Les 50 meilleurs guitaristes de jazz de tous les temps

49 : Norman Brown (né en 1970)

Jimi Hendrix et les Isley Brothers ont été les premières influences de ce guitariste originaire de Kansas City, lauréat d’un Grammy, mais il a changé de direction après avoir entendu Wes Montgomery. Dans les années 90, Brown a commencé sa carrière solo en servant un amalgame de bon goût de lignes mélodiques dignes de George Benson sur des grooves de smooth jazz musclés et sensuels.

48 : Mary Osborne (1921-1992)

Les guitaristes féminines sont rares dans le jazz, mais cette piqueuse de cordes du Dakota du Nord, dont les racines musicales entremêlaient le ragtime et la musique country, pouvait certainement plus que tenir tête aux guitar-slingers masculins. Osborne a pris New York d’assaut dans les années 40 mais n’a fait que quelques disques sous son propre nom.

47 : Russell Malone (né en 1963)

Bien qu’il soit très demandé en tant que sideman (ses crédits incluent Jimmy Smith, Diana Krall, Roy Hargrove, Harry Connick Jr, et Sonny Rollins), ce guitariste de Géorgie a une série de bons albums solo à son nom. Malone adopte une approche plus traditionnelle, directe et teintée de bop de la guitare jazz, privilégiant une sonorité riche et moelleuse et combinant des mélodies de type cor de Grant Green à des séquences d’accords subtiles.

46 : Emily Remler (1957-1990)

Une tragique crise cardiaque a privé le monde du talent de cette guitariste née à Manhattan, qui avait commencé à jouer à l’âge de 10 ans. Bien que redevable à ses inspirateurs, Wes Montgomery et Joe Pass, Remler a gagné sa place parmi les meilleurs guitaristes de jazz de l’histoire grâce au développement de son propre style, qui combinait une grâce langoureuse et une intelligence émotionnelle avec un travail virtuose du manche.

45 : Charlie Hunter (né en 1967)

Non content de la guitare normale à six cordes, Hunter, originaire du Rhode Island, préfère jouer sur des instruments à sept et huit cordes fabriqués sur mesure, sur lesquels il peut jouer des lignes de basse et créer des motifs contrapuntiques. Membre du groupe The Disposable Heroes Of Hiphoprisy de Michael Franti au début des années 90, il a entamé une carrière solo peu après, passant cinq ans au Blue Note. Mariant son ADN de jazz avec des éléments de funk, de R&B, de rock et de pop, Hunter est l’auteur d’un son et d’un style inclassables qui font de lui une voix unique parmi les meilleurs guitaristes de jazz du monde.

44 : Kurt Rosenwinkel (né en 1970)

Ne rechignant pas à utiliser une panoplie de pédales d’effets et de synthétiseurs pour guitare – anathème pour la plupart des guitaristes de jazz straight-ahead – ce fils de Philadelphie aime aussi prendre des risques créatifs et expérimenter dans divers cadres musicaux. Il a notamment collaboré avec la troupe de hip-hop A Tribe Called Quest et son leader, Q-Tip. Un joueur imprévisible qui surprend toujours.

43 : Julian Lage (né en 1987)

À l’avant-garde de la toute nouvelle génération de stars de la guitare jazz, Lage est originaire de Santa Rosa, en Californie, et était un enfant prodige qui est allé travailler avec le maestro du vibraphone Gary Burton alors qu’il était adolescent. Bien qu’il n’ait que quatre albums solo à son actif, la réputation de Lage est en plein essor, grâce à son talent, son imagination et la création d’un son qui lui est propre. Bien que jeune, il a l’étoffe d’un talent qui pourrait grimper encore plus haut dans les rangs des meilleurs guitaristes de jazz du monde dans les années à venir.

42 : Earl Klugh (né en 1953)

Disciple de la guitare espagnole à cordes de nylon, Klugh, né à Détroit, a été inspiré à prendre l’instrument après avoir vu la star country Chet Atkins à la télévision. Précocement talentueux, il a été encadré par le grand jazzman Yusef Lateef, puis a joué avec George Benson avant de s’imposer comme artiste solo à la fin des années 70. Musicien sensible et de bon goût, dont les filigranes limpides de la touche sont rendus avec grâce, le son saisissant de Klugh est un mélange de simplicité et d’élégance.

