Unohdetut sinfoniat: amerikkalaisen musiikin kätketyt jättiläiset

Yleensä 1900-luvun puolivälin suuria amerikkalaisia sinfonioita esitetään harvoin. Poikkeuksiakin toki löytyy: Coplandin kolmas, Harrisin kolmas ja Bernsteinin ensimmäinen ja toinen; Samuel Barberin viulukonserttoa ja Adagio jousille kuullaan usein, ja ne kuuluvat hänen ohjelmistoteoksiinsa, mutta hänen erinomaista sinfoniaansa nro 1 tehdään harvoin. Gershwin ei kirjoittanut sinfoniaa, ja Ives, vaikka häntä arvostetaankin amerikkalaisena innovaattorina, ei menestynyt yhtä hyvin sinfonikkona (vaikka jotkut saattavat olla eri mieltä).

Kysymys kuuluukin, onko tähän ryhmään sovitettavissa muita tärkeitä amerikkalaisia teoksia, jotka on perusteettomasti sivuutettu? Uskon, että vastaus on selvä kyllä. Haluaisin jakaa rakkauteni ja kunnioitukseni seuraavia amerikkalaisia sinfonioita kohtaan: Paul Crestonin kolmas, William Schumanin kolmas, Alan Hovhanessin toinen, David Diamondin toinen, Howard Hansonin kolmas, Peter Menninin kolmas ja Walter Piston neljäs. Toivon, että tämä matka kiinnostaisi sitten monia teistä tutkimaan heidän tuotantoaan tarkemmin.

Paul Creston (1906-85)

Koulutus on usein arvostuksen ytimessä. Minulla oli onni oppia tämä jo varhain. Kun isäni, joka oli lääkäri, tajusi, että olin tosissani aikeissa ryhtyä muusikoksi, hän halusi, että saan yhtä perusteellisen musiikillisen koulutuksen kuin hän itse oli saanut. Hän kasvoi pianonsoittajana Mödlingissä (Wienin esikaupunkialueella) Itävallassa, ja hänen lääkäri-isänsä huolehti siitä, että hän opiskeli myös teoriaa, harmoniaa, kontrapunktia ja sävellystä Friedrich Wildgansin johdolla.

Minä puolestaan aloitin pianonsoiton viisivuotiaana ja trumpetin soittamisen yhdeksänvuotiaana, ja olin jo säveltänyt itsenäisesti. Kun täytin 13 vuotta, isäni päätti, että minun pitäisi saada sävellysopettaja. Hän tapasi Paul Crestonin (syntyjään Giuseppe Guttoveggio) juhlissa New Yorkissa, jossa Creston antoi hänelle koepainoksen viidennestä sinfoniastaan, jonka Howard Mitchell ja National Symphony Orchestra levyttivät. Isäni kertoi, että musiikki oli hänen mielestään ”liian modernia”, mutta hyvin kirjoitettua ja hyvin voimakasta. Creston suostui opettamaan minua, ja vietin seuraavat kolme vuotta käymällä joka toinen viikko Manhattanilla sijaitsevassa Hotel Ansoniassa oppitunneilla. Hän oli loistava opettaja ja hyvin omapäinen muusikko. Ensimmäiselle oppitunnilleni toin joitakin pianokappaleita ja konserton trumpetille ja orkesterille. Hän lähetti minut kotiin ja käski minun kirjoittaa 50 melodiaa.”

Eräs oppitunti pidettiin seuraavana päivänä sen jälkeen, kun Stravinskyn The Flood (”musiikkinäytelmä”) sai ensi-iltansa CBS:n televisiossa vuonna 1962. Se oli kirjoitettu Stravinskyn myöhäisseriaaliseen tyyliin. Se oli niin jännittävä tapahtuma, Stravinskyn ensi-ilta televisiossa. Seuraavalla oppitunnillani Creston raivosi vastenmielisyyttään tätä sävellystyyliä kohtaan ja selitti uskovansa, ettei serialismi koskaan selviäisi ajan testistä. Toisella oppitunnilla hän sanoi inhoavansa Mahleria, erityisesti hänen orkestraatioitaan; hän soitti pianolla C-duuri-soinnun ja sanoi: ”Jos tätä sointua soittaa kahdeksan torvea tai koko jousisoittokunta, se on silti vain C-duuri-sointu.”

