Les 25 meilleurs films d’animation du 21e siècle jusqu’à présent

Surprenant, parmi tous les très nombreux noms dont nous avons été affublés lors de notre classement des 50 meilleurs films de la décennie jusqu’à présent, « crypto-fascistes anti-animation, hégémoniques en live-action » n’en faisait pas partie, malgré le fait que nous n’ayons présenté aucun film d’animation sur cette liste. Nous avons été un peu déçus, pour être honnêtes, car nous avions une réponse rapide à proposer : nous étions déjà en train de planifier un film entièrement consacré à l’animation, et nous nous sommes donc sentis justifiés de séparer les films d’action de leurs frères dessinés à la main, générés par ordinateur, en stop motion et en claymation. Voici donc cette liste : le cadre temporel est étendu cette fois-ci pour inclure tout film d’animation dans n’importe quel style (sauf le rotoscoping, que nous avons exclu parce qu’il dépend d’abord du tournage en prises de vues réelles) de 2000 à aujourd’hui.

Les quinze dernières années ont vu l’industrie de l’animation subir d’énormes bouleversements, de l’union titanesque du géant de la vieille école Disney avec le bien-aimé game-changer Pixar, à l’ascension à la gloire internationale et aux Oscars de l’extraordinaire Studio Ghibli (et à sa dissolution imminente), en passant par le bond massif en qualité fait par des gens comme DreamWorks et d’autres arrivistes. Tous ces facteurs se combinent pour créer un paysage cinématographique grand public et d’art et d’essai plus favorable que jamais à une grande diversité de styles et de sujets d’animation. L’ampleur du choix dont nous disposons et la nature extrêmement subjective de la bête (le joli d’un spectateur est le twee d’un autre) signifient que nous sommes pleinement convaincus que ce classement inspirera également sa part de rage et d’accusations de partialité. Mais comme beaucoup de films de la liste ci-dessous nous l’ont appris, nous allons être courageux, suivre nos rêves et trouver des réserves intérieures de force et de bonté pour faire face à tout ce que la vie et les commentateurs nous lancent, alors que nous vous emmenons dans ce voyage à travers nos 25 films d’animation préférés du 21e siècle. Et si vous voulez d’autres des meilleurs films depuis 2000, vous pouvez consulter notre dossier sur les meilleurs films d’horreur du 21e siècle ici.

25. « Lilo &Stitch » (2002)
La fin des années 90 et le début des années 00 ont été une période sombre pour l’animation Disney : cette ère pré-« Frozen » n’a presque rien rapporté au box-office, en grande partie parce que des films comme « Frère Ours » et « Home On The Range » étaient extrêmement pauvres. Mais la principale lueur d’espoir (avec « The Emperor’s New Groove », qui est admirablement Chuck Jones-esque) était « Lilo &Stitch ». C’est un riff sur « E.T. » en surface – une jeune fille excentrique se lie d’amitié avec un fugitif intergalactique – mais les réalisateurs Chris Sanders et Dean DeBlois (qui feront ensuite « How To Train Your Dragon ») le font chanter grâce à sa spécificité : la malice délirante de l’adorable psychotique Stitch, le décor hawaïen magnifiquement réalisé, et le pathos surprenant de Lilo et de sa grande sœur, qui font l’objet d’une enquête des services sociaux. Il n’est peut-être pas à la hauteur de l’âge d’or tardif de Disney au début des années 90, mais c’est un film merveilleusement bizarre et énormément satisfaisant.

24. « Winnie l’ourson » (2011)
Chaque génération a le sentiment que les enfants d’aujourd’hui passent à côté d’une partie vitale de l’enfance en raison des avancées technologiques de la vie moderne (jusqu’au premier papa néolithique qui secouait tristement la tête en voyant son fils utiliser ces nouveaux outils de bronze). Mais le « Winnie the Pooh » de Disney animé à la main par les réalisateurs Don Hall et Stephen J Anderson évoque des temps plus simples avec charme et esprit et suggère même -gasp!- les plaisirs de la lecture, les personnages interagissant avec le texte sur la page d’une manière toujours inventive. Il est vrai que ce film s’adresse à de très jeunes enfants, et certains adultes qui ont grandi avec les précédents films de Disney sur l’ourson ont apparemment été déçus que ce film ne soit pas aussi disneyfié. Mais il s’agit d’un hommage court, calme et gentiment loufoque à l’un des personnages d’enfants les plus doux et les plus aimés de tous les temps, qui respecte le matériau source original de Pooh – les merveilleux livres d’AA Milne.

