Warhol Under the Hammer: Top Ten der teuersten je verkauften Werke

Andy Warhol, einer der einflussreichsten und beliebtesten Künstler des 20. Jahrhunderts, inspiriert nach wie vor junge und alte Fans. Mit zahlreichen Retrospektiven seiner Werke auf der ganzen Welt bleibt er auch einer der gefragtesten Künstler auf dem Markt. Hier werfen wir einen Blick auf die zehn höchsten Preise, die bei Auktionen für Werke des Vaters der Pop Art gezahlt wurden, von 105 Millionen US-Dollar für seinen Silver Car Crash im Jahr 2013 bis hin zu 53 Millionen US-Dollar für Double Elvis im Jahr 2019.

Der höchste Preis, der bei einer Auktion für Warhol erzielt wurde, stammt aus seiner Serie „Death and Disaster“ (Tod und Katastrophe) und wurde 2013 für Silver Car Crash (Double Disaster) erzielt. Dieses monumentale Gemälde ist ein unbestreitbar kraftvolles Werk, das von den Umständen einer Katastrophe zeugt und an die lange Tradition der Historienmalerei in der Kunst anknüpft, von Géricaults Das Floß der Medusa bis zu Picassos Guernica. Hier verwandelt Warhol eine tragische Szene, indem er sie immer und immer wieder wiederholt, bis sie an Bilder aus einem Film oder einer Animation erinnert, deren schwarz-weiße Oberfläche für die Nachwelt silbrig geworden ist. Das Werk entstand 1963, einem bahnbrechenden – und etwas melancholischen – Jahr für Warhol, in dem er auch Suicides, Race Riots und Silver Electric Chair produzierte.

Nachdem er Marilyn Monroes ikonische Gesichtszüge in unzählige Siebdrucke verwandelt hatte, war es nur natürlich, dass Warhol in diesem Gemälde von 1963 Elvis zum Thema nahm. Durch die Wiederholung der Figur des Sängers in seiner dynamischen Cowboy-Haltung, während er seine Waffe zieht, erhält das Werk eine filmische Qualität, die das Image des Stars von einer Pop-Ikone zu einem Halbgott erhebt. Gleichzeitig erinnert die Hintergrundfarbe an die Silberleinwand Hollywoods sowie an die barocken Ornamente der katholischen Kirche, in der Warhol aufwuchs, umgeben von gemalten Ikonen, die verehrt und für die Massen reproduziert werden sollten.

Ein weiteres bedeutendes Werk aus Warhols Death and Disaster-Serie, Green Car Crash (Green Burning Car I), sorgte für Schlagzeilen, als es 2007 bei Christie’s für US$71.720.000 verkauft wurde, ein spektakulärer Preis für die damalige Zeit. Auch hier spielt die Wiederholung eine Schlüsselrolle bei der Verwandlung einer tragischen Szene in ein klassisches Werk der Pop Art, das sich der industriellen Technik des Siebdrucks bedient, um ein Wochenschau-Bild immer und immer wieder zu reproduzieren, bis der Betrachter für seine Bedeutung gefühllos wird. In einem Interview sagte Warhol damals: „Wenn man ein grauenhaftes Bild immer wieder sieht, hat es keine Wirkung mehr“ – ein Gedanke, der in der 24-Stunden-Nachrichtenkultur unserer Tage ein beunruhigendes Echo findet.

Mit diesem Werk demonstrierte Warhol einmal mehr seine anhaltende Faszination für Ruhm und Berühmtheit, indem er den talentierten Schauspieler Marlon Brando aus dem Film The Wild One als Motiv wählte. Im Gegensatz zu früheren Siebdruckporträts entschied sich Warhol bei Four Marlons dafür, Brandos Figur auf eine ungrundierte Leinwand zu drucken, und verzichtete auf helle Überlagerungen oder Silbergrund, um die rohe Anziehungskraft des Ausdrucks, der Pose und des Leders des Schauspielers sprechen zu lassen. Das 1966 entstandene Werk zeigt Warhol auf dem Höhepunkt seines Könnens, als er mit Hilfe der Siebdrucktechnik Anleihen aus der Welt der Werbung und Hollywoods nahm, um einen völlig neuen Malstil zu entwickeln, der mit dem von dem Kritiker Clement Greenberg vorgegebenen Kanon brach. Damit schlug Warhol einen neuen Weg ein, der ihm schließlich zu Ruhm und Reichtum verhelfen sollte, der dem seiner Ikonen gleichkam und ihn vielleicht sogar übertraf.

Men In Her Life, das 2010 in New York für über 63 Millionen Dollar verkauft wurde, ist eine Hommage sowohl an den Filmstar Elizabeth Taylor als auch an die Faszination der amerikanischen Öffentlichkeit für ihr Leben und ihre Lieben. Anhand eines Bildes aus dem LIFE-Magazin porträtiert Warhol Taylor mit ihrem dritten Ehemann Mike Todd sowie mit einem weiteren Paar, Debbie Reynolds und Eddie Fisher. Obwohl es wie ein unschuldiges Bild von Romantik und Freundschaft aussieht, deutet das Foto in Wirklichkeit eine Katastrophe und eine komplizierte Liebesbeziehung an, die dazu führte, dass Taylor von den Medien und der Öffentlichkeit verunglimpft wurde. Wieder einmal wiederholt Warhol sein zentrales Motiv, indem er die Bilder mit den Einzelbildern eines Films vergleicht und so Bewegung in ein Standbild bringt. Gleichzeitig behält er das ursprüngliche Schwarz-Weiß der Fotografie bei, im Gegensatz zu dem, was wir von seinen leuchtend farbigen Leinwänden aus demselben Jahr erwarten.

