Warhol Under the Hammer: Las diez obras más caras jamás vendidas

Uno de los artistas más influyentes y queridos del siglo XX, Andy Warhol, sigue inspirando a jóvenes y mayores. Con numerosas retrospectivas de su obra en todo el mundo, sigue siendo uno de los artistas más cotizados del mercado. Aquí echamos un vistazo a los diez precios más altos pagados por obras del padre del Pop Art en subasta, desde 105 millones de dólares por su Silver Car Crash en 2013 hasta 53 millones de dólares por Double Elvis en 2019.

Tomada de su serie Death and Disaster, el precio más alto realizado para Warhol en subasta se logró en 2013 por Silver Car Crash (Double Disaster). Una obra innegablemente poderosa, esta pintura monumental da testimonio de las circunstancias del desastre y reflexiona sobre la larga tradición de la pintura de historia en el arte, desde La balsa de la Medusa de Géricault hasta el Guernica de Picasso. Aquí Warhol transforma una escena trágica, repitiéndola una y otra vez hasta que se asemeja a los fotogramas de una película o animación, su superficie en blanco y negro se vuelve plateada para la posteridad. La obra fue realizada en 1963, un año seminal -y algo melancólico- para Warhol en el que también produjo Suicidios, Disturbios raciales y Silla eléctrica de plata.

Después de haber convertido los rasgos icónicos de Marilyn Monroe en innumerables serigrafías, era natural que Warhol tomara a Elvis como tema en este cuadro de 1963. Repitiendo la figura del cantante en su dinámica postura de vaquero mientras saca su pistola, la obra adquiere una calidad cinematográfica que eleva la imagen de la estrella de icono pop a semidiós. Al mismo tiempo, el color de fondo recuerda la pantalla de plata de Hollywood, así como los ornamentos barrocos de la iglesia católica en la que Warhol creció, rodeado de iconos pintados para ser venerados y reproducidos para las masas.

Otra obra significativa de la serie Muerte y Desastre de Warhol, Choque de coche verde (Green Burning Car I) fue noticia cuando se vendió por 71.720.000 dólares en Christie’s en 2007, un precio espectacular para la época. También en este caso la repetición juega un papel fundamental a la hora de transformar una escena trágica en una obra clásica del arte pop que utiliza la técnica industrial de la serigrafía para reproducir una imagen de noticiario una y otra vez hasta que el espectador se adormece con su significado. Como dijo Warhol en una entrevista de la época: «Cuando ves una imagen truculenta una y otra vez, realmente no tiene ningún efecto», una idea que tiene preocupantes ecos en la cultura de las noticias 24 horas de nuestros días.

Con esta obra Warhol demostró una vez más su perdurable fascinación por la fama y la celebridad, eligiendo como tema al talentoso actor Marlon Brando en la película The Wild One. A diferencia de sus anteriores retratos en serigrafía, en Four Marlons Warhol optó por imprimir la figura de Brando en un lienzo sin imprimación, evitando las superposiciones brillantes o los fondos plateados para dejar que el magnetismo crudo de la expresión, la pose y las pieles del actor hablaran por sí mismos. La obra, pintada en 1966, representa a Warhol en la cima de su poder, utilizando la técnica de la serigrafía para tomar prestados los mundos de la publicidad y de Hollywood y crear un estilo de pintura totalmente nuevo que rompía con el canon dictado por el crítico Clement Greenberg. Aquí Warhol estaba abriendo un nuevo camino, que con el tiempo le valdría su propia fama y fortuna, igualando e incluso quizás superando la de sus iconos.

Hombres en su vida, que se vendió por más de 63 millones de dólares en Nueva York en 2010, es un homenaje tanto a la estrella de cine Elizabeth Taylor como a la fascinación del público estadounidense por su vida y sus amores. Utilizando una imagen tomada de la revista LIFE, Warhol retrata a Taylor con su tercer marido, Mike Todd, así como con otra pareja, Debbie Reynolds y Eddie Fisher. Aunque parece una imagen inocente de romance y amistad, la fotografía en realidad presagia un desastre y una complicada relación amorosa que hizo que Taylor fuera vilipendiada por los medios de comunicación y el público. Una vez más, Warhol repite su motivo central al comparar las imágenes con los fotogramas de una película, aportando movimiento a una imagen fija. Al mismo tiempo, conserva el blanco y negro original de la fotografía, al contrario de lo que esperamos de sus lienzos de colores vivos del mismo año.