23. « Rango » (2011)
Même lorsque les films originaux de « Pirates des Caraïbes » ne marchaient pas, ils étaient toujours admirablement bizarres. Il n’est donc pas surprenant, rétrospectivement, que lorsque le réalisateur Gore Verbinski et la star Johnny Depp se sont retrouvés pour un film d’animation, ils ont produit l’un des films d’animation les plus étranges jamais réalisés par un studio. Mélange de « Chinatown » et d’un certain nombre de westerns classiques, mais avec des animaux et une ambiance légèrement dérangée, le caméléon de Depp, qui ressemble à Hunter Thompson, est pris pour un héros par une ville souffrant de la sécheresse. Répété avec les acteurs en costume (une rareté absolue dans le monde de l’animation) avant d’être amené à une vie étonnante par Industrial Light & Magic, le seul long métrage d’animation de la société VFX à ce jour, c’est un rappel de la vision bizarre que Verbinski pouvait apporter sans le gonflement du blockbuster, et bien qu’il soit à peine admissible comme un film pour enfants, il s’avère toujours un voyage énormément divertissant.

22. « A Town Called Panic » (2009)
Spiré d’une émission de télévision francophone gentiment surréaliste et portant la distinction d’être le premier film d’animation en stop-motion jamais présenté à Cannes, « A Town Called Panic » des Belges Stéphane Aubier et Vincent Patar est l’histoire absurde de Cowboy (un cow-boy en plastique), Indian (un Indien en plastique) et Horse (un jouet en plastique, vous voyez l’idée) qui vivent ensemble dans une maison à la campagne et se retrouvent dans des embrouilles inexplicables. Une tentative de célébrer l’anniversaire de Horse tourne mal lorsqu’une commande sur Internet de 50 briques est accidentellement confondue avec 50 millions de briques. Ils construisent alors de grands murs qui sont volés par des créatures marines malveillantes, qu’ils vont donc retrouver à travers un terrain enneigé, aérien, souterrain et boisé… l’intrigue n’a aucun sens et l’histoire peut sembler aussi saccadée que l’animation grossière et charmante. Mais il est aussi investi d’une énergie totalement lunatique qui tient moins aux grands arcs narratifs qu’aux interactions momentanées et aux bizarreries qui fourmillent dans chaque scène bonkers.

21. « Millennium Actress » (2001)
Bien qu’il n’ait réalisé que quatre longs métrages complets et qu’il soit malheureusement décédé en 2010 à seulement 46 ans, Satoshi Kon s’est imposé comme l’un des cinéastes d’anime les plus importants et les plus originaux. Nous aurions pu facilement (et nous l’avons presque fait) inclure « Tokyo Godfathers » ou « Paprika » (dont beaucoup disent qu’il a inspiré « Inception » de Christopher Nolan), mais nous dirions que son chef-d’œuvre est son deuxième long métrage, « Millennium Actress » de 2001. Beaucoup plus mature que la plupart des longs métrages d’animation, qu’ils soient japonais ou américains, ce film présente un concept fascinant : une vieille star de cinéma à la retraite emmène une équipe de documentaristes dans ses souvenirs, changeant de genre et de forme à mesure qu’elle raconte son histoire à travers ses rôles cinématographiques. Les fans de narration claire et nette risquent d’être déçus, mais il y a une boîte à puzzle fascinante et riche à démêler, se débattant avec succès avec les thèmes favoris de Kon sur la nature de la réalité et le pouvoir de l’art.

