Kinds of Blue Black

Kolory, które zbliżają się do ciemnej strony, a w konsekwencji, niebieski w szczególności, mogą być wykonane w przybliżeniu do czerni; w rzeczywistości, bardzo doskonały błękit pruski, lub indygo pod wpływem kwasu witriolowego wydaje się prawie jak czerń.

-Johann Wolfgang von Goethe, Teoria barw (1810)

Stając przed Błękitnoczarną (2000) Ellswortha Kelly’ego, wysoką na dwadzieścia osiem stóp rzeźbą ścienną z malowanego aluminium, zamówioną dla głównej przestrzeni wystawowej Pulitzer Arts Foundation, usłyszałem żwirowaty głos Louisa Armstronga śpiewający: „Co zrobiłem, że jestem taki czarny i niebieski?”. Biorąc pod uwagę tytuł rzeźby, to, że w mojej głowie pojawiła się piosenka Armstronga, nie było aż tak niespodziewane, jednak musiałem zapytać, co słowa melancholijnej, popisowej melodii o nierówności rasowej mają wspólnego z rygorystycznymi i eleganckimi obrazami, rzeźbami, rysunkami i kolażami Kelly’ego, stanowiącymi część praktyki artystycznej, która dążyła do „wymazania wszelkiego 'znaczenia’ z widzianej rzeczy”, tak aby „jej prawdziwe znaczenie było zrozumiałe i odczuwalne”. Rzeczywiście, oglądanie prac tego artysty to intensywne uświadamianie sobie koloru, kształtu i formy, a Blue Black, ze swoją mocną paletą i drobiazgowym umieszczeniem w surowym, ale zmysłowym budynku architekta Tadao Ando, jest doskonałym przykładem artystycznego mistrzostwa Kelly’ego.

Ale kolory niebieski i czarny, jak sugerował uporczywy głos Armstronga w mojej głowie, są sugestywne w sposób, który być może działa poza wizją Kelly’ego dla jego pracy. Na przykład, „niebiesko-czarny” to termin używany głównie przez Afroamerykanów do opisania odcienia skóry występującego wśród ciemnoskórych ludzi na kontynencie afrykańskim. Niebieski i czarny pojawiają się również w bluesie, formie muzycznej głęboko zakorzenionej w kulturze afroamerykańskiej, a kolory te pojawiają się w minimalistycznej kompozycji Steve’a Reicha „Come Out” (1966), która zapętla nagrane zeznania Daniela Hamma, jednego z sześciu czarnych młodzieńców niesłusznie oskarżonych o morderstwo w Harlemie w 1964 roku. Po pobiciu przez policję, Hamm powiedział, że musiał otworzyć swoje siniaki, „aby wypuścić trochę krwi z siniaków, aby pokazać im” rozmiar swoich obrażeń. Nie chodzi o to, by powiedzieć, że wszystkie skojarzenia z czernią i błękitem, które wykraczają poza koncepcję rzeźby Kelly’ego, są rasistowskie, ale o to, by zacząć myśleć o tym, w jaki sposób kolor często wykracza poza granice deklarowanych intencji artysty.

Gapiąc się na rzeźbę Kelly’ego podczas mojej pierwszej wizyty w Pulitzerze, zdałam sobie sprawę, że pomysł na ciekawą wystawę stanął mi przed oczami – wystawę, która zbadałaby przestrzeń pomiędzy „Niebiesko-Czarną” Kelly’ego a „Czarno-niebieską” Armstronga, wykorzystując je jako podpórki do badań nad tym, jak te dwa kolory zostały wykorzystane w szerokim zakresie praktyk artystycznych. Wystawa, której byłam kuratorem w tym roku w Pulitzer Arts Foundation, „Blue Black”, nie jest bynajmniej wyczerpującym przeglądem tematu. Wybrane prace elastycznie trzymają się tematu, wiele z nich zawiera kolory inne niż tytułowe pigmenty wystawy, a niektóre przywołują błękit lub czerń bez ich użycia. Wystawa została pomyślana jako medytacja nad formalnymi, politycznymi i metafizycznymi sposobami użycia kolorów, a także jako próba ujawnienia rozmów, jakie artyści nawiązują między nimi. W moim idealnym pokazie, dzieła sztuki fizycznie dotykałyby się – niebieski i czarny miałyby wspólną tożsamość, skłaniającą do metaforycznego poklepywania się po plecach i uderzania pięściami.