Hänen mielipiteensä perustuivat aina hänen tietämykseensä ja kunnioitukseensa musiikkia kohtaan. Vaikka en aina ollut samaa mieltä, ne olivat aina mielenkiintoisia ja ymmärrettäviä. Coplandin ohella Creston oli yksi 1900-luvun puolivälin esitetyimmistä amerikkalaisista säveltäjistä. Hänen musiikkiaan vuosina 1930-1960 esittäneet kapellimestarit kuuluivat merkittävimpiin: Cantelli, De Sabata, Goossens, Hanson, Monteux, Ormandy, Rodzinski, Steinberg, Stokowski, Szell ja Toscanini. Vuoden 1960 jälkeen suuri osa hänen musiikistaan oli yleensä kadonnut konserttilavoilta lukuun ottamatta hänen teoksiaan epätavallisille soolosoittimille: pasuunalle, marimballe, harmonikalle ja saksofonille. Vielä nykyäänkin erinomaiselle solistille kirjoitettu sävellys saa enemmän esityksiä kuin sinfonia.

Minulle on ollut poikkeuksellista tutkia uudelleen niin monia Crestonin teoksia tätä artikkelia varten, keskittyen ensisijaisesti hänen kuuteen sinfoniaansa, mutta myös hänen lyhyempiin orkesteriteoksiinsa. Hänellä on luontainen melodinen lahja; hänen tyylinsä on sekä harmonisesti että rytmisesti hyvin selkeä ja usein valtavan energinen. Koska yhtäkään hänen sinfonioistaan ei soiteta nykyään, on vaikeaa valita vain yksi teos, jota voisi suositella teoksena, joka ansaitsisi enemmän näkyvyyttä – minusta ne kaikki ovat mukaansatempaavia, dramaattisia ja kauniita. Suosikkini on kuitenkin hänen kolmas sinfoniansa Three Mysteries, jonka Ormandy ja Philadelphian orkesteri kantaesittivät vuonna 1950. Ensi-illan jälkeen sitä soittivat vuoteen 1963 asti muutamat ammattiorkesterit, mm: Chicago ja Cincinnati (molemmat Ormandy), Minnesota (Dorati), St Louis (Golschmann) ja National Symphony (Mitchell). Tuon ajanjakson jälkeen hyväksyttävässä sävellystyylissä tapahtui muutos – eli siirtyminen kohti serialismia. Viimeisten 55 vuoden aikana tämä hieno teos on soitettu maailmanlaajuisesti vain kolmessa konserttisarjassa. Siinä on kaikki Crestonille ominaiset tunnusmerkit: kauniit harmoniat ja melodiat, jokseenkin mystinen, värikäs orkestraatio ja rytminen draivi, jolle harva voi kilpailla. Ohjelmallisin elementein tämä sinfonia merkitsee Jeesus Nasaretilaisen elämää ja sen jälkeistä elämää. Gregoriaanisten laulujen teemat muotoillaan luovasti melodioiksi, fuugaosioiksi ja passacaglia-tyyppisiksi välisoittoiksi, jotka kaikki kietoutuvat mielikuvituksellisesti toisiinsa.

Lyhyemmän teoksen tutkimista varten kuunnelkaa hänen Invocation and Dance (1953) -teostaan. ’Invocation’-osio on täynnä teatraalisia eleitä ja melodioita, sekä pakottavia että lyyrisiä. Tämä materiaali pohjustaa silmiinpistävää ”Dance”-osaa, joka on rytmikäs ja räiskyvä tyyliltään. Creston rakasti Ormandyn kapellimestarointia musiikissaan ja sanoi, että kapellimestari pystyi tasapainottamaan hänen ajatuksensa kauniisti. Hän valitti Stokowskin esityksistä, sillä hänen mielestään Stokowski tukahdutti säestyksen, jolloin monet Ormandyn korostamat yksityiskohdat jäivät puuttumaan. Sekä Ormandy että Stokowski puolustivat tuolloin Crestonin musiikkia.