20. « Monster House » (2006)
Vraisemblablement le meilleur des films de capture de performance de Robert Zemeckis, en partie parce qu’il n’est effrayant que lorsqu’il essaie de l’être et en partie parce qu’il n’a pas été réalisé par Zemeckis (Gil Kenan a eu le concert à la place), « Monster House » est le rare film à tirer à la fois « Burtonesque » et « Amblin-esque » de manière réussie, et le fait avec un tas de cœur et de frayeurs dans le processus. Coécrit par le créateur de « Community » Dan Harmon et son ami Rob Schrab, ce film raconte l’histoire de trois préadolescents aventureux qui enquêtent sur une maison locale effrayante. Travaillant là où « The Polar Express » ne l’a pas fait en stylisant davantage les personnages, il rend ses jeunes protagonistes crédibles et sympathiques d’une manière dont peu de films s’embarrassent, ce qui conduit à la fois à de bons gags (« C’est la luette ! » « Alors c’est une maison de filles ? ») et à un pathos plus efficace que la plupart. Il y a des films plus beaux ici, mais peu qui sont aussi amusants.

19. « How To Train Your Dragon » (2010)
Ses films varient en qualité, allant du presque génial (« Kung Fu Panda », le « Shrek » original) à l’étonnamment divertissant (« Madagascar 3 » – non, sérieusement !) en passant par l’essentiellement sans valeur (les suites ultérieures de « Shrek », « Shark Tale »), mais quel que soit le résultat, DreamWorks Animation a presque toujours été considéré comme le second couteau de Pixar. À l’exception de « How To Train Your Dragon », un récit d’aventure palpitant qui associe une relation centrale de type « garçon et chien » et « E.T. » entre un jeune Viking et son ami dragon à des séquences de vol époustouflantes en 3D, à la construction d’un monde et aux images les plus picturales de la société (créées avec l’aide de la légende du cinéma Roger Deakins). Si souvent DreamWorks se rabat sur les gags de la pop-culture ou le casting de célébrités, mais ici (et dans une moindre mesure sa suite), ils laissent l’histoire mener le bal, et le résultat est un triomphe absolu.

18. « Finding Nemo » (2003)
Compte tenu du bilan mitigé de Pixar en matière de suites, il est difficile de ne pas appréhender le « Finding Dory » de l’année prochaine, la suite tardive de l’une des réalisations les plus appréciées du studio, le « Finding Nemo » de 2003. Après tout, l’original était presque un miracle. L’histoire d’un père surprotecteur (Albert Brooks) dont le pire cauchemar se réalise lorsque son fils est emporté de l’autre côté de l’océan est une histoire étourdissante, colorée et extrêmement drôle, remplie de personnages incroyablement mémorables et sans doute de la meilleure distribution vocale jamais réalisée par Pixar (Brooks et Ellen DeGeneres sont parfaits, mais nous avons aussi Willem Dafoe, Allison Janney, Stephen Root, Geoffrey Rush et Eric Bana). Mais au fond, ce film a le même impact émotionnel que tous les autres films du studio, réduisant progressivement le fossé qui sépare un père aimant mais destructeur et névrosé de son fils aventureux mais vulnérable. Si la suite est ne serait-ce qu’à moitié aussi bonne, elle devrait rester un classique.

17. « Monsters Inc. » (2001)
Après les deux grands films « Toy Story » et l’accueil moyen (quelque peu injuste) de « A Bug’s Life », « Monsters Inc. » a été le film qui a suggéré que Pixar serait bien plus que la maison que Buzz a construite. Comme « Toy Story », ce film reprend un concept irrésistible de l’enfance – l’histoire des monstres qui se cachent sous le lit ou dans le placard de chaque enfant – et le remplit de deux des personnages les plus attachants de la société, Mike Wasowski, l’œil sur les jambes de Billy Crystal, et Sully, le bleu duveteux de John Goodman, qui ont accidentellement laissé un enfant supposé mort, l’adorable Boo, entrer dans leur paradis des monstres. Le film n’est pas aussi parfait du point de vue narratif que certains des derniers films de Pixar (la diversion du Yéti n’a aucun intérêt), mais il est toujours magnifiquement conçu, a un cœur géant et s’avère tout à fait satisfaisant. Le préquel décent mais inutile « Monsters University » a pâli en comparaison, ce qui témoigne de la force de l’original.