41 : James « Blood » Ulmer (né en 1940)

Au début, Ulmer était un gratteux de rhythm’n’blues orthodoxe, mais il a radicalement transformé son style au début des années 70 en tombant sous le charme d’Ornette Coleman, la fine fleur du free jazz, et du concept harmolodique révolutionnaire de ce dernier (un système unique d’improvisation collective). En conséquence, Ulmer a créé un idiome discursif défini par des accords grattés et des éclats mélodiques déchiquetés. Plus récemment, Ulmer a exploré ses racines blues, bien que son approche sui generis de la guitare jazz reste inégalée parmi les meilleurs guitaristes de jazz de l’histoire.

40 : Eric Gale (1938-1994)

Un as de la session prolifique à l’oreille parfaite dont le principal domaine musical était le R&B et le funk, Gale – comme l’attestent certains de ses albums solo – pouvait également jouer de la guitare jazz méchante et dextrement influencée par le bop. À la racine de son son, il y avait un noyau de blues profond, qui se manifestait par un ton plaintif et criard à la BB King.

39 : Eddie Lang (1902-1933)

Architecture cruciale de l’évolution de la guitare swing des big bands (il a joué dans les grands ensembles de Paul Whiteman et de Bing Crosby au début des années 30), Lang (né Salvatore Massarro) gagne sa place parmi les meilleurs guitaristes de jazz du monde grâce au rôle central qu’il a joué pour faire accepter la guitare comme un instrument de jazz viable (en remplacement du banjo traditionnel). Une énorme influence sur Django Reinhardt, Eddie Lang est à juste titre salué comme le « père de la guitare jazz ».

38 : Larry Carlton (né en 1948)

Comme ses contemporains Steve Khan et Lee Ritenour, Larry Carlton était un guitariste de session de premier choix dans les années 70 et son son blues-rock distinctif, inspiré du jazz, a défini des albums séminaux tels que The Royal Scam de Steely Dan et Hejira de Joni Mitchell. Le propre travail de Carlton a été plus orienté vers la fusion, ses premiers albums étant un précurseur de ce que l’on appelle aujourd’hui le smooth jazz.

37 : Laurindo Almeida (1917-1995)

Venant de São Paulo, l’autodidacte Almeida a obtenu son passeport pour les États-Unis en écrivant la lucrative chanson « Johnny Peddler », qui a été un succès pour le groupe vocal The Andrews Sisters. Il a ensuite rejoint le groupe de Stan Kenton et, en plus d’être un artiste prolifique, a trouvé beaucoup de travail en tant que musicien de session sur la côte ouest. À l’aise avec les guitares acoustiques et électriques, Almeida était un pionnier qui mélangeait le jazz avec les sons et les styles du Brésil.

36 : George Van Eps (1913-1998)

Avec son timbre doux et bien équilibré, ce guitariste né dans le New Jersey a d’abord été attiré par le banjo quand il était jeune, mais après avoir entendu Eddie Lang jouer avec des big bands, il est passé à la guitare. Il fait ses débuts à la radio à l’âge de 13 ans puis, dans les années 30, alors que sa notoriété prend de l’ampleur, il joue dans plusieurs big bands, dont celui de Bennie Goodman. Van Eps a conçu sa propre guitare à sept cordes, ce qui lui a permis d’ajouter des notes de basse plus graves et de développer son propre style de finger-picking.

35 : Sonny Sharrock (1940-1994)

Peu de guitaristes de jazz parmi les meilleurs au monde peuvent également se targuer d’avoir commencé à chanter du doo-wop dans les années 50. C’est ainsi que le New-Yorkais Warren « Sonny » Sharrock a commencé sa carrière, même si, dans les années 60, il est devenu l’une des figures de proue de la guitare jazz d’avant-garde. Le saxophone était son instrument de prédilection (il était tombé amoureux du son de John Coltrane) mais son asthme l’empêchait de jouer d’un instrument à vent. Au lieu de cela, il s’est tourné vers la guitare, et son style caractéristique – qui était fort et funky – utilisait des lignes de tête semblables à celles des cors ainsi que des retours d’ampli de style rock.