William Schuman (1910-92)

Tänä päivänä amerikkalaiset orkesterit ovat hienoja uusien teosten ohjelmoinnissa. Juuri äskettäin New Yorkin filharmonikot ilmoittivat ”Project 19” -hankkeesta, jossa tilataan 19 teosta, jotka ohjelmoidaan seuraavien vuosien aikana naissäveltäjiltä. Jotta näillä teoksilla olisi todellista vaikutusta ja jotta niistä tulisi osa ohjelmistoa, myöhemmät esitykset ovat kuitenkin ensiarvoisen tärkeitä. Tämän mantran suuri sankari oli Serge Koussevitzky (1874-1951), Bostonin sinfoniaorkesterin venäläis-amerikkalainen kapellimestari vuosina 1924-1949. Hän oli monien erinomaisten säveltäjien puolestapuhuja, ja hän esitti usein seuraavilla kausilla toisen tai kolmannen esityksen teoksista, joita hän piti erityisen arvokkaina. Hän oli kuitenkin vähemmistönä. Vuonna 1982 William Schuman – Juilliard Schoolin ja Lincoln Centerin entinen johtaja – puhui asiasta ja syytti 1900-luvun amerikkalaisen musiikin toistoesitysten vähyydestä ”uutta (enimmäkseen ulkomaalaista) kapellimestarijoukkoa, joka asuu suurten kaupunkien korokkeilla suihkumatkojen välissä ja jolla ei selvästikään ole mitään tietoa tai kiinnostusta kotimaista musiikkia kohtaan”. Tätä ennen, vuonna 1980, hän myös selvitti, mitä hän piti ”amerikkalaisen sinfoniaorkesterin tehtävänä”: ensinnäkin ”menneisyyden suuren kirjallisuuden systemaattinen ja jatkuva tutkiminen vuorotellen vuosien ajan”, toiseksi ”systemaattinen ja määrätietoinen pyrkimys kehittää jo suosionsa saaneiden nykymusiikin teosten ohjelmistoa” ja kolmanneksi ”uusien teosten esittely, sekä vakiintuneiden että uusien säveltäjien teoksia”. (Nämä lainaukset ovat Steve Swaynen erinomaisesta kirjasta Orpheus Manhattanilla: William Schuman and the Shaping of America’s Musical Life, OUP, 2011.)

En ole samaa mieltä Schumanin lausunnosta ulkomaalaisista kapellimestareista nykyisessä muodossaan. He kaikki johtavat uutta amerikkalaista musiikkia. Mutta mitä tulee hänen toiseen kohtaansa, tarvitaan todellakin lisää kapellimestareita pitämään yllä amerikkalaisen historiamme musiikkia, ehkä Bernsteinin esimerkkiä seuraten – hän oli ainoa kapellimestari, joka jatkoi säveltäjäystäviensä tukemista 1970-luvulle asti. Muistan elävästi, kuinka Bernsteinin ja New Yorkin filharmonisen orkesterin kanssa kiersin Eurooppaa vuonna 1976 Yhdysvaltain kaksisatavuotisjuhlavuoden kunniaksi amerikkalaisella ohjelmalla, jossa kuultiin Ivesin, Bernsteinin, Harrisin, Coplandin ja Gershwinin musiikkia – ja Schumanin musiikkia.

Schuman eli monipuolisen muusikkoelämän ja oli merkittävä ihminen. Hän kirjoitti 10 sinfoniaa (mutta peruutti kaksi ensimmäistä) vuosina 1941-1975, jotka Koussevitzky, Rodzinski, Dorati, Munch, Bernstein ja Ormandy kantaesittivät. Jokaisessa sinfoniassa on ainutlaatuinen näkökulma, ja siinä on vahvoja ja vakuuttavia yksilöllisiä kannanottoja. Hänen musiikkinsa on ankarampaa kuin muiden tässä esillä olevien teosten, mutta hänen persoonallisuutensa vahvuus ja tekninen hallinta tekevät jokaisesta teoksesta erityisen. Kolmas sinfonia, joka perustuu ainutlaatuisella tavalla perinteiseen barokkimuotoon, osoittaa mielestäni Schumanin taidokkaimmillaan. Melodiaa, tahtia, pulssia ja lyyrisyyttä kietoen hän muotoilee passacaglian, fuugan, koraalin ja toccatan selkeiksi jaksoiksi ja liikkeiksi. Viimeinen Toccata-osa on minikonsertto orkesterille, ja se sisältää pitkät soolot pikkurummulle ja bassoklarinetille. Tätä sinfoniaa pitäisi soittaa usein ja kaikkialla. Sitä esitetään kyllä muutaman vuoden välein, mutta tuskin tarpeeksi, jotta se vastaisi sen suuruutta. Hänen Ivesiin pohjautuvia Variations on America- ja New England Triptych -teoksiaan esitetään useammin, ja erityisesti New England Triptych voi olla hyvä sisäänpääsy hänen kieleensä.

