvert qu’il y avait des gens – comme mon professeur Haile Gerima – qui en savaient plus que moi. J’ai alors compris qu’il y avait eu une longue tradition de cinéastes noirs en Amérique, et que ce savoir devait être transmis aux jeunes, en particulier aux jeunes de couleur.

A l’université, j’ai vu les films d’Oscar Micheaux, de Bill Greaves, de Kathleen Collins, de Charles Burnett, de Julie Dash et de Haile Gerima. Cela a changé le monde pour moi – pas seulement qu’ils faisaient des films, mais qu’ils faisaient des films qui leur étaient propres.

Mais je tiens aussi à préciser que mon existence de cinéaste a été totalement permise par mes deux sœurs. Même lorsque ce n’était que quelque chose dans mon imagination, elles m’ont permis d’y aller. Mais cela signifiait aussi – pour mon cerveau particulier de 18 ans, ce cerveau de lézard – que je devais laisser ma famille de côté pendant un certain temps. J’ai dû déménager et aller à l’université – avec les encouragements de mes sœurs – pour trouver une nouvelle famille. Les gens que j’ai trouvés n’étaient pas ma famille de sang, mais ma famille artistique, et je les ai trouvés à Howard. Ils sont trop nombreux pour être cités, mais la personne qui nous a attirés était M. Haile Gerima.

Ce que je devais faire, c’était compléter la voix forte, très axée sur la race, présente et pragmatique de mon grand-père, M. Woodford Porter, par une autre voix forte similaire – celle de M. Haile Gerima. J’avais besoin de cette sagesse nourricière dans la réalisation de films, que je ne pouvais pas obtenir de ma famille, de quelqu’un qui validerait ce que je voulais revendiquer. Je voulais être un artiste, et j’avais besoin de quelqu’un pour me guider avec ce pragmatisme de grand-père – mais avec un esprit libre. J’avais besoin de quelqu’un qui me dise : « Tu vas être un artiste, tu vas faire des films ». Une fois que je l’ai rencontré, j’ai pu revendiquer ce sac et poursuivre cette forme d’art d’une manière sensible et responsable envers ma communauté – spécifiquement, la communauté noire. La communauté de la diaspora africaine. C’était la clé.

L’ASC a hâte de présenter cette interview dans son intégralité dans le cadre de notre prochaine initiative d’éducation Online Master Class, qui est actuellement en cours de production.