34 : Howard Roberts (1929-1992)

Venant de Phoenix, en Arizona, Roberts a pris sa première guitare à l’âge de huit ans et travaillait professionnellement à 15 ans. Il déménage à Los Angeles et est rapidement demandé comme as de la session, travaillant finalement avec le groupe d’élite de sessionneurs connu sous le nom de The Wrecking Crew. Adepte de la « cool school » de la côte ouest, le style de Roberts associe une retenue émotionnelle détachée à une virtuosité technique à fleur de peau. En plus d’enregistrer de nombreux albums solo pour une pléthore de labels, il a également travaillé comme producteur de disques. En dehors du jazz, Roberts est apparu sur des chansons des Monkees et des Electric Prunes.

33 : Kevin Eubanks (né en 1957)

Neveu du pianiste de jazz Ray Bryant, Eubanks, né à Philadelphie, est arrivé à la guitare après s’être essayé au violon et à la trompette. Il a connu la gloire lorsqu’il s’est installé à New York en 1980 et a joué avec Art Blakey. En 1983, Eubanks sort son premier album et enregistre régulièrement depuis. Guitariste dextre, à l’aise avec les instruments électriques et acoustiques, Eubanks combine des lignes mélodiques fluides avec des effets percussifs nets et un contenu harmonique somptueux.

32 : Bill Connors (né en 1949)

Bien que son mandat au sein de Return To Forever ait été court et éclipsé par l’arrivée de son flamboyant remplaçant, Al Di Meola, en 1974, Connors a joué sur l’album phare du groupe, Hymn Of The Seventh Galaxy, et prend sa place parmi les meilleurs guitaristes de jazz du monde grâce à son importance dans l’évolution de la guitare jazz-rock. Le guitariste de Los Angeles a créé une signature, un style facilement identifiable fusionnant des chromatiques jazz et des changements d’accords avancés avec des éléments de blues et de rock.

31 : Steve Khan (né en 1947)

Le fils du célèbre auteur-compositeur Sammy Cahn, Steve Khan a excellé en tant que sideman de studio polyvalent (ses crédits vont de Steely Dan et Bob James à Billy Joel et Aretha Franklin) tout en poursuivant une carrière solo qui lui a valu deux nominations aux Grammy Awards. Dans les années 70, Khan a réussi à fusionner le jazz et le rock et a ensuite ajouté des saveurs latines piquantes pour élargir sa palette stylistique. Enregistrant encore régulièrement, Khan est l’un des guitaristes de jazz prééminents travaillant aujourd’hui.

30 : Lee Ritenour (né en 1952)

Nicknamed Captain Fingers, Ritenour, né à Los Angeles, a enregistré avec The Mamas & The Papas alors qu’il était encore adolescent avant de devenir un as de la session très demandé dont les clients comprenaient Frank Sinatra, Barry White et Aretha Franklin. La carrière solo de Ritenour a décollé en 1976 lorsqu’il a suivi une voie de fusion plus funky, plus légère et moins grandiose que des groupes comme Return To Forever. Il est également un ancien membre de l’influent groupe de smooth jazz Fourplay.

29 : Pat Martino (né en 1944)

Ce maître de la hache de Philadelphie (né Pat Azzara) est un métamorphe musical qui peut passer du jazz straight-ahead à la fusion et au post-bop au simple toucher d’un plectre. Il a fait son apprentissage avec les jazzmen soul Willis Jackson, Brother Jack McDuff et Richard « Groove » Holmes avant d’entamer sa carrière solo dans la seconde moitié des années 60. Désireux de partager ses connaissances, Martino a également écrit des manuels sur les approches du jeu de guitare.

