Stijl & Techniek

Annie Pootoogook werkte in een unieke kunststijl die gedurende haar korte carrière onmiskenbaar bleef. Ongeveer tien jaar lang heeft zij zich actief met tekenen beziggehouden, hoewel zij ook op latere leeftijd werken heeft gemaakt. Ze bleef zich toeleggen op een tekenpraktijk waarbij ze viltstift, potlood en kleurpotlood gebruikte om verhalende, directe en vaak ingetogen composities te creëren. Hoewel ze experimenteerde met groot formaat papier, werkte ze het liefst met kleinere vellen van 51 x 66 cm. Maar hoe groot Annie haar composities ook maakte, ze hadden altijd een enorme impact.

Kritische materialen en vroege invloeden

In haar praktijk maakte Annie Pootoogook gebruik van viltstiften, grafiet, potloodkrijt en papier. De gevarieerde stijlen en technieken van haar vroege werken, zoals Eating Seal at Home, 2001, en Composition (Family Playing Cards), 2000-2001, tonen haar bereidheid om te experimenteren en te leren. Annie ontwikkelde al snel een technische beheersing van het tekenmedium. Tekenen op papier is een oude traditie in het Noorden, begonnen in de jaren 1950 en oorspronkelijk beoefend door wat bekend staat als de eerste generatie, waartoe opmerkelijke kunstenaars behoren als Annies grootmoeder Pitseolak Ashoona (ca. 1904

Hoewel haar lijngebruik lijkt op dat van veel van haar voorgangers, waaronder haar grootmoeder en haar moeder, Napachie Pootoogook (1938-2002), zijn Annie’s volwassen composities heel anders dan die van vroegere Inuit-kunstenaars. In het werk van kunstenaars als Kenojuak Ashevak (1927-2013) en Mayoreak Ashoona (geb. 1946) domineren afbeeldingen van mythische dieren het papier. Annie is bekend om haar binnenruimtes, die ze afbakent met muren en vloeren, en soms een deur en ramen. Meestal vult ze de ruimte met een warboel van meubilair en alledaagse voorwerpen. De mensen in haar interieurs nemen de ruimte in zoals mensen dat plegen te doen – ze schikken zich op een comfortabele en natuurlijke manier. Als ze een geïsoleerd voorwerp laat zien, zoals een bril of een beha, steekt dat als een icoon schril af tegen het uitgestrekte papier. Hoewel Annie’s voorgangers doorgaans niet op dezelfde manier interieurs samenstelden of objecten isoleerden als Annie, worden bepaalde werken, met name die van Napachie, gezien als belangrijke precedenten.

Napachie’s invloed op Annie’s werk is te zien in werken als Interior View, 2000. Ongetwijfeld heeft Annie haar moeder in haar jonge jaren tekeningen zien maken; sporen van Napachie’s beschrijvende composities, waarin de details van het dagelijks leven zijn verwerkt, zijn zichtbaar in Annie’s latere creaties. Er zijn ook directe verbanden te vinden tussen de werken van de twee kunstenaars. Napachie’s Trading Women for Supplies, 1997-98, bijvoorbeeld, is een tekening die het donkere onderwerp van seksegerelateerde uitbuiting verbeeldt. Ook Annie heeft werken gemaakt, zoals A True Story, 2006, die verontrustende gebeurtenissen uit haar gemeenschap uitbeelden. Annie’s kunst werd ook beïnvloed door haar worstelingen met geestelijke gezondheid en misbruik. Nadat ze haar moeder tekeningen over deze moeilijke ervaringen had zien maken, ging Annie zelf aan de slag, onder meer Man mishandelt zijn partner, 2002, en Herinnering aan mijn leven: Breaking Bottles, 2001-2. Meer in het algemeen werden zowel Annie als haar moeder geïnspireerd door herinneringen aan hun jeugd.

Annie keek als jong meisje toe hoe haar bedlegerige grootmoeder, Pitseolak, tekende. We zien de invloed van Pitseolak in Annies sterke lijnen en ook, op subtiele wijze, in sommige van Annies onderwerpen. Zo komt Pitseolaks kenmerkende bril met zwart montuur in veel tekeningen voor, wat de band tussen de twee laat zien. Annie tekende ook het portret van haar grootmoeder.

