Buck Dharma

Während des Hardrock-Jahrzehnts der 70er Jahre vertrat Blue Oyster Cult aus Long Island einen entschieden anderen Ansatz für laute, gitarrenbasierte Musik. Die düsteren Betrachtungen der Combo brachten ihr einen kontroversen Ruf für ihre Texte und Logos ein, und ihr Erkennungslied, der Megahit „(Don’t Fear) The Reaper“ von 1976, ist ein Beispiel dafür; einige Hörer interpretierten das Lied als Befürwortung von Selbstmord.

Donald „Buck Dharma“ Roesers blitzschnelle Griffbrett-Histrionik war ein wesentlicher Bestandteil des BOC-Sounds. Kontroversen hin oder her, die Riffs und Licks, die Buck und seine Bandkollegen spielten, prägten sich in die Köpfe vieler Fans und angehender Gitarristen ein. Während sich seine Band auf eine Tournee im Sommer ’98 vorbereitete, sprach er über die Geschichte der „intelligentesten Heavy-Metal-Band der Welt“ und die Gitarren, die er auf seinem Weg benutzt hat.

Vintage Guitar: Laut Tim Bogert von Vanilla Fudge gab es Mitte der 60er Jahre eine Szene in Long Island, zu der unter anderem Bands wie die Vagrants, die Young Rascals und die Hassles gehörten. Erinnerst du dich an diese Bands und was dort los war?

Sicher. Das waren Club-Bands, aber wir haben auf dem Campus angefangen, also waren wir eher eine College-Band als eine Bar-Band. Wir haben in Bars gespielt, aber das kam erst später dazu. Ich habe alle Bands gesehen, die du erwähnt hast.

Erzähle mir etwas über einige deiner früheren Instrumente und Erfahrungen, „vor BOC“.

Buck Dharma: Ich habe mich in der Surf-Ära mit Rock’n’Roll beschäftigt und war Schlagzeuger in meiner ersten Band, das war in der High School. Ich spielte Streetbasketball und brach mir das Handgelenk, und während ich den Gips trug, fing ich an, mit einer akustischen Stella herumzuspielen, die mein Bruder zu Weihnachten bekommen hatte. Als mein Handgelenk geheilt war, beschloss ich, Gitarrist zu werden.

Ich kannte einen anderen Schlagzeuger, also besorgte ich mir eine Gitarre, eine Premier Jazz Box mit zwei Tonabnehmern. Sie sah irgendwie albern an mir aus, weil ich ziemlich klein bin (lacht), und diese Gitarre hatte keinen Cutaway. Ich habe gleich als Leadgitarrist angefangen und auf der hohen E-Saite gespielt. Ich bin ein absoluter Autodidakt auf der Gitarre; alles, was ich gelernt habe, habe ich mir von Schallplatten abgeguckt.

Ich hatte auch eine der ersten Hagstrom-Gitarren, die nach Amerika importiert wurde. Es war eine Art Prototyp; sie hatte nicht die gleiche Hardware oder Bindung am Hals wie die späteren. Es war eine sehr gute, billige Fender-Kopie.

Die Band, aus der Blue Oyster Cult wurde, gründete sich erst, als du auf dem College warst. Was für einen Sound wolltet ihr haben?

Wir kamen aus dem unglaublich reichen englischen Pop dieser Zeit, als wir auf dem College waren. Wir haben viele Animals-Songs gemacht, aber wir haben uns sehr für Blues interessiert; wir waren von The Blues Project begeistert. Wir waren auf dem College im Hinterland von New York, fast in Kanada, und wir fuhren mindestens einmal im Monat acht Stunden nach New York City, um Bands wie Paul Butterfield und das Blues Project zu sehen, die im Grunde genommen weiße New Yorker waren, die den Blues spielten. Wir sagten: „Hey, das können wir auch!“

Hat Danny Kalb dein Spiel beeinflusst?