Alan Hovhaness (1911-2000)

Löysin Alan Hovhanessin ollessani 16-vuotias nauhoittaessani hänen teoksensa trumpetille ja orkesterille Palaa takaisin ja uudestaan autioille paikoille. Hänen musiikkiaan soitetaan usein, mutta yleensä opiskelijaryhmät. Se on hyvin melodista, yleensä ei liian vaikeaa esittää, ja jokainen kappale tuo valikoidusti mieleen Armenian, Intian, Havaijin, Japanin, Korean tai Amerikan musiikkia. Hovhaness oli aina hyvin hengellinen ihminen, joka haki inspiraatiota luonnosta. Hän oli myös ylpeä kontrapunktin käytöstä ja oli pettynyt siihen, ettei hänen teoksiaan opiskeltu kontrapunktitunneilla.

Hovhanhov oli erittäin tuottelias, sillä hän kirjoitti lähes 70 sinfoniaa. Haydnin tapaan ne, joilla on otsikot, on useimmiten ohjelmoitu. Hänen toinen sinfoniansa, Salaperäinen vuori, yhdistelee perinteisiä valkoisten sävelten melodioita ja harmoniaa sekä taustalla olevaa säestystä, joka kuulostaa usein paitsi harmonisesti irralliselta myös eleettömältä päämateriaalista erillään. Teoksessa on lukuisia sooloja puupuhaltimille ja puhaltimille. Se sisältää myös poikkeuksellisen kaksoisfuusan toisessa osassa, ja se päättyy koko orkesterille tarkoitettuun hienoon täyteläiseen koraaliin. Stokowski kantaesitti teoksen avajaiskonsertissaan Houstonin sinfoniaorkesterin musiikkijohtajana vuonna 1955. Reiner levytti sen Chicagon kanssa vuonna 1958, mikä edisti Hovhanessin mainetta. Viimeisten 15 vuoden aikana sitä on esitetty paljon, mutta löysin vain kourallisen esityksiä muiden ammattiorkestereiden kuin omani toimesta. Itse asiassa, kun nauhoitin sen PBS:n televisiolle All-Star-orkesterin kanssa vuonna 2016, monet orkesterin jäsenet, jotka pitivät teoksesta, kysyivät, miksi he eivät olleet koskaan kuulleet teosta aiemmin. Kyseessä olivat Amerikan tärkeimpien orkestereiden soittajat. Useimmat aikansa säveltäjät eivät hyväksyneet Hovhanessia piiriinsä hänen yksinkertaisemman tyylinsä vuoksi.

David Diamond (1915-2005)

Jotkut säveltäjät, kuten Howard Hanson (ks. oikealla) ja Lou Harrison, olivat kuitenkin hyväksyvämpiä Hovhanessia kohtaan, ja muistan myös David Diamondin puhuneen ylistävällä tavalla Hovhanessista yhteisellä aikanamme Seattlesta. David itse kirjoitti 11 sinfoniaa vuosina 1940-1992. Hänen teoksiaan kantaesittäneiden kapellimestareiden ja orkestereiden luettelo on vaikuttava: Sinfonia nro 1: New Yorkin filharmonikot ja Mitropoulos; Sinfonia nro 2: Bostonin sinfonia ja Koussevitzky; Sinfoniat nro 3/4: Boston ja Munch/Bernstein; nro 5 & 8: New Yorkin filharmonikot ja Bernstein; nro 6: Boston ja Munch; nro 7: Philadelphian orkesteri ja Ormandy; nro 9: Amerikan säveltäjien orkesteri ja Bernstein; nro 10: Seattlen sinfoniaorkesteri ja Schwarz; nro 11: New Yorkin filharmonikot ja Masur. Neljä ensimmäistä ovat perinteistä ”amerikkalaista” tyyliä, ja sitten, alkaen nro 5:stä, ne muuttuvat kromaattisemmiksi. Nro 4 on helpoin ohjelmoida, koska se kestää vain 16 minuuttia; olen johtanut sen 41 kertaa, ja se on aina ollut suurenmoinen menestys sekä orkestereiden että yleisön keskuudessa. Minusta sinfonia, joka kaipaa eniten toistuvia esityksiä, on kuitenkin hänen upea sota-ajan toinen sinfoniansa (1942) – mielestäni yksi 1900-luvun suurimmista amerikkalaisista sinfonioista. Sen henki ja laajuus on laaja, ja se alkaa tummanpuhuvalla, hautajaismaisella ensimmäisellä osalla. Toisen osan scherzo on dynaaminen, ja siinä on yllättäviä orkestraatioita ja rytmisiä interjektioita. Kolmas osa esittelee Diamondin melodista Andante espressivo -lahjakkuutta. Ja neljäs osa päättyy vauhdikkaaseen rondofinaaliin. Yksi syy siihen, miksi sitä ei koskaan ohjelmoida, on sen 42-minuuttinen pituus. Yleensä enintään 10 minuutin pituinen hieno nykymusiikkiteos saa hyvän määrän esityksiä, mutta kun teokset pitenevät, esitysten määrä vähenee. Rakastan kaikkia Diamondin sinfonioita, mutta toisen sinfonian intohimo, dramaattisuus, kauneus ja intensiivisyys tekevät siitä hänen mestariteoksensa.”