Annie produceerde veel kunst tijdens haar verblijf in de Kinngait Studios, waar ze haar originele kijk op het hedendaagse leven in het Noorden ontwikkelde met de steun van de staf van de studio, vooral William (Bill) Ritchie, die haar aanmoedigde zichzelf te stimuleren. Annie koos ervoor om de realiteit van het Noorden te tekenen: huiselijke interieurs, consumptieartikelen en fragmenten van haar eigen leven als jonge vrouw, ervaringen die terug te vinden zijn in werken als Morning Routine, 2003. Kunsthandelaar en curator Patricia Feheley schrijft dat “Annie’s narratieve neigingen, nauwgezette tekenkunst en eigentijdse onderwerpen opvallen tegen een halve eeuw grafiek die zich vooral bezighoudt met design en kleur.”

Lijn-, perspectief- en kleurexperimenten

Annie benadert elk van haar tekeningen systematisch, ze begint met omtrekken in grafiet, werkt details uit in Fineliner en eindigt met steeds vettere vlakken kleurpotlood. Haar vroegere werken tonen een meer aarzelend gebruik van potloodkrijt met minder verzadigde tinten en een lichtere toets. Latere werken tonen vertrouwen in haar kleurgevoel, met streken die opzettelijk, helder en hard zijn. Evenzo werden haar vroegere werken tweedimensionaal weergegeven met potlood en Fineliner, maar steeds meer experimenteerde zij met kleur, schaduw en schaduwen, en met de weergave van een meer driedimensionaal beeld.

Het komt vaak voor dat kunstenaars in zwart-wit beginnen te werken, een praktijk waarmee ze hun specifieke stijl beginnen te vestigen. In Annie’s geval begon ze al vroeg kleur te gebruiken en gaf ze blijk van een sterk gevoel voor de mogelijkheden ervan. Ze maakte beperkt gebruik van driepunts-perspectief, hoewel ze deze techniek beter beheerste naarmate ze meer ervaring opdeed. Haar vooruitgang is te zien door een vroeg werk als Eating Seal at Home, 2001, te vergelijken met Composition: Watching Porn on Television, 2005, met de ontwikkeling van een voorgrond, middengrond en achtergrond. Annie is het meest bekend om haar interieurs die het dagelijks leven en routineactiviteiten verbeelden, zoals zich klaarmaken voor een afspraakje, eten op het platteland (het traditionele Inuit-dieet van dingen die zijn gevangen of verzameld op het land), televisiekijken of kaarten. In haar interieurs wordt veel geëxperimenteerd. Sommige, zoals Dr. Phil, 2006, zijn dicht ingekleurd, terwijl andere gebruik maken van technieken die perspectief en diepte suggereren om een kamer voorbij een deur te tonen.

Tijdens haar korte carrière zette Annie het tekenen met potloodkrijt voort, zoals haar grootmoeder en moeder hadden gedaan. Haar vroege tekeningen, zoals Untitled (Women Sewing), 2004, zijn uitgevoerd in grafiet en viltstift. Een aantal tekeningen toont een terughoudend gebruik van kleurpotlood; in Composition (Family Portrait), 2005-6, voegt ze op slimme wijze een dunne rode haarband en drie paar delicate roze lippen toe aan een compositie die wordt gedomineerd door platte zwarte vormen en sterke, dunne zwarte lijnen op een wit oppervlak. In sommige vroegere werken lijkt haar potloodwerk voorzichtiger. Deze benadering kan opzettelijk zijn geweest, maar waarschijnlijk naarmate haar vertrouwen in het maken van beelden toenam, begon ze zich meer op haar gemak te voelen bij het gebruik van kleur. Naarmate ze verder kwam, werd het duidelijk dat haar kleurgevoel uitzonderlijk was; haar meesterschap blijkt uit de felle kleurstreken die het papier van haar volwassen werk verzadigen. In Holding Boots, 2004, een werk dat speelt met platte vlakken en impliciet perspectief, gebruikt ze de complementen van groen in de sokken van de vrouw om de tekening te gronden tussen de hurkende rode knieën.

In enkele latere werken gebruikte Annie marker, verf en oliepasta om nieuwe, experimentele effecten te bereiken. In 2007, toen ze in Montreal woonde, maakte ze in Studio PM kennis met olieverf door Paul Machnik. Dit nieuwe medium bleef een experiment voor Annie en ze gaf er niet dezelfde prioriteit aan als aan kleurpotlood, grafiet en inkt. Wel maakte ze een aantal werken met olieverf, waarvan de belangrijkste (Composition) Drawing of My Grandmother’s Glasses, 2007 is, een grote, levendig gekleurde tekening van de direct herkenbare zwartomrande bril van haar grootmoeder. Het werd bekroond met een aankoopprijs door de Art Gallery of Ontario, Toronto, op Art Toronto, een internationale kunstbeurs, in 2007.

