Stile & Tecnica
Annie Pootoogook ha lavorato in uno stile artistico unico che è rimasto inconfondibile durante la sua breve carriera. Ha perseguito attivamente il disegno per circa dieci anni, anche se ha creato opere anche durante la sua vita più tardi. Rimase impegnata in una pratica di disegno che impiegava pennarelli, matite e matite colorate per creare composizioni narrative, dirette e spesso sobrie. Anche se sperimentò con carte di grandi dimensioni, preferì lavorare con fogli più piccoli di 51 x 66 cm. Tuttavia, indipendentemente dalle dimensioni scelte da Annie per realizzare le sue composizioni, queste hanno sempre avuto un enorme impatto.
Materiali critici e prime influenze
Nella sua pratica, Annie Pootoogook ha fatto uso di pennarelli, grafite, pastelli a matita e carta. I vari stili e tecniche dei suoi primi lavori, come Eating Seal at Home, 2001, e Composition (Family Playing Cards), 2000-2001, dimostrano la sua volontà di sperimentare e imparare. Annie ha sviluppato rapidamente una padronanza tecnica del mezzo di disegno. Il disegno su carta è una tradizione di lunga data nel Nord, iniziata negli anni ’50 e originariamente praticata da quella che è conosciuta come la prima generazione, che include notevoli artisti come la nonna di Annie, Pitseolak Ashoona (1904 circa-1983) e Pudlo Pudlat (1916-1992).
Anche se il suo uso della linea è simile a quello di molti dei suoi predecessori, compresa sua nonna e sua madre, Napachie Pootoogook (1938-2002), le composizioni mature di Annie sono molto diverse da quelle dei precedenti artisti Inuit. Nelle opere di artisti come Kenojuak Ashevak (1927-2013) e Mayoreak Ashoona (1946), le immagini di animali mitici dominano la carta. Annie è nota per i suoi spazi interni, che definisce con muri e pavimenti, e a volte una porta e delle finestre. Di solito riempie la stanza con un disordine di mobili e oggetti banali. Le persone nei suoi interni occupano lo spazio come le persone tendono a fare: si dispongono comodamente e naturalmente. Quando mostra un oggetto isolato, come un paio di occhiali o un reggiseno, questo si mette in evidenza in modo audace, come un’icona contro la distesa di carta. Anche se i predecessori di Annie non hanno tipicamente composto interni o isolato oggetti allo stesso modo di Annie, alcune opere, in particolare quelle di Napachie, sono riconosciute come importanti precedenti.
L’influenza di Napachie sul lavoro di Annie può essere vista in opere come Interior View, 2000. Senza dubbio Annie aveva osservato sua madre creare disegni durante i suoi anni più giovani; tracce delle composizioni descrittive di Napachie, che includono le minuzie della vita quotidiana, sono visibili nelle creazioni successive di Annie. Si possono anche trovare correlazioni dirette tra le opere dei due artisti. Per esempio, Trading Women for Supplies di Napachie, 1997-98, è un disegno che ritrae il soggetto più oscuro dello sfruttamento di genere. Anche Annie ha creato opere, come A True Story, 2006, che ritraggono inquietanti eventi di vita reale tratti dalla sua comunità. Le lotte di Napachie con la salute mentale e gli abusi hanno influenzato anche l’arte di Annie. Dopo aver visto sua madre fare disegni su queste difficili esperienze, Annie ha continuato a creare i suoi, tra cui Man Abusing His Partner, 2002, e Memory of My Life: Breaking Bottles, 2001-2. Più in generale, sia Annie che sua madre sono state ispirate dai ricordi della loro infanzia.
Annie ha prodotto arte in modo prolifico durante il suo periodo ai Kinngait Studios, sviluppando la sua originale visione della vita contemporanea nel Nord con il supporto dello staff dello studio, specialmente di William (Bill) Ritchie, che la incoraggiava a spingersi oltre. Annie ha scelto di disegnare le realtà del suo Nord: interni domestici, prodotti di consumo e frammenti della sua vita di giovane donna, esperienze a cui si fa riferimento in opere come Morning Routine, 2003. La gallerista e curatrice d’arte Patricia Feheley scrive che “le tendenze narrative di Annie, la meticolosa abilità nel disegno e il soggetto contemporaneo si stagliano contro un mezzo secolo di grafica preoccupata principalmente di questioni di design e colore.”
Esperimenti di linea, prospettiva e colore
Annie ha affrontato ogni suo disegno sistematicamente, iniziando con i contorni in grafite prima di elaborare i dettagli in Fineliner e finire con aree sempre più audaci di matita colorata. I suoi primi lavori rivelano un uso più incerto del pastello a matita con colori meno saturi e un tocco più leggero. I lavori successivi mostrano fiducia nel suo senso del colore, con tratti che sono deliberati, brillanti e duri. Allo stesso modo, le sue prime opere erano rese in due dimensioni con matita e Fineliner, ma sempre più spesso sperimentava con il colore, l’ombreggiatura e le ombre, e con la presentazione di una visione più tridimensionale.
È comune per gli artisti iniziare a lavorare in bianco e nero, una pratica attraverso la quale iniziano a stabilire il loro stile particolare. Nel caso di Annie ha iniziato presto ad incorporare il colore, dimostrando un forte senso delle sue possibilità. Fece un uso limitato della prospettiva a tre punti, anche se la sua gestione di questa tecnica migliorò man mano che acquisiva esperienza. I suoi progressi possono essere visti confrontando una prima opera come Eating Seal at Home, 2001, con Composition: Watching Porn on Television, 2005, con il suo sviluppo di un primo piano, una zona centrale e uno sfondo. Annie è meglio conosciuta per i suoi interni che ritraggono la vita quotidiana e le attività di routine, tra cui prepararsi per un appuntamento, mangiare cibo di campagna (la tradizionale dieta Inuit fatta di cose pescate o raccolte dalla terra), guardare la televisione o giocare a carte. I suoi interni mostrano molta sperimentazione. Alcuni, come Dr. Phil, 2006, sono densamente colorati, mentre altri usano tecniche che suggeriscono la prospettiva e la profondità per mostrare una stanza al di là di una porta.
Nel corso della sua breve carriera Annie ha portato avanti la pratica del disegno a matita, come avevano fatto sua nonna e sua madre. I suoi primi disegni, come Untitled (Women Sewing), 2004, sono eseguiti con grafite e pennarello. Un certo numero di disegni mostra un uso moderato della matita colorata; in Composition (Family Portrait), 2005-6, inserisce abilmente un sottile cerchietto rosso e tre paia di delicate labbra rosa in una composizione dominata da forme nere piatte e linee nere forti e sottili su una superficie bianca. In alcuni lavori precedenti, il suo lavoro a matita appare più cauto. Questo approccio può essere stato intenzionale, ma molto probabilmente con il miglioramento della sua fiducia nella creazione di immagini ha iniziato a sentirsi più a suo agio nell’uso del colore. Man mano che progrediva, divenne evidente che il suo senso del colore era eccezionale; la sua maestria è mostrata nelle audaci pennellate di colore che saturano la carta dei suoi lavori maturi. In Holding Boots, 2004, un lavoro che gioca con le superfici piatte e la prospettiva implicita, usa i complementi di verde nelle calze della donna per fondare il disegno tra le ginocchia rosse accovacciate.
In alcuni lavori successivi, Annie ha usato pennarello, vernice e olio per ottenere nuovi effetti sperimentali. Nel 2007, mentre viveva a Montreal, fu introdotta al bastone ad olio da Paul Machnik allo Studio PM. Questo nuovo mezzo rimase un esperimento per Annie e non gli diede la stessa priorità di matita colorata, grafite e inchiostro. Tuttavia, ha prodotto un certo numero di lavori con il bastoncino d’olio, in particolare (Composition) Drawing of My Grandmother’s Glasses, 2007, un grande disegno dai colori vibranti degli occhiali con montatura nera immediatamente riconoscibili di sua nonna. Ha ricevuto un premio acquisto dall’Art Gallery of Ontario, Toronto, ad Art Toronto, una fiera d’arte internazionale, nel 2007.
Composizione nella tradizione Sulijuk
Compositivamente, il lavoro di Annie rientra nella tradizione sulijuk (tradotto come “vero” o “reale”). Questa pratica è una modalità di lavoro diffusa nel Nord e l’approccio incoraggiato ai Kinngait Studios. Molto è cambiato, però, da quando i predecessori di Annie hanno iniziato a disegnare le loro esperienze di vita sulla terra; nel comporre immagini di un Nord molto diverso, anche Annie stava disegnando la sua realtà vissuta e vera. Ritraeva la vita come la vedeva lei, rivelando una realtà che, agli estranei con poca conoscenza del Nord, sembrava essere in contrasto con le tradizionali scene all’aperto che la gente del Canada meridionale si aspettava nelle opere su carta degli artisti Inuit. Questa onestà è la fonte dell’originalità di Annie.
Anche il momento dell’arrivo di Annie sulla scena è importante. Gli artisti Kinngait stavano iniziando a produrre disegni che venivano riconosciuti come opere d’arte finite. Il mezzo del disegno diede ad Annie la libertà di sviluppare i soggetti della sua realtà vissuta – non dovette cedere all’aspettativa che i suoi disegni fossero lavori preparatori per la produzione di stampe, un mezzo che aveva ancora associazioni tradizionali. Anche se il lavoro di Annie fu incluso in alcune collezioni di stampe annuali di Cape Dorset, furono i suoi disegni ad essere ricercati sul mercato.
All’inizio della sua carriera, Annie disegnò molte piccole scene di interni e di campo, ma man mano che sviluppava le sue abilità di artista alternava liberamente diversi schemi compositivi. Questi includono interni di case, oggetti presi da quegli interni e mostrati in isolamento, vignette di vita sulla terra, e immagini centrate sulla pagina e circondate da linee sinuose. Il suo processo era meticoloso e richiedeva una grande concentrazione per eseguire le sue opere finite.
Lo stile grafico semplice che caratterizzò l’arte di Annie fu all’inizio controverso sia tra i curatori che tra i collezionisti, ma si rivelò immensamente popolare, specialmente tra i sostenitori dell’arte contemporanea. Alcune persone commentarono con condiscendenza che un bambino avrebbe potuto realizzare un lavoro simile o che appariva ingenuo. Questo tipo di critica non è nuovo; è stata una reazione costante all’arte moderna e contemporanea per oltre un secolo. Tuttavia, per quanto riguarda Annie aveva poco credito. Aveva talento e lavorava sodo; ha affinato le sue capacità di disegno lavorando diligentemente, impiegando le lezioni degli anziani e cercando di distinguersi dai suoi pari. L’originalità del suo lavoro parla del suo impegno, visione e abilità.
Realismo narrativo
I disegni più riconosciuti e documentati di Annie sono nella tradizione del realismo narrativo. Raccontano storie o documentano la sua vita. I suoi disegni descrivono la vita come l’ha vissuta a Kinngait, dal consumare i pasti e guardare la televisione al giocare o fare sesso. I suoi interni domestici, per i quali è più conosciuta, sono spesso una compilazione di molte case reali e in queste scene vediamo motivi familiari, come la stessa tazza di caffè, l’orologio o le opere d’arte ripetute in diversi interni. Per esempio, una distinta tazza da caffè con un fiore sopra può essere vista sia in Tea Time, Cape Dorset, 2003, che in Ritz Crackers, 2004. Questi motivi tratti dalla vita quotidiana collocano la scena nel presente, non in un lontano passato.
Attraverso le tecniche del realismo narrativo Annie era determinata a rivelare alcune delle difficili realtà sociali, economiche e fisiche del Nord di oggi. Approfondisce le sue lotte personali con la violenza domestica in Man Abusing His Partner, 2002, e il problema della dipendenza in Memory of My Life: Breaking Bottles, 2001-2. Shooting a Mountie, 2001, documenta il tragico omicidio dell’agente RCMP Jurgen Seewald a Kinngait nel 2001. Allo stesso modo, in A True Story, 2006, Annie ricorda un incidente in mare nel 1979, quando l’agente speciale Ningoseak Etidloi annegò mentre era di pattuglia con l’agente Gordon Brooks, quando la loro canoa da carico di ventiquattro piedi si rovesciò in condizioni difficili sull’Oceano Artico. Si dice che gli ufficiali stessero partendo per trovare Kuiga (Kiugak) Ashoona (1933-2014), lo zio di Annie, che si trovava nel loro campo d’avamposto, e che avessero pianificato di andare a caccia di trichechi lungo la strada. Qui le diverse storie sono fuse in un’unica immagine che mostra l’annegamento, completo di corpi agitati e una canoa rotta, la caccia al tricheco e la ricerca di suo zio, il tutto racchiuso in un’unica scena.
