Buck Dharma

Durante la década del hard rock de los 70, Blue Oyster Cult de Long Island ofreció un enfoque decididamente diferente de la música ruidosa y guitarrera. Las oscuras reflexiones del combo les granjearon una reputación controvertida por sus letras y logotipos, y su canción emblemática, el megaéxito de 1976 «(Don’t Fear) The Reaper», es un ejemplo; algunos oyentes interpretaron la melodía como una apología del suicidio.

El histrionismo del diapasón de Donald «Buck Dharma» Roeser era una parte integral del sonido de BOC. Polémicas o no, los riffs y licks que tocaban Buck y sus compañeros de banda se implantaron permanentemente en la mente de muchos fans y aspirantes a guitarristas. Mientras su banda se preparaba para una gira de verano del 98, habló de la historia de la que ha sido llamada «la banda de heavy metal más cerebral del mundo», y de las guitarras que ha utilizado a lo largo del camino.

Guitarra de época: Según Tim Bogert, de Vanilla Fudge, a mediados de los 60 había una escena en Long Island que incluía bandas como los Vagrants, los Young Rascals y los Hassles, entre otros. ¿Recuerdas esas bandas y lo que ocurría allí?

Claro. Eran bandas de club, pero nosotros empezamos en el campus, así que éramos más bien una banda universitaria en lugar de una banda de bar. Tocábamos en bares, pero eso vino después. Solía ver a todas las bandas que mencionaste.

Cuéntame sobre algunos de tus primeros instrumentos y experiencias, «pre-BOC».

Buck Dharma: Me involucré con el rock and roll en la era del surf, y fui baterista en mi primera banda, que fue en la escuela secundaria. Estaba jugando al baloncesto en la calle, y me rompí la muñeca, y mientras tenía la escayola puesta empecé a juguetear con una acústica Stella que mi hermano había regalado por Navidad. Para cuando mi muñeca se curó, decidí convertirme en guitarrista.

Conocí a otro baterista, así que conseguí una guitarra, que era una caja de jazz Premier con dos pastillas. Me quedaba un poco ridícula, porque soy un poco bajito (risas), y esta guitarra no tenía cutaway. Empecé como guitarrista principal desde el principio, tocando en la cuerda mi aguda. Soy totalmente autodidacta con la guitarra; todo lo que he aprendido lo he sacado de los discos.

También tuve una de las primeras guitarras Hagstrom importadas a América. Era una especie de prototipo; no tenía los mismos herrajes ni el ribete en el mástil que las posteriores. Era una copia muy buena y barata de Fender.

La banda que se convirtió en Blue Oyster Cult no se formó hasta que usted estaba en la universidad. ¿Qué tipo de sonido buscabais?

De donde veníamos cuando estábamos en la universidad era del increíblemente rico pop inglés de esa época. Hacíamos muchas canciones de Animals, pero nos metimos en el blues, a lo grande; nos flipó el Blues Project. Estábamos en la universidad en el norte del estado de Nueva York, casi en Canadá, y solíamos hacer un viaje de ocho horas a Nueva York al menos una vez al mes para ver a grupos como Paul Butterfield y el Blues Project, que eran básicamente tipos blancos de Nueva York que tocaban blues. Dijimos, «¡Hey, podemos hacer eso!»

¿Influyó Danny Kalb en tu forma de tocar?

En gran medida; su velocidad era ardiente. Después de ver a Kalb, entré en un periodo intenso de maderas – tocaba todo el día, aprendiendo sus licks. Una vez que aprendí su material, pude tocar muy rápido en general, así que fue una gran influencia en mi forma de tocar y en la evolución de mi técnica.

Eres un músico cuyo nombre artístico y nombre real son de dominio público desde hace tiempo. ¿Cuál es el significado de «Buck Dharma»? ¿O es un secreto corporativo?

