Stílus és technika

Annie Pootoogook egyedi művészeti stílusban dolgozott, amely rövid pályafutása során összetéveszthetetlen maradt. Körülbelül tíz évig foglalkozott aktívan a rajzolással, bár későbbi életében is alkotott műveket. Elkötelezett maradt egy olyan rajzolási gyakorlat mellett, amely filctollat, ceruzát és színes ceruzát használt, hogy narratív, közvetlen és gyakran visszafogott kompozíciókat hozzon létre. Bár kísérletezett nagyméretű papírokkal, inkább kisebb, 51 x 66 cm-es lapokkal dolgozott. Ám függetlenül attól, hogy Annie milyen méretet választott kompozíciói elkészítéséhez, azok mindig óriási hatást gyakoroltak.

Kritikus anyagok és korai hatások

Annie Pootoogook gyakorlatában filctollat, grafitot, ceruzafestéket és papírt használt. Korai munkáinak változatos stílusai és technikái, mint például az Eating Seal at Home, 2001, és a Composition (Family Playing Cards), 2000-2001, a kísérletezésre és tanulásra való hajlandóságát mutatják. Annie hamar elsajátította a rajzolói médium technikai ismereteit. A papírra rajzolás régi hagyomány Északon, az 1950-es években kezdődött, és eredetileg az úgynevezett első generáció gyakorolta, amelyhez olyan neves művészek tartoznak, mint Annie nagyanyja, Pitseolak Ashoona (1904 körül).-1983) és Pudlo Pudlat (1916-1992).

Noha a vonalhasználata sok elődjéhez, köztük nagymamájához és édesanyjához, Napachie Pootoogookhoz (1938-2002) hasonló, Annie érett kompozíciói nagyban különböznek a korábbi inuit művészekétől. Az olyan művészek, mint Kenojuak Ashevak (1927-2013) és Mayoreak Ashoona (sz. 1946) munkáin mitikus állatok képei uralják a papírt. Annie ismert belső tereiről, amelyeket falakkal és padlóval, néha ajtóval és ablakokkal határoz meg. A szobát jellemzően berendezési tárgyak és hétköznapi tárgyak összevisszaságával tölti meg. A belső tereiben szereplő emberek úgy foglalják el a teret, ahogy az emberek általában teszik – kényelmesen és természetesen rendezkednek el. Amikor egy elszigetelt tárgyat mutat, például egy szemüveget vagy egy melltartót, az merészen, ikonként jelenik meg a papírfelület előtt. Bár Annie elődei jellemzően nem úgy komponáltak belső tereket vagy izoláltak tárgyakat, mint Annie, bizonyos műveket, különösen Napachie munkáit fontos előzményként ismerik el.

Napachie hatása Annie munkásságára olyan műveken látható, mint a Belső nézet, 2000. Kétségtelen, hogy Annie fiatalabb korában figyelte édesanyja rajzainak készítését; Napachie leíró, a mindennapi élet apró részleteit tartalmazó kompozícióinak nyomai Annie későbbi alkotásaiban is megfigyelhetők. A két művész munkái között közvetlen összefüggések is felfedezhetők. Például Napachie Trading Women for Supplies (1997-98) című rajza a nemi alapú kizsákmányolás sötétebb témáját ábrázolja. Annie is olyan műveket alkotott, mint például az A True Story, 2006, amely a közösségéből merített, nyugtalanító, valós eseményeket ábrázol. Napachie mentális egészséggel és bántalmazással folytatott küzdelmei Annie művészetére is hatással voltak. Miután végignézte, ahogy édesanyja rajzokat készít ezekről a nehéz tapasztalatokról, Annie is megalkotta a sajátjait, köztük a Man Abusing His Partner, 2002 és a Memory of My Life című műveket: Breaking Bottles, 2001-2. Tágabb értelemben mind Annie-t, mind az édesanyját gyermekkoruk emlékei inspirálták.

