Buck Dharma

Durant la décennie hard rock des années 70, le Blue Oyster Cult de Long Island a proposé une approche résolument différente de la musique forte à base de guitare. Les ruminations sombres du combo lui ont valu une réputation controversée pour ses paroles et ses logos, et sa chanson phare, le méga-succès de 1976 « (Don’t Fear) The Reaper », est exemplaire ; certains auditeurs ont interprété la mélodie comme un encouragement au suicide.

L’histrionisme foudroyant du manche de Donald « Buck Dharma » Roeser faisait partie intégrante du son de BOC. Controverses ou pas, les riffs et les licks joués par Buck et ses camarades ont été implantés de façon permanente dans l’esprit de nombreux fans et aspirants guitaristes. Alors que son groupe se préparait pour une tournée de l’été 98, il a discuté de l’histoire de ce qu’on a appelé « le groupe de heavy metal le plus cérébral du monde », et des guitares qu’il a utilisées en cours de route.

Guitare vintage : Selon Tim Bogert du Vanilla Fudge, il y avait une scène de Long Island au milieu des années 60 qui comprenait des groupes comme les Vagrants, les Young Rascals et les Hassles, entre autres. Vous vous souvenez de ces groupes, et de ce qui s’y passait ?

Bien sûr. C’étaient des groupes de club, mais nous avons commencé sur le campus, donc nous étions plus un groupe universitaire qu’un groupe de bar. On jouait dans les bars, mais c’est venu plus tard. J’avais l’habitude de voir tous les groupes que vous avez mentionnés.

Parlez-moi de certains de vos instruments et expériences antérieurs, « pré-BOC ».

Buck Dharma : Je me suis impliqué dans le rock and roll à l’époque du surf, et j’étais batteur dans mon premier groupe, qui était au lycée. Je jouais au basket de rue, et je me suis cassé le poignet, et pendant que j’avais le plâtre, j’ai commencé à m’amuser avec un Stella acoustique que mon frère m’avait offert pour Noël. Le temps que mon poignet guérisse, j’avais décidé de devenir guitariste.

Je connaissais un autre batteur, alors je me suis procuré une guitare, qui était une Premier jazz box avec deux micros. Elle avait l’air un peu ridicule sur moi, parce que je suis plutôt petit (rires), et cette guitare n’avait pas de cutaway. J’ai commencé comme guitariste solo dès le début, en jouant sur la corde de mi aigu. Je suis totalement autodidacte à la guitare ; tout ce que j’ai appris, je l’ai compris à partir de disques.

J’ai également eu l’une des premières guitares Hagstrom importées en Amérique. C’était une sorte de prototype ; elle n’avait pas le même matériel ou les mêmes reliures sur le manche que les suivantes. C’était une très bonne copie bon marché de Fender.

Le groupe qui est devenu Blue Oyster Cult ne s’est formé que lorsque vous étiez à l’université. Quel type de son recherchiez-vous ?

L’endroit d’où nous venions quand nous étions à l’université était la pop anglaise incroyablement riche de cette période. On faisait beaucoup de chansons d’Animals, mais on s’est mis au blues, à fond ; on était époustouflés par le Blues Project. Nous étions à l’université dans le nord de l’état de New York, presque au Canada, et nous avions l’habitude de faire huit heures de route pour aller à New York City au moins une fois par mois pour voir des groupes comme Paul Butterfield, et le Blues Project, qui étaient essentiellement des blancs de New York jouant du blues. On s’est dit : « Hé, on peut faire ça ! »

Danny Kalb a-t-il influencé votre jeu ?

Enormément ; sa vitesse était fulgurante. Après avoir vu Kalb, je suis entré dans une période de bois intense – je jouais toute la journée, en apprenant ses licks. Une fois que j’ai appris ses trucs, je pouvais jouer très vite en général, donc il a eu une très grande influence sur mon jeu et sur l’évolution de ma technique.

