Cubisme analytique vs Cubisme synthétique – Quelle est la différence ?

Cubisme analytique vs Cubisme synthétique pour de nombreux spectateurs d’art occasionnels, les deux termes peuvent être source de confusion.

Le cubisme est un mouvement artistique qui a laissé une impression durable sur le monde de l’expression dans son ensemble en attirant l’attention sur différentes perspectives.

Le style du cubisme a commencé alors que de nombreux artistes du début du 20e siècle s’éloignaient des méthodes plus traditionnelles de présentation d’un sujet particulier et développaient des styles qui amélioraient la façon dont un objet ou un autre sujet était présenté.

Le cubisme a été initialement boudé par de nombreux critiques d’art influents et des enthousiastes car il allait à l’encontre des idéaux de longue date et des méthodes traditionnelles de représentation d’un sujet donné.

Des artistes comme Pablo Picasso et George Braque ont été des pionniers du mouvement cubiste et ont servi comme certains des artistes les plus importants de cette période car ils ont été en mesure d’apporter le nouveau style de peinture sur la scène de l’art du 20ème siècle.

Cubisme analytique vs Cubisme synthétique

Les différences entre le Cubisme analytique et le Cubisme synthétique sont que le Cubisme synthétique visait à aplatir un objet en une image 2D souvent sous forme de collage alors que le Cubisme analytique décomposait un objet à partir de plusieurs points de vue et les reconfigurait afin que chaque aspect de l’image puisse être visible sur un plan 2D.

Qu’est-ce que le cubisme ?

Le principe du cubisme peut être décrit comme les efforts de l’artiste pour déconstruire la représentation habituelle d’un sujet ou d’une scène et créer un collage de représentations visuelles qui donnent au spectateur plusieurs perspectives différentes du sujet. Il est souvent décrit comme déconstruisant le sujet seulement pour le réassembler de manière à mettre en évidence divers points de vue dans lesquels le spectateur n’aurait peut-être pas considéré par lui-même.

Contrairement à d’autres formes de peinture qui avaient existé pendant des siècles et même des milliers d’années auparavant, le cubisme tournait autour de méthodes nouvelles et inédites de représentation de sujets d’une manière qui n’avait jamais été faite.

De nombreux artistes cubistes ont cherché à apporter de nouvelles façons de penser à l’art et à la représentation de certains éléments. Certains critiques d’art de l’époque où le cubisme commençait à émerger des formes d’expression plus courantes avaient du mal à saisir le concept global du mouvement cubiste. Pablo Picasso aurait déclaré ce qui suit.

« Le fait que – pendant longtemps – le cubisme n’ait pas été compris et que, même aujourd’hui, il y ait des gens qui ne peuvent rien y voir ne signifie rien. Je ne lis pas l’anglais, un livre anglais est un livre vierge pour moi. Cela ne signifie pas que la langue anglaise n’existe pas. Pourquoi devrais-je blâmer quelqu’un d’autre que moi-même si je ne peux pas comprendre ce dont je ne sais rien ? »

Origines du cubisme

Un des premiers artistes à avoir tâté de l’utilisation de méthodes et de concepts qui seront plus tard considérés comme des piliers de l’idéologie cubiste est Paul Cezanne (1839-1906). À la fin du 19e siècle, Cezanne a commencé à peindre certains sujets et scènes d’une manière qui dépeint plusieurs perspectives concernant la même image centrale.

Cette méthode n’était pas très bien comprise à cette époque et de nombreux critiques d’art considéraient les représentations déformées de Cezanne comme des erreurs de la part de l’artiste lui-même alors qu’il essayait de peindre des scènes qui pourraient autrement être considérées comme des œuvres réalistes communes.

Plus tard dans sa vie, Cezanne a abandonné la manière conventionnelle de représenter le monde qui l’entourait et a embrassé une nouvelle manière curieuse de peindre qui impliquait d’atteindre profondément l’esprit de l’artiste pour faire ressortir différentes perspectives qui, selon lui, n’étaient pas appréciées par le spectateur comme elles le devraient.

Cezanne a commencé à peindre d’une nouvelle manière qui n’incluait pas de profondeur en dehors du sujet central qui était souvent un panier de fruits, des instruments de musique, ou d’autres objets simples qu’il travaillait pour apporter une nouvelle vie au sujet.

Qu’est-ce que le cubisme analytique ?