En realidad no; todos considerábamos los seudónimos cuando empezábamos, y en aquellos días probablemente era más importante tener un nombre llamativo. A mí me gustaba el mío, así que me aferré a él, pero en retrospectiva ha resultado ser un dolor de cabeza. Me gusta Buck, pero mi mujer me sigue llamando Don (risas).

Una vez que el grupo tenía un contrato discográfico, algunas de las imágenes que creaba su música podían considerarse controvertidas, pero yo tenía la sensación de que en aquel entonces también formaban parte de la propaganda de marketing. Los detalles sobre el logotipo de la banda están anotados en una página web que consulté, pero dejaré que cuentes tu versión de cómo ese símbolo se convirtió en el logotipo.

Ese logotipo fue creado por el artista gráfico que hizo las portadas de nuestros dos primeros álbumes; realmente no existe en ningún otro lugar, pero hay algunos antecedentes históricos similares detrás de él. Supuestamente, se parece al símbolo griego del caos y a un símbolo alquímico del plomo. Si estas cosas son ciertas, no puedo decirlo. Pero lo cierto es que lo creó un artista gráfico, y cuando lo vimos, dijimos: «Ése es nuestro logotipo».

Leí en un momento dado que algunos grupos intentaban aplicar algún tipo de simbolismo nazi al logotipo, y que la Liga de Defensa Judía planeaba protestar en algunos de vuestros conciertos.

Sí, y era totalmente ridículo; como buscar demonios detrás de los árboles. BOC siempre ha tenido una inclinación histórica e intelectual en cuanto a lo que hemos estado haciendo, pero nunca hemos alabado la adoración del diablo ni nada de eso. Tratamos temas del bien y del mal en nuestras canciones, pero no nos posicionamos. La idea de que tenemos una agenda, política o de otro tipo, siempre fue una tontería. Si hablamos del lado oscuro de la humanidad, simplemente lo exponemos y decimos: «Aquí está.»

El arte de la portada de su tercer álbum, Secret Treaties, no habría disuadido a los mencionados cazadores de nazis, porque era un boceto de la banda de pie frente a un ME-262 (el primer avión de combate operativo del mundo, construido y desplegado por los alemanes durante la Segunda Guerra Mundial).

Mucha gente se molestó mucho por eso, y no sé por qué. De lo que tratan los Tratados Secretos es del hecho de que, mientras se desarrollaba la Segunda Guerra Mundial, hubo en realidad muchos tratos por la puerta de atrás entre los países del Eje y los Aliados; el comercio no se detuvo. El álbum era una alusión a eso: la guerra no era lo que parecía.

Para ponerte un poco más en antecedentes, habíamos sido contratados por Clive Davis para Columbia, y si recuerdas, Columbia salió de los años 50 y entró en los 60 como un sello bastante estirado; Mitch Miller era el tipo de A&R.

Creo que fuimos contratados por Davis bastante pronto, pero nunca sentí que la compañía supiera cómo vendernos; no sabían qué hacer con nosotros. Siempre pensé que éramos una especie de vergüenza para ellos. Creo que Aerosmith era probablemente el mismo tipo de banda para Columbia; la compañía probablemente se sentía más cómoda con artistas como Springsteen, que tenía una imagen más directa.

En los años 70, a menudo te vestías de blanco en el escenario y también tocabas guitarras blancas.

Tenía una Gibson SG que empezó siendo una Standard con acabado cereza; nunca hicieron una SG blanca de dos pastillas, pero habían hecho los modelos de tres pastillas en blanco con herrajes dorados. Hice reacondicionar ésta. También toqué una Strat blanca en una época; todavía la tengo.

Más tarde, se te vio tocando una Les Paul de un solo corte en acabado Tobacco Sunburst.

Era una Deluxe; la compré nueva alrededor del 73. Era una de esas cosas en las que vas a una tienda de música, coges algo y realmente te gusta. Lo usé en el último disco de la banda.