Compositie in de Sulijuk-traditie

Compositief gezien valt Annie’s werk binnen de sulijuk-traditie (vertaald als “waar” of “echt”). Deze praktijk is een manier van werken die in het Noorden wordt gezien en de aanpak die in de Kinngait Studios wordt aangemoedigd. Er is echter veel veranderd sinds Annies voorgangers hun ervaringen met het leven op het land begonnen te tekenen; door beelden te maken van een heel ander Noorden, tekende ook Annie haar eigen doorleefde en ware werkelijkheid. Ze beeldde het leven uit zoals zij het zag en onthulde een werkelijkheid die voor buitenstaanders met weinig kennis van het Noorden haaks leek te staan op de traditionele openluchtscènes die de mensen in Zuid-Canada waren gaan verwachten in de werken op papier van Inuit-kunstenaars. Deze eerlijkheid is de bron van Annie’s originaliteit.

De timing van Annie’s komst op het toneel is ook belangrijk. Kinngait kunstenaars begonnen tekeningen te maken die werden erkend als afgewerkte kunstwerken. Het medium tekening gaf Annie de vrijheid om de onderwerpen van haar eigen doorleefde werkelijkheid te ontwikkelen – ze hoefde niet toe te geven aan de verwachting dat haar tekeningen voorbereidend werk waren voor de productie van prenten, een medium dat nog steeds traditionele associaties had. Hoewel Annie’s werk in enkele Cape Dorset Annual Print Collections werd opgenomen, waren het haar tekeningen die op de markt werden gezocht.

Aan het begin van haar carrière tekende Annie veel kleine interieur- en kampeertaferelen, maar naarmate ze haar vaardigheden als kunstenaar ontwikkelde, wisselde ze vrijelijk af tussen verschillende compositieschema’s. Deze omvatten interieurs van huizen, voorwerpen uit die interieurs en afgezonderd weergegeven, vignetten van het leven op het land, en beelden gecentreerd op de pagina en omsloten door kronkelende lijnen. De eenvoudige grafische stijl die Annie’s kunst ging kenmerken, was aanvankelijk controversieel onder curatoren en verzamelaars, maar bleek immens populair, vooral onder aanhangers van hedendaagse kunst. Sommigen merkten neerbuigend op dat een kind soortgelijk werk zou kunnen maken of dat het naïef overkwam. Dit soort kritiek is niets nieuws; het is al meer dan een eeuw een constante reactie op moderne en hedendaagse kunst. Maar met betrekking tot Annie was er weinig geloofwaardigs aan. Ze was getalenteerd en hardwerkend; ze scherpte haar tekenvaardigheden aan door ijverig te werken, de lessen van de Ouderen toe te passen en zich tegelijkertijd van haar gelijken te onderscheiden. De originaliteit van haar werk getuigt van haar inzet, visie en vaardigheid.

Narratief Realisme

Annie’s meest erkende en gedocumenteerde tekeningen staan in de traditie van het verhalend realisme. Ze vertellen verhalen of documenteren haar leven. Haar tekeningen geven het leven weer zoals zij het in Kinngait ervoer, van het eten van maaltijden en televisiekijken tot het spelen van spelletjes of het hebben van seks. Haar huiselijke interieurs, waarvoor ze het meest bekend is, zijn vaak een compilatie van vele echte huizen en in deze scènes zien we bekende motieven, zoals dezelfde koffiemok, klok, of kunstwerk herhaald in verschillende interieurs. Zo is er bijvoorbeeld een opvallende koffiemok met een bloem erop te zien in zowel Tea Time, Cape Dorset, 2003, als Ritz Crackers, 2004. Deze motieven uit het dagelijks leven plaatsen de voorstelling in het heden, niet in een ver verleden.

Door middel van de technieken van het verhalend realisme was Annie vastbesloten om enkele van de moeilijke sociale, economische en fysieke realiteiten van het hedendaagse Noorden bloot te leggen. Ze gaat in op haar persoonlijke worstelingen met huiselijk geweld in Man mishandelt zijn partner, 2002, en het probleem van verslaving in Herinnering aan mijn leven: Breaking Bottles, 2001-2. Shooting a Mountie, 2001, documenteert de tragische moord op RCMP Constable Jurgen Seewald in Kinngait in 2001. Evenzo herinnert Annie zich in A True Story, 2006, een ongeluk op zee in 1979 toen Special Constable Ningoseak Etidloi verdronk tijdens een patrouille met Constable Gordon Brooks toen hun vierentwintig voet lange vrachtkano kapseisde in ruwe omstandigheden op de Noordelijke IJszee. Er wordt gezegd dat de agenten op weg waren om Kuiga (Kiugak) Ashoona (1933-2014), Annie’s oom, te vinden, die zich in hun buitenpostkamp bevond, en ze waren van plan om onderweg op walrussen te jagen. Hier zijn de verschillende verhalen samengevoegd in één beeld dat de verdrinking toont, compleet met slingerende lichamen en een kapotte kano, de walrusjacht, en de zoektocht naar haar oom allemaal samengevoegd in één scène.

