Warhol Under the Hammer:

20世紀で最も影響力があり、愛されたアーティストの一人であるアンディ・ウォーホルは、老若男女を問わずファンを魅了し続けている。 世界各地で回顧展が開催されるなど、今なお市場で最も注目されているアーティストの一人です。 ここでは、2013年の「シルバー・カー・クラッシュ」の1億500万ドルから2019年の「ダブル・エルビス」の5300万ドルまで、ポップアートの父による作品のオークションでの最高価格トップ10を見てみましょう。 紛れもなく力強いこの作品は、災害の状況を目撃し、ジェリコーの『メデューサの筏』からピカソの『ゲルニカ』まで、芸術における歴史画の長い伝統を反映している記念碑的な絵画である。 ウォーホルはこの作品で、悲劇的なシーンを何度も何度も繰り返し、まるで映画やアニメーションのコマのように、その白黒の表面を後世のために銀色に変色させたのである。 この作品は1963年に制作されたが、この年はウォーホルにとって重要な年であり、「自殺者」「人種暴動」「銀色の電気椅子」などを制作した、ややメランコリックな年であった。

Marilyn Monroeの象徴的特徴を数えきれないほどのシルクスクリーンにしたウォーホールにとって、Elvisを主題にしたこの絵画が1963年であることは当然であった。 銃を抜きながらダイナミックなカウボーイの姿勢をとる歌手の姿を繰り返し描いたこの作品は、映画のような質感を帯び、このスターのイメージをポップ・アイコンから半神へと高めている。 同時に、背景の色は、ハリウッドの銀幕や、ウォーホルが育ったカソリック教会のバロック装飾を思い起こさせ、大衆のために崇拝され複製される絵のイコンに囲まれているのである。

ウォーホルの死と災害シリーズからもうひとつの重要作品、グリーンカークラッシュ（グリーンバーニングカーI）は2007年にクリスティーズで当時の価格では驚異の712万ドルで売却されて話題となった作品です。 ここでも繰り返しが重要な役割を果たし、悲惨な光景を、シルクスクリーンという工業技術を使って、見る人がその意味を理解できなくなるまで何度も何度もニュース映画のイメージを再現するポップアートの古典的作品へと変貌させた。 ウォーホルは当時のインタビューで、「ぞっとするような映像を何度も見ても、何の効果もない」と語っているが、この考えは現代の24時間ニュース文化にも通じるものがある。

この作品でウォーホルは、映画『ワイルドワン』で才能ある俳優マーロンブランドを被写体とし、名声と有名人に対する永遠の魅力を再び示したのです。 これまでのシルクスクリーンの肖像画とは異なり、「4人のマーロン」では、ウォーホルはブランドの姿を下地のないキャンバスにプリントし、明るいオーバーレイや銀地は使わずに、俳優の表情、ポーズ、レザーの生々しい魅力をそのまま伝えることにしたのである。 1966年に描かれたこの作品は、広告やハリウッドの世界からシルクスクリーンの技法を借りて、評論家クレメント・グリーンバーグが指示した規範にとらわれないまったく新しい絵画スタイルを打ち出した、ウォーホルの絶頂期を表している。 ウォーホルはここで新しい道を歩み始め、やがて彼自身の名声と富を獲得し、彼のアイコンと同等、あるいはそれを凌ぐ存在となったのである。

Men In Her Lifeは、2010年にニューヨークで6300万ドル以上で売却され、映画スターElizabeth Taylorと彼女の人生と愛に対するアメリカ国民の魅力の両方へのオマージュとなっている作品です。 LIFE』誌から引用した画像を使って、ウォーホルはテイラーと3番目の夫マイク・トッド、そしてデビー・レイノルズとエディ・フィッシャーというもう一組の夫婦を描いている。 一見、純真なロマンスと友情のイメージだが、実はこの写真は、テイラーがメディアと大衆から誹謗中傷される原因となった災難と複雑な恋愛を予感させるものである。 ウォーホルは再び、イメージを映画のフレームになぞらえ、静止画に動きをもたらすという中心的なモチーフを繰り返している。 同時に、同年の鮮やかな色彩のキャンバスとは逆に、写真のオリジナルの白黒を残している。

おそらくウォーホルの絵画の中でも政治的に明白でよく知られている作品の1つが、1963年にアラバマのバーミングハムの公民権の行進から写真を再現している《Race Riot》だ。 同市のアフリカ系アメリカ人コミュニティによる、州の人種隔離法に対する平和的な抗議行動のはずが、警察が群衆を解散させるために攻撃犬や消火ホースを持ち出し、すぐに醜態をさらすことになったのです。 この暴動を撮影したチャールズ・ムーアの写真は世界中の一面を飾り、ジョン・F・ケネディ大統領はこの法律を歴史的に変更せざるを得なくなり、ウォーホルはその写真を複製し、この不正の描写を共有し、美術史にその名を残すことになったのである。

Sixty Last SuppersはWarholの晩年の作品で、巨匠たちへの彼の永遠の愛を物語るものである。 この年、ウォーホルは「最後の晩餐（ピンク）」と「迷彩の最後の晩餐」を制作したが、これらは19世紀のレオナルド・ダ・ヴィンチの原画の複製をもとにした作品であった。 16世紀の名画をシルクスクリーンの技法で再現し、グリッド状にイメージを繰り返すことで、ウォーホルは西洋美術史の規範と対話し、カソリック教会に属する自身のルーツを参照し、多くのイメージよりも単一のイメージに価値を見出すことに疑問を投げかけたと考えられる。

キャンベルスープの缶やブリロボックス同様、ウォーホルは特にコカコーラの象徴的ブランドを再現することが好きだったようです。 ロゴの渦巻き状の文字から、赤と白のラベル、エレガントなガラス瓶まで、コーラはポップ・アートの父にとって時代を超えた魅力があり、その人気と普遍性から、偉大な平準化装置としてとらえていた。 1975年に出版した『アンディ・ウォーホルの哲学（From A to B & Back Again）』で彼はこう書いている。「この国の素晴らしいところは、最も豊かな消費者が最も貧しい消費者と同じものを買うという伝統を、アメリカが始めたということだ。 テレビを見ていてコカコーラを見ると、大統領がコカコーラを飲んでいる、リズ・テイラーがコカコーラを飲んでいる、そして、自分もコカコーラを飲める、と思うことができる。 コーラはコーラであり、いくらお金を積んでも、街角の浮浪者が飲んでいるコーラよりおいしいコーラを手に入れることはできない。 どのコーラも同じで、どのコーラもおいしい。 リズ・テイラーも、大統領も、浮浪者も、そしてあなたも知っている」。 この1962年の作品では、ブランドの色を取り除き、ボトルとロゴのシンプルなアウトラインを提供し、「商標登録済み」の文字がはっきりと描かれていますが、これはおそらく、彼自身が著作権を無視していることを皮肉っているのでしょう。

1962年にJFKは国賓訪問でフランスを訪れ、その際マスコミや大衆から崇拝を受けていた妻のジャッキーがフランス大統領を説得して前例の無いアメリカへのモナリザの巡回を許すように仕向けることができた。 翌年、モナリザは厳重な警備のもと大西洋を横断し、メディアにも大きく取り上げられた。 その結果、最初の目的地であるワシントンのナショナル・ギャラリーには、この傑作を見るために何千人ものアメリカ人の行列ができ、その後ニューヨークのメトロポリタン美術館に運ばれ、ウォーホルはその作品を目にすることになったのです。 翌年の春、美術館のパンフレットに掲載されていた複製画をもとに、シルクスクリーン版の制作に取りかかった。 1枚は全長版、もう1枚はモナリザを胸像に切り取ったもの、3枚目は手を組んでいるところだけという3種類の画面を制作した。 56,165,000ドルで落札されたこの作品では、3つの画面すべてが一体となり、色彩と構図が鮮やかに表現されている。

トリプルエルヴィスと同じ年に描いたこの作品は市場ではやや人気がないようで、2019年にNYで売却した際に相手より3000万ドル低い金額で取引されています。 しかし、この作品は、エルヴィスの古典的な顔立ちが決然と見る者を見つめ、彼のガンマンとしての人格は、西部に対するアメリカのロマンスとカウボーイの不朽の姿へのオマージュを表しており、決して象徴的な作品ではありません。 1960年に公開された西部劇「Flaming Star」のオリジナル・ショットを2倍の等身大サイズで再現し、この光り輝くアーティストの作品群の中で最も印象的な作品に仕上がっています。