16. « Toy Story 3 » (2010)
Couvrant une décennie complète après le bien-aimé « Toy Story 2 » (et semblant être le dernier mot sur les fonctionnalités de « Toy Story »… jusqu’à « Toy Story 4 »), « Toy Story 3 » est l’un des meilleurs films d’animation du siècle, ce qui démontre la barre haute de Pixar. Plutôt que de faire un tour d’honneur, l’équipe créative composée de John Lasseter, Andrew Stanton et du réalisateur Lee Unkrich a changé les choses pour la troisième fois, en permettant au temps de passer et à Andy d’aller à l’université. Les aventures qui s’ensuivent sont remarquables : il y a parfois de véritables dangers, une certaine obscurité et un profond examen de conscience qui rend le film encore plus touchant pour les adultes que ses prédécesseurs. Car ces films n’ont jamais vraiment porté sur les jouets en plastique -ils ont porté sur l’enfance, un état que l’on ne peut vraiment apprécier qu’une fois qu’il a pris fin et que quelqu’un de nouveau joue avec vos vieux jouets.

15. « Coraline » (2009)
Il y a plus de qualité qui sort de plus de maisons d’animation ces jours-ci, grâce en partie à Laika de Portland, un studio de stop-motion qui a percé avec le sublime « Coraline ». Basé sur le livre de l’idole des geeks Neil Gaiman et réalisé par Henry Selick, l’auteur du film « L’enfer avant Noël », le film raconte l’histoire de la fille titulaire (Dakota Fanning) qui échappe à ses parents négligents et se retrouve dans un autre monde qui s’avère plus sinistre que prévu. Le film est superbement conçu (avec une utilisation de la 3D qui reste parmi les meilleures de tous les temps, plate dans le « monde réel » et expansive dans le monde imaginaire, à la manière du « Magicien d’Oz »), intelligent, plein d’âme, atmosphérique, riche, drôle, passionnant et étrange, et il n’a fait que vieillir comme un bon vin au cours des cinquante dernières années. « Paranorman » et « The Boxtrolls » valent tous deux le coup d’œil, mais la première heure de Laika reste leur meilleur à ce jour.

14. « The Lego Movie » (2014)
Sur le papier, cela semblait être une fête cauchemardesque de synergie d’entreprise (il n’est pas seulement basé sur un jouet, mais inclut des versions jouets de super-héros !). En pratique, « The Lego Movie » est une joie sournoise, subversive et étourdissante, Phil Lord et Chris Miller surpassant leur précédent film d’animation « Cloudy With Chance Of Meatballs » (dont certains d’entre nous sont très grincheux qu’il ne figure pas dans cette liste…). S’inspirant des récits de l’élu, Emmett, le personnage de Chris Pratt, est choisi comme le dernier espoir contre le maléfique Lord Business (Will Ferrell). C’est une comédie d’action profondément idiote et méta-tastique qui trouve tout de même de la place pour un degré surprenant de pathos, notamment dans son jeu secret de fin de partie en direct. Capturant un sens du jeu enfantin comme peu l’avaient fait en dehors de « Toy Story », mais le filtrant à travers une mentalité de mash-up millénaire, il doit figurer comme l’une des plus glorieuses surprises grand public de mémoire récente.

13. « Ratatouille » (2007)
« Ratatouille » est une sorte de bizarrerie dans le canon Pixar, moins en raison de son histoire de production (« Les Indestructibles », le réalisateur Brad Bird a complètement remanié le film à la fin de la production, ce qui est normal pour le studio), et plus parce qu’il joue tellement plus vieux que beaucoup de leurs autres films. Se déroulant dans le monde de la gastronomie, le film cible et célèbre les critiques, son rythme est relativement lent et il s’inspire d’influences aussi diverses que Lubitsch et Proust. Ce film d’animation d’auteur, à la limite de la farce, a rapporté des centaines de millions de dollars dans le monde entier. L’histoire de Bird sur un rat (parfaitement interprété par Patton Oswalt) au palais raffiné et aux rêves culinaires est à la fois un film d’animaux parlants, une comédie romantique, une lettre d’amour à Paris (ces paysages urbains !) et à la nourriture, et n’aurait pu être réalisé que par Pixar. Certains de leurs autres films auraient pu avoir un attrait plus large, mais « Ratatouille » est vraiment raffiné.