Il riconoscimento di questioni difficili ricorda il lavoro successivo della madre di Annie, Napachie Pootoogook, che in alcuni dei suoi lavori rappresentò le difficoltà della sua comunità e della sua stessa vita. Molte di queste opere documentano il periodo di transizione degli anni ’60 e il trasferimento e la vita degli Inuit negli insediamenti costruiti dal governo. Napachie ha iniziato ad attingere ad episodi della sua vita personale, e talvolta a scene di abuso, nel 1996, e ha continuato a farlo fino alla sua morte, sei anni dopo. Alcuni di questi lavori sono stati esposti in Three Women, Three Generations: Drawings by Pitseolak Ashoona, Napatchie Pootoogook and Shuvinai Ashoona, una mostra tenuta alla McMichael Canadian Art Collection, Kleinburg, Ontario, e alla Winnipeg Art Gallery nel 1999. Solo pochi anni dopo, i disegni simili di Annie divennero le sue immagini più iconiche.
L’anziano Jimmy Manning ha detto in un’intervista nel 2005 che “il lavoro di Annie è, come, oggi e ieri… eventi quotidiani, shopping, musica, la festa”. Ma Manning ha anche detto: “
Disegni psicologici
Caoimhe Morgan-Feir scrive che mentre le scene interne ed esterne di Annie funzionano come palcoscenici, con regioni rettangolari dove si svolgono le azioni, i disegni che sono interni a lei stessa – i suoi “disegni psicologici” – sono notevoli per le loro linee sinuose che circondano un’immagine centrale che spesso sembra galleggiare sulla pagina. Una di queste immagini è Composition (Evil Spirit), 2003-4, dove, scrive Morgan-Feir, “una linea simile a un cordone ombelicale collega la bocca della figura ai genitali dello spirito, circondandoli entrambi”. In molti di questi disegni, osserva Morgan-Feir, “le figure centrali siedono al centro della pagina, con elementi che si estendono verso l’interno e verso l’esterno. Ci sono alcune somiglianze formali con altre sue scene – in particolare le sue linee forti e chiare, che ha segnato a matita prima di renderle a inchiostro.”
Un’illustrazione di questo stile è Composition (Sadness and Relief for My Brother), 2006. Annie ha iniziato questo lavoro in Scozia, dove ha trascorso due mesi partecipando al programma Glenfiddich Artists in Residence. Patricia Feheley ha intervistato Annie a lungo sul suo lavoro, e hanno discusso questo disegno. Feheley ricorda: “Aveva iniziato un disegno e c’erano tutte queste linee nere e cose…. E disse, ‘Sto disegnando questo perché sono arrabbiata per mio fratello, perché è stato arrestato, e penso che questa volta lo metteranno in prigione’. Ma il giorno dopo, ha parlato di nuovo con la sua famiglia e lui non era stato arrestato, era stato rilasciato, e lei ha completato il disegno in modo felice.”
Questo scambio aiuta a spiegare la complessità della tecnica di Annie: le linee curve, i punti rossi, i punti gialli e le stelle che ha incluso in alcune di queste opere sono una guida al suo stato psicologico durante l’atto della creazione. Ha sviluppato questi motivi come un modo per codificare le sue emozioni sulla pagina. Alcuni dei disegni psicologici sono il risultato di complicati intrecci con le realtà del Nord, l’influenza dei Kinngait Studios, le battaglie interiori di Annie e le sue lotte per trovare il suo posto nel mondo.
