Forgotten symphonies: the hidden giants of American music
20世紀中期のアメリカの偉大な交響曲は、ほとんどの場合、ほとんど演奏されることがありません。 もちろん、例外もある。 コープランドの第3番、ハリスの第3番、バーンスタインの第1番と第2番、サミュエル・バーバーのヴァイオリン協奏曲と弦楽のためのアダージョはよく聞かれ、彼のレパートリー作品の一つですが、彼の優れた交響曲第1番は滅多に行われないのです。 ガーシュウィンは交響曲を書かず、アイヴスはアメリカの革新者として尊敬されているが、交響曲家としてはあまり成功していない（異論もあるだろうが）。
問題は、このグループに当てはまる、不当に見落とされている重要なアメリカ作品が他にあるのか、ということだ。 私は、その答えは「イエス」だと思います。 私は以下のアメリカの交響曲に対する私の愛と尊敬を共有したいと思います。 ポール・クレストンの第3番、ウィリアム・シューマンの第3番、アラン・ホヴァネスの第2番、デイヴィッド・ダイアモンドの第2番、ハワード・ハンソンの第3番、ピーター・メニンの第3番、そしてウォルター・ピストンの第4番である。 1911> 
Paul Creston (1906-85)
鑑賞の核心は、しばしば教育である。 私は幸運にも、幼少期にこのことを学ぶことができました。 医師であった父は、私が本気で音楽家になろうとしていることを知ると、自分自身が受けたような徹底した音楽教育を私に受けさせようとしたのです。 オーストリアのメードリング（ウィーン郊外）でピアノを弾いて育った医学博士の父は、理論、和声、対位法、作曲をフリードリヒ・ヴィルトガンスのもとで学ぶことを約束しました。 私が13歳になったとき、父は私に作曲の先生をつけるべきだと考えた。 ニューヨークのパーティーでポール・クレストン（ジュゼッペ・グットベッジオ出身）と出会い、クレストンはハワード・ミッチェル指揮ナショナル交響楽団が録音した交響曲第5番のテストプレスをプレゼントしてくれました。 父は、「この音楽は『モダンすぎる』けれど、よく書けていて、とても力強い」と言ったそうだ。 クレストンは私に教えてくれることになり、私はそれから3年間、マンハッタンのホテル・アンソニアに隔週で通い、レッスンを受けた。 彼は素晴らしい先生であり、とても意見を言う音楽家でもあった。 最初のレッスンのとき、私はピアノ曲とトランペットとバンドのための協奏曲を持っていった。 1911>
あるレッスンは、ストラヴィンスキーの「洪水」（「音楽劇」）が1962年にCBSテレビで初演された次の日に行われました。 ストラヴィンスキーの後期連作調で書かれたものである。 ネットワークテレビでストラヴィンスキーが初演されるというのは、とてもエキサイティングな出来事だった。 次のレッスンで、クレストンはこの作曲スタイルが嫌いだと言い、連弾は時の試練に耐えることはできないと考えていることを説明した。 別のレッスンでは、マーラー、特に彼のオーケストレーションが嫌いだと言い、ピアノでハ長調の和音を弾いて、「この和音を8本のホルンや弦楽器セクション全体が演奏しても、ハ長調の和音にしかならない」
彼の意見はいつも彼の音楽に対する知識と敬意に基づいていた。 いつも同意するわけではなかったが、いつも興味深く、理解しやすいものだった。 クレストンは、コープランドと並んで、20世紀半ばに最も演奏されたアメリカの作曲家の一人である。 1930年から1960年の間に彼の音楽を演奏した指揮者は、最も著名な人たちの一人である。 カンテリ、デサバタ、グーセンス、ハンソン、モントゥー、オーマンディ、ロジンスキー、スタインバーグ、ストコフスキー、セル、トスカニーニなどである。 1960年以降、トロンボーン、マリンバ、アコーディオン、サックスといった珍しい独奏楽器のための作品を除いて、彼の音楽の多くはコンサートの舞台から姿を消した。 今日でも、優れたソリストのために書かれた曲は、交響曲よりも演奏回数が多い。
この記事のために、クレストンの多くの作品を再研究し、主に6つの交響曲に焦点を当て、さらにオーケストラのための短い作品も研究したことは、私にとって並外れたことであった。 彼は天性のメロディーの才能を持っており、彼のスタイルは和声的にもリズム的にも非常に明快で、しばしば途方もないエネルギーが注ぎ込まれています。 彼の交響曲は今日演奏されることがないので、もっと紹介されるべき作品として1つだけ選ぶのは難しい。 しかし、私のお気に入りは、1950年にオーマンディとフィラデルフィア管弦楽団によって初演された交響曲第3番「3つの謎」である。 初演後、1963年まで、以下のようないくつかのプロのオーケストラによってプログラムされました。 シカゴとシンシナティ（ともにオーマンディ）、ミネソタ（ドラティ）、セントルイス（ゴルシュマン）、ナショナル交響楽団（ミッチェル）である。 この時期以降、作曲のスタイルに変化が見られるようになる。 この55年間で、この大作は世界で3組のコンサートでしか演奏されていない。 美しいハーモニーとメロディー、どこか神秘的で色彩豊かなオーケストレーション、そして他の追随を許さないリズムのドライブ感など、クレストンの特徴的な要素がすべて詰まっている。 プログラム的な要素を持つこの交響曲は、ナザレのイエスの生涯と死後を意味する。 グレゴリオ聖歌の主題が旋律、フーガ部分、パッサカリア風の間奏曲へと創造的に構成され、すべてが想像力豊かに織り込まれている。 インヴォケイション」は演劇的な身振りと旋律が多く、説得力があり叙情的でもある。 この素材は、リズミカルで華やかなスタイルの印象的な「ダンス・セクション」をセットアップしている。 クレストンはオーマンディの指揮が大好きで、「この指揮者は自分のアイディアを見事にバランスさせることができる」と語っている。 しかし、ストコフスキーの演奏は、伴奏を抑えてしまい、オーマンディが強調した細部を見逃すような気がすると不満を口にした。 1911>
William Schuman (1910-92)
今日、アメリカのオーケストラは新しい作品のプログラミングが素晴らしいです。 つい最近も、ニューヨーク・フィルハーモニックが「プロジェクト19」を発表し、今後数年にわたって女性作曲家による19の作品を委嘱し、プログラムすることを発表しました。 しかし、これらの作品が本当にインパクトを与え、レパートリーの一部となるためには、その後の演奏が最も重要である。 このマントラの大英雄が、1924年から1949年までボストン交響楽団を指揮したロシア系アメリカ人のセルジュ・クーセヴィツキー（1874〜1951）である。 彼は多くの優れた作曲家の支持者であり、特に価値があると思った作品は、その後のシーズンでしばしば2回目、3回目の演奏を行っている。 しかし、彼は少数派であった。 1982年、ジュリアード音楽院とリンカーン・センターの元学長であるウィリアム・シューマンは、20世紀のアメリカ音楽の再演が少ないのは、「ジェット機の旅の合間に大都市の指揮台に住み着き、明らかにわが国の音楽に対する知識も関心もない新しい指揮者たち（ほとんどが外国人）」のせいだと発言している。 その前の1980年には、「アメリカの交響楽団の目的」として、第一に「過去の偉大な文学作品を何年にもわたって持ち回りで体系的に探求し続けること」、第二に「すでに人気を得ている現代作品のレパートリーを体系的かつ意図的に開発する努力」、第三に「定評ある作曲家と新進作曲家の両方の新しい作品を紹介すること」についても明記している。 (これらの引用は、スティーブ・スウェインの優れた著書『マンハッタンのオルフェウス』から引用した。 William Schuman and the Shaping of America’s Musical Life, OUP, 2011.)
私は今日存在する外国人指揮者についてのシューマンの発言に同意しない。 彼らは皆、アメリカの新しい音楽を指揮している。 しかし、彼の2番目の指摘によれば、私たちのアメリカの歴史の音楽を支持するために、より多くの指揮者が確かに必要であり、おそらくバーンスタインの例に倣うことになるでしょう–彼は、1970年代まで作曲家の友人たちを支援し続けた指揮者でした。 私は、1976年にバーンスタインとNYフィルとともに、アメリカ建国200年を記念して、アイヴズ、バーンスタイン、ハリス、コープランド、ガーシュウィン、そしてシューマンの音楽によるオール・アメリカン・プログラムでヨーロッパ・ツアーを行ったことを鮮明に覚えています。 彼は1941年から1975年の間に10曲の交響曲を書き（ただし最初の2曲は取り下げた）、それらはクーセヴィツキー、ロジンスキー、ドラティ、ムンク、バーンスタイン、オーマンディによって初演された。 どの交響曲も特異な視点を持ち、強い説得力を持った個々の主張をしている。 彼の音楽は、ここで取り上げた他の作品よりも厳しいものですが、彼の個性の強さと技術的な支配力が、各作品を特別なものにしています。 交響曲第3番は、伝統的なバロック様式に基づいたユニークなもので、シューマンが最も複雑な状態であることを示していると思う。 メロディー、テンポ、パルス、リリシズムを織り交ぜながら、パッサカリア、フーガ、コラール、トッカータを明確なセクションと楽章に切り分けている。 最後のトッカータは、スネアドラムとバスクラリネットのソロを含む、オーケストラのためのミニコンチェルトである。 この交響曲は、どこでもよく演奏されるべきものである。 数年おきに演奏されるが、その偉大さに匹敵するほどの演奏はほとんどない。 アイヴズを題材にした「アメリカに関する変奏曲」や「ニューイングランド・トリプティーク」はもっと頻繁に演奏されており、特に「ニューイングランド・トリプティーク」は彼の言語への良い入り口かもしれません。
Alan Hovhaness (1911-2000)
私がアラン・ホヴァネスに出会ったのは16歳の時、トランペットとバンドのための彼の作品「荒れ果てた場所に戻って再建してください」を録音するためです。 彼の音楽はよく演奏されますが、たいていは学生グループによるものです。 とても調子がよくて、たいてい演奏はそれほど難しくなく、それぞれの曲が選択的にアルメニア、インド、ハワイ、日本、韓国、アメリカの音楽を連想させるのです。 ホヴァネスは、常に自然からインスピレーションを得て、非常にスピリチュアルな人間であった。 また、対位法を使うことを誇りとし、対位法の授業で自分の作品が勉強されないことを残念に思っていた。
彼は非常に多作で、70曲近い交響曲を書いた。 ハイドン同様、題名のあるものがよく演奏される。 交響曲第2番「神秘の山」は、伝統的な白鍵の旋律と和声に、しばしば和声的に無関係なだけでなく、主旋律から離れた身振りをする伴奏が組み合わされた作品である。 この作品には木管楽器と金管楽器のための数多くのソロがある。 また、第2楽章には並外れた二重フーガがあり、最後はオーケストラ全体のための絶妙なコラールで締めくくられる。 1955年、ストコフスキーがヒューストン交響楽団の音楽監督として就任した際のオープニングコンサートで初演された。 1958年にライナーがシカゴと録音し、ホヴァネスの名声を高めることになった。 この15年間、多くの演奏があったが、私が所属するオーケストラ以外のプロのオーケストラによる演奏は、数えるほどしかなかった。 実際、2016年にオールスター・オーケストラとPBSテレビで収録した際、作品を気に入った多くの楽団員が「なぜ今までこの曲を聴いたことがないのか」と質問してきた。 アメリカの最も重要なオーケストラの奏者たちでした。 当時の作曲家の多くは、そのシンプルな作風からホヴァネスを仲間に受け入れませんでしたが、
David Diamond (1915-2005)
ハワード・ハンソン（右写真）やルー・ハリソンなど一部の作曲家はホヴァネスのことをもっと受け入れていたし、シアトルで一緒にいたときにデヴィッド・ダイヤモンドが彼のことを高く評価していたことも記憶にありますね。 デイヴィッド自身は、1940年から1992年の間に11曲の交響曲を書いている。 彼の作品を初演した指揮者やオーケストラのリストは印象的である。 交響曲第1番：ニューヨーク・フィルハーモニーとミトロプーロス、交響曲第2番：ボストン交響楽団とクーセヴィツキー、交響曲第3/4番：ボストンとムンク/バーンスタイン、第5&8番：ニューヨーク・フィルとバーンスタイン、第6番：ボストンとムンク、第7番：フィラデルフィア管とオーマンディ、第9番：アメリカン・コンポーザー・オーケストラとバーンスタイン、第10番：シアトル交響楽団とシュワルツ、第11番：ニューヨーク・フィルとマスア、などです。 最初の4曲は伝統的な「アメリカン」スタイルで、No5から半音階的になっていく。 4番は16分と短く、最もプログラムしやすい曲です。私はこれまで41回指揮していますが、オーケストラと聴衆の間でいつも素晴らしい成功を収めています。 しかし、私にとって最も繰り返し演奏する必要のある交響曲は、彼の壮大な戦時中の第2交響曲（1942年）であり、20世紀のアメリカの交響曲の中で最も素晴らしいものの一つだと私は思っている。 その呼吸と範囲は広く、暗く陰鬱な、墳墓のような第1楽章で幕を開ける。 第2楽章のスケルツォはダイナミックで、意外なオーケストレーションとリズムが挿入される。 第3楽章はアンダンテ・エスプレッシーヴォでダイアモンドのメロディーの才能を発揮する。 そして第4楽章は、推進力のあるロンド・フィナーレで締めくくられる。 この曲がプログラムされない理由のひとつに、42分という長さがある。 一般に、10分程度までの立派な現代作品はそれなりの演奏回数がありますが、作品が長くなると演奏回数は減ります。 私はダイヤモンドの交響曲はすべて好きだが、第2番の情熱、ドラマ、美しさ、激しさは彼の最高傑作だ」
クーセヴィツキーによるダイヤモンドの第2番の初演に先立って、ロジンスキーはこの作品を研究し、ニューヨーク・フィルハーモニックに朗読をしてもらうことにした。 彼はアシスタントのバーンスタインに指揮を依頼し、バーンスタインがダイアモンドに伝えたところ、ダイアモンドは新しい交響曲を初めて聴いて感激し、大変興奮したそうです。 バーンスタイン氏は、ロジンスキー氏は決してリハーサルに見学者を入れないので、ダイアモンド氏も参加できないだろうとダイアモンド氏に告げた。 カーネギーホールに忍び込み、バルコニーの床に横たわり、見つからないようにと考えたのである。 もちろん、彼は自分の交響曲を聴きたかったのだ。 しかし、彼は発見され、ホールから追い出された。 ダイアモンドは隣のロシアン・ティールームに行き、バーで3時間飲み続けた。 バーンスタインとロジンスキーが到着すると、酔ったダイアモンドは、おそらくロジンスキーより10センチは背が低く、指揮者の鼻を殴ってしまったのだ。 この体験の後、コープランドとバーンスタインはダイアモンドに精神科医に診てもらうための費用を支払った。 私は1990年の春、バーンスタインが亡くなる数ヶ月前に、彼のダコタのアパートで、私のシアトル交響楽団の録音したダイヤモンドの交響曲第2番を聴かせた。 彼は純粋にこの作品を再び聴くことを気に入り、もっとアメリカの音楽を演奏するようになるだろうと言いました …
Howard Hanson (1896-1981)
ダイヤモンドはジュリアードで教えていましたが、人生の大半をロチェスターで暮らし、教えるためにニューヨークへ通勤していたそうです。 ハワード・ハンソンも生涯の大半をロチェスターで過ごし、イーストマン音楽院の院長時代（1924-64）には、アメリカ音楽の保守的なスタイルを大いに支持した。 1998年にロチェスター・フィルハーモニックの指揮を依頼されたとき、私はダイアモンドとハンソンのプログラムを提案した。 チケットの売れ行きに影響が出るからということで、断られました。 私は招待を断りました。 翌年、彼らは再考し、1999年に私はダイヤモンドとハンソンの交響曲第2番を演奏し、満員の熱狂的な聴衆を前にした。 彼の交響曲第2番からのメイン・テーマはインターローセンのテーマで、通常コンサートマスターの指揮で、毎回コンサートの最後に演奏された。 1960年の夏、私はその名誉を与えられ、おそらく私が指揮をした最初の作品になっただろう。 私にとってハンソンは、ベートーヴェンやブラームスのような作曲家であった。 以前、シアトル交響楽団のシーズン初めにシアトル・タイムズのメリンダ・バーグリーンからインタビューを受けたとき、2歳になる娘のガブリエラがメリンダに好きな作曲家を聞かれて、「ベートーベンとデイヴィッド・ダイアモンド」と答えたことがある。 もし私が1960年のインターローセンでそう聞かれたら、おそらくシベリウスとハワード・ハンソンと答えたでしょう。
ハンソンは7つの交響曲を書いていて、これらは私がデロスレコードのアメリカンクラシックシリーズ（現在はナクソスからリリース）で最初に録音したものでした。 これらの作品を最初に演奏しはじめたとき、批評家の反応は私が期待していたよりも否定的なものでした。 しかし、アメリア・ヘイグッドとキャロル・ローゼンバーガーは、ハンソンでアメリカン・シリーズを始めたいと言ってきたのだ。 批評は売り上げに影響するから、私は神経質になっていた。 グラミー賞にノミネートされ、アメリカのミッドセンチュリーの作曲家たちのシリーズを開始しました。 ハンソンは、ここにいるすべての作曲家と同様に、音楽的な個性が際立っている。 彼の交響曲第3番は、美しい主題、彼独特のペダルポイント（特に第1楽章）、詩的な緩徐楽章、ティンパニで始まる生き生きとしたスケルツォ、そしてロマン派の大交響曲を思わせるオーケストレーションで彼のメロディと連続する素材をすべて統合した最終楽章でこの声の象徴的な作品といえるだろう。 クーセヴィツキーが再び主人公となった。 ハンソン自身は1939年にボストン交響楽団で初演を行ったが、クーセヴィツキーは明らかにこの作品を賞賛し、1939年から1945年まで6回の演奏会で指揮した。 それが現在に至るBSOの最後の演奏である。 ニューヨーク・フィルが創立125周年を記念してハンソンに交響曲第6番を委嘱したとき、バーンスタインはこの作曲家を初演の指揮者として招いた。 それが間違いだったのかもしれない。 1911>
Peter Mennin (1923-83)
Peter Mennin（元Mennini）はハンソンのイーストマン音楽院に在籍していた。 メニンの作曲の中心は交響曲で、全部で9曲作曲している。 ジュリアード音楽院の学長として大成功を収めたが（1962年、シューマンに続いて1983年まで）、作曲した作品は30曲ほどであった。 彼の音楽が今日演奏されることは非常に稀である。 時折、彼のコンチェルタート、モビーディック（1952年）がプログラムされているのを見かけるが、それ以外はほとんどない。 モビーディック』はメンニンの言語への素晴らしい入口ですが、私が彼の最高の交響曲を代表すると感じる作品は『第3番』（1946年）です。 ニューヨーク・フィルとワルター・ヘンドルによって初演され、その後、ミトロプーロス、セル、ロジンスキー、ライナー、シッパーズなどが演奏している。 1995年に私が録音したものをStereo Review誌が評価したところ、David Hallは「ヴォーン・ウィリアムズの交響曲第4番の冒頭に匹敵するほどの衝撃を与える序奏」からなる、メンニンの最高の作品の一つであると書いている。
Walter Piston (1894-1976)
Walter Pistonの音楽には、彼の仲間たちのような文体の強さがありません。 テクスチャーが軽く、リラックスしており、角がなく、エレガントで多様性を取り入れた交響曲第4番（1950年）は、彼の作品の自然な質の高さを示す素晴らしい例です。 4つの楽章からなり、表情豊かでメロディックな息遣い、洗練されたシンコペーションの使い方、ジャズのヒントが盛り込まれている。 各楽章のタイトルにも、彼の文体が表れている。 ピャチェヴォレ（「穏やかに」）、バランド（「踊る」）、コンテンポラティーヴォ、エネルジーコ。 彼の8つの交響曲は、当時の最高のオーケストラによって初演された。 ボストン（1、3、6 & 8番）、ナショナル交響楽団（2番）、ジュリアード管弦楽団（5番）、ミネアポリス（4番）、フィラデルフィア（7番）である。 ハーバード大学の教師として、また音楽に関する優れた3冊の本の著者として、主に知られるようになった。 そのため、学問的に厳格な作曲家であると批判されることもあった。 もちろん、私はそうは思わない。 ピストンとハンソンを除いて、ここで取り上げた作曲家全員を私は幸運にも知ることができたのです。 彼らの作品を振り返るとき、歴史の中での位置づけや、特徴的でありながら似たような声を持っていることに思いを馳せることができる。 7人のうち、シューマン、ダイアモンド、メニン、クレストンの4人は、対位法、和声、メロディー、リズム、オーケストレーションについて同じような教育を受けた。 この同じカテゴリーには、他にコープランド、バーンスタイン、バーバー、ハリスがいる。 彼らの作品はどれも個性的ではあるが、18世紀末のオーストリア・ドイツ派の作曲家と同じように、その時代と時代を感じさせるものである。 ホヴァネス、ハンソン、ピストンの3人は、同時代の作曲家でありながら、伝統的なアメリカの交響曲者たちとは一線を画している。 ハンソンは19世紀末のロマン主義を彷彿とさせる。 ホヴァネスは、伝統にとらわれない神秘的な色彩の持ち主である。 ピストンは様式的に最も無駄がなく透明で、フランスの影響をはっきりと受けています。
2017年にオールスター・オーケストラとPBSのためにそのホヴァネスの録音をしたとき、ユージン・グースンスのジュビリー変奏曲（1945）も録りました。 シンシナティ交響楽団の創立50周年記念に書かれたこの曲は、グーセンスがアメリカの偉大な作曲家たちに、彼のオリジナルのテーマで変奏曲を書いてほしいと依頼したことから発展したものです。 その結果、クレストン、コープランド、テイラー、ハンソン、シューマン、ピストン、ハリス、フレイハン、ロジャース、ブロッホなど、アメリカの偉大な作曲家たちが彼の依頼を引き受けたのである。 それぞれの「変奏曲」は、それぞれの作曲家の真髄を見事に表現しており、当時のアメリカの最も重要な音楽家たちの声を一つにまとめている。 おそらくいつの日か、他の20世紀の偉大なシンフォニストたちがそうであったように、彼らもそれぞれ交響曲の大砲にふさわしい地位を獲得することだろう
Gerard Schwarzはフロスト音楽院の特別教授に任命され、また最近パームビーチ交響曲の音楽監督を引き受ける
This article originally appeared in the July of Gramophone, 2019 issue. 世界有数のクラシック音楽誌を今すぐ購読
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