Großartig; sein Tempo war gigantisch. Nachdem ich Kalb gesehen hatte, habe ich mich intensiv mit ihm beschäftigt – ich habe den ganzen Tag lang gespielt und seine Licks gelernt. Sobald ich seine Sachen gelernt hatte, konnte ich generell sehr schnell spielen, also hatte er einen sehr großen Einfluss auf mein Spiel und die Entwicklung meiner Technik.

Sie sind ein Spieler, dessen Künstlername und echter Name seit einiger Zeit bekannt sind. Was ist die Bedeutung von „Buck Dharma“? Oder ist es ein Firmengeheimnis?

Nicht wirklich; wir haben alle über Pseudonyme nachgedacht, als wir anfingen, und in jenen Tagen war es wahrscheinlich wichtiger, einen auffälligen Namen zu haben. Ich mochte meinen, also habe ich ihn beibehalten, aber im Nachhinein hat er sich als lästig erwiesen. Ich mag Buck, aber meine Frau nennt mich immer noch Don (lacht).

Nachdem die Band einen Plattenvertrag hatte, wurden einige der Bilder, die ihre Musik erzeugte, vielleicht als kontrovers angesehen, aber ich hatte das Gefühl, dass es damals auch ein Teil des Marketing-Hypes war. Die Details über das Bandlogo sind auf einer Webseite vermerkt, die ich mir angesehen habe, aber ich überlasse es dir, deine Version davon zu erzählen, wie dieses Symbol zum Logo wurde.

Das Logo wurde von dem Grafiker entworfen, der unsere ersten beiden Albumcover gemacht hat; es existiert eigentlich nirgendwo anders, aber es gibt einige ähnliche historische Vorläufer dahinter. Angeblich sieht es aus wie das griechische Symbol für Chaos und ein alchemistisches Symbol für Blei. Ob das alles stimmt, kann ich Ihnen nicht sagen. Aber der eigentliche Knackpunkt ist, dass es von einem Grafiker entworfen wurde, und als wir es sahen, sagten wir: „Das ist unser Logo.“

Ich habe einmal gelesen, dass einige Gruppen versuchten, eine Art Nazi-Symbolik auf das Logo anzuwenden, und die Jewish Defense League hatte vor, bei einigen eurer Konzerte zu protestieren.

Ja, und das war total lächerlich; als ob man den Teufel hinter den Bäumen sucht. BOC hatte schon immer eine historische und intellektuelle Ausrichtung, aber wir haben uns nie der Teufelsanbetung oder ähnlichem hingegeben. Wir beschäftigen uns in unseren Liedern mit Themen wie Gut und Böse, aber wir beziehen keine Position. Der Gedanke, dass wir eine politische oder sonstige Agenda haben, war immer albern. Wenn wir über die dunkle Seite der Menschheit gesprochen haben, haben wir es einfach gesagt: „Hier ist es.“

Das Cover eures dritten Albums, Secret Treaties, hätte die erwähnten Nazi-Jäger nicht abgeschreckt, denn es war eine Skizze der Band, die vor einem ME-262 stand (dem ersten einsatzfähigen Düsenjäger der Welt, der von den Deutschen während des Zweiten Weltkriegs gebaut und eingesetzt wurde).

Viele Leute waren darüber wirklich verärgert, und ich weiß nicht warum. Worum es in Secret Treaties geht, ist die Tatsache, dass es während des Zweiten Weltkriegs tatsächlich eine Menge Hintertürgeschäfte zwischen den Achsenmächten und den Alliierten gab; der Handel kam nicht zum Erliegen. Das Album war eine Anspielung darauf: der Krieg war nicht das, was er zu sein schien.

Um dir ein wenig mehr Hintergrund zu geben, wir waren von Clive Davis bei Columbia unter Vertrag genommen worden, und wenn du dich erinnerst, kam Columbia aus den 50er und in die 60er Jahre als ein ziemlich schwerfälliges Label; Mitch Miller war der A&R-Typ.

