Les 30 meilleures chansons de 2020
Pour une année qui n’avait aucun sens, il est tout à fait approprié que les meilleures chansons de 2020 fassent d’étranges voisins sur une mixtape.
On ne peut pas récapituler 2020 sans mentionner « WAP » de Cardi B et Megan Thee Stallion, une chanson sexuelle si sale que même la version éditée penche vers une classification R (« wet and gushy, » quelqu’un ?). Mais sur ce tour d’horizon, il y a essentiellement un artiste pour chaque vibration ou occasion : le soulèvement social (Run the Jewels), la rumination apocalyptique (Phoebe Bridgers), même simplement l’évasion béate au casque (Tame Impala).
Alors que cette année déprimante touche à sa fin, portons un toast aux chansons qui nous ont gardés dans le jeu.
(Avertissement : toutes les chansons qualifiées étaient sur des albums sortis en 2020.)
30. Christian Scott aTunde Adjuah – « Guinnevere »
En 1969, le trio folk Crosby, Stills & Nash a enregistré et publié une châtaigne cryptique intitulée « Guinnevere ». L’année suivante, deux maîtres du jazz s’essayent à la mélodie : le flûtiste Herbie Mann émergeant avec une reprise instrumentale fidèle, et le trompettiste Miles Davis la réinterprétant sous la forme d’une épopée intergalactique et méconnaissable qui approche les 20 minutes. Pour la version live apparaissant sur Axiom, le chef d’orchestre de la Nouvelle-Orléans Christian Scott aTunde Adjuah s’intéresse surtout à la vision de la chanson par Davis. Le piano électrique, le sitar et une langueur d’hécatombe ont disparu au profit du djembé, des congas et d’un zeste de serre. Ici, Adjuah – qui joue de la trompette et du bugle inversé, entre autres instruments – et son groupe condensent « Guinnevere », l’investissant d’une verve pointue. Les cuivres passent de l’ouaté au céleste et au frénétique, et la batterie de Corey Fonville, en particulier, élève cette musique vers de nouveaux sommets audacieux. – Raymond Cummings
29. Tobacco (feat. Trent Reznor) – « Babysitter »
Le titre phare du nouvel album de Tom Fec, Hot Wet & Sassy, commence par une gigantesque basse synthétique grasse se tortillant sur des charlestons coupés et un vocodeur distordu qui insiste : « Je suis la nouvelle baby-sitter, et je peux faire ralentir le temps ». Puis ça devient de plus en plus bizarre, avec des pas structurés décalés et des harmonies brûlantes et abrasives. Le caméo relativement apaisant de Trent Reznor, leader de Nine Inch Nails, fan de longue date de TOBACCO et originaire de Pennsylvanie occidentale, ajoute un contrepoint sonore intelligent avant que la chanson ne reprenne de plus belle. La vidéo hilarante et dérangeante qui met en scène un Falkor voyeur (de The Never-Ending Story) rôdant à l’extérieur d’une maison de banlieue est la cerise sur ce gâteau glauque. – John Paul Bullock
28. Soccer Mommy – « circle the drain »
L’enquête de Sophie Allison sur l’isolement et la dépression est le parfait résumé de la benne à ordures de 2020. Sa lutte pour « paraître forte pour mon amour, pour ma famille et mes amis » résonne alors que tout le monde essaie de passer l’année en force. Le fait de délivrer ce message par le biais d’une production croustillante, de voix joyeuses et de grosses guitares de radio FM de la fin des années 90 souligne parfaitement l’attraction constante vers l’obscurité que nous continuons tous à vivre. C’est une chanson courageuse et brutalement honnête sur la santé mentale qui est arrivée à un moment où nous en avions vraiment besoin. – J.P.B.