Cuando la banda solía tocar «ME-262» en concierto, había una parte en la que el batería salía al frente con el resto de los músicos, y tocaba la guitarra también, así que había cuatro guitarristas y un bajista. ¿Sigue siendo así?

No hacemos lo de las cinco guitarras como en la época clásica. Albert, el batería original, era el único que sabía tocar la guitarra.

Y el álbum en directo en el que se encuentra «ME-262», On Your Feet or On Your Knees, sonaba un poco turbio, en cuanto a la producción, pero Some Enchanted Evening y Extraterrestrial Live lo compensaron con creces.

Te diré lo que es bueno en On Your Feet, y es «Then Came the Last Days of May». Una de las razones por las que me gusta es porque la mezcló Jack Douglas, que había hecho los discos de Aerosmith de esa época. Siempre fue uno de mis favoritos.

Es curioso; tengo muy poca perspectiva objetiva sobre nuestros discos, porque normalmente cuando terminas de hacerlos, no quieres escucharlos durante mucho tiempo. Luego los escuchas en la radio o en casa de alguien, y recuerdas lo buenos que eran. No sé cómo son otros artistas, pero yo rara vez me siento a escuchar mis discos una vez terminados. Ya conoces cada matiz y cada microsegundo.

¿Hay alguna versión en particular que haya hecho BOC que te guste? Están «Born to Be Wild», «We Gotta Get Out of This Place», «Kick Out the Jams». Te preguntaré sobre «Roadhouse Blues» en un minuto.

Me gustan casi todas. La más extraña que probablemente probamos fue una versión de estudio de «Born to Be Wild». Mi filosofía sobre las versiones, en general, es que si no puedes aportar algo nuevo a la fiesta, no deberías intentar versionar una canción, pero eso no nos impidió ser lo suficientemente temerarios como para intentar versionar «Kick Out the Jams» (risas).

«Roadhouse Blues» se grabó en concierto con Robby Krieger sentado en él.

Sí; hemos hecho «Roadhouse» tanto con Robby como con Ray Manzarek en diferentes momentos. Los Doors fueron una gran influencia para nosotros. No eran como las bandas de San Francisco, que también fueron grandes influencias – The Dead, Jefferson Airplane, Steve Miller; los Doors salían de Los Ángeles, y hacían música muy «oscura» de manera conceptual, y también estaban muy orientados a las canciones. Así que fue muy emocionante hacer «Roadhouse» con ellos.

Se podría suponer que la inspiración para «Godzilla» fue que eras un fan de las antiguas películas de monstruos japonesas.

Sí, definitivamente. Escribí el riff de esa canción en un hotel Hyatt de Dallas; el riff me hizo pensar en Godzilla, y escribí la primera estrofa de la cabeza, y luego trabajé durante varias semanas para dar con más letra. Pensé que la música y el ritmo recordaban a la primera película de Godzilla en la que actuaba Raymond Burr.

Esa canción siempre ha gustado en los conciertos, y supongo que sigue siendo un elemento básico.

Claro; es una de las tres canciones que tenemos que tocar cada noche. Las otras son «Burnin’ For You» y «(Don’t Fear) The Reaper». No nos dejaban salir de la sala si no las tocábamos (risas).

A mediados o finales de los 70, ¿no fue BOC uno de los pioneros de los espectáculos de luz láser en los conciertos? Si no recuerdo mal, Eric Bloom tenía una especie de dispositivo parecido a un guante con el que apuntaba a una bola de espejos para dispersar los rayos láser.

Tenía un cable de fibra óptica que iba a una lente atada a su muñeca, así que cuando apuntaba a la bola de espejos, el láser aparecía justo desde su mano. Era un efecto impresionante.

Pero en su momento, ¿no hubo cierta controversia sobre si esos efectos podrían causar daños en los ojos?

Sí, permítanme aclarar que nunca hicimos daño a nadie con ese espectáculo láser. Sin embargo, el gobierno enloqueció cuando se dio cuenta de lo que ocurría; no les gustaba la idea de que los rockeros tuvieran todo ese «poder», así que nos obligaron a inventar un montón de dispositivos de seguridad y enclavamiento para el equipo. La OSHA nos siguió de gira durante tres meses. Después de eso, incluso pusieron trabas a nuestro efecto de «escaneo», que era un cono de láser que también era impresionante, pero no hay peligro mientras el láser esté escaneando. Ahora se ve ese efecto en las películas, pero ya no se puede ver en los conciertos en vivo. Cualquiera que viera uno de nuestros espectáculos de láser en aquella época vio algo que ahora no se hace en los conciertos.

Hablando de Bloom, ¿qué es exactamente la guitarra aturdidora que se le atribuye? De hecho, ¡hay una parte de guitarra aturdidora en el nuevo disco!

«Reaper» puede haber hecho que algunos piensen en BOC como una proverbial maravilla de un solo éxito, pero hubo otras canciones que tuvieron una cantidad nominal de difusión, al menos en el formato AOR. Estaban la ya mencionada «Godzilla», «Burnin’ For You» y temas posteriores como «Dancin’ in the Ruins»

Bueno, realmente no éramos una banda de pop, y seguimos sin serlo. No sé qué tipo de banda podría llamarse, pero cuando pienso en Blue Oyster Cult, no pienso en el mercado de masas.

«In Thee» era un poco diferente porque tenía guitarras acústicas, mucha armonía vocal y un tema romántico.

Esa canción fue escrita por Allen Lanier, y es probablemente su mejor canción. Tiene una resonancia y una belleza. Acabamos de poner una nueva versión que era una grabación en vivo y «unplugged» en el nuevo álbum, que es como hemos hecho esa canción en vivo últimamente. Pensamos que la canción merecía un poco más de exposición, así que la pusimos en un álbum de nuevo.

En la versión original, usé una Martin D-35, y la eléctrica era una guitarra hecha a medida llamada Vulcan.

No he preguntado por los amplificadores.

Probablemente hemos usado lo que todo el mundo ha usado a lo largo de los años. Cuando empezamos a comprar equipo, compramos unos Acoustic 260, que usaban los Doors, y eran unos amplificadores terribles para el tipo de música que hacíamos (risas). No tenían distorsión ni overdrive en absoluto. A partir de ahí, compramos unos Marshall, con los que no te puedes equivocar, por supuesto. El problema era que, si abríamos un espectáculo de tres actos, estábamos justo en el «labio» del escenario, y los Marshalls podían ensordecerte. Después de eso, usamos amplificadores Music Man durante un tiempo, y luego algunos cabezales Boogie Mark II, que también eran geniales.

En el estudio, últimamente he estado usando amplificadores combo más pequeños; un Vox AC-30, Fender Supers. El estudio en el que grabamos Heaven Forbid tiene una gran colección de amplificadores vintage. También utilicé un cabezal Boogie Mark II a través de un 4 X 12.

Habiendo tenido vuestro mayor éxito antes de la llegada de la MTV -y sé que BOC ha hecho vídeos-, ¿qué os parece su relevancia?

Hemos hecho seis o siete a lo largo de los años, y no sé si tienen algún efecto. Es bonito verse en la televisión, pero obviamente no fueron un factor de popularidad para empezar, porque eran tiempos anteriores a los vídeos. Creo que ayudan a que ciertas bandas nuevas se den a conocer, pero parece que se ve muy poco del espectro musical en la televisión. Lo malo de los vídeos es que son muy caros; se puede hacer un disco por lo que cuesta un vídeo, ¿y vale la pena el dinero como herramienta de promoción? Probablemente diría que no.