Large-Scale Works
Annie ha prodotto opere in un formato più grande di quello abituale ai Kinngait Studios. Anche se carte più grandi erano state usate negli studi in passato, non c’era mai stato un mercato per questo formato prima che Annie ci provasse. L’arte inuit prima dei primi anni 2000 era principalmente commercializzata per collezionisti privati piuttosto che per musei e gallerie pubbliche, e i formati più piccoli erano comuni. La mostra di Annie del 2006 alla Power Plant Contemporary Art Gallery di Toronto ha offerto una nuova opportunità di esporre disegni di grandi dimensioni. Di solito, i musei d’arte contemporanea richiedono opere più grandi per creare un impatto nelle loro enormi sale, un requisito che ha spinto molti artisti a spingere i confini della scala. Cape Dorset Freezer, 2005, è stata la prima grande opera su larga scala prodotta da Annie. Per questo disegno le è stato dato un grande foglio di carta, su cui ha iniziato a lavorare in studio, ma che alla fine ha finito a casa. Annie ha scelto come soggetto un nuovo congelatore a parete che era stato recentemente installato in un negozio di Kinngait. Nella tradizione sulijuk, Annie ha reso meticolosamente il contenuto del freezer e gli acquirenti nel negozio. Questo disegno fu un tour de force e fu immediatamente acquistato dalla National Gallery of Canada, Ottawa.
Cape Dorset Freezer segnò un cambiamento significativo nella scala dei disegni degli artisti di Kinngait. Questo precedente (non proprio un’innovazione – era già stato provato prima nel Nord) si diffuse in tutti gli studi. Gli artisti seguirono l’esempio di Annie con entusiasmo, poiché queste opere più grandi comandavano prezzi più alti. Annie, tuttavia, rimase a suo agio con la scala più piccola – Freezer fu il disegno più grande che abbia mai creato. Preferiva la libertà di lavorare velocemente e passare facilmente da un’immagine all’altra. Altri artisti, però, come il cugino di Annie, Shuvinai Ashoona (nato nel 1961), si sono cimentati in opere di grandi dimensioni in modi nuovi ed entusiasmanti.
Printmaking
Anche se Annie è famosa soprattutto per i suoi disegni, dal 2003 al 2008 i suoi disegni sono serviti come materiale di partenza per la Cape Dorset Annual Print Collection, che presentava otto sue stampe. Poiché la carriera di Annie come artista è stata breve, lo sono state anche le sue produzioni di stampe per la West Baffin Eskimo Co-operative.
Dal 1959 Kinngait Studios è stato rispettato a livello internazionale per la pubblicazione della Cape Dorset Annual Print Collection. Mantiene il suo impegno nella produzione di stampe di alta qualità, squisite stampe in pietra, acqueforti, litografie e collagrafi, e nel coltivare una base di collezionisti sicura e impegnata. Gli studi promuovono attivamente il talento locale, e gli artisti di Kinngait hanno continuato a dominare il mercato dell’arte Inuit. La pianificazione strategica a livello dirigenziale della Cooperativa ha dato un importante contributo al suo successo. Oltre al suo primo direttore, James Houston, un altro direttore, Terrence Ryan, è stato fondamentale per la stabilità della Co-op. Ryan, che aveva un solido background nelle arti, ha servito per quarant’anni come direttore generale della Co-op e ha fatto molto per sostenere lo sviluppo del settore artistico della comunità, mantenendo una Co-op forte e vibrante. Sotto la guida di Ryan, le arti fiorirono a Kinngait e la Co-op si concentrò sullo sviluppo e l’espansione delle tecniche degli artisti e dei vocabolari visivi. Dopo Ryan, William (Bill) Ritchie è diventato il direttore dello studio, e ha nutrito e sostenuto gli artisti e incoraggiato gli artisti emergenti a trascorrere del tempo negli studi e a sperimentare.
Così come Annie era vista da alcuni dei suoi colleghi alla Co-op come una specie di dissidente per i suoi disegni (sebbene lo staff della Co-op la incoraggiasse), così i suoi contributi alla stampa erano anche notevolmente sperimentali. Lo studio ha adattato opere che rappresentano la sua visione unica del nuovo Nord. Briefcase, 2005, e 35/36, 2006, immagini di slip maschili e di un reggiseno, erano decisamente fuori dagli schemi delle stampe abituali. Altre stampe, come The Homecoming, 2006, e Interior and Exterior, 2003, sono più sentimentali, si concentrano sull’amore di Annie per la comunità. Anche se le stampe di Annie hanno successo nelle vendite e nella distribuzione, i suoi disegni attirano l’attenzione del mondo dell’arte per la portata della sua visione, per la sua produzione prolifica e per la sorprendente immediatezza delle sue immagini e della sua composizione.