Ennen Diamondin toisen sinfonian Koussevitzkyn kantaesitystä Rodzinski tutki teosta ja päätti, että New Yorkin filharmonikot järjestäisivät lukemisen. Hän pyysi assistenttiaan Bernsteinia johtamaan sen, ja kun Bernstein kertoi siitä Diamondille, Diamond oli innoissaan ja hyvin innostunut kuullessaan uuden sinfoniansa ensimmäistä kertaa. Bernstein ilmoitti Diamondille, että Rodzinski ei koskaan päästänyt vieraita harjoituksiinsa eikä Diamond saisi osallistua niihin. Diamond otti tilanteen omiin käsiinsä – hän hiipi Carnegie Halliin ja makasi parvekkeen lattialla ajatellen, ettei häntä koskaan löydettäisi. Totta kai hän halusi kuulla sinfoniansa! Hänet löydettiin ja saatettiin ulos salista. Diamond meni viereiseen venäläiseen teehuoneeseen ja istui baaritiskillä juoden seuraavat kolme tuntia. Kun Bernstein ja Rodzinski saapuivat paikalle, päihtynyt Diamond, joka oli luultavasti 10 senttiä Rodzinskia lyhyempi, löi kapellimestaria nenään. Tämän kokemuksen jälkeen Copland ja Bernstein maksoivat Diamondille käynnin psykiatrilla. Soitin Seattlen sinfoniaorkesterin tallenteeni Diamondin toisesta sinfoniasta Bernsteinille hänen Dakota-asunnossaan keväällä 1990, vain muutama kuukausi ennen hänen kuolemaansa. Hän nautti aidosti siitä, että kuuli teoksen uudelleen, ja sanoi alkavansa soittaa enemmän amerikkalaista musiikkia …

Howard Hanson (1896-1981)

Diamond opetti Juilliardissa, mutta asui suurimman osan elämästään Rochesterissa ja pendelöi New Yorkiin opettaakseen. Myös Howard Hanson asui Rochesterissa suurimman osan elämästään ja oli suuri amerikkalaisen musiikin konservatiivisen tyylin kannattaja ollessaan Eastman School of Musicin johtajana (1924-64). Kun minua pyydettiin johtamaan Rochesterin filharmonikkoja vuonna 1998, ehdotin Diamondin ja Hansonin ohjelmistoa. He kieltäytyivät, koska pelkäsivät sen vaikuttavan kielteisesti lipunmyyntiin. Minä kieltäydyin kutsusta. Seuraavana vuonna he harkitsivat asiaa uudelleen, ja vuonna 1999 esitin sekä Diamondin että Hansonin toiset sinfoniat täydelle ja innostuneelle yleisölle.

Kuulin Hansonin musiikkia ensimmäisen kerran ollessani hyvin nuori opiskelija kansallisella musiikkileirillä Interlochen Michiganissa. Hänen toisen sinfoniansa pääteema oli Interlochenin teema, ja se soitettiin jokaisen konsertin päätteeksi, yleensä konserttimestarin johdolla. Kesällä 1960 minulle annettiin tämä kunnia – se oli luultavasti ensimmäinen teos, jonka olen koskaan johtanut. Minulle Hanson oli Beethovenin tai Brahmsin kaltainen säveltäjä; olin liian nuori ymmärtääkseni, että siinä oli eroa. Kerran, kun Seattle Timesin Melinda Bargreen haastatteli minua Seattlen sinfoniaorkesterin kauden alussa, Melinda kysyi kaksivuotiaalta tyttäremme Gabriellalta, ketkä olivat hänen suosikkisäveltäjiään, ja hän vastasi: ”Beethoven ja David Diamond”. Jos minulta olisi kysytty tätä Interlochenissa vuonna 1960, olisin luultavasti sanonut Sibelius ja Howard Hanson.