Podczas gdy Ellsworth Kelly i Louis Armstrong byli katalizatorami, jest wielu artystów, pisarzy i wystaw, które ją antycypowały i kształtowały. Wpływ na jej kształt miała instalacja Davida Hammonsa Concerto in Black and Blue (2002), składająca się z rozległych, ciemnych i pustych przestrzeni galeryjnych, które widzowie eksplorowali za pomocą maleńkich, niebieskich latarek LED, podobnie jak przypominająca kaplicę instalacja Chrisa Ofili’ego, składająca się z czarno-niebieskich obrazów figuratywnych w „Chris Ofili: Night and Day”, jego retrospektywy z 2014 roku w New Museum w Nowym Jorku. Poeta i teoretyk Fred Moten przedstawił w New Museum w 2014 roku referat o twórczości Ofili’ego zatytułowany „Bluets, Black + Blue, Lovely Blue”. Powieść „Invisible Man” Ralpha Ellisona z 1952 roku (której prolog zawiera błyskotliwą medytację nad nagraniem „Black and Blue” Armstronga) antycypuje tę wystawę, podobnie jak prace Jamesa Baldwina, Toni Morrison i Amiriego Baraki.

Prace są z grubsza zorganizowane wokół trzech kombinacji słów „niebieski” i „czarny”. Pierwsza sekcja wystawy, „niebiesko czarna”, odnosi się do rzeźby Ellswortha Kelly’ego, a jej prace wykorzystują kolory jako dyskretne elementy wizualne. Druga, „blueblack”, gromadzi prace, w których kolory są używane w sposób, który wizualnie zaciera granicę między nimi. Ostatnia to „blue-black”, gdzie różnego rodzaju portrety są wykorzystywane do badania związku pomiędzy niebieskim i czarnym jako kolorami z jednej strony, a czarnością jako tożsamością z drugiej. Co więcej, układ wystawy – która odrzuca chronologię, gatunek i medium jako zasady organizujące na rzecz nieprawdopodobnych rozmów, prowizorycznych sojuszy i poetyckiego przepływu – ma na celu wzbudzenie w widzu nielojalności wobec struktury kuratorskiej.

Więc pojechałam do ojczyzny; to było takie piękne. Po prostu zobaczyć czarnych ludzi odpowiedzialnych za wszystko. Mówię o tym od wina do prezydenta. Wszystko było czarne. Niebiesko-czarne. Oryginalna czerń. Taki rodzaj czerni, kiedy mówisz: „Czarny!”.

-Richard Pryor, 1982

Błękitno-czarny to rodzaj czerni, po której mówisz: „Czarny!”. Być może dlatego, że niebiesko-czarny wywodzi się z mitycznego punktu wyjścia w Afryce, podczas gdy „czarny”, wraz z „Murzynem” i „Afroamerykaninem”, może być uważany za jeszcze jeden przystanek na drodze do nieznanego jeszcze celu. Wiele prac w tej sekcji wstawia niewidzialny myślnik pomiędzy słowa „niebieski” i „czarny”, ich przedstawienia czarnych ludzi są głęboko zakorzenione w kombinacji tych dwóch kolorów i proponują subtelny związek z wyobrażonym afrykańskim pochodzeniem i amerykańską tożsamością. Inne prace przedstawiają czerń w bardziej skośny sposób, podczas gdy jeszcze inne opierają się na literaturze, materiałach archiwalnych, reprezentacjach fotograficznych i praktykach rytualnych w celu przedstawienia czarności, czerni, która jest ściśle związana z kolorem niebieskim.

W Untitled (policeman) (2015) Kerry’ego Jamesa Marshalla czarny policjant siedzi beznamiętnie na masce swojego wozu patrolowego. Czarność jako kategoria rasowa i kolor zbiegają się w użyciu przez Marshalla kości, kości słoniowej, marsa, węgla i innych odcieni czerni, aby nadać wymiarowość, głębię, niuans i złożoność oddaniu czarnych ciał, podczas gdy błękit jest zarezerwowany w obrazie dla części munduru policjanta, samochodu patrolowego i nocnego nieba. W pracy Blue Black Boy (1997) Carrie Mae Weems stonowała fotografię młodego czarnego chłopca na głęboki błękit, bawiąc się związkiem między czernią, kolorem i językiem. Lynette Yiadom-Boakye jest reprezentowana przez dwie prace, Greenhouse Fantasies (2014) i Messages from Elsewhere (2013). Każda z nich wykorzystuje naturalistyczne odcienie skóry w przedstawianiu czarnych podmiotów, jednak płótna Yiadom-Boakye nie są portretami, lecz amalgamacjami szerokiej gamy materiałów archiwalnych. Jej tytuły sugerują, że czerń jest wytworem wyobraźni. To samo można powiedzieć o fotografkach Viviane Sassen: Lemogang (2013) i Kinee (2011), z których każda przedstawia afrykański obiekt spowity w cień na tle jasnego, błękitnego nieba. Czerń jest w jej pracach bardzo czarna i choć obiekty na jej fotografiach są indywidualnie nazwane, prace pozostają kryptyczne jako portrety.

Na wystawie pojawia się odmiana figuracji, która jest zakorzeniona w języku. Na przykład w Invisible Man (after Ralph Ellison) (2008) Tima Rollinsa i K.O.S. na siatkę stron powieści nałożone są litery „I” i „M”. Te dwie litery można odczytać jako skrót od tytułu książki lub jako słowa „jestem”, historycznie i politycznie nacechowane zapewnienie o własnej osobowości, odzwierciedlające poszukiwania bezimiennego bohatera powieści Ellisona. Bez tytułu (I Am Not Tragically Colored) (1990), mój obraz, na którym tekst autorki Zory Neale Hurston jest wielokrotnie szablonowany niebiesko-czarnym olejnym sztyftem przez całą długość panelu w kształcie drzwi, również wykorzystuje język do figuryzacji ciała. Stopniowa dezintegracja tekstu w tej pracy rezonuje z dwoma pracami Jean-Michela Basquiata To Repel Ghosts (1986), gdzie pokrycie farbą pozornie wykonuje operację wyrażoną w tytule, który jest również jedynym tekstem pozostającym widocznym. Przekreślenie jednocześnie unieważnia i potwierdza figurację, duchy, które go nawiedzają, pokonane przez ekspresyjny znak autora.

Nie stworzyłem A Small Band (2015) specjalnie na tę wystawę, ale mogłem to zrobić. Składająca się z trzech dużych aluminiowych słów – BLUES, BLOOD i BRUISE – z przymocowanymi do nich białymi neonowymi rurkami pokrytymi czarną farbą, praca ta odnosi się do wielu centralnych tematów tej wystawy: związku między kolorami niebieskim i czarnym, niezliczonych sposobów, w jakie artyści wykorzystują je w swoich pracach, centralnego znaczenia muzyki i języka w związku z tymi dwoma kolorami oraz sposobu, w jaki wyrażana jest poprzez nie tożsamość. A Small Band został zamówiony na fasadę Pawilonu Centralnego na Pięćdziesiątym Szóstym Biennale w Wenecji w 2013 roku. Nadała ona ton i nastrój całej wystawie, która została opisana przez jej kuratora, Okwui Enwezora, jako „projekt poświęcony świeżej ocenie związku sztuki i artystów z obecnym stanem rzeczy”. Usytuowany tutaj, w Pulitzer Arts Foundation, obok Blue Black Kelly’ego, A Small Band ma sygnalizować, że jest częścią rozmowy o „obecnym stanie rzeczy”, rozmowy, która rozpoczęła się pomiędzy Ellsworthem Kellym, Louisem Armstrongiem i mną, i która trwa nadal pomiędzy prawie siedemdziesięcioma zgromadzonymi pracami. Tadao Ando powiedział, że chce, aby Pulitzer był miejscem, „gdzie dzieła sztuki nie są wystawiane jedynie jako okazy, ale mogą przemawiać do nas jako żywe istoty” i jako wystawa, „Blue Black” ma być głośna.

Adaptacja z eseju katalogowego Glenna Ligona do wystawy „Blue Black,” która jest w Pulitzer Arts Foundation do 7 października.

.