Annie kislányként sok időt töltött azzal, hogy ágyhoz kötött nagymamáját, Pitseolakot figyelte rajzolás közben. Pitseolak hatását láthatjuk Annie erős vonalvezetésében és – finomabb módon – Annie néhány témájában is. Például Pitseolak jellegzetes, fekete keretes szemüvege számos rajzán megjelenik, elárulva a kettejük közötti köteléket. Annie rajzolta a nagymamája portréját is.

Annie a Kinngait Stúdióban töltött ideje alatt termékenyen alkotott, és a stúdió munkatársai, különösen William (Bill) Ritchie támogatásával, aki arra bátorította, hogy erőltesse meg magát, kialakította a kortárs északi életről alkotott eredeti elképzeléseit. Annie úgy döntött, hogy az északi valóságot rajzolja meg: otthoni belső tereket, fogyasztási cikkeket és saját, fiatal nőként megélt életének töredékeit, melyekre olyan művek utalnak, mint a 2003-as Morning Routine (Reggeli rutin). Patricia Feheley műkereskedő és kurátor azt írja, hogy “Annie narratív tendenciái, aprólékos rajzkészsége és kortárs témái kiemelkednek az elsősorban a dizájn és a színek kérdéseivel foglalkozó grafika fél évszázadából.”

Vonal, perspektíva és színkísérletek

Annie szisztematikusan közelítette meg minden egyes rajzát: grafittal kezdte a körvonalakat, majd Finelinerrel dolgozta ki a részleteket, és egyre merészebb színes ceruzás területekkel fejezte be. Korábbi munkái a ceruza zsírkrétával való óvatosabb használatról árulkodnak, kevésbé telített árnyalatokkal és könnyedebb érintéssel. Későbbi munkái magabiztos színérzékről tanúskodnak, a vonások megfontoltak, élénkek és kemények. Hasonlóképpen, korábbi munkái két dimenzióban, ceruzával és Finelinerrel készültek, de egyre inkább kísérletezett a színekkel, árnyalatokkal és árnyékokkal, valamint a háromdimenziósabb látvány bemutatásával.

A művészek általában fekete-fehérben kezdenek dolgozni, ez az a gyakorlat, amellyel elkezdik kialakítani sajátos stílusukat. Annie esetében már korán elkezdte beépíteni a színeket, és erős érzéket mutatott a színekben rejlő lehetőségek iránt. A hárompontos perspektívát csak korlátozottan használta, bár e technika kezelése a tapasztalatok gyarapodásával javult. Fejlődése jól látható, ha összehasonlítunk egy olyan korai munkát, mint az Eating Seal at Home (2001) és a Composition (Kompozíció): Watching Porn on Television, 2005, az előtér, a középpont és a háttér kialakításával. Annie leginkább a mindennapi életet és rutinszerű tevékenységeket ábrázoló enteriőrjeiről ismert, beleértve a randevúra való készülődést, a vidéki ételek fogyasztását (a hagyományos inuit étrend, amely a földön fogott vagy gyűjtött dolgokból áll), a tévénézést vagy a kártyázást. Interieurjei sok kísérletezésről tanúskodnak. Egyesek, mint például a 2006-os Dr. Phil, sűrűn színezettek, míg mások perspektívát és mélységet sugalló technikákat alkalmaznak, hogy megmutassák az ajtón túli szobát.

Rövid pályafutása során Annie folytatta a ceruzarajzolás gyakorlatát, ahogy azt nagyanyja és édesanyja is tette. Korai rajzai, mint például a Cím nélkül (Varró nők), 2004, grafittal és filctollal készültek. Számos rajzán visszafogottan használja a színes ceruzát; a 2005-6-os Kompozíció (Családi portré) című rajzán egy vékony vörös hajpántot és három pár finom rózsaszín ajkakat illeszt be ügyesen egy lapos fekete formák és erős, vékony fekete vonalak által uralt kompozícióba fehér felületen. Néhány korábbi művén ceruzamunkái óvatosabbnak tűnnek. Ez a megközelítés lehet, hogy szándékos volt, de valószínűleg a képkészítésben való magabiztosságának javulásával egyre kényelmesebben kezdte használni a színeket. Ahogy haladt előre, úgy vált nyilvánvalóvá, hogy színérzéke kivételes; mesteri tudásáról tanúskodnak az érett munkáinak papírját telítő merész színvonalak. A sík felületekkel és a burkolt perspektívával játszó Holding Boots (2004) című művében a nő zoknija zöldjének kiegészítőit használja a rajz alapozására a guggoló piros térdek között.