Le cubisme analytique est principalement une méthode d’art qui met en évidence la capacité d’un artiste à déconstruire un sujet particulier et à rassembler de nombreux points de vue et perspectives différents d’une manière qui présente le sujet au spectateur une fois de plus. Cela oblige le spectateur à considérer ces nouveaux points de vue et à les « analyser » tous en même temps d’une manière qui inspire une plus grande appréciation de ces objets.

Alors que le style du cubisme a commencé à croître et à évoluer, il y avait quelques artistes qui maintenaient une méthode similaire de représentation des objets tandis que d’autres avaient des méthodes de peinture très différentes qui étaient toujours considérées comme faisant partie de la manière cubiste d’exprimer leurs propres interprétations d’un sujet donné.

De nombreux historiens de l’art, critiques et passionnés ont la conviction que le cubisme analytique implique les efforts de l’artiste pour dépeindre un sujet donné en utilisant des formes géométriques pour représenter un certain élément dans leurs œuvres.

Le mouvement du cubisme analytique a commencé à s’emparer du monde de l’art en 1907 et on considère qu’il a atteint son apogée quelques années plus tard, et a duré jusqu’à environ 1912 avant que le style ne cède la place à d’autres mouvements.

Qu’est-ce que le cubisme synthétique ?

Le cubisme synthétique met davantage l’accent sur la coloration d’une image particulière et la reconstruction d’un sujet de manière à améliorer les images d’une manière collective qui est souvent bidimensionnelle. Alors que la plupart des autres peintures cubistes dépeignent des sujets réels ou naturels, le cubisme synthétique se concentre davantage sur l’imitation du sujet ou de l’élément mis en évidence au moyen de couleurs plus vives et de teintes contrastées.

Le cubisme synthétique aurait surgi du mouvement du cubisme analytique autour de l’année 1912, alors que de plus en plus d’artistes ont commencé à prendre leurs propres idées et perspectives d’inspiration de ce mouvement particulier et à explorer le concept d’imitation d’un sujet en utilisant des méthodes non conventionnelles.

Comparaison du cubisme analytique et du cubisme synthétique

Il est bien connu tout au long de l’étude de l’art et de son histoire que le cubisme synthétique est un mouvement qui a surgi du cubisme analytique. Ce nouveau mouvement s’est produit vers 1912 et a été impulsé par deux des peintres cubistes les plus célèbres, Pablo Picasso et George Braque.

De nombreux artistes allaient suivre les traces de ces deux artistes alors que d’autres cherchaient à explorer le concept de représentation d’un sujet ou d’un élément d’une manière qui prend en compte non seulement les différents angles et perspectives, mais les variations de couleurs qui ont fait émerger de nouvelles façons de voir certaines choses sous un nouvel angle.

Tous les deux artistes, Picasso et Braque, ont peint des centaines d’œuvres cubistes entre eux et par leur utilisation de formes géométriques, d’angles aigus et de plans assombris, les artistes chercheraient à continuer à repousser les limites communément acceptées de la perspective à l’époque.

Picasso et Braque ont porté leurs œuvres à un nouveau niveau en abandonnant les anciennes méthodes de coups de pinceau cubistes et l’idée d’objet tridimensionnel en faveur de l’adoption de la toile bidimensionnelle et de sa capacité à dépeindre une manière plus simpliste de caractéristiques qui comprenaient des teintes plus vives, des formes simples et moins de profondeur de fond qu’auparavant.

Le voyage cubiste de Pablo Picasso

Picasso est considéré comme le père du cubisme par de nombreux historiens et critiques d’art, car il était l’un des artistes les plus notables de l’époque qui a contesté les formes d’expression et de perspective communément acceptées.

Sa série intitulée « Guitare » est largement considérée comme l’exemple le plus marquant d’un artiste unique passant du cubisme analytique au cubisme synthétique tout au long d’une année environ.

L’une des différences les plus notables dans le travail de Picasso était l’abandon par l’artiste de la profondeur dans ses peintures. Alors qu’il commençait à peindre dans un style qui ne tenait pas compte de la vue des objets tridimensionnels, il peignait de plus en plus d’éléments qui adhéraient à une approche plus simple et plus plate qui était distinctement bidimensionnelle.

Transition du cubisme analytique au cubisme synthétique

L’une des premières et des plus notables différences que de nombreux spectateurs reconnaissent entre les deux styles d’art est le manque de couleurs vibrantes et brillantes dans le cubisme analytique. Comme de nombreux artistes au cours du mouvement ont cherché à approfondir les sujets et les nouvelles perspectives par l’utilisation de diverses formes et de plans inclinés, il y avait un manque important de chaleur dans la coloration de ces œuvres.

Plusieurs des premières œuvres de Picasso et Braque dans le style du cubisme analytique étaient clairement consacrées au changement de perspectives et à l’exploration des nombreuses présentations différentes concernant un seul objet. Cependant, les artistes feraient plus tard la transition vers un style qui est considéré comme le cubisme synthétique et reviendraient à la peinture de couleurs vives et audacieuses qui fournissaient une nouvelle définition aux objets sur une toile autrement fade.

La palette de couleurs des œuvres cubistes synthétiques de Picasso sont nettement plus vives que ses œuvres précédentes, mais les sujets sont présentés d’une manière plus simplifiée et bidimensionnelle qui est parfois considérée comme dépourvue de la profondeur dans la perspective que l’artiste a choisi de travailler avec ses peintures de quelques années auparavant.

Les couleurs audacieuses seraient une caractéristique du mouvement du cubisme synthétique, car des artistes comme Picasso travailleraient dans des traits contrastés et complémentaires de teintes bleues, vertes, rouges et jaunes. De nombreux historiens de l’art peuvent généralement repérer une peinture de Picasso du mouvement du cubisme synthétique simplement en reconnaissant l’incorporation par l’artiste de couleurs jaunes vives et frappantes qui dominent la toile.

Braque et Picasso continueraient tous deux à travailler d’une manière qui utilisait un style de peinture par collage et collaient parfois de véritables partitions de musique dans leur toile lorsqu’ils travaillaient sur une peinture centrée sur les instruments de musique.

Peintres notables

Juan Gris était un autre artiste qui a travaillé dans le mouvement cubiste et a produit certaines des œuvres les plus emblématiques du style longtemps après que Picasso et Braque aient commencé le mouvement au début du 20e siècle.

Les œuvres de Gris étaient centrées sur les horreurs de la première guerre mondiale, l’artiste étant pris au milieu du conflit dans son Espagne natale. Ses peintures sont largement considérées comme certaines des meilleures œuvres du cubisme synthétique jamais produites.

Il a peint des scènes d’individus impliqués dans les affrontements violents de la Première Guerre mondiale dans des toiles géantes qui comprenaient des représentations de soldats et de civils, en se concentrant sur les effets de la guerre sur tout et tout le monde.

Il a également peint l’un des plus célèbres portraits cubistes de Picasso intitulé « Portrait de Picasso » qui a tellement impressionné Picasso qu’il a été quelque peu intimidé par le talent de Gris.

Ses œuvres étaient notamment bidimensionnelles et employaient un nombre important de couleurs vives qui comprenaient le blanc et le noir qui était destiné à représenter la fine ligne entre la vie et la mort dans laquelle toutes les personnes impliquées dans le conflit étaient continuellement en contact.

Conclusion

Plus de cent ans après la naissance du cubisme analytique et synthétique, les deux styles de peinture restent populaires auprès des artistes modernes, de la même manière que les premiers artistes cubistes ont produit leurs propres œuvres.

Les peintres modernes du cubisme analytique continuent à travailler avec des sujets qui sont placés au centre de la toile et peints d’une manière qui dépeint une grande variation de perspectives en utilisant différentes formes géométriques et une moindre incorporation de la couleur.

Les œuvres du cubisme analytique de la dernière partie du 20e siècle sont similaires aux œuvres plus anciennes des membres fondateurs du mouvement, car les artistes continuent d’utiliser les ombres et les formes à angles vifs pour souligner les différentes apparences d’un seul objet.

Les artistes continuent également de travailler dans le style du cubisme synthétique, qui a été très influent dans un certain nombre d’époques différentes tout au long du 20e siècle. L’utilisation de couleurs vives et lumineuses et de sujets simplifiés sur une toile est explorée encore davantage grâce aux progrès de la technologie et de l’animation par ordinateur.

Il est probable que ces deux types de cubisme continueront à être des genres d’art influents qui inspirent davantage d’artistes à approfondir les nombreuses façons dont notre monde peut être dépeint.