28 : Ralph Towner (né en 1940)

Malgré le fait qu’il soit maintenant assis confortablement parmi les meilleurs guitaristes de jazz du monde, la guitare n’était pas le premier instrument de choix de Ralph Towner. Il a débuté à la trompette, puis est passé au piano, avant d’arriver finalement à la guitare classique, qu’il a étudiée en Autriche pendant deux ans. Après avoir fait ses armes au sein du Paul Winter Consort, Towner a cofondé en 1970 Oregon, un groupe entièrement acoustique qui mêlait jazz de chambre et sonorités orientales et qui a été un précurseur de la musique New Age. Bien que le groupe soit encore solide aujourd’hui, Towner a également connu une carrière solo fertile, et son travail de guitare saisissant – limpide et cristallin – reste une chose de toute beauté.

27 : John Abercrombie (1944-2017)

Artiste discographique prolifique pour le label ECM de Manfred Eicher, basé à Munich, depuis les années 70, ce New-Yorkais d’origine citait Chuck Berry et Barney Kessel parmi ses influences. Membre du groupe pionnier de jazz-rock Dreams, dans les années 70, Abercrombie a joué avec des gens comme Gil Evans et dans le supergroupe Gateway, tout en développant un son chaud, aux teintes pastel, imprégné d’un lyrisme mélodique.

26 : Bill Frisell (né en 1951)

Élève des grands de la guitare jazz Johnny Smith et Jim Hall, Frisell, originaire du Maryland, a trouvé sa propre niche stylistique en mélangeant le jazz avec des éléments de la musique country, folk et rock. Sa capacité à créer une ambiance ou une atmosphère particulière à l’aide d’effets fait également partie de son style. Un guitariste éclectique et polyvalent qui a contribué à repousser les limites de l’instrument.

25 : Freddie Greene (1911-1987)

Venant de Caroline du Sud, Green a longtemps été un pilier du groupe de Count Basie et a passé près d’un demi-siècle avec l’aristocrate du jazz. Il a commencé au banjo avant de passer à la guitare à six cordes, et a connu la gloire à l’époque du big band swing. Prenant rarement des solos, Greene préférait aider à diriger la section rythmique en fournissant un accompagnement d’accords fluides et percutants. Il a écrit le livre sur la guitare de big band payante.

24 : Herb Ellis (1921-2010)

Il y a un léger mais perceptible twang country dans le style ancré dans le bebop de ce célèbre guitariste texan, qui est entré dans le radar de la plupart des aficionados du jazz grâce à sa présence indispensable dans le trio d’Oscar Peterson au cours des années 50. Avec les autres sommités du fretboard Joe Pass, Charlie Byrd et Barney Kessell, Ellis a cofondé un supergroupe de guitare jazz appelé The Great Guitars.

23 : Al Di Meola (né en 1954)

Véritable roi de la vitesse du fretboard, Di Meola, originaire du New Jersey, a fusionné l’intensité passionnée et fugace des doigts de la musique flamenco avec le crunch viscéral du rock latin Santana-esque. Il a été arraché à l’obscurité à l’âge de 19 ans lorsqu’il a remplacé Bill Connors dans le Return To Forever de Chick Corea, puis il s’est forgé une carrière solo réussie.

22 : Lenny Breau (1941-1984)

Auburn, dans le Maine, et né dans une famille de musiciens de country, Breau a fait partie du groupe de sa famille pendant plusieurs années lorsqu’il était adolescent, mais il est parti après avoir mis son père en colère en jouant un solo influencé par le jazz. Après cela, le brillant technicien Breau a gravité vers le jazz et a également assimilé la musique flamenco, ce qui a donné lieu à un style personnel distinctif qui n’a jamais oublié ses racines country.

21 : Mike Stern (né en 1953)

Né Mike Sedgwick à Boston, Stern a joué dans le groupe de fusion du batteur Billy Cobham dans les années 70 avant de rejoindre un Miles Davis renaissant sur la piste du retour en 1981. Après avoir quitté Miles en 83, Stern a entamé une carrière solo qui l’a vu s’épanouir en un guitariste complet capable de marier la puissance viscérale du blues et du rock avec le vocabulaire avancé du jazz.

20 : John Scofield (né en 1951)

Comme son contemporain Mike Stern, Scofield, né dans l’Ohio, a joué de la fusion avec Billy Cobham, puis a rejoint un Miles Davis rajeuni pendant deux ans (il était le remplaçant de Stern). Avec son ton acerbe et ses tirettes de cordes infusées de blues, Scofield a développé un style immédiatement reconnaissable et a enregistré dans une variété de styles époustouflante (embrassant le jam band funk, le jazz orchestral et même la musique country).

19 : Charlie Byrd (1925-1999)

Promoteur du jazz à la guitare acoustique classique à cordes en nylon, Byrd, né en Virginie, a étudié avec le maître espagnol André Segovia, puis a commencé à faire sa marque en tant qu’artiste du disque à la fin des années 50. Sa plus grande percée dans le grand public est l’album novateur Jazz Samba, enregistré en tandem avec le saxophoniste Stan Getz en 1962, qui fusionne l’improvisation jazz avec les sinueux rythmes brésiliens et le place instantanément sur la carte comme l’un des meilleurs guitaristes de jazz au monde. Le son de Byrd, avec ses filigranes gossamiques piqués au doigt, est unique dans le jazz.

18 : Allan Holdsworth (1946-2017)

Sorte de polymathe musical, ce super guitariste de jazz britannique a fait progresser le vocabulaire de son instrument en utilisant des gammes inhabituelles et en absorbant des éléments du rock progressif (notamment des pédales d’effets). Bien qu’il utilise souvent le finger-picking orné, il aimait articuler les mélodies dans un style lisse et legato, reflétant son intérêt pour le son du saxophone.

17 : Larry Coryell (né en 1943-2017)

Souvent surnommé The Godfather Of Fusion, Coryell, né à Galveston (de son vrai nom Laurence Van DeLinder III), était le remplaçant de Gabor Szabo dans le groupe de Chico Hamilton et a commencé à se faire connaître à la fin des années 60 en tant que partisan d’un nouvel hybride musical appelé jazz-rock. Il a dirigé son propre groupe de fusion, Eleventh House, dans les années 70 et s’est ensuite associé à John McLaughlin et Paco de Lucía pour former The Guitar Trio. Un dieu de la hache extrêmement influent qui a comblé le fossé entre le jazz et le rock, Coryell restera à jamais dans les mémoires comme l’un des meilleurs guitaristes de jazz à avoir jamais pris l’instrument.

16 : Jimmy Raney (1927-1995)

Remplaçant de Tal Farlow au sein du Red Norvo Trio, Raney, originaire du Kentucky, s’est diversifié en tant que chef d’orchestre au milieu des années 50, triomphant à deux reprises dans les sondages du magazine DownBeat sur le meilleur guitariste à cette époque. Son style éloquent, avec ses lignes mélodiques lucides et ses harmonies froides, lui a valu de nombreux fans et ses nombreux crédits incluent des enregistrements avec Stan Getz, Oliver Nelson, Lalo Schifrin et Eddie Harris.

15 : John McLaughlin (né en 1942)

Miles Davis était tellement épris du jeu de guitare de McLaughlin qu’il a donné son nom à une chanson (sur Bitches Brew). Avant cela, cette divinité de la hache originaire du Yorkshire s’est fait un nom en tant que musicien de session de première classe à Londres dans les années 60, où il est apparu sur une myriade de disques pop et R&B. Il a joué avec Lifetime de Tony Williams avant de cofonder, dans les années 70, l’influent supergroupe jazz-rock Mahavishnu Orchestra. Alliant la brillance technique à la profondeur émotionnelle et à une véritable appréciation de la musique indienne, McLaughlin reste l’un des meilleurs guitaristes de jazz au monde, et a ouvert la voie au jazz-rock pendant cinq décennies.

14 : Gabor Szabo (1936-1982)

Avec son mélange de musique folklorique tzigane hongroise, de vamps modaux étendus, de ragas indiens et de coloration psychédélique, ce guitariste polyvalent né à Budapest a exercé une énorme influence sur le dieu de la hache mexicain Carlos Santana. Sa montée en puissance a été accélérée par sa présence dans le groupe de jazz avant-gardiste de Chico Hamilton au début des années 60, avant qu’il ne se lance dans une carrière solo couronnée de succès.