Vous êtes un joueur dont le nom de scène et le vrai nom sont connus du public depuis un certain temps. Quelle est la signification de « Buck Dharma » ? Ou est-ce un secret d’entreprise ?

Pas vraiment ; nous avons tous envisagé des pseudonymes à nos débuts, et à l’époque, il était probablement plus important d’avoir un nom tape-à-l’œil. J’aimais le mien, alors je m’y suis accroché, mais rétrospectivement, il s’est avéré être une douleur dans le cul. J’aime bien Buck, mais ma femme m’appelle toujours Don (rires).

Une fois que le groupe a eu un contrat d’enregistrement, certaines des images créées par sa musique ont pu être considérées comme controversées, mais j’avais le sentiment à l’époque que cela faisait aussi partie du battage marketing. Les détails concernant le logo du groupe sont notés sur une page web que j’ai consultée, mais je vais vous laisser raconter votre version de la façon dont ce symbole est devenu le logo.

Ce logo a été créé par le graphiste qui a fait nos deux premières couvertures d’album ; il n’existe vraiment nulle part ailleurs, mais il y a quelques antécédents historiques similaires derrière lui. Il est censé ressembler au symbole grec du chaos et au symbole alchimique du plomb. Si ces choses sont vraies, je ne peux pas vous le dire. Mais le vrai caca, c’est qu’il a été créé par un graphiste, et quand nous l’avons vu, nous avons dit : « C’est notre logo ».

J’ai lu à un moment donné que certains groupes essayaient d’appliquer une sorte de symbolisme nazi au logo, et que la Ligue de défense juive prévoyait de protester à certains de vos concerts.

Ouais, et c’était totalement ridicule ; comme de chercher des diables derrière des arbres. BOC a toujours eu un penchant historique et intellectuel en ce qui concerne ce que nous faisons, mais nous n’avons jamais cédé au culte du diable ou à ce genre de choses. Nous abordons les thèmes du bien et du mal dans nos chansons, mais nous ne prenons pas position. L’idée que nous ayons un programme, politique ou autre, a toujours été stupide. Si on parlait du côté sombre de l’humanité, on l’exposait juste là et on disait « voilà ». »

La pochette de votre troisième album, Secret Treaties, n’aurait pas dissuadé les chasseurs de nazis susmentionnés, car il s’agissait d’un croquis du groupe se tenant devant un ME-262 (le premier chasseur à réaction opérationnel au monde, construit et déployé par les Allemands pendant la Seconde Guerre mondiale).

Beaucoup de gens ont été très contrariés par cela, et je ne sais pas pourquoi. Ce que les Traités secrets traitent, c’est le fait que pendant la Seconde Guerre mondiale, il y avait en fait beaucoup d’accords détournés entre les pays de l’Axe et les Alliés ; le commerce ne s’est pas arrêté. L’album était une allusion à cela : la guerre n’était pas ce qu’elle semblait être.

Pour vous donner un peu plus de contexte, nous avions été signés par Clive Davis chez Columbia, et si vous vous souvenez, Columbia est sorti des années 50 et dans les années 60 comme un label assez guindé ; Mitch Miller était le gars de A&R.

Je pense que nous avons été signés par Davis assez tôt dans son mandat, mais je n’ai jamais senti que la compagnie savait comment nous vendre ; ils ne savaient pas quoi faire de nous. J’ai toujours pensé que nous étions une sorte d’embarras pour eux. Je pense qu’Aerosmith était probablement le même type de groupe pour Columbia ; la société était probablement plus à l’aise avec des artistes comme Springsteen, qui avaient une image plus directe.

Dans les années 70, vous vous habilliez souvent en blanc sur scène et vous jouiez aussi des guitares blanches.

J’avais une Gibson SG qui a commencé comme une Standard finition cerise ; ils n’ont jamais fait de SG blanche à deux micros, mais ils avaient fait les modèles à trois micros en blanc avec un matériel doré. J’ai fait refaire cette guitare. J’ai aussi joué d’une Strat blanche à un moment donné ; je l’ai toujours.

