Warhol Under the Hammer: Top Ten Most Expensive Works Ever Soldado

Um dos artistas mais influentes e amados do século 20, Andy Warhol continua a inspirar fãs jovens e velhos. Com inúmeras retrospectivas de seu trabalho acontecendo em todo o mundo, ele também continua sendo um dos artistas mais procurados no mercado. Aqui nós damos uma olhada nos dez melhores preços pagos por obras do pai da Pop Art em leilão, de $105 milhões para o seu Silver Car Crash em 2013 para $53 milhões para Double Elvis em 2019.

Taken from his Death and Disaster series, o melhor preço realizado para Warhol em leilão foi alcançado em 2013 para Silver Car Crash (Double Disaster). Uma obra inegavelmente poderosa, esta pintura monumental testemunha as circunstâncias do desastre e reflecte sobre a longa tradição da pintura histórica na arte desde a Jangada da Medusa de Géricault até à Guernica de Picasso. Aqui Warhol transforma uma cena trágica, repetindo-a uma e outra vez até se assemelhar a quadros de um filme ou animação, a sua superfície a preto e branco tornou-se prateada para a posteridade. O trabalho foi feito em 1963, ano seminal – e algo melancólico – para Warhol, no qual ele também produziu Suicídios, Race Riots e Silver Electric Chair.

Having transformou as características icônicas de Marilyn Monroe em inúmeras estampas em serigrafia. Repetindo a figura do cantor na sua postura dinâmica de cowboy enquanto saca da sua arma, o trabalho assume uma qualidade cinematográfica que eleva a imagem da estrela de ícone pop para semideus. Ao mesmo tempo, a cor de fundo lembra a tela prateada de Hollywood, bem como os ornamentos barrocos da igreja católica em que Warhol cresceu, rodeado de ícones pintados para serem venerados e reproduzidos para as massas.

Outro trabalho significativo da série Warhol’s Death and Disaster, Green Car Crash (Green Car Crash I) fez manchetes quando foi vendido por US$71.720.000 na Christie’s em 2007, um preço espectacular para a época. Aqui novamente a repetição desempenha um papel fundamental na transformação de uma cena trágica em uma obra clássica da Pop Art, que usa a técnica industrial de serigrafia para reproduzir uma imagem de jornal repetidamente até o espectador ficar entorpecido com seu significado. Como Warhol disse em uma entrevista na época, “quando você vê uma imagem horrível repetidamente, ela realmente não tem nenhum efeito”, uma idéia que tem ecos preocupantes na cultura noticiosa de 24 horas dos nossos dias.

Com este trabalho Warhol demonstrou mais uma vez seu fascínio duradouro pela fama e celebridade, escolhendo como tema o talentoso ator Marlon Brando no filme The Wild One. Ao contrário de retratos anteriores em silkscreen, com Quatro Marlons Warhol optou por imprimir a figura de Brando em tela não aparada, evitando sobreposições brilhantes ou terrenos prateados para deixar o magnetismo bruto da expressão do ator, posar e as peles falarem. Pintada em 1966, a obra representa Warhol no auge de seus poderes, usando a técnica da serigrafia para emprestar dos mundos da publicidade e de Hollywood para criar um estilo totalmente novo de pintura que rompeu com o cânone, como ditado pelo crítico Clement Greenberg. Aqui, Warhol estava a abrir um novo caminho, um caminho que acabaria por lhe valer a sua própria fama e fortuna, igualando e até talvez ultrapassando a dos seus ícones.

Men In Her Life, vendido por mais de US$63 milhões em Nova York em 2010, é uma homenagem tanto à estrela de cinema Elizabeth Taylor quanto ao fascínio do público americano por sua vida e seus amores. Usando uma imagem tirada da revista LIFE, Warhol retrata Taylor com seu terceiro marido Mike Todd, bem como com outro casal, Debbie Reynolds e Eddie Fisher. Embora pareça uma imagem inocente de romance e amizade, a fotografia prefigura na verdade um desastre e um complicado caso de amor que fez com que Taylor fosse vilipendiada pela mídia e pelo público. Mais uma vez Warhol repete o seu motivo central para comparar as imagens aos quadros de um filme, trazendo movimento a um imóvel. Ao mesmo tempo, ele mantém o preto e branco original da fotografia, ao contrário do que se espera das suas telas coloridas do mesmo ano.

Talvez uma das pinturas mais evidentes e conhecidas de Warhol, Race Riot reproduz uma fotografia de uma marcha pelos direitos civis em Birmingham, Alabama, em 1963. O que era suposto ser um protesto pacífico contra as leis de segregação do estado pela comunidade afro-americana da cidade logo se tornou feio quando a polícia trouxe cães de ataque e mangueiras de fogo para dispersar a multidão. Fazendo notícias de primeira página em todo o mundo, fotografias do motim de Charles Moore forçaram o presidente John F Kennedy a fazer mudanças históricas na lei e inspiraram Warhol a reproduzi-las, compartilhando à sua maneira esse retrato de injustiça e garantindo seu lugar na história da arte.

Painted in the last year of Warhol’s life, Sixty Last Suppers é uma prova do amor duradouro do artista pelos velhos mestres. Nesse ano Warhol também produziu The Last Supper (Pink) e The Camouflage Last Supper que, juntamente com a obra atual, foram baseadas em reproduções de uma cópia do século XIX da pintura original de Leonardo da Vinci. Ao aplicar a sua técnica de serigrafia a uma obra-prima do século XVI e reproduzi-la numa grelha monumental de imagens repetidas, Warhol foi visto a entrar em diálogo com o cânone histórico da arte ocidental que lhe foi apresentado, bem como a referir as suas próprias raízes na igreja católica e talvez a questionar o valor de uma única imagem sobre muitas.

As well as Campbell’s Soup Cans and Brillo Boxes, Warhol era particularmente aficionado em reproduzir a marca icônica da Coca-Cola. Desde o redemoinho do logotipo até os rótulos vermelhos e brancos e as elegantes garrafas de vidro, a Coca-Cola era um apelo intemporal para o pai da Pop Art que a via como um grande nivelador, graças à sua popularidade e ubiqüidade. Em seu livro de 1975, The Philosophy Of Andy Warhol (From A to B & Back Again) ele escreveu: “O que é ótimo sobre este país é que a América começou a tradição onde os consumidores mais ricos compram essencialmente as mesmas coisas que os mais pobres. Você pode estar assistindo TV e ver Coca-Cola, e você pode saber que o Presidente bebe Coca-Cola, Liz Taylor bebe Coca-Cola, e só de pensar, você pode beber Coca-Cola, também. Uma Coca-Cola é uma Coca-Cola e nenhuma quantidade de dinheiro pode dar-lhe uma Coca-Cola melhor do que aquela que o vagabundo da esquina está a beber. Todas as Colas são iguais e todas as Colas são boas. Liz Taylor sabe disso, a Presidente sabe disso, o vagabundo sabe disso, e você sabe disso”. Esta obra de 1962 despoja a marca da sua cor, oferecendo um esboço simples da garrafa e do logotipo com as palavras “marca registrada” claramente delineadas, talvez numa língua na bochecha referência ao seu próprio desrespeito pelos direitos autorais.

Em 1962 JFK visitou a França numa visita de estado durante a qual a sua esposa Jackie, que era adorada pela imprensa e pelo público, conseguiu persuadir o presidente francês a permitir que a Mona Lisa fizesse uma digressão sem precedentes pelos Estados Unidos. No ano seguinte, o quadro atravessou o Atlântico acompanhado por um comboio de alta segurança e por uma extensa cobertura mediática. Como resultado, milhares de americanos fizeram fila para ver a obra-prima em sua primeira parada, a National Gallery of Art em Washington, antes de viajar para o Metropolitan Museum of Art, em Nova York, onde Warhol a viu. Ele começou a trabalhar na versão serigráfica na primavera seguinte, usando uma reprodução retirada de uma brochura do museu. Com isso, ele fez três telas: uma era uma versão completa do trabalho, enquanto outra mostrava a Mona Lisa cortada em um busto, e a terceira era apenas um detalhe das mãos cruzadas da figura. Neste quadro, que foi vendido por US$ 56.165.000, os três se unem em uma vibrante exibição de cores e composição.

Painted in the same year as Triple Elvis esta obra parecia ser ligeiramente menos popular no mercado, alcançando US$30milhões a menos que a sua contraparte quando foi vendida em Nova York em 2019. A obra não é menos icônica, porém, com as características clássicas de Elvis olhando para o espectador em determinação, sua persona gunslinger representando uma homenagem ao romance americano com o Ocidente e a figura duradoura do vaqueiro. Aqui o filme publicitário original do filme Flaming Star, de 1960, é duplicado e reproduzido em tamanho real, resultando numa obra imponente que permanece uma obra clássica na obra deste artista luminoso.