Hanson kirjoitti seitsemän sinfoniaa, ja nämä olivat ensimmäiset, jotka levytin Delos Recordsin American Classics -sarjaan (nyt julkaistu Naxosilla). Kun aloin esittää näitä teoksia, kriitikoiden reaktio oli kielteisempi kuin olin toivonut. Amelia Haygood ja Carol Rosenberger halusivat kuitenkin aloittaa amerikkalaisen sarjamme Hansonilla. Olin hermostunut, koska arvostelut vaikuttavat myyntiin. Amelia ja Carol olivat kuitenkin oikeassa, levytykset olivat valtava menestys ja niiden myynti oli erinomaista; ne johtivat Grammy-ehdokkuuksiin ja käynnistivät sarjamme niin monista amerikkalaisista vuosisadan puolivälin säveltäjistä.

Muistan Peter Menninin sanoneen minulle keskustellessamme 12-sävelisestä musiikista, että tärkeimpänä piirteenä suurena säveltäjänä toimimisessa oli se, että hänellä oli selkeä ääni. Hansonilla, kuten kaikilla täällä olevilla säveltäjillä, on selkeä musiikillinen persoonallisuus. Hänen kolmas sinfoniansa ilmentää tätä ääntä, sillä siinä on kaunista temaattista materiaalia, hänelle tyypillisiä pedaalipisteitä (erityisesti ensimmäisessä osassa), runollinen hidas osa, eloisa scherzo, joka avautuu rumpujen kanssa, ja päätösosa, jossa kaikki hänen melodinen ja sekventiaalinen materiaalinsa yhdistyy orkestraatiossa, joka muistuttaa suuria romanttisia sinfonioita. Koussevitzky oli jälleen sankari. Hanson johti itse teoksen ensiesityksen Bostonin sinfoniaorkesterin kanssa vuonna 1939, mutta Koussevitzky ihaili teosta selvästi ja johti sen kuudessa konserttisarjassa vuosina 1939-1945. Ne olivat BSO:n toistaiseksi viimeiset esitykset. Kun New Yorkin filharmonikot tilasivat Hansonilta kuudennen sinfonian orkesterin 125-vuotisjuhlaa varten, Bernstein kutsui säveltäjän johtamaan kantaesityksen. Se saattoi olla virhe. Jos Bernstein olisi johtanut sen, ehkä hänestä olisi tullut sen mestari.

Peter Mennin (1923-83)

Peter Mennin (alun perin Mennini) kävi Hansonin Eastmanin musiikkikoulua. Menninin sävellystyön pääpaino oli sinfoniassa, joita hän sävelsi yhteensä yhdeksän. Hän oli erittäin menestyksekäs Juilliard Schoolin johtaja (1962, seurasi Schumania vuoteen 1983), mutta sävelsi vain noin 30 teosta. Hänen musiikkiaan soitetaan nykyään hyvin harvoin. Toisinaan näkee hänen konserttonsa Concertato, Moby Dick (1952) ohjelmassa, mutta ei juuri muuta. Moby Dick on hieno johdatus Menninin kieleen, mutta teos, joka mielestäni edustaa hänen parasta sinfoniaansa, on hänen kolmas sinfoniansa (1946). Sen kantaesittivät New Yorkin filharmonikot ja Walter Hendl, ja myöhemmin sen ovat esittäneet muun muassa Mitropoulos, Szell, Rodzinski, Reiner ja Schippers. David Hall kirjoitti Stereo Review -arviossaan vuonna 1995 tekemästäni levytyksestä, että se oli yksi Menninin parhaista teoksista, sillä se sisältää ”avausosan, jonka vaikutus on verrattavissa Vaughan Williamsin neljännen sinfonian avaukseen. Upea pitkä linja säilyy koko hitaan osan ajan, ja armoton draivi ilmenee finaalissa.”