27. 24kGoldn (feat. Iann Dior) – « Mood »
Il y a un moment rare, toutes les quelques années, où les formats radio alternatifs, pop et rythmiques peuvent s’accorder sur une chanson, comme « Hey Ya ! » d’OutKast ou « Crazy » de Gnarls Barkley. Et en 2020, les étoiles se sont alignées pour 24kGoldn et Iann Dior, deux jeunes rappeurs de Los Angeles qui jouaient un jour à Call of Duty et ont capté une vibration lorsque le producteur Omer Fedi a commencé à jouer un riff de guitare carillonnant. Le pré-chorus ricanant de Dior mène parfaitement à l’accroche hymnique de Goldn, leurs voix pop-punk nasillardes donnant une tournure bubblegum au genre d’emo-rap qui prospère sur SoundCloud depuis des années. – Al Shipley
26. Halsey – « You Should Be Sad »
Le meilleur banger de rupture de l’année, « You Should Be Sad » est à la fois amusant et féroce. Félicitations à Halsey et au super auteur-compositeur Greg Kurstin (Adele, Pink, Kelly Clarkson) pour avoir produit un single country-pop tendu qui éviscère absolument tous les ex sur son passage. « Je suis si heureuse de n’avoir jamais eu de bébé avec toi », ricane la pop star sur un échantillon de guitare acoustique jouée au doigt – pensez à Carrie Underwood avec la fureur des filles de Jersey en plus. Manic est facilement l’album le plus large d’Halsey, à la fois sur le plan des paroles et des thèmes – et même s’il n’a pas fait le même effet que son hit-parade « Without Me », « You Should Be Sad » est probablement la pièce maîtresse de l’album. – Bobby Olivier
25. Charlotte Dos Santos – « Helio »
Avec son luxueux EP Harvest Time, l’auteure-compositrice brésilienne et norvégienne Charlotte Dos Santos a pivoté du style axé sur le beat/sample de Cleo de 2017 vers un espace plus organique. Le sauvage « Helio » atterrit quelque part entre le synthétique et l’humain, mélangeant un piano jazz rosé et une contrebasse grondante avec une électronique qui bourdonne tranquillement et des voix empilées et scandées qui ne pourraient être obtenues que par une surimpression intense. « Je suis mon Neptune », chante-t-elle. « Je suis ma souveraine. » Elle a l’air de contrôler totalement ce son malléable. – Ryan Reed
24. My Morning Jacket – « Wasted »
« Wasted » est la pièce maîtresse psych-rock de The Waterfall II, la suite tant attendue du LP de 2015 de My Morning Jacket. Et cela ressemble à une séance de thérapie : Le frontman Jim James jette un coup d’œil par-dessus son épaule à une culpabilité personnifiée – une cascade chorale de voix qui le supplie de « faire face », quel que soit le sens de « cela ». « Trop peur de vivre », chante James. « Tu as fait quelque chose de mal. » Le groupe fait correspondre cette lourdeur à un arrangement serpentin, de niveau symphonique : riffs de bong-hit, coups de cuivres, solo de piano électrique bluesy. L’obscurité, comme toujours, leur convient. – R.R.
23. Kali Uchis (feat. Jhay Cortez) – « La Luz (Fín) »
Avec son premier album en espagnol, Sin Miedo (del Amor y Otros Demonios), la chanteuse alt-soul Kali Uchis se penche pleinement sur son côté latino. L’artiste colombo-américaine brille sur « La Luz (Fín) » (ou « The Light (End) ») avec Jhay Cortez, le visionnaire portoricain qui aide à faire entrer le reggaetón dans le futur. Le producteur Boricua Marco « Tainy » Masís est à la barre, mêlant parfaitement la vibe R&B d’Uchis à l’univers reggaetón de Cortez. Les deux chanteurs forment une équipe de rêve sur ce single séduisant, le flirt de Cortez complétant les come-ons captivants d’Uchis. – Lucas Villa
22. Megan Thee Stallion – « Captain Hook »
Il est difficile de dire que quelqu’un a eu une plus grande année que Megan Thee Stallion. Avant de sortir son premier LP, Good News, et de faire équipe avec Cardi B pour le triomphe de la culture pop « WAP », elle a déposé l’une des chansons les plus accrocheuses et les plus intelligentes de l’année sur son EP Suga. « Captain Hook » est un hymne direct, immédiatement reconnaissable, avec des mesures sexuelles douces que la plupart des rappeurs souhaiteraient avoir créées. Avec des lignes comme « I got a man ; I got a bitch / I’m a banana ; they gotta split », c’est peut-être la meilleure chanson jamais écrite sur une bite courbée. – Josh Chesler
21. Phoebe Bridgers – « I Know the End »