13 : Johnny Smith (1922-2013)

Originalement originaire de Birmingham, en Alabama, Smith était un musicien au talent précoce qui a appris à jouer de la guitare dès la préadolescence en traînant dans les monts-de-piété locaux. Sa polyvalence (il a fait des tournées avec un groupe de hillbilly avant de s’orienter vers le jazz et pouvait jouer du swing, du bebop et de la musique classique d’avant-garde) lui valait d’être très demandé. Smith était également un compositeur remarqué : sa chanson classique de 1954 « Walk, Don’t Run » est devenue un standard instrumental et a été un succès pour Chet Atkins et plus tard, en 1964, The Ventures.

12 : Stanley Jordan (né en 1959)

En 1985, ce sorcier du fretboard né à Chicago, alors âgé de 26 ans seulement, a fait sensation avec son premier disque Blue Note, Magic Touch, qui présentait la technique remarquablement peu orthodoxe de Jordan consistant à jouer de la guitare en tapant sur la touche du bout des doigts pour produire des sons. La dextérité numérique de Jordan était telle que, comme un pianiste, il pouvait articuler des mélodies et des accords en même temps avec les deux mains. Un talent phénoménal qui a plus que mérité sa place parmi les meilleurs guitaristes de jazz du monde.

11 : Tal Farlow (1921-1998)

Le Nord-Carolinien Talmadge Farlow était un guitariste autodidacte qui, à ses débuts, travaillait comme peintre d’enseignes le jour et musicien la nuit. Il a eu l’idée de fabriquer lui-même sa première guitare électrique après avoir entendu Charlie Christian avec le groupe de Benny Goodman. Sa carrière solo prend de l’ampleur au milieu des années 50 et il acquiert rapidement le surnom de The Octopus, qui fait référence à la combinaison de ses grandes mains et de ses prouesses techniques à couper le souffle.

10 : Pat Metheny (né en 1954)

Ce sorcier caméléon du Missouri, dont les crédits d’albums vont de David Bowie et Joni Mitchell à Ornette Coleman, cite l’influence de Wes Montgomery et Jim Hall comme des éléments clés dans la fondation de son style unique. Lyrique, riche en harmonies et pourtant résolue à abolir les frontières musicales, la musique changeante de Metheny est difficile à classer, mais cela ne l’a pas empêché de remporter 20 Grammy Awards. Non seulement l’un des meilleurs guitaristes de jazz de l’histoire, Metheny est, sans aucun doute, le guitariste le plus progressiste du jazz à l’heure actuelle.

9 : Joe Pass (1929-1994)

Natif du New Jersey et d’ascendance sicilienne, Pass (né Joe Passalaqua) a commencé à jouer de la guitare à l’âge de neuf ans et a progressé si rapidement qu’il donnait des concerts à l’âge de 14 ans. Guitariste extrêmement polyvalent, il a breveté un style singulier et novateur qui lui permettait d’articuler des lignes mélodiques à l’aide de séquences habiles de progressions d’accords. Pass a passé de nombreuses années à accompagner la chanteuse Ella Fitzgerald et a également beaucoup joué avec le pianiste Oscar Peterson.

8 : Kenny Burrell (né en 1931)

Sideman incontournable tout en étant un artiste discographique à part entière, Burrell, né à Détroit, s’est inspiré de la musique blues ainsi que de Charlie Christian et Django Reinhardt. Il a commencé à jouer de la guitare à l’âge de 12 ans et a fait ses débuts sur disque huit ans plus tard avec le trompettiste Dizzy Gillespie. Burrell est devenu une figure clé du mouvement hard bop et peut aussi bien jouer de manière soul que de swinguer. Sa myriade de crédits va de Sonny Rollins et Donald Byrd à Billie Holiday et Tony Bennett.