Ich glaube, wir wurden von Davis ziemlich früh in seiner Amtszeit unter Vertrag genommen, aber ich hatte nie das Gefühl, dass die Firma wusste, wie sie uns verkaufen sollte; sie wussten nicht, was sie mit uns machen sollten. Ich dachte immer, dass wir eine Art Peinlichkeit für sie waren. Ich denke, Aerosmith war wahrscheinlich die gleiche Art von Band für Columbia; die Firma fühlte sich wahrscheinlich wohler mit Künstlern wie Springsteen, die eher ein geradliniges Image hatten.

In den 70ern trugen Sie auf der Bühne oft weiße Kleidung und spielten auch weiße Gitarren.

Ich hatte eine Gibson SG, die als kirschrote Standard anfing; sie haben nie eine weiße SG mit zwei Pickups gemacht, aber sie haben die Modelle mit drei Pickups in Weiß mit goldener Hardware gemacht. Ich habe diese Gitarre neu lackieren lassen. Ich habe auch mal eine weiße Strat gespielt, die habe ich immer noch.

Später sah man dich auf einer Single-Cutaway Les Paul in Tobacco Sunburst-Finish.

Das war eine Deluxe, die habe ich um ’73 neu gekauft. Es war einfach so, dass man in ein Musikgeschäft geht, etwas kauft und es wirklich mag. Ich habe sie gerade auf der letzten Platte der Band benutzt.

Wenn die Band „ME-262“ im Konzert spielte, gab es einen Teil, bei dem der Schlagzeuger mit den anderen Spielern nach vorne ging und auch Gitarre spielte, also waren es vier Gitarristen und ein Bassist. Ist das immer noch der Fall?

Wir spielen nicht mehr mit fünf Gitarren wie in der klassischen Ära. Albert, der ursprüngliche Schlagzeuger, war der einzige Schlagzeuger, den wir hatten, der Gitarre spielen konnte.

Und das Live-Album, auf dem „ME-262“ zu finden ist, On Your Feet or On Your Knees, klang produktionstechnisch etwas düster, aber Some Enchanted Evening und Extraterrestrial Live machten das wieder wett.

Ich sage dir, was auf On Your Feet gut ist, und das ist „Then Came the Last Days of May“. Einer der Gründe, warum ich das mag, ist, dass es von Jack Douglas abgemischt wurde, der die Aerosmith-Platten dieser Ära gemacht hatte. Er war immer einer meiner Favoriten.

Es ist lustig, ich habe sehr wenig objektive Sicht auf unsere Platten, denn wenn man mit der Produktion fertig ist, will man sie normalerweise lange Zeit nicht mehr hören. Dann hört man sie im Radio oder bei jemandem zu Hause, und man erinnert sich daran, wie gut sie waren. Ich weiß nicht, wie es anderen Künstlern geht, aber ich setze mich selten hin und höre mir meine Platten an, wenn sie fertig sind. Man kennt bereits jede Nuance und jede Mikrosekunde davon.

Gibt es bestimmte Coversongs, die BOC gemacht hat, die du magst? Da gibt es „Born to Be Wild“, „We Gotta Get Out of This Place“, „Kick Out the Jams“. Ich werde gleich nach „Roadhouse Blues“ fragen.

Ich mag die meisten davon. Die seltsamste Version, die wir je versucht haben, war eine Studio-Version von „Born to Be Wild“. Meine Philosophie über Covers im Allgemeinen ist, dass man nicht versuchen sollte, einen Song zu covern, wenn man nichts Neues zur Party beisteuern kann, aber das hat uns nicht davon abgehalten, so tollkühn zu sein und zu versuchen, „Kick Out the Jams“ zu covern (lacht).

„Roadhouse Blues“ wurde in einem Konzert aufgenommen, bei dem Robby Krieger dabei war.