Néhány későbbi munkájában Annie új, kísérleti hatások elérése érdekében markert, festéket és olajrudat használt. 2007-ben, amikor Montrealban élt, a Studio PM-ben Paul Machnik mutatta be neki az olajpálcikát. Ez az új médium Annie számára kísérlet maradt, és nem helyezte ugyanolyan fontossági sorrendbe, mint a színes ceruzát, a grafitot és a tintát. Azonban számos művet készített olajrúddal, amelyek közül a legjelentősebb (Kompozíció) Drawing of My Grandmother’s Glasses, 2007, egy nagyméretű, élénk színű rajz nagymamája azonnal felismerhető, fekete keretes szemüvegéről. Az alkotás 2007-ben az Art Toronto nemzetközi művészeti vásáron, az Art Toronto Art Gallery of Ontario, Toronto vásárlási díjat kapott.

Kompozíció a sulijuk hagyományban

Kompozíciós szempontból Annie munkái a sulijuk hagyományban (fordításban: “igaz” vagy “valódi”) állnak. Ez a gyakorlat egy északon látható munkamódszer, és a Kinngait Stúdióban bátorított megközelítés. Sok minden változott azonban azóta, hogy Annie elődei elkezdték megrajzolni a földön élés tapasztalatait; egy sokkal másabb Észak képeit komponálva Annie is a saját megélt és igaz valóságát rajzolta meg. Úgy ábrázolta az életet, ahogyan ő látta, olyan valóságot tárva fel, amely az Északot kevéssé ismerő kívülállók számára ellentmondásosnak tűnt azokkal a hagyományos szabadtéri jelenetekkel, amelyeket a dél-kanadai emberek elvártak az inuit művészek papírra vetett műveitől. Ez az őszinteség Annie eredetiségének forrása.

Az Annie színre lépésének időzítése is fontos. A Kinngait művészek kezdtek olyan rajzokat készíteni, amelyeket kész műalkotásként ismertek el. A rajz médiuma megadta Annie-nek a szabadságot, hogy saját megélt valóságának témáit dolgozza fel – nem kellett engednie annak az elvárásnak, hogy rajzai előkészítő munkák legyenek a metszetek előállításához, amely médium még mindig hagyományos asszociációkat hordozott. Bár Annie munkái bekerültek néhány Cape Dorset-i éves nyomtatványgyűjteménybe, a piacon a rajzai voltak a legkeresettebbek.

Karrierje kezdetén Annie sok kis belső és tábori jelenetet rajzolt, de ahogy művészi képességei fejlődtek, szabadon váltogatta a különböző kompozíciós sémákat. Ezek közé tartoznak az otthonok enteriőrjei, az ezekből a belső terekből kivett és elszigetelten megjelenített tárgyak, a vidéki élet vignettái, valamint a lapra központosított és kanyargó vonalakkal körülvett képek. Az eljárás aprólékos volt, nagy koncentrációt igényelt a kész művek kivitelezése.

Az egyszerű grafikai stílus, amely Annie művészetét jellemezte, eleinte vitatott volt a kurátorok és a gyűjtők körében egyaránt, mégis rendkívül népszerűnek bizonyult, különösen a kortárs művészet támogatói körében. Egyesek lekezelően megjegyezték, hogy egy gyerek is képes lenne hasonló munkára, vagy hogy naivnak tűnik. Ez a fajta kritika nem újdonság; több mint egy évszázada következetes reakció a modern és kortárs művészetre. Annie-val kapcsolatban azonban kevéssé volt hiteles. Tehetséges és szorgalmas volt; rajzkészségét szorgalmas munkával csiszolta, felhasználva az idősebbek tanításait, miközben igyekezett megkülönböztetni magát társaitól. Munkáinak eredetisége elkötelezettségéről, látásmódjáról és készségéről árulkodik.

Narratív realizmus

Annie legismertebb és legjobban dokumentált rajzai a narratív realizmus hagyományában állnak. Történeteket mesélnek el vagy dokumentálják az életét. Rajzai úgy ábrázolják az életet, ahogyan azt Kinngaitban megtapasztalta, az étkezéstől és a tévénézéstől kezdve a játékokon át a szexig. Otthoni enteriőrjei, amelyekről a legjobban ismert, gyakran számos valódi otthon összeállítása, és ezekben a jelenetekben ismerős motívumokat látunk, például ugyanazt a kávésbögrét, órát vagy műalkotást, amely különböző enteriőrökben ismétlődik. Például a Tea Time, Cape Dorset, 2003 és a Ritz Crackers, 2004 című alkotásokban is látható egy jellegzetes, virággal díszített kávéscsésze. Ezek a mindennapi életből vett motívumok a jelenbe helyezik a színpadot, nem pedig egy távoli múltba.

A narratív realizmus technikáján keresztül Annie eltökélte, hogy feltárja a mai Észak néhány nehéz társadalmi, gazdasági és fizikai valóságát. A 2002-ben megjelent Man Abusing His Partner Abusing His Partner (Egy férfi bántalmazza a párját) című regényében a családon belüli erőszakkal, a Memory of My Life (Az életem emlékezete) című regényében pedig a függőség problémájával kapcsolatos személyes küzdelmeit mélyíti el: Breaking Bottles, 2001-2. A 2001-es Shooting a Mountie (Lelőtt egy Mountie-t) az RCMP rendőrtisztjének, Jurgen Seewaldnak 2001-ben Kinngaitban történt tragikus meggyilkolását dokumentálja. Hasonlóképpen, a 2006-os A True Story (Egy igaz történet) című könyvében Annie emlékezetből idéz fel egy 1979-es tengeri balesetet, amikor Ningoseak Etidloi különleges közrendőr és Gordon Brooks közrendőr járőrözés közben megfulladt, amikor huszonnégy láb hosszú teherhajó kenujuk a Jeges-tengeren uralkodó zord körülmények között felborult. Állítólag a tisztek éppen Kuiga (Kiugak) Ashoona (1933-2014), Annie nagybátyja keresésére indultak, aki az előőrsi táborukban tartózkodott, és útközben rozmárvadászatot terveztek. Itt a különböző történetek egyetlen képben ötvöződnek, amely a vízbe fulladást, a hánykolódó testeket és a törött kenut, a rozmárvadászatot és a nagybátyja keresését mutatja egyetlen jelenetbe sűrítve.

A nehéz kérdések elismerése Annie édesanyjának, Napachie Pootoogooknak a későbbi munkásságát idézi, aki közösségének és saját életének nehézségeit ábrázolta néhány munkájában. E művek közül sok az 1960-as évek átmeneti időszakát, valamint az inuitok beköltözését és a kormány által épített településekre való beköltözését dokumentálja. Napachie 1996-ban kezdett el személyes életének epizódjaiból és néha bántalmazási jelenetekből meríteni, és ezt hat évvel későbbi haláláig folytatta. E művek közül néhányat a Három nő, három nemzedék című kiállításon mutattak be: Drawings by Pitseolak Ashoona, Napatchie Pootoogook and Shuvinai Ashoona című kiállításon, amelyet 1999-ben a McMichael Canadian Art Collection (Kleinburg, Ontario) és a Winnipeg Art Gallery rendezett. Csak néhány évvel később Annie saját, hasonló rajzai lettek a legikonikusabb képei.