12. « Chicken Run » (2000)
Dans l’ensemble, les longs métrages d’Aardman Animation n’ont pas été à la hauteur de ses courts métrages oscarisés « Wallace &Gromit » (même si l’aventure du long métrage de ce dernier est un bonheur et a failli faire partie de cette liste). Nous disons « dans l’ensemble » parce que « Chicken Run », le premier long métrage du studio, est formidable, un film plus charmant et inventif que la plupart de ceux dont le budget est plusieurs fois supérieur. Suivant un groupe de poules qui demandent l’aide du coq arrogant Red (un Mel Gibson en pré-déclin) pour s’échapper de leur ferme lorsqu’elles apprennent qu’elles sont destinées à être transformées en tartes, le film reprend avec brio et de manière évocatrice les films de prisonniers de guerre de la Seconde Guerre mondiale comme « La Grande Évasion » avec un charme excentrique très britannique. On y retrouve le design immaculé, la comédie physique classique et l’action palpitante qui caractérisaient les courts métrages d’Aardman, mais il est également plus complet sur le plan narratif, avec un final aussi enthousiasmant que n’importe quel autre film de cette liste. Croisons les doigts pour qu’Aardman revienne bientôt à ce genre de forme.

11. « Persepolis » (2007)
Le film « Persepolis », lauréat du prix du jury à Cannes et nommé aux Oscars, a précédé d’un an le film « Valse avec Bachir », également nommé aux Cannes et aux Oscars, mais pris ensemble, ils représentent tous deux l’émergence, ou peut-être simplement l’acceptation plus générale, d’une autre fonction de l’animation : raconter des histoires autobiographiques adultes si personnelles et/ou douloureusement politiques qu’elles demandent presque à être dessinées plutôt que filmées. Le film de Marjane Satrapi est un récit poignant, drôle, touchant et parfois horrifiant de son enfance à Téhéran pendant la rébellion islamique, raconté en images simples, austères, en noir et blanc, mais c’est son œil pour les détails décalés et humanisants (dont une grande partie provient de sa propre bande dessinée) qui a fait de Satrapi une cinéaste prometteuse. Et depuis, elle s’est imposée comme telle, devenant l’une des réalisatrices les plus vivantes et les plus excentriques sur la scène internationale, même si elle n’a pas encore égalé ses débuts en termes d’impact et d’importance.

10. « Wall-E » (2008)
Peut-être qu’une partie du vitriol déversé sur « Chappie » est venu du fait que nous avons déjà un robot-avec-personnalité adorable (et approuvé par la critique) dans notre lexique cinématographique (je ne parle pas de Johnny Five). Le film « Wall-E » de Pixar, un message environnemental assez cinglant enveloppé dans l’histoire d’un robot poubelle solitaire et des fragments d’une civilisation négligée que lui seul chérit, était une entreprise audacieuse. Avec beaucoup moins de dialogues que les sarcasmes des films précédents et un protagoniste presque muet, il reste l’un des films les plus austères formellement et les plus satiriques du studio. Et pourtant, le film d’Andrew Stanton est chaleureux et drôle, s’appuyant sur l’expressivité stupéfiante du design de Wall-E (son jeu avec la balle et la batte est un parfait exemple de la physique immaculée à l’œuvre tout au long du film) pour raconter avec une originalité étincelante une histoire qui emploie finalement tous les tropes de la vieille école : un héros improbable se bat pour obtenir la main de son amour et, ce faisant, sauve l’humanité d’elle-même.