De erkenning van moeilijke kwesties herinnert aan het latere werk van Annies moeder, Napachie Pootoogook, die de ontberingen van haar gemeenschap en haar eigen leven in een aantal van haar werken weergaf. Veel van deze werken documenteren de overgangsperiode van de jaren zestig en de verhuizing van de Inuit naar en het leven in door de regering gebouwde nederzettingen. Napachie begon in 1996 te werken met episodes uit haar persoonlijke leven, en soms met scènes van misbruik, en bleef dat doen tot haar dood zes jaar later. Sommige van deze werken waren te zien in Three Women, Three Generations: Tekeningen van Pitseolak Ashoona, Napatchie Pootoogook en Shuvinai Ashoona, een tentoonstelling in de McMichael Canadian Art Collection, Kleinburg, Ontario, en de Winnipeg Art Gallery in 1999. Slechts een paar jaar later werden Annie’s eigen gelijksoortige tekeningen haar meest iconische foto’s.

Elder Jimmy Manning zei in 2005 in een interview dat “Annie’s werk is, zoals, vandaag en gisteren… dagelijkse gebeurtenissen, winkelen, muziek, het feest.” Maar Manning heeft ook gezegd: “Soms tekent ze gekwetste gevoelens uit haar hart die ze niet bang is op papier te zeggen.”

Psychological Drawings

Caoimhe Morgan-Feir schrijft dat Annie’s binnen- en buitenscènes weliswaar functioneren als podia, met rechthoekige gebieden waar acties plaatsvinden, maar dat de tekeningen die binnen haarzelf liggen – haar “psychologische tekeningen” – opvallen door hun kronkelende lijnen die een centraal beeld omcirkelen dat vaak lijkt te zweven op de pagina. Een zo’n beeld is Composition (Evil Spirit), 2003-4, waar, zo schrijft Morgan-Feir, “een navelstrengachtige lijn de mond van de figuur verbindt met de genitaliën van de geest, en ze allebei omcirkelt.” In veel van deze tekeningen, merkt Morgan-Feir op, “zitten de centrale figuren in het midden van de pagina, met elementen die naar binnen reiken en in een lus naar buiten lopen. Er zijn enkele formele overeenkomsten met haar andere taferelen – namelijk haar sterke, duidelijke lijnen, die ze met potlood markeert voordat ze ze met inkt weergeeft.”

Een illustratie van deze stijl is Composition (Sadness and Relief for My Brother), 2006. Annie begon met dit werk in Schotland, waar ze twee maanden deelnam aan het Glenfiddich Artists in Residence programma. Patricia Feheley interviewde Annie uitgebreid over haar werk, en ze bespraken deze tekening. Feheley herinnert zich: “Ze was aan een tekening begonnen en er waren allemaal zwarte lijnen en dingen…. En ze zei: ‘Ik teken dit omdat ik van streek ben over mijn broer, omdat hij gearresteerd is, en ik denk dat ze hem deze keer in de gevangenis gaan stoppen.’ Maar de volgende dag sprak ze opnieuw met haar familie en hij was niet gevangen gezet, hij was vrijgelaten, en ze voltooide de tekening in blijde toestand.”

Deze uitwisseling helpt de complexiteit van Annie’s techniek verklaren: de kromme lijnen, rode stippen, gele stippen en sterren die ze in sommige van deze werken opnam, zijn een gids voor haar psychologische toestand tijdens het maken. Ze ontwikkelde deze motieven als een manier om haar emoties op de pagina te coderen. Sommige van de psychologische tekeningen zijn het resultaat van ingewikkelde verwikkelingen met de realiteit van het Noorden, de invloed van de Kinngait Studios, Annie’s eigen innerlijke strijd, en haar strijd om haar plaats in de wereld te vinden.

Grote werken

Annie maakte werken op een groter formaat dan gebruikelijk was in de Kinngait Studios. Hoewel in het verleden in de studio’s al grotere papiersoorten werden gebruikt, was er nooit een markt voor dit formaat voordat Annie zich eraan waagde. Inuitkunst werd vóór het begin van de jaren 2000 vooral verkocht aan privéverzamelaars en niet aan openbare musea en galerieën, en kleinere formaten waren gebruikelijk. Annies tentoonstelling in 2006 in The Power Plant Contemporary Art Gallery, Toronto, bood een nieuwe kans om tekeningen op grote schaal tentoon te stellen. Musea voor hedendaagse kunst eisen doorgaans grotere werken om indruk te maken in hun enorme zalen, een eis die veel kunstenaars ertoe heeft aangezet de grenzen van de schaal te verleggen. Cape Dorset Freezer, 2005, was het eerste grote werk dat Annie maakte. Voor deze tekening kreeg ze een groot vel papier, waaraan ze in het atelier begon te werken, maar dat ze uiteindelijk thuis afmaakte. Annie koos als onderwerp een nieuwe wandvriezer die onlangs was geïnstalleerd in een winkel in Kinngait. In de traditie van sulijuk gaf Annie nauwgezet de inhoud van de diepvries en het winkelend publiek weer. Deze tekening was een tour de force en werd onmiddellijk aangekocht door de National Gallery of Canada, Ottawa.

Cape Dorset Freezer markeerde een belangrijke verandering in de schaal voor tekeningen van kunstenaars in Kinngait. Dit precedent (niet strikt een innovatie – het was al eerder geprobeerd in het Noorden) verspreidde zich over de ateliers. Kunstenaars volgden Annie’s voorbeeld met enthousiasme, omdat deze grotere werken hogere prijzen opbrachten. Annie bleef zich echter op haar gemak voelen met de kleinere schaal – Diepvries was de grootste tekening die ze ooit maakte. Ze gaf de voorkeur aan de vrijheid om snel te werken en gemakkelijk van het ene beeld naar het andere te gaan. Andere kunstenaars, zoals Annie’s neef Shuvinai Ashoona (1961), hebben zich echter op spannende nieuwe manieren met grootschalige werken beziggehouden.

Printmaking

Hoewel Annie vooral bekend is om haar tekeningen, dienden haar tekeningen van 2003 tot 2008 als bronmateriaal voor de Cape Dorset Annual Print Collection, waarin acht van haar prenten waren opgenomen. Omdat Annie’s carrière als kunstenaar van korte duur was, was dat ook het geval met de oplagen van haar prenten voor de West Baffin Eskimo Co-operative.

Sinds 1959 wordt Kinngait Studios internationaal gerespecteerd voor de uitgave van de Cape Dorset Annual Print Collection. Het bedrijf blijft zich inzetten voor de productie van kwaliteitsdrukwerk, exquise steengravures, etsen, litho’s en collagraphs, en voor het onderhouden van een vaste en toegewijde verzamelaarsbasis. De ateliers koesteren actief plaatselijk talent, en kunstenaars uit Kinngait zijn de Inuit-kunstmarkt blijven domineren. De strategische planning op het hoogste managementniveau van de Co-op heeft in belangrijke mate bijgedragen tot het succes ervan. Naast de eerste manager, James Houston, was een andere manager, Terrence Ryan, van doorslaggevend belang voor de stabiliteit van de Co-op. Ryan, die een solide achtergrond in de kunsten had, was veertig jaar lang algemeen directeur van de Co-op en heeft veel gedaan om de ontwikkeling van de kunstsector in de gemeenschap te ondersteunen en tegelijkertijd een sterke en levendige Co-op in stand te houden. Onder Ryan’s leiding bloeide de kunst in Kinngait op en concentreerde de Co-op zich op het ontwikkelen en uitbreiden van kunstenaarstechnieken en visuele vocabulaires. Na Ryan werd William (Bill) Ritchie ateliermanager, en hij heeft de kunstenaars gekoesterd en ondersteund en opkomende kunstenaars aangemoedigd om tijd in de ateliers door te brengen en te experimenteren.

Net zoals Annie door sommige van haar collega’s in de Co-op werd gezien als een dissident vanwege haar tekeningen (hoewel het personeel van de Co-op haar aanmoedigde), zo waren ook haar bijdragen aan de uitgave van drukwerk opmerkelijk experimenteel. De studio bewerkte werken die haar unieke visie op het nieuwe Noorden vertegenwoordigden. Briefcase, 2005, en 35/36, 2006, afbeeldingen van mannenslips en een beha, vielen zeker buiten het kader van de gebruikelijke prenten. Andere prenten, zoals The Homecoming (2006) en Interior and Exterior (2003), zijn meer sentimenteel en richten zich op Annie’s liefde voor de gemeenschap. Hoewel Annie’s prenten succesvol zijn in de verkoop en distributie, houden haar tekeningen de aandacht van de kunstwereld vast door de enorme reikwijdte van haar visie, haar productieve productie en de verrassende directheid van haar beeldtaal en compositie.