Quizás una de las pinturas más políticamente abiertas y conocidas de Warhol, Race Riot reproduce una fotografía de una marcha por los derechos civiles en Birmingham, Alabama, en 1963. Lo que se suponía que era una protesta pacífica de la comunidad afroamericana de la ciudad contra las leyes de segregación del estado, pronto se puso fea cuando la policía sacó perros de ataque y mangueras de incendios para dispersar a la multitud. Las fotografías de los disturbios realizadas por Charles Moore, que ocuparon las portadas de todo el mundo, obligaron al presidente John F. Kennedy a introducir cambios históricos en la ley e inspiraron a Warhol a reproducirlas, compartiendo a su manera este retrato de la injusticia y asegurando su lugar en la historia del arte.

Pintadas en el último año de la vida de Warhol, Sesenta últimas cenas es un testimonio del perdurable amor del artista por los viejos maestros. Ese año, Warhol también realizó La última cena (rosa) y La última cena camuflada, que, junto con la obra actual, se basan en reproducciones de una copia del siglo XIX del cuadro original de Leonardo da Vinci. Al aplicar su técnica de serigrafía a una obra maestra del siglo XVI y reproducirla en una retícula monumental de imágenes repetidas, se consideró que Warhol estaba entrando en un diálogo con el canon histórico del arte occidental que le precedía, así como haciendo referencia a sus propias raíces en la iglesia católica y quizás cuestionando el valor de una sola imagen sobre muchas.

Al igual que las latas de sopa Campbell y las cajas de Brillo, Warhol era especialmente aficionado a reproducir la icónica marca Coca Cola. Desde la escritura en espiral del logotipo hasta las etiquetas rojas y blancas y las elegantes botellas de cristal, la Coca Cola tenía un atractivo intemporal para el padre del arte pop, que la veía como un gran nivelador gracias a su popularidad y ubicuidad. En su libro de 1975, The Philosophy Of Andy Warhol (From A to B & Back Again) escribió: «Lo bueno de este país es que Estados Unidos inició la tradición de que los consumidores más ricos compran esencialmente las mismas cosas que los más pobres. Puedes estar viendo la televisión y ver Coca-Cola, y saber que el presidente bebe Coca-Cola, Liz Taylor bebe Coca-Cola, y pensar que tú también puedes beber Coca-Cola. Una Coca-Cola es una Coca-Cola y ninguna cantidad de dinero puede conseguirte una Coca-Cola mejor que la que bebe el vagabundo de la esquina. Todas las Cocas son iguales y todas las Cocas son buenas. Liz Taylor lo sabe, el presidente lo sabe, el vagabundo lo sabe y tú lo sabes». Esta obra de 1962 despoja a la marca de su color, ofreciendo un simple contorno de la botella y el logotipo con las palabras «trademark registered» (marca registrada) claramente delineadas, quizás en una referencia irónica a su propio desprecio por los derechos de autor.

En 1962, JFK visitó Francia en una visita de Estado durante la cual su esposa Jackie, adorada por la prensa y el público, consiguió convencer al presidente francés de que permitiera a la Mona Lisa realizar una gira sin precedentes por Estados Unidos. Al año siguiente, el cuadro cruzó el Atlántico acompañado de un convoy de alta seguridad y una amplia cobertura mediática. Como resultado, miles de estadounidenses hicieron cola para ver la obra maestra en su primera parada, la National Gallery of Art de Washington, antes de que viajara al Metropolitan Museum of Art de Nueva York, donde Warhol la vio. Comenzó a trabajar en la versión serigráfica la primavera siguiente, utilizando una reproducción tomada de un folleto del museo. Con ella, realizó tres pantallas: una era una versión de cuerpo entero de la obra, mientras que otra mostraba a la Mona Lisa recortada en un busto, y la tercera era sólo un detalle de las manos cruzadas de la figura. En este cuadro, que se vendió por 56.165.000 dólares, los tres se unen en un vibrante despliegue de color y composición.

Pintada en el mismo año que Triple Elvis esta obra parecía ser ligeramente menos popular en el mercado, logrando 30 millones de dólares menos que su contraparte cuando se vendió en Nueva York en 2019. Sin embargo, la obra no es menos icónica, con los rasgos clásicos de Elvis mirando al espectador con determinación, su personaje de pistolero representando un homenaje al romance americano con el Oeste y la figura perdurable del vaquero. En este caso, la imagen publicitaria original de la película del Oeste de 1960, Flaming Star, se ha duplicado y reproducido a tamaño natural, dando lugar a una obra imponente que sigue siendo un clásico en la obra de este luminoso artista.