9. « Le vent se lève » (2013)
Hayao Miyazaki s’est déjà retiré auparavant (il avait laissé entendre qu’il en avait fini avec le cinéma il y a une dizaine d’années déjà), mais avec le Studio Ghibli supposé en voie de disparition, « Le vent se lève » semble définitivement pouvoir être le chant du cygne du maître de l’anime. Le film semble en tout cas être une déclaration déterminante : un mélodrame (essentiellement) sans fantaisie sur le concepteur d’avions Jiro Horikoshi, un portrait émouvant de la fin d’une époque au Japon, un examen de la façon dont le progrès, la technologie et même l’art peuvent être corrompus, une lettre d’amour à l’aviation chère au réalisateur et, plus que tout, un portrait autobiographique de l’artiste en tant que jeune homme obsédé. Quiconque rejette ce film comme un dessin animé n’a pas la tête bien tournée. Aussi magnifique que tout ce que le réalisateur a jamais fait, ce film, bien que relativement réaliste, n’aurait pu fonctionner qu’en tant qu’animation. Si c’est vraiment le dernier film de Miyazaki, il nous manquera cruellement.

8. « Waltz with Bashir » (2008)
Un cas solide pour montrer à quel point l’animation peut être dextre, le film d’Ari Folman hybride magistralement l’essai personnel, le documentaire et l’imagerie hallucinatoire, le tout au service d’un examen audacieux de l’expérience d’un soldat de la guerre du Liban de 1982 qui est juste la bonne quantité de cool stylisé pour vous accrocher à ses aperçus déchirants. Les films sur les droits de l’homme et les problèmes sont malheureusement monnaie courante de nos jours. Ce n’est donc pas un mince exploit que Folman ait réussi à transcender ces limites étroites en rendant « Waltz » tout à fait cinématographique. L’animation – un mélange de découpages Adobe Flash et d’animation classique – ajoute à la nature surréaliste des souvenirs manifestés par Folman d’une période traumatisante de sa jeune vie. La partition envoûtante de Max Richter et le mélange de chansons adaptées à l’époque (notamment « This is Not a Love Song » de PiL) contribuent également à la puissance globale du film. C’est efficace, éducatif et émotif parce que c’est divertissant.

7. « Fantastic Mr Fox » (2009)
L’animation en stop motion et Wes Anderson se sont avérés être une combinaison de beurre de cacahuète et de gelée dans cette adaptation douce mais acide du livre de Roald Dahl. Nous ne dirions pas que c’est le meilleur film de l’auteur, mais à bien des égards, il est le plus représentatif de sa réputation d' »artiste » avec un grand A. Après tout, tous ses dioramas cinématographiques hyper contrôlés ne sont-ils pas une forme d’animation en direct ? Au-delà de l’appréciation de sa place dans l’héritage d’Anderson, « Fox » est magnifique à regarder et l’un de ses films les plus drôles à ce jour. L’adaptation d’un conte pour enfants permet à son humour plus large, voire loufoque, de remonter à la surface de manière agréable (le point culminant est atteint lorsque les fermiers antagonistes sont présentés dans des vignettes rapides). Les images rappellent celles de Rankin/Bass, prouvant que les méthodes démodées peuvent sembler nouvelles lorsqu’elles sont bien faites. Nous aimons ce film surtout parce qu’il s’adresse à tout le monde, mais a quand même des bords rugueux et des conséquences.

6. « The Tale Of Princess Kaguya » (2013)
Il n’a pas reçu autant d’attention que « The Wind Rises », mais « The Tale Of Princess Kaguya », le chant du cygne du cofondateur de Miyazaki au Studio Ghibli et du réalisateur de « Grave Of The Fireflies », Isao Takahata, est un adieu encore plus élégiaque, magnifiquement doux-amer, de la part de l’un des maîtres du médium. Fable librement inspirée du conte traditionnel du coupeur de bambou et animée d’une manière étonnante et picturale, le film voit la découverte du personnage titre à l’intérieur d’une pousse de bambou par ses humbles parents. Elle est élevée à la richesse et courtisée par d’innombrables prétendants, mais rien ne peut changer le sentiment que son temps sur Terre sera bref. Simple à la fois dans l’expression et dans l’histoire mais pourtant incroyablement riche (il y a de forts thèmes féministes et environnementaux à l’œuvre ainsi que des méditations sur la mortalité), c’est un film délicat et pastoral qui sert à la fois de résumé définitif de la carrière de Takahata et d’adieu profondément poignant.

5. « Les Triplettes de Belleville » (2003)
78 minutes de pur bonheur français. Le scénario de Sylvain Chomet (avec presque aucun dialogue audible) est fait de virages à gauche apparemment aléatoires qui non seulement vous tiennent en haleine mais se fondent miraculeusement dans un ensemble magique et unique. L’animation, qui exige beaucoup de travail, est une merveille à contempler. Elle donne vie à l’histoire bizarre d’une mère adorable, maîtresse de ses tâches, dont le fils cycliste est enlevé par la mafia et utilisé pour des jeux d’argent infâmes. Elle s’associe aux triplés chanteurs qui l’aident à le sauver, ajoutant à la joie musicale contagieuse qui imprègne tout le film. C’est un récit totalement original, réalisé par Chomet qui maîtrise parfaitement le matériau. Bien qu’il soit encore un objet de culte (malgré le fait qu’il ait été sélectionné pour 2 Oscars en 2003), le film est plus qu’accessible pour tout public.

4. « It’s Such A Beautiful Day » (2012)
Il est loin d’être un nom connu de tous (même si le fait d’avoir récemment contribué à l’une des meilleures séquences de canapé des « Simpsons » en 25 ans d’histoire de l’émission a aidé), mais les fans d’animation chantent depuis longtemps les louanges de Don Herzfeldt, d’Austin, notamment après « It’s Such A Beautiful Day ». Combinant le court-métrage de 23 minutes de 2011 du même nom avec deux courts-métrages antérieurs, « Everything Will Be Ok » et « I Am So Proud Of You », il s’agit d’une trilogie obsédante et finalement étrangement vivifiante dans le style de dessin au trait et de stick-figure caractéristique de Herzfeldt (bien qu’agrémenté d’une collection d’effets de plus en plus captivante) qui aborde la satire, l’ultraviolence et, dans le segment final stupéfiant, la maladie mentale et l’identité. Oblique et étrangement accessible, sombre et transcendant, simple et indéfiniment regardable, c’est un chef-d’œuvre froid comme la pierre qui confirme que Herzfeldt est un cinéaste majeur.

3. « Up » (2009)
Alors, est-ce qu’on donne la troisième place à « Up » dans son intégralité, ou est-ce qu’on lui accorde cette place grâce à ce montage de 4 minutes de la vie de couple de Carl &Ellie qui nous réduit en miettes émotionnelles ? Est-ce vraiment important ? En prenant une vue d’hélicoptère ou de maison volante, « Up » n’est pas le récit le plus satisfaisant que Pixar ait jamais créé, mais il est l’apothéose de la capacité alchimique du studio avec la création de personnages et les relations. Avec ce film, Pete Docter et Bob Petersen nous ont tout simplement offert l’un des plus grands films de deuil jamais réalisés, caché dans un récit plein de fantaisie, de ballons colorés, de boy-scouts zozotant et de chiens parlants hilarants. Ainsi, alors qu’il a autant à dire sur le fossé des générations que le film d’Ozu moyen, et le fait qu’il commence par la mort animée la plus touchante depuis la disparition de la mère de Bambi, par sa conclusion « Up » n’est rien de moins qu’une affirmation joyeuse de la vie à tout âge et à toute hauteur au-dessus du niveau de la mer.

2. « Les Indestructibles » (2004)
Le meilleur film du réalisateur Brad Bird à ce jour est un amalgame foudroyant de mythologie imaginée en bande dessinée, de mélodrame familial et de magnifiques animations en images de synthèse. Il est arrivé à la toute fin de la première grande vague de titres de Pixar, juste avant que le studio ne fasse un faux pas avec « Cars » et ne se remette sur les rails avec « Ratatouille » (grâce à Bird à nouveau, bien sûr). En fait, on a toujours l’impression qu’il s’agit de l’heure de gloire de ce géant de l’animation et probablement de son film le plus complet, plein d’actions palpitantes et de personnages facilement identifiables (pour les adultes comme pour les enfants), et exploitant de manière incisive l’obsession des super-héros avant qu’elle ne soit diluée jusqu’à son niveau d’omniprésence actuel. Magistralement conçu (vérifiez la conformité de la banlieue de style années 50 des lieux d’habitation et de bureau), intelligemment scénarisé de sorte que les intrigues A et B se complètent et se renforcent constamment, et se vantant d’un message anti-cape précieux que Madonna aurait bien fait de prendre en compte, « Les Indestructibles » n’est pas seulement un grand film d’animation de tous les temps, mais est un grand film de super-héros de tous les temps, période.

1. « Spirited Away » (2001)
Si la grande force de l’animation est sa facilité à permettre une immersion totale dans des mondes uniquement limités par l’imagination d’un cinéaste, il n’y a vraiment pas d’autre choix pour notre place de numéro un que l’éblouissant « Spirited Away » de Hayao Miyazaki, conservateur de l’un des imaginaires cinématographiques les plus complets et les plus beaux qui existent. Commençant comme un conte d’avertissement « faites attention à ce que vous souhaitez », alors qu’une jeune fille s’aventure avec enthousiasme dans un royaume magique après que ses parents ont été transformés en cochons, le film devient plus étrange, plus fantaisiste et plus ambigu au fur et à mesure qu’il avance, devenant le contraire du genre de simplification condescendante et de moralité noire et blanche qui entache le genre du film familial ailleurs. Grotesque, effrayant, palpitant, beau et très étranger à quiconque a été élevé dans l’animation occidentale, « Spirited Away » est, grâce à son succès aux Oscars et à sa promotion plus large aux États-Unis, le premier film de Miyazaki ou du Studio Ghibli que beaucoup de gens ont vu, et devrait donc occuper une place très spéciale dans nos cœurs en tant que portail brillant vers le monde fantastique, au-delà du monde, de Ghibli. Disons plutôt une multitude de mondes.

Honorable Mentions: La liste des films retenus pour ce long métrage comptait plus de 100 titres, et les passions se sont déchaînées sur un trop grand nombre d’entre eux pour qu’on puisse les énumérer ici, mais il y en a quelques-uns que nous avons eu du mal à exclure, surtout lorsqu’il s’agissait de petits studios ou de réalisateurs indépendants qui auraient bien besoin de briller. Ainsi, le charmant et serein « The Secret of Kells » de la maison d’animation irlandaise Cartoon Saloon ; sa suite, le « Song of the Sea » également nommé aux Oscars ; le méli-mélo de jazz des années 20, de mythologie indienne et d’animation flash « Sita Sings the Blues » de la réalisatrice Nina Paley, financé de manière indépendante et plein d’esprit ; et « Mary et Max » du réalisateur australien Adam Elliott, avec la voix du regretté Philip Seymour Hoffman, sont tous fortement recommandés.

Et d’autres films plus médiatisés mais non moins appréciés qui ont plané tout près du sommet de la liste comprennent : « Les Pirates ! », « Ernest &Célestine », « Wallace et Gromit : Curse of the Were Rabbit », « Cloudy with a Chance of Meatballs », « Howl’s Moving Castle », « Brave », « Ghost in the Shell 2 : Innocence », « L’illusionniste », « Paranorman », « Les Boxtrolls », « Tokyo Godfathers », « Paprika », « Ponyo », « Shrek », « Les enfants loups », « Les aventures de Tintin », « Kung Fu Panda », « La fille qui traversait le temps », « Evangelion : Vous n’êtes pas seul », « Feuilles mortes », « Le monde secret d’Arriety », « Frankenweenie », « Tangled », « Le nouveau groove de l’empereur » et « Wreck-it Ralph » – nous pourrions continuer indéfiniment, alors nous ne le ferons pas.

Comme nous l’avons dit, nous avons hésité à inclure les films rotoscopés avant de décider qu’ils ne remplissaient pas tout à fait les conditions requises, ce qui ne veut pas dire que nous sous-estimons le talent artistique de « Waking Life » ou « A Scanner Darkly » de Richard Linklater. Et au cas où vous vous poseriez la question, nous n’avons pas oublié « Frozen », qui est un bon film, mais qui, dans l’ensemble, ne suscite pas d’enthousiasme. Exprimez votre indignation sur son absence et sur tout ce qui vous préoccupe dans la section des commentaires ci-dessous. Ou, vous savez, laissez tomber.

– Jessica Kiang, Oliver Lyttelton, Erik McClanahan

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