7 : Barney Kessell (1923-2004)

Membre de la mafia des sessions de Los Angeles des années 60, surnommée The Wrecking Crew, ce maître de la guitare était originaire de Tuskegee, dans l’Oklahoma, et s’est fait connaître dans les années 50, à la fois comme leader et comme sideman (il a notamment accompagné la chanteuse Julie London sur son LP de 1955, Julie Is Her Name, sur lequel figurait « Cry Me A River »). Comme il se doit, pour l’un des meilleurs guitaristes de jazz de l’histoire, Kessell a joué avec les grands et les bons du monde du jazz (tout le monde de Billie Holiday à Sonny Rollins) et a été remarqué pour son son moelleux et son choix judicieux d’accords.

6 : Grant Green (1935-1979)

Artiste prolifique chez Blue Note dans les années 60 et au début des années 70, Green, originaire de St Louis et influencé par les cornistes du bebop, a adopté une approche linéaire de la guitare, privilégiant les lignes mélodiques uniques à l’accompagnement par accords. Son esthétique minimaliste, less-is-more, avec son phrasé imprégné de blues, était souvent mise en valeur dans le cadre d’un trio d’orgue.

5 : George Benson (né en 1943)

Influencé par Charlie Christian et encadré par Wes Montgomery (il est souvent considéré comme l’héritier présomptif de ce dernier – il n’y a pas de plus beau compliment pour l’un des meilleurs guitaristes de jazz au monde), ce manieur de guitare né à Pittsburgh était un enfant prodige qui est devenu une superstar du jazz et de la soul dans les années 70 lorsqu’il s’est réinventé en tant que chanteur. Frettiste dextre issu de l’école soul-jazz, la carte de visite de Benson est de faire un scat vocal tout en doublant la mélodie à la guitare. Probablement le plus grand guitariste de jazz vivant actuellement.

4 : Jim Hall (1930-2013)

Né à Buffalo, dans l’État de New York, Hall, élevé dans l’Ohio, a commencé à jouer de la guitare à l’âge de 10 ans et a eu une épiphanie qui a changé sa vie lorsqu’il a entendu pour la première fois Charlie Christian, qui a eu une profonde influence sur son propre style. Reconnu pour sa sonorité chaleureuse et moelleuse, Hall est un maître de l’utilisation de l’espace et de la création de contrastes tonaux. Il gagne sa place parmi les meilleurs guitaristes de jazz du monde grâce à un choix éclectique de collaborateurs et à un large éventail de contextes musicaux qui ont contribué à élargir le lexique de la guitare de jazz.

3 : Charlie Christian (1916-1942)

Véritable révolutionnaire de la guitare de jazz, Christian, né au Texas, s’est fait connaître dans le groupe de Benny Goodman pendant les années 1939-41. Il a été le pionnier de la guitare électrique dans le jazz, ce qui, combiné à son penchant pour l’utilisation de lignes à une seule note (comme un corniste), a sorti l’instrument de la section rythmique et l’a mis au premier plan, en en faisant un instrument solo valable. Un des premiers partisans de ce qui a évolué vers le bebop, Christian n’avait que 25 ans lorsqu’il est mort, succombant à la tuberculose.

2 : Django Reinhardt (1910-1953)

Père fondateur du jazz « hot » européen d’influence swing dans les années 30, ce Rom d’origine belge se targuait d’une prodigieuse capacité technique bien qu’il ne jouait qu’avec son pouce et deux majeurs (après qu’un incendie ait laissé ses deux autres doigts paralysés). Il était capable de combiner la vitesse, la précision et une éblouissante dextérité manuelle avec l’imagination et un sentiment profond. Un véritable géant du jazz dont le jeu ne cesse d’étonner.

1 : Wes Montgomery (1923-1968)

En tête de notre liste des meilleurs guitaristes de jazz de tous les temps se trouve un génie du fretboard vénéré et profondément influent d’Indianapolis qui ne pouvait pas lire une note de musique. Montgomery s’inspirait du phrasé bebop de son idole, Charlie Christian, mais proposait un style harmonique plus avancé qui incorporait des accords de blocs et l’utilisation d’octaves parallèles. Il est mort trop jeune, mais sa musique et son influence perdurent.

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