Walter Piston (1894-1976)

Walter Pistonin musiikista puuttuu hänen ikäistensä tyylillinen lihaksikkuus. Tekstuuriltaan kevyempi, rennompi, vähemmän kulmikas ja vaihtelua tyylikkäästi sisältävä Neljäs sinfonia (1950) on hieno esimerkki hänen tuotantonsa luonnollisesta laadusta. Neljässä osassa se sisältää ekspressiivistä ja melodista hengitystä, hienostunutta synkooppien käyttöä ja viitteitä jazzista. Jopa osien otsikot heijastavat hänen tyylillistä tarkoitustaan: Piacevole (’rauhallisesti’), Ballando (’tanssiva’), Contemplativo ja Energico. Hänen kahdeksan sinfoniaansa kantaesittivät sen ajan parhaat orkesterit: Boston (nro 1,3,6 & 8), National Symphony Orchestra (nro 2), Juilliard Orchestra (nro 5), Minneapolis (nro 4) ja Philadelphia (nro 7). Hän tuli tunnetuksi ennen kaikkea opettajana Harvardissa ja kolmen erinomaisen musiikkikirjan kirjoittajana. Tämän vuoksi häntä arvosteltiin joskus akateemisesti jäykäksi säveltäjäksi. Olen tietysti eri mieltä. Minusta ei ole epäilystäkään siitä, etteikö hän olisi kirjoittanut erittäin taidokkaita sävellyksiä, jotka ovat yhtä kauniita kuin teknisesti päteviä.

Seitsemän omaleimaista ääntä

Pistonia ja Hansonia lukuun ottamatta minulla oli onni tuntea kaikki tässä esitellyt säveltäjät. Kun muistelemme heidän tuotantoaan, voimme pohtia heidän paikkaansa historiassa ja heidän omaleimaisia mutta samankaltaisia ääniään. Seitsemästä säveltäjästä neljä – Schuman, Diamond, Mennin ja Creston – oli saanut samanlaisen koulutuksen kontrapunktissa, harmoniassa, melodiassa, rytmissä ja orkestraatiossa. Samaan kategoriaan kuuluvat myös Copland, Bernstein, Barber ja Harris. Vaikka kaikki heidän teoksensa ovatkin yksilöllisiä, ne kuvastavat omaa aikaansa ja aikakauttaan, kuten 1800-luvun lopun itäsaksalaisen koulukunnan säveltäjät. Vaikka kolme muuta tässä esiteltävää säveltäjää – Hovhaness, Hanson ja Piston – ovat myös oman aikansa säveltäjiä, he erottuvat omalla tavallaan perinteisistä amerikkalaisista sinfonikoista. Hanson viittaa 1800-luvun lopun romantiikkaan. Hovhaness on ei-perinteinen mystinen koloristi. Piston on tyylillisesti hoikein ja läpinäkyvin, ja hänellä on selvä ranskalainen vaikutus.”

Kun tein tuon Hovhanessin levytyksen PBS:lle vuonna 2017 All-Star-orkesterin kanssa, nauhoitin myös Eugene Goossens Jubilee Variations (1945). Cincinnatin sinfoniaorkesterin 50-vuotisjuhlavuoden kunniaksi kirjoitettu teos syntyi sen jälkeen, kun Goossens pyysi joitakin Amerikan suuria säveltäjiä kirjoittamaan muunnelman alkuperäisestä teemastaan. Hänen kutsunsa hyväksyivät muun muassa Creston, Copland, Taylor, Hanson, Schuman, Piston, Harris, Fuleihan, Rogers ja Bloch. Kukin ”variaatio” esittelee kauniisti kunkin säveltäjän omaleimaisen äänen ja yhdistää joitakin Amerikan merkittävimpiä musiikillisia ääniä tuohon aikaan. Ehkäpä jonain päivänä kukin heistä saavuttaa ansaitsemansa paikan sinfonisen musiikin kanuunassa, kuten muut suuret 1900-luvun sinfonikot ovat tehneet ennen heitä.

Gerard Schwarz on nimitetty Frost School of Musicin musiikin arvostetuksi professoriksi; hän on myös hiljattain ottanut vastaan Palm Beach Symphony -yhtyeen musiikillisen johtajan paikan

Tämä artikkeli ilmestyi alun perin heinäkuun 2019 numerossa Gramophonessa. Tilaa maailman johtava klassisen musiikin aikakauslehti jo tänään