Cuando llegó la era del vídeo, creo que ocurrieron varias cosas malas: Creo que mató al rock sureño casi por completo. Arruinó la carrera de mucha gente que no era tan guapa, pero hizo la carrera de gente muy guapa que no tenía mucho talento. También permitió que ciertas bandas que conocían el medio visual se hicieran notar, pero no estoy seguro de si eso es algo bueno.

¿Cómo se suponía que iba a diferir tu álbum en solitario, Flat Out, de un álbum de Blue Oyster Cult?

El material de Flat Out era, en general, más pop y de temática más romántica; más personal. Tenía bastantes canciones que no eran adecuadas para BOC.

El lanzamiento de Heaven Forbid está pendiente mientras grabamos esto.

Es nuestro primer disco de material nuevo desde el 88; tiene 11 temas y es un gran álbum, si lo digo yo mismo (risas).

Tenéis una empresa derivada llamada Buck Dharma Band, y ese grupo hizo recientemente un acto benéfico en Atlanta. Me gusta el formato de trío; los músicos de la banda son Danny Miranda, que también toca el bajo en BOC, y John Mocelli, que toca la batería en Meat Loaf; también estuvo en BOC. Y mi mujer canta.
Recibimos una llamada de un fan que se hizo eco de un artículo de prensa sobre un chico de un suburbio de Atlanta que tenía un tumor cerebral inoperable, y que utilizaba «Godzilla» para visualizar la lucha contra su enfermedad. Se sometió a un protocolo experimental de medicamentos, salió de él y venció la enfermedad. Fuimos allí e hicimos un concierto benéfico para ayudar con sus gastos. Es un gran chico y lo pasamos muy bien. El concierto se grabó en vídeo, y hay copias disponibles como parte de la beneficencia.

Estás usando un Steinberger en los conciertos en su mayoría estos días.

Es mi hacha multiuso. Me aficioné a las Steinberger cuando hicieron el modelo de cuerpo de madera atornillado; el de plástico era demasiado estéril para mí, en cuanto a tono. El perfil del mástil se adapta perfectamente a mí y, por supuesto, no se deforman. Son muy consistentes de un instrumento a otro.

Has señalado antes que usaste la Tobacco Sunburst Les Paul Deluxe en Heaven Forbid. ¿Hay algún otro instrumento que forme parte de una colección o utilizas la mayoría de ellos en el estudio?

He tenido muy pocos instrumentos valiosos. Tuve una Strat del 57, pero mi filosofía es que si no uso realmente ciertas guitarras, apenas me parece que merezca la pena tenerlas. Hay un par de guitarras que me gustaría tener; me gustaría tener una Gretsch Tennessean o alguna otra guitarra tipo Chet Atkins, porque ahora no tengo ninguna de esas. No me importaría tener una Rickenbacker, pero tengo un par de Strats, y una guitarra estilo SG personalizada que me hizo un aficionado en Pittsburgh. Toqué «The Reaper» en directo con esa durante muchos años.

¿Prevéis tener que hacer una extensa gira para promocionar el nuevo álbum?

Estamos comprometidos con una gira de seis a ocho semanas este verano; estaremos en tinglados con otras bandas de nuestra época, como Motorhead y Iron Maiden. Así que probablemente trabajaremos más que el año pasado, pero no tenemos ganas de hacer una gira tan dura como cuando estábamos subiendo.

Otros planes de futuro?

Quiero hacer un disco de Buck Dharma Band, y sin duda habrá una continuación de Heaven Forbid.

Aunque Buck Dharma tiene fama de ser un maestro de los riffs rápidos, sus conocimientos sobre la historia de Blue Oyster Cult, sus canciones y las guitarras que ha utilizado demuestran que ha prestado atención a sus experiencias a lo largo de las décadas. Por supuesto, su habilidad con la guitarra también es bastante elocuente… pero también es mucho más rápida.

Donald «Buck Dharma» Roeser. Foto por cortesía de Buck Dharma.

Esta entrevista apareció originalmente en el número de agosto del 98 de VG.