Vielleicht eines von Warhols politisch offeneren und bekannteren Gemälden, reproduziert Race Riot ein Foto von einem Bürgerrechtsmarsch in Birmingham, Alabama im Jahr 1963. Was als friedlicher Protest der afroamerikanischen Gemeinde der Stadt gegen die Rassentrennungsgesetze des Staates gedacht war, wurde bald hässlich, als die Polizei Kampfhunde und Feuerwehrschläuche einsetzte, um die Menge zu zerstreuen. Die Fotografien des Aufstands von Charles Moore, die weltweit für Schlagzeilen sorgten, zwangen Präsident John F. Kennedy zu historischen Gesetzesänderungen und inspirierten Warhol dazu, sie zu reproduzieren, um auf seine Weise an dieser Darstellung von Ungerechtigkeit teilzuhaben und ihnen einen Platz in der Kunstgeschichte zu sichern.

Das im letzten Jahr von Warhols Leben gemalte Sixty Last Suppers zeugt von der anhaltenden Liebe des Künstlers zu den alten Meistern. In diesem Jahr schuf Warhol auch die Werke Das letzte Abendmahl (rosa) und Das getarnte letzte Abendmahl, die ebenso wie das aktuelle Werk auf Reproduktionen einer Kopie des Originalgemäldes von Leonardo da Vinci aus dem 19. Jahrhundert basieren. Indem er seine Siebdrucktechnik auf ein Meisterwerk aus dem 16. Jahrhundert anwandte und es in einem monumentalen Raster wiederholter Bilder reproduzierte, trat Warhol in einen Dialog mit dem westlichen kunsthistorischen Kanon vor ihm, verwies aber auch auf seine eigenen Wurzeln in der katholischen Kirche und stellte vielleicht den Wert eines einzelnen Bildes gegenüber vielen anderen in Frage.

Neben Campbell’s Soup Cans und Brillo Boxes war Warhol besonders angetan davon, das ikonische Branding von Coca-Cola zu reproduzieren. Vom wirbelnden Schriftzug des Logos über die rot-weißen Etiketten bis hin zu den eleganten Glasflaschen besaß Coca-Cola für den Vater der Pop Art eine zeitlose Anziehungskraft, die er dank ihrer allseitigen Beliebtheit und Allgegenwärtigkeit als große Gleichmacherin betrachtete. In seinem 1975 erschienenen Buch The Philosophy Of Andy Warhol (From A to B & Back Again) schrieb er: „Das Tolle an diesem Land ist, dass Amerika die Tradition begründet hat, dass die reichsten Verbraucher im Wesentlichen die gleichen Dinge kaufen wie die ärmsten. Man kann fernsehen und Coca-Cola sehen, und man kann wissen, dass der Präsident Cola trinkt, Liz Taylor trinkt Cola, und man kann sich denken, dass man auch Cola trinken kann. Eine Cola ist eine Cola, und für kein Geld der Welt kann man eine bessere Cola bekommen als die, die der Penner an der Ecke trinkt. Alle Colas sind gleich und alle Colas sind gut. Liz Taylor weiß es, die Präsidentin weiß es, der Penner weiß es, und du weißt es. Dieses Werk aus dem Jahr 1962 nimmt der Marke die Farbe und zeigt einen einfachen Umriss der Flasche und des Logos mit den Worten „trademark registered“ (eingetragenes Warenzeichen), vielleicht als augenzwinkernde Anspielung auf seine eigene Missachtung des Urheberrechts.

Im Jahr 1962 besuchte JFK Frankreich zu einem Staatsbesuch, bei dem es seiner von Presse und Öffentlichkeit verehrten Frau Jackie gelang, den französischen Präsidenten zu überreden, die Mona Lisa auf eine beispiellose Tournee durch die Vereinigten Staaten mitzunehmen. Im folgenden Jahr überquerte das Gemälde den Atlantik in Begleitung eines Hochsicherheitskonvois und unter großer Medienpräsenz. In der Folge standen Tausende von Amerikanern Schlange, um das Meisterwerk an seiner ersten Station, der National Gallery of Art in Washington, zu sehen, bevor es zum Metropolitan Museum of Art in New York weiterreiste, wo Warhol es sah. Im darauf folgenden Frühjahr begann er mit der Arbeit an der Siebdruckversion, wobei er eine Reproduktion aus einer Broschüre des Museums verwendete. Er fertigte drei Siebdrucke an: einen in voller Länge, einen weiteren, der die Mona Lisa als Büste zeigt, und einen dritten, der nur einen Ausschnitt der gekreuzten Hände der Figur zeigt. In diesem Gemälde, das für 56.165.000 US-Dollar verkauft wurde, kommen alle drei in einer lebendigen Darstellung von Farbe und Komposition zusammen.

Dieses im selben Jahr wie Triple Elvis gemalte Werk schien auf dem Markt etwas weniger beliebt zu sein und erzielte beim Verkauf in New York 2019 30 Millionen Dollar weniger als sein Gegenstück. Das Werk ist jedoch nicht weniger ikonisch, mit Elvis‘ klassischen Gesichtszügen, die den Betrachter entschlossen anstarren, und seiner Revolverheld-Persönlichkeit, die eine Hommage an die amerikanische Romantik mit dem Westen und die beständige Figur des Cowboys darstellt. Hier wurde die Original-Werbeaufnahme aus dem Westernfilm Flaming Star von 1960 verdoppelt und in Lebensgröße reproduziert, was zu einem imposanten Werk führt, das ein Klassiker im Oeuvre dieses leuchtenden Künstlers bleibt.