Az idősebb Jimmy Manning egy 2005-ös interjúban azt mondta, hogy “Annie munkái olyanok, mint a ma és a tegnap… a mindennapi történések, a vásárlás, a zene, az ünnep”. De Manning azt is mondta: “Néha fájó érzéseket rajzol a szívéből, amelyeket nem fél papírra vetni.”

Pszichológiai rajzok

Caoimhe Morgan-Feir írja, hogy míg Annie belső és külső jelenetei színpadként funkcionálnak, téglalap alakú régiókkal, ahol a cselekvések zajlanak, addig a saját magára vonatkozó belső rajzai – a “pszichológiai rajzai” – figyelemre méltóak kanyargós vonalaik miatt, amelyek egy központi képet vesznek körül, amely gyakran mintha lebegne a lapon. Az egyik ilyen kép a Kompozíció (Gonosz szellem), 2003-4, ahol – írja Morgan-Feir – “egy köldökzsinórszerű vonal köti össze a figura száját a szellem nemi szervével, mindkettőt körbeölelve”. Morgan-Feir megjegyzi, hogy sok ilyen rajzban “a központi figurák a lap közepén ülnek, a belenyúló és kihurkolt elemekkel. Vannak formai hasonlóságok más jeleneteivel – nevezetesen az erős, tiszta vonalak, amelyeket ceruzával jelölt, mielőtt tussal ábrázolta volna.”

Egy illusztrációja ennek a stílusnak a Kompozíció (Szomorúság és megkönnyebbülés a bátyámért), 2006. Annie ezt a munkát Skóciában kezdte, ahol két hónapot töltött a Glenfiddich Artists in Residence programban való részvételével. Patricia Feheley részletesen interjút készített Annie-vel a munkájáról, és ezt a rajzot is megvitatták. Feheley így emlékszik vissza: “Elkezdett egy rajzot, és ott voltak ezek a fekete vonalak és dolgok….. És azt mondta: “Azért rajzolom ezt, mert feldúlt vagyok a bátyám miatt, mert letartóztatták, és azt hiszem, ezúttal börtönbe fogják zárni”. De másnap újra beszélt a családjával, és nem börtönözték be, hanem elengedték, és boldogan fejezte be a rajzot.”

Ez a levélváltás segít megmagyarázni Annie technikájának összetettségét: a görbe vonalak, piros pontok, sárga pontok és csillagok, amelyeket néhány művébe beépített, az alkotás közbeni pszichológiai állapotáról árulkodnak. Ezeket a motívumokat azért fejlesztette ki, hogy érzéseit a lapra kódolja. A pszichológiai rajzok egy része az északi valósággal való bonyolult összefonódások, a Kinngait Stúdió befolyása, Annie saját belső harcai és a világban való helyének megtalálásáért folytatott küzdelmeinek eredménye.

Nagyméretű munkák

Annie a Kinngait Studiosban megszokottnál nagyobb formátumú műveket készített. Bár a stúdiókban korábban is használtak nagyobb méretű papírokat, ennek a formátumnak soha nem volt piaca, mielőtt Annie kipróbálta volna magát. A 2000-es évek eleje előtt az inuit művészetet elsősorban magángyűjtők, nem pedig nyilvános múzeumok és galériák számára értékesítették, és a kisebb méretek általánosak voltak. Annie 2006-os kiállítása a torontói The Power Plant Contemporary Art Galleryben új lehetőséget kínált a nagyméretű rajzok kiállítására. A kortárs művészeti múzeumok általában nagyobb műveket követelnek meg, hogy hatalmas termeikben hatást keltsenek, és ez a követelmény sok művészt arra késztetett, hogy a lépték határait feszegesse. A 2005-ös Cape Dorset Freezer volt az első nagyméretű mű, amelyet Annie készített. Ehhez a rajzhoz egy nagy papírlapot kapott, amelyen a műteremben kezdett el dolgozni, de végül otthon fejezte be. Annie témájául egy új, falra szerelt fagyasztószekrényt választott, amelyet nemrég állítottak fel egy Kinngait-i üzletben. A sulijuk hagyományoknak megfelelően Annie aprólékosan ábrázolta a fagyasztó tartalmát és a boltban vásárlókat. Ez a rajz egy tour de force volt, és az ottawai National Gallery of Canada azonnal megvásárolta.