Le deuxième album solo de Phoebe Bridgers, Punisher, a par inadvertance sonné la pandémie. Écrit bien avant que l’on ait l’impression que le monde s’effondre, Bridgers a capturé par coïncidence les émotions de panique, de douleur et de désolation ressenties tout au long de 2020 en écrivant son disque nommé aux Grammy Awards. Mais la dernière chanson, « I Know The End », est un coup de poing particulièrement poignant. La chanson parle d’une apocalypse métaphorique, Bridgers acceptant la fin de son monde, mais déterminée à en tirer le meilleur parti. Le crescendo intense et tumultueux vous colle à la peau longtemps après la fin de la chanson. – Tatiana Tenreyro
20. Dua Lipa – « Don’t Start Now »
En 2017, Dua Lipa a donné des instructions pour s’élever au-dessus d’une ex-flamme avec « New Rules ». Eh bien, il semble que cet amant ne veut pas s’arrêter – la pop star a enregistré un autre hymne pour le faire partir de son dos. « Don’t Start Now », le premier extrait de Future Nostalgia, fixe fermement les limites (« Don’t show up, don’t come out »), soutenu par une mélodie pailletée digne d’un revival du Studio 54. C’est devenu le plus grand single de Lipa : il a atteint la deuxième place du Billboard Hot 100 (son meilleur classement à ce jour) et a été nommé trois fois aux Grammy Awards. Lorsqu’il sera de nouveau possible de danser en public sans danger, les DJ devront être prêts à faire tourner ce morceau. – Bianca Gracie
19. Sufjan Stevens – « America »
« America » est un acte de rébellion douloureux, battant méthodiquement contre un pays, une société et l’espoir insensé de jours meilleurs à venir. Trop lourd ? C’est dommage. Tel est le premier single de l’album électro-pop de Stevens, The Ascension, une odyssée de 12 minutes où le chanteur implore Dieu de ne pas lui faire ce qu’il a fait à l’Amérique. Le dernier morceau de l’album abandonne les étoiles et les drapeaux pour une exploration longue mais impitoyablement efficace de la désillusion. « J’ai échangé ma vie contre une photo du paysage », chante Stevens. Ailleurs, l’imagerie biblique est tissée tout au long du morceau – les inondations, Judas, le signe de la croix – et posée sur de vastes étendues de synthé hypnotique. Comme il se doit, il n’y a pas de récompense évidente pour ceux qui endurent les derniers instants de la chanson. Elle se termine, tout simplement. – B.O.
18. Miley Cyrus – « Midnight Sky »
Lève la main si tu as vu venir le renouveau rock de Miley Cyrus. Bien qu’elle ait auparavant tâté du psychédélisme avec ses collaborations avec les Flaming Lips, la chanteuse a opéré une transformation rock complète avec son septième LP, Plastic Hearts, embrassant ses ambitions d’arène des années 80. Avec ses synthétiseurs bouillonnants, sa production brillante et sa voix graveleuse, « Midnight Sky » ressemble à une cousine éloignée du tube de Stevie Nicks « Edge of Seventeen » de 1982 – un fait approprié, étant donné que les deux chansons ont ensuite été remixées. « Midnight Sky » est juste assez rétro pour être actuel en 2020. – R.R. et D.K.
17. Bad Bunny – « Safaera »
Bad Bunny représente l’avenir du reggaetón, mais avec « Safaera », il rend hommage à l’âge d’or du genre dans les années 2000. La chanson vous ramène instantanément à l’époque du « pari de marquesina », passé dans les fêtes d’arrière-cour des amis perreando sur un megamix des derniers tubes du reggaetón. « Safaera » comprend plusieurs chansons en une, avec certains des plus grands noms du genre : Jowell y Randy et Ñengo Flow. Mais Bad Bunny donne à ce retour en arrière sa propre tournure, avec des paroles sur la volonté de faire plaisir à la femme en question et la défense du mamar culo, ce qui en fait une chanson tout aussi sale que les chansons de cette époque, mais avec une prise plus progressive. – T.T.
16. Sylvan Esso – « Numb »
« Shaking out the numb », roucoule Amelia Meath sur les boucles de guitare sourdes et la basse synthétique frisée de Nick Sanborn. N’avons-nous pas tous ressenti cela à un moment donné cette année ? Ce morceau électro-pop à la construction lente pourrait bien être l’hymne de quarantaine le plus négligé de 2020. Il exploite notre paralysie émotionnelle tout en annonçant l’exaltation des concerts communautaires que nous espérons tous vivre dans un monde post-vaccin. « Laisse-moi ressentir quelque chose », plaide Meath. Peut-être, juste peut-être, que nous y sommes presque. – R.R.
15. Perfume Genius – « On the Floor »
Comme le dit la chanson, un « violent courant d’énergie » imprègne « On The Floor », créant un sentiment de désir si épais qu’il ne peut être coupé que par une tronçonneuse. Une tension sexuelle viscérale sous-tend le single le plus facile à rejouer de Set My Heart on Fire Immediately – encore un autre projet uniformément fort du songwriter art-pop Mike Hadreas. Tout au long de la chanson, le narrateur tente de se libérer du charme d’un autre homme : « How long ’til this washes away ? / How long ’til my body is safe ? » se demande-t-il sur une ligne de basse funkifiée et ondulante, tirée du livre de jeu de Stevie Wonder. Hadreas a le don de cristalliser l’humanité comme une sensation magnétique entre les corps. – B.O.
14. Khruangbin – « Time (You and I) »
À près de quatre minutes du groove hypnotique de « Time (You and I) », la meilleure jam disco-révivaliste de l’année qui n’a jamais fait le tour des boîtes de nuit, Khruangbin interroge timidement : « Vous écoutez toujours ? » Ils ne demandent pas littéralement, mais seules les oreilles attentives réaliseront que la bassiste Laura Lee commence à chanter dans d’autres langues (comme le turc, le portugais, le serbe, l’hébreu et le mandarin) – traduisant la boutade universelle « c’est la vie ». Le thème de la chanson est également mondial : le regret familier qu’une relation aurait pu fonctionner s’il y avait eu simplement plus de temps. Le trio psych-funk de Houston, qui a acquis une popularité culte après l’album Con Todo El Mundo de 2018, a de nouveau livré la marchandise avec l’album Mordechai. « Time (You and I) » était clairement un favori des fans, destiné à des milliers de soirées piscine socialement distantes. – B.O.
13. Thundercat – « Dragonball Durag »
Même au milieu d’une obscurité infinie, Stephen Bruner parvient toujours à divertir. Sur « Dragonball Durag », Thundercat est en quête de courtiser un intérêt amoureux, le durag faisant ici office de cape de super-héros pour Thundercat. Dans la vidéo, il trouve l’objet du titre dans une poubelle et se transforme en un opérateur sans faille (mais seulement dans sa tête). Même en exploitant le pouvoir du durag, il ne parvient pas à impressionner Kali Uchis, la comédienne Quinta Brunson et, finalement, Haim. Le visuel reflète le groove fluide de la chanson, mêlant son R&B soul et son yacht-rock adoré. – D.K.
12. Taylor Swift – « Exile »
En s’associant à Bon Iver, Taylor Swift a abouti à la chanson « Exile », accompagnée de cordes et de gospel, son morceau le plus innovant de mémoire récente. Peut-être est-ce simplement le signe que Swift entre dans sa prochaine phase, mais « Exile » est un morceau plus vif et plus mature que ce que certains auraient pu attendre de la superstar. Tout comme « Formation » de Beyoncé, « Exile » semble marquer un moment charnière dans la carrière de Swift – une volonté de continuer à expérimenter, même si son profil ne cesse de croître. – J.C.
11. Haim – « The Steps »
La pop de radio prend le pas sur le country rock sur le quatrième single de l’album Women in Music Pt. III de Haim. Les guitares grincent et tintent ; le rythme est un chug épais comminglé avec un strut sûr de lui. (Et pourquoi le jingle télévisé Juicy Fruit des années 80 et l’idéal platonique d’un tube de Sheryl Crow en milieu de carrière ne se reproduiraient-ils pas ?) Mais si le tactile « The Steps » se mange comme un repas musical, ses paroles abordent un thème plus existentiel : l’improbabilité de connaître un jour vraiment, vraiment une autre personne. Tirant une émotion véritable de chaque note, les sœurs Haim – Este, Danielle et Alana – formulent ce thème en termes personnels et accessibles : Nous essayons tous de surmonter quelque chose ; la plupart d’entre nous ont eu un partenaire qui ne semblait pas assez coopératif ; les lunes de miel finissent un jour ou l’autre ; un sentiment d’indépendance est primordial. Haim garde l’espoir, bien sûr : « Si je vais à droite, et que tu vas à gauche / Hey, je sais que nous nous retrouverons. » Pourtant, le doute n’est jamais loin, et travailler dur pour le vaincre chaque jour peut être la moitié de la bataille relationnelle. – R.C.
10. Deftones – « Ohms »
Depuis neuf albums, Deftones continue d’affiner son art-métal signature – Ohms est le mélange d’ombre et de lumière le plus nuancé du groupe depuis des années. Mais comme ils le prouvent sur la chanson-titre, ils sont aussi prêts à mettre le paquet quand l’envie leur prend. La chanson est truffée de riffs lourds et sinistres de Stephen Carpenter et de paroles sinistres et obscures de Chino Moreno. Cette intensité semble plus appropriée que jamais, étant donné la quasi-apocalypse que nous semblons vivre de nos jours. Ils n’appellent peut-être pas directement 2020 un « labyrinthe hanté », mais ce serait certainement une description appropriée. – J.C. & R.R.
9. Tame Impala – « Borderline »
Rien ne divise les fans comme les versions studio en duel de la même foutue chanson. L’histoire de « Borderline », le single principal du quatrième LP euphorique de Tame Impala, Slow Rush, est la suivante : Kevin Parker a sorti la chanson en avril 2019, s’est rendu compte qu’il n’était pas satisfait du mixage et l’a retravaillé – en augmentant la ligne de basse synthétique, en échangeant quelques paroles et en éliminant le « ahhh » apprécié des fans dans les premières secondes du morceau. La nouvelle version est apparue sur l’album en février ; l’original a été retiré du streaming, mais il est toujours disponible sur YouTube. Quelle que soit la version que vous préférez, il s’agit toujours d’un morceau de psychopompe à couper le souffle, l’un des meilleurs vers d’oreille de Parker. Quel fan pourrait nier l’échantillon de flûte exaltant, le rythme hip-hop entraînant et la rêverie générale de la production ? Pourtant, il y aura des irréductibles qui se tiendront les bras croisés lors de la prochaine tournée de Tame, se plaignant à leurs amis : « J’aimerais qu’il joue la vraie chanson ». – B.O.
8. Caribou – « New Jade »
« Dolla dealin’ passer ? » « Dolphin dealer passif ? » La boucle vocale échantillonnée qui ouvre « New Jade » est essentiellement du charabia – Dan Snaith a écrasé le son dans une nouvelle forme étrange, façonnant encore une autre accroche électronique hypnotique à partir d’un bribe de mélodie d’une seconde. Après quelques répétitions de la ligne, la langue parlée ressemble à une langue familière. De nouvelles questions surgissent : est-ce un synthé ou une guitare à hauteur variable ? Attendez, un dulcimer martelé ? – R.R.
7. Waxahatchee – « Fire »
Katie Crutchfield atteint le sommet de l’hymne de la route avec cet hommage vitré au pouvoir de l’amour de soi – le moment le plus chaleureux et le plus sage de Saint Cloud, son LP Waxahatchee le plus chaleureux et le plus sage. Par le biais d’un piano électrique discret, d’une guitare remuante en sourdine et finalement d’un rythme de batterie lent, Crutchfield s’épanche sur le partenaire le plus important de tous : elle-même. « Si je pouvais t’aimer inconditionnellement », chante-t-elle avec un soupçon de twang, « je pourrais aplanir les bords du ciel le plus sombre ». – R.R.
6. The Weeknd – « Blinding Lights »
Lorsque The Weeknd a sorti les deux premiers singles d’After Hours la même semaine, la course au classement entre les morceaux s’est jouée comme l’histoire de la tortue et du lièvre. Le morceau « Heartless », produit par Metro Boomin, a atteint la première place, mais a rapidement chuté, et au cours des mois suivants, le monde a découvert les charmes supérieurs de l’hommage synth-pop des années 80 « Blinding Lights ». Michael Sembello a écrit « Maniac » pour un film d’horreur avant qu’il ne soit réutilisé pour Flashdance, et le brillant et légèrement inquiétant « Blinding Lights » sonne un peu comme si Abel Tesfaye et Max Martin avaient transformé « Maniac » en une chanson pour un film d’horreur. – A.S.
5. Cardi B (feat. Megan Thee Stallion) – « WAP »
Cardi B et Megan Thee Stallion sont imparables à elles seules, avec une longue série de hits qui ont atteint les sommets des charts et sont instantanément devenus des classiques. Il était tout naturel qu’en unissant leurs forces, ils finissent par créer l’une des plus grandes chansons de l’année. Le duo a sauvé le plus morne des étés avec un tube racoleur sur le plaisir sexuel féminin, qui a suscité un engouement pour la danse sur TikTok et des mèmes à profusion. Il oscille entre sensualité et comédie – personne ne regardera plus jamais les macaronis dans une marmite de la même façon. – T.T.
4. The 1975 – « If You’re Too Shy (Let Me Know) »
Matt Healy personnifie l’agitation de l’identité millénaire, alors qui de mieux que le leader de 1975 pour documenter la tristesse, l’hilarité, la maladresse et – juste peut-être – l’euphorie de l’appel érotique du Zoom ? Après un tourbillon d’ambiance fantomatique, avec la voix chorale de FKA twigs parmi la réverbération, le groupe se glisse dans le genre de révisionnisme des années 80 que peu d’autres peuvent faire de manière convaincante. Il y a un plan de guitare brillant, à l’octave élevé. Il y a un solo de saxophone qui fait le lien entre « True » de Spandau Ballet et « Midnight City » de M83. Et puis il y a Healy, qui raconte son accrochage FaceTime avec des détails de journal. « Je voulais juste une fin heureuse », chante-t-il. Maintenant nous avons tous besoin d’une serviette. – R.R.
3. Fiona Apple – « Heavy Balloon »
Chaque hymne de Fiona Apple est bien mérité. L’auteur-compositeur-interprète a une abondance de chansons sur la lutte – avec elle-même, avec les hommes, avec l’industrie, avec le monde. « Heavy Balloon » voit Apple surmonter triomphalement les conneries et trouver la victoire et la confiance en elle-même. « I spread like strawberries / I climb like peas and beans » est un mantra qui sera probablement tatoué sur les bras et les estomacs des gens dans les années à venir. C’est un rappel que nous avons le contrôle sur nous-mêmes, sur nos perceptions de nous-mêmes et sur nos capacités. – Danielle Chelosky
2. Run the Jewels – « Yankee and the Brave (Ep. 4) »
« Nous ne voulons pas de mal / Mais nous voulons vraiment dire tout le manque de respect, » El-P et Killer Mike déclarent sur « Yankee and the Brave (Ep. 4) ». C’est une thèse appropriée pour le quatrième album impitoyable de ce duo lié par le sang, qui agite le doigt du milieu. Au lieu d’une intro subtile ou d’une ouverture à combustion lente, RTJ4 sort de l’emballage avec fureur et détermination, ces vétérans du rap rimant des virelangues les uns avec les autres, s’en prenant aux flics racistes et aux charlatans milliardaires, et s’imaginant comme un duo de télévision fictif des années 70 appelé Yankee and the Brave. Comme une grande partie de RTJ4, c’est un hommage à la vieille école, un retour à l’époque où les duos de rap se nourrissaient mutuellement de leur énergie et rimaient sur des échantillons de batterie Cold Grits. Les historiens du futur noteront que RTJ4 a été enregistré avant et est sorti presque immédiatement après l’assassinat de George Floyd par la police, s’inscrivant dans un climat national de juste colère, de chagrin et de soulèvement de masse. – Zach Schonfeld
1. Bartees Strange – « Boomer »
Ce single vertigineux de Live Forever était une autre affiche qui disait : Si vous n’écoutez pas Bartees Strange, vous faites quelque chose de mal. S’ouvrant sur un rap infectieux et virant vers l’emo et le country-rock, la chanson explore l’ambition de Bartees – en tant qu’artiste et dans la vie en général. « Et juste au moment où j’ai tous mes espoirs, quelque chose explose / Seigneur, je ne gagne jamais », hurle-t-il, mais c’est suivi d’une déclaration d’espoir : « Tu ne peux pas me faire de mal ». C’est vrai ; la chanson elle-même prouve que Bartees ne peut pas être ignoré. – D.C.
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