Ja; wir haben „Roadhouse“ sowohl mit Robby als auch mit Ray Manzarek zu verschiedenen Zeiten gemacht. Die Doors waren ein großer Einfluss auf uns. Sie waren nicht wie die Bands aus San Francisco, die ebenfalls einen großen Einfluss hatten – The Dead, Jefferson Airplane, Steve Miller; die Doors kamen aus L.A. und machten Musik, die sehr „dunkel“ war, auf eine konzeptionelle Weise, und sie waren auch sehr songorientiert. Es war also sehr aufregend, „Roadhouse“ mit diesen Jungs zu machen.

Man könnte annehmen, dass die Inspiration für „Godzilla“ darin lag, dass du ein Fan der alten japanischen Monsterfilme warst.

Ja, definitiv. Ich habe das Riff für den Song in einem Hyatt-Hotel in Dallas geschrieben; das Riff ließ mich an Godzilla denken, und ich schrieb die erste Strophe aus dem Stegreif, dann arbeitete ich noch einige Wochen an einem weiteren Text. Ich fand, dass die Musik und der Groove an den ersten Godzilla-Film erinnerten, in dem Raymond Burr mitspielte.

Dieser Song kam bei den Konzerten immer gut an, und ich nehme an, er ist immer noch ein Grundnahrungsmittel.

Richtig; es ist einer von drei Songs, die wir jeden Abend spielen müssen. Die anderen sind „Burnin‘ For You“ und „(Don’t Fear) The Reaper“. Sie würden uns nicht aus der Halle lassen, wenn wir die nicht spielen würden (kichert).

War BOC Mitte bis Ende der 70er Jahre nicht einer der Pioniere der Laserlicht-Shows bei Konzerten? Wenn ich mich recht erinnere, hatte Eric Bloom eine Art handschuhähnliches Gerät, das er auf eine Spiegelkugel richtete, um die Laserstrahlen zu zerstreuen.

Er hatte ein Glasfaserkabel, das zu einer Linse an seinem Handgelenk führte, und wenn er es auf die Spiegelkugel richtete, erschien der Laser direkt aus seiner Hand. Es war ein verblüffender Effekt.

Aber gab es nicht einmal eine Kontroverse darüber, ob solche Effekte Augenschäden verursachen könnten?

Ja, lassen Sie mich das klarstellen: Wir haben mit dieser Lasershow niemanden verletzt. Aber die Regierung flippte aus, als sie merkte, was da vor sich ging. Sie mochten die Vorstellung nicht, dass Rock’n’Roller all diese „Macht“ hatten, also zwangen sie uns, eine Menge Ausfallsicherungen und Verriegelungen für die Ausrüstung zu erfinden. Die OSHA verfolgte uns tatsächlich drei Monate lang auf Tournee! Danach haben sie sogar unseren „Scan“-Effekt verboten, einen Laserkegel, der ebenfalls beeindruckend war, aber keine Gefahr darstellte, solange der Laser scannte. Diesen Effekt sieht man jetzt in Filmen, aber bei Live-Konzerten ist er nicht mehr zu sehen. Jeder, der damals eine unserer Lasershows gesehen hat, hat etwas gesehen, was heute bei Konzerten nicht mehr gemacht wird.

Apropos Bloom, was genau ist die Stun-Gitarre, die er gespielt haben soll?

(kichert) Wir haben Stun-Gitarre erfunden, um einige der Fuzz-Parts zu beschreiben, die Eric gemacht hat. Tatsächlich gibt es einen Stun-Gitarren-Part auf der neuen Platte!

„Reaper“ mag einige Leute dazu gebracht haben, BOC als das sprichwörtliche One-Hit-Wonder zu betrachten, aber es gab noch andere Songs, die zumindest im AOR-Format ein gewisses Maß an Airplay erhielten. Da gab es das bereits erwähnte „Godzilla“, „Burnin‘ For You“ und spätere Kost wie „Dancin‘ in the Ruins“

Nun, wir waren wirklich keine Popband und sind es immer noch nicht. Ich weiß nicht, als welche Art von Band man uns bezeichnen könnte, aber wenn ich an Blue Oyster Cult denke, denke ich nicht an den Massenmarkt.

„In Thee“ war insofern etwas anders, als es akustische Gitarren, eine Menge Gesangsharmonien und ein romantisches Thema hatte.

Dieser Song wurde von Allen Lanier geschrieben, und es ist wahrscheinlich seine beste Melodie. Es hat einen Nachhall und eine Schönheit in sich. Wir haben gerade eine neue Version auf das neue Album gepackt, die eine Live- und „unplugged“-Aufnahme ist, so wie wir den Song in letzter Zeit live gespielt haben. Wir dachten, dass der Song etwas mehr Aufmerksamkeit verdient, also haben wir ihn wieder auf ein Album gepackt.

Auf der Originalversion habe ich eine Martin D-35 benutzt, und die elektrische Gitarre war eine Spezialanfertigung namens Vulcan.

Ich habe nicht nach Verstärkern gefragt.

Wir haben wahrscheinlich das benutzt, was jeder andere über die Jahre benutzt hat. Als wir anfingen, Equipment zu kaufen, hatten wir Acoustic 260s, die die Doors benutzten, und das waren schreckliche Verstärker für die Art von Musik, die wir machten (lacht). Sie hatten überhaupt keine Verzerrung oder Overdrive. Dann haben wir Marshalls genommen, mit denen man natürlich nichts falsch machen kann. Das Problem war nur, dass wir, wenn wir eine Drei-Akt-Show eröffneten, direkt an der „Lippe“ der Bühne standen, und die Marshalls konnten einen taub machen. Danach benutzten wir eine Zeit lang Music Man-Amps, dann einige Boogie Mark II-Amps, die ebenfalls großartig waren.

Im Studio benutzte ich in letzter Zeit kleinere Combo-Amps; einen Vox AC-30, Fender Supers. Das Studio, in dem wir Heaven Forbid aufgenommen haben, hat eine tolle Sammlung von Vintage-Verstärkern. Ich habe auch einen Boogie Mark II Head über einen 4 X 12 verwendet.

Da ihr euren größten Hit vor dem Aufkommen von MTV hattet – und ich weiß, dass BOC Videos gemacht hat – wie denkst du über deren Relevanz?

Wir haben sechs oder sieben über die Jahre gemacht, und ich weiß nicht, ob sie überhaupt einen Effekt haben. Es ist schön, sich selbst im Fernsehen zu sehen, aber offensichtlich waren sie kein Faktor für unsere Popularität, denn das war die Zeit vor den Videos. Ich denke, sie helfen bestimmten neuen Bands, bekannt zu werden, aber es scheint, dass man im Fernsehen so wenig von der Bandbreite der Musik sieht. Das Schlimme an Videos ist, dass sie sehr teuer sind. Für das Geld, das ein Video kostet, kann man eine Platte aufnehmen, aber ist es das Geld als Werbemaßnahme wert? Ich würde wahrscheinlich nein sagen.

Als das Videozeitalter aufkam, sind meiner Meinung nach mehrere schlechte Dinge passiert: Ich denke, es hat den Southern Rock fast vollständig getötet. Es hat die Karrieren vieler Leute ruiniert, die nicht so gut aussahen, aber es hat die Karrieren einiger sehr hübscher Leute gefördert, die nicht so viel Talent hatten. Es erlaubte auch bestimmten Acts, die sich des visuellen Mediums bewusst waren, wahrgenommen zu werden, aber ob das eine gute Sache ist, weiß ich nicht.

Wie sollte sich dein Soloalbum Flat Out von einem Blue Oyster Cult-Album unterscheiden?

Das Material auf Flat Out war im Allgemeinen pop-orientierter und romantischer; persönlicher. Ich hatte einige Songs, die einfach nicht zu BOC passten.

Heaven Forbid wird veröffentlicht, während wir dies aufnehmen.

Es ist unsere erste Platte mit neuem Material seit ’88; es hat 11 Titel und ist ein großartiges Album, wenn ich das mal so sagen darf (lacht).

Du hast einen Ableger namens Buck Dharma Band, und diese Gruppe hat kürzlich ein Benefizkonzert in Atlanta gegeben. Details?

Ich mag das Trio-Format; die Musiker in der Band sind Danny Miranda, der auch der Bassist von BOC ist, und John Mocelli, der für Meat Loaf trommelt; er war auch mal bei BOC. Und meine Frau singt.
Wir bekamen einen Anruf von einem Fan, der einen Zeitungsartikel über einen Jungen in einem Vorort von Atlanta aufgeschnappt hatte, der einen inoperablen Hirntumor hatte und „Godzilla“ benutzte, um den Kampf gegen seine Krankheit zu visualisieren. Er unterzog sich einem experimentellen Medikamentenprotokoll, überlebte es und besiegte die Krankheit sozusagen. Wir waren dort und haben ein Benefizkonzert gegeben, um ihm bei seinen Ausgaben zu helfen. Er ist ein großartiger Junge, und wir hatten eine tolle Zeit. Das Konzert wurde auf Video aufgenommen, und Kopien davon sind auch als Teil der Benefizaktion erhältlich.

Du benutzt heutzutage meistens eine Steinberger im Konzert.

Es ist meine Allzweck-Axt. Ich bin auf Steinbergers gekommen, als sie das geschraubte Modell mit Holzkorpus herstellten; das Vollkunststoffmodell war mir klanglich zu steril. Das Halsprofil passt perfekt zu mir, und natürlich verziehen sie sich nicht. Sie sind von Instrument zu Instrument sehr konsistent.

Sie haben bereits erwähnt, dass Sie die Tobacco Sunburst Les Paul Deluxe auf Heaven Forbid verwendet haben. Gibt es noch andere Instrumente, die du in deiner Sammlung hast, oder benutzt du die meisten davon im Studio?

Ich hatte nur sehr wenige wertvolle Instrumente. Ich hatte eine 57er Strat, aber meine Philosophie ist, wenn ich bestimmte Gitarren nicht wirklich benutze, lohnt es sich kaum, sie zu besitzen. Es gibt ein paar Gitarren, die ich gerne hätte; ich würde gerne eine Gretsch Tennessean oder eine andere Chet-Atkins-Gitarre haben, denn so eine habe ich jetzt nicht. Ich hätte gerne eine Rickenbacker, aber ich habe ein paar Strats und eine Custom SG, die von einem Fan in Pittsburgh gebaut wurde. Mit dieser habe ich „The Reaper“ viele Jahre lang live gespielt.

Siehst du voraus, dass du ausgiebig touren musst, um das neue Album zu promoten?

Wir haben uns für eine sechs- bis achtwöchige Tour in diesem Sommer verpflichtet; wir werden in Schuppen mit anderen Bands aus unserer Ära, wie Motorhead und Iron Maiden, sein. Wir werden also wahrscheinlich mehr arbeiten als im letzten Jahr, aber wir haben keine Lust, so viel zu touren wie zu unserer Anfangszeit.

Weitere Zukunftspläne?

Ich möchte eine Buck Dharma Band Platte machen, und es wird zweifellos einen Nachfolger von Heaven Forbid geben.

Buck Dharma ist zwar für seine rasanten Riffs bekannt, aber seine Einblicke in die Geschichte von Blue Oyster Cult, ihre Songs und die Gitarren, die er benutzt hat, zeigen, dass er seine Erfahrungen über die Jahrzehnte hinweg gut verarbeitet hat. Natürlich ist sein Gitarrenkönnen auch ziemlich eloquent… aber es ist auch viel schneller.

Donald „Buck Dharma“ Roeser. Foto mit freundlicher Genehmigung von Buck Dharma.

Dieses Interview erschien ursprünglich in der VG-Ausgabe vom Aug. ’98.