A Cape Dorset Freezer jelentős változást jelentett a Kinngait-i művészek rajzainak léptékében. Ez a precedens (nem szigorúan újítás – északon már korábban is próbálkoztak vele) elterjedt az egész műteremben. A művészek lelkesen követték Annie példáját, mivel ezek a nagyobb méretű művek magasabb árat értek el. Annie azonban továbbra is jól érezte magát a kisebb léptékben – a Fagyasztó volt a legnagyobb rajz, amelyet valaha készített. Jobban szerette a szabadságot, hogy gyorsan dolgozhasson, és könnyedén léphessen egyik képről a másikra. Más művészek azonban, mint például Annie unokatestvére, Shuvinai Ashoona (sz. 1961), izgalmas új módokon nyúltak a nagyméretű munkákhoz.

Grafika

Noha Annie leginkább a rajzairól ismert, 2003 és 2008 között rajzai szolgáltak forrásanyagként a Cape Dorset Annual Print Collection számára, amely nyolc grafikáját tartalmazta. Mivel Annie művészi karrierje rövid volt, így a Nyugat-Baffin Eskimó Szövetkezet számára készített nyomtatványai is rövidek voltak.

A Kinngait Studios 1959 óta nemzetközileg is elismert a Cape Dorset Annual Print Collection (Cape Dorset Éves Nyomtatványgyűjtemény) kiadása miatt. Fenntartja elkötelezettségét a kiváló minőségű nyomtatványgyártás, a kiváló kőnyomatok, metszetek, litográfiák és kollagrafiák, valamint a biztos és elkötelezett gyűjtői bázis ápolása iránt. A műtermek aktívan támogatják a helyi tehetségeket, és a Kinngaitból származó művészek továbbra is uralják az inuit művészeti piacot. A szövetkezet sikeréhez nagyban hozzájárult a felsővezetői szintű stratégiai tervezés. Az első vezető, James Houston mellett egy másik vezető, Terrence Ryan is döntő szerepet játszott a Co-op stabilitásában. Ryan, aki komoly művészeti háttérrel rendelkezett, negyven éven át volt a Co-op vezérigazgatója, és sokat tett a közösség művészeti ágazatának fejlődéséért, miközben fenntartotta az erős és élénk Co-opot. Ryan vezetése alatt a művészetek fellendültek Kinngaitben, a Co-op pedig a művészek technikáinak és vizuális szókincsének fejlesztésére és bővítésére összpontosított. Ryan után William (Bill) Ritchie lett a műterem vezetője, aki ápolta és támogatta a művészeket, és arra ösztönözte a feltörekvő művészeket, hogy töltsenek időt a műtermekben és kísérletezzenek.

Amint ahogy Annie-t néhány társa a Co-opban a rajzai miatt egyfajta disszidensnek tekintette (bár a Co-op személyzete bátorította őt), úgy a nyomtatáshoz való hozzájárulása is feltűnően kísérletező jellegű volt. A stúdió az új Északról alkotott egyedi elképzeléseit ábrázoló műveket dolgozta fel. Az Aktatáska, 2005, és a 35/36, 2006, férfi alsónadrágot és melltartót ábrázoló képek határozottan kívül estek a megszokott nyomatok keretein. Más nyomatok, mint a The Homecoming, 2006, és a Interior and Exterior, 2003, inkább szentimentálisak – Annie közösség iránti szeretetére összpontosítanak. Bár Annie grafikái sikeresek az eladások és a terjesztés terén, rajzai a művészvilág figyelmét látásmódjának puszta terjedelmével, termékeny termésével, valamint képi világának és kompozíciójának megdöbbentő közvetlenségével tartják fenn.