Plus tard, on vous a vu jouer d’une Les Paul à pan coupé unique dans une finition Tobacco Sunburst.

C’était une Deluxe ; je l’ai achetée neuve vers 73. C’était juste une de ces choses où vous allez dans un magasin de musique, prenez quelque chose, et l’aimez vraiment. Je viens de l’utiliser sur le dernier disque du groupe.

Lorsque le groupe jouait « ME-262 » en concert, il y avait une partie où le batteur sortait devant avec le reste des joueurs, et il jouait aussi de la guitare, donc il y avait quatre guitaristes et un bassiste. Est-ce toujours le cas ?

Nous ne faisons pas les cinq guitares comme à l’époque classique. Albert , le batteur original, était le seul batteur que nous avons eu qui savait jouer de la guitare.

Et l’album live sur lequel se trouve « ME-262 », On Your Feet or On Your Knees, sonnait un peu trouble, du point de vue de la production, mais Some Enchanted Evening et Extraterrestrial Live compensaient largement.

Je vais vous dire ce qui est bon sur On Your Feet, et c’est « Then Came the Last Days of May ». L’une des raisons pour lesquelles j’aime ça, c’est qu’il a été mixé par Jack Douglas, qui avait fait les disques d’Aerosmith de cette époque. Il a toujours été un de mes favoris.

C’est drôle ; j’ai très peu de perspective objective sur nos disques, parce qu’en général, au moment où vous avez fini de les faire, vous ne voulez pas les entendre pendant longtemps. Puis vous les entendez à la radio ou chez quelqu’un, et vous vous rappelez à quel point ils étaient bons. Je ne sais pas comment sont les autres artistes, mais je m’assois rarement pour écouter mes disques une fois qu’ils sont terminés. Vous en connaissez déjà chaque nuance et chaque microseconde.

Y a-t-il des reprises particulières que BOC a faites et que vous aimez ? Il y a « Born to Be Wild », « We Gotta Get Out of This Place », « Kick Out the Jams ». Je vous demanderai pour « Roadhouse Blues » dans une minute.

J’aime la plupart d’entre elles. La plus bizarre que nous ayons jamais essayée était probablement une version studio de « Born to Be Wild ». Ma philosophie sur les reprises, en général, est que si vous ne pouvez pas apporter quelque chose de nouveau à la fête, vous ne devriez vraiment pas essayer de reprendre une chanson, mais ça ne nous a pas empêchés d’être assez téméraires pour essayer de reprendre « Kick Out the Jams » (rires).

« Roadhouse Blues » a été enregistré en concert avec Robby Krieger assis.

Ouais ; nous avons fait « Roadhouse » avec Robby et Ray Manzarek à différents moments. Les Doors ont eu une grande influence sur nous. Ils n’étaient pas comme les groupes de San Francisco, qui étaient aussi de grandes influences – The Dead, Jefferson Airplane, Steve Miller ; les Doors venaient de L.A. et faisaient une musique très « sombre » d’un point de vue conceptuel, et ils étaient aussi très orientés vers les chansons. C’était donc très excitant de faire « Roadhouse » avec ces gars-là.

On pourrait supposer que l’inspiration pour « Godzilla » était que vous étiez un fan des vieux films de monstres japonais.

Ouais, définitivement. J’ai écrit le riff de cette chanson dans un hôtel Hyatt à Dallas ; le riff m’a fait penser à Godzilla, et j’ai écrit le premier couplet tout de suite dans ma tête, puis j’ai peiné pendant plusieurs semaines supplémentaires pour trouver d’autres paroles. Je trouvais que la musique et le groove rappelaient ce premier film Godzilla dans lequel jouait Raymond Burr.

Cette chanson a toujours bien marché en concert, et je présume qu’elle est toujours un incontournable.

C’est vrai ; c’est l’un des trois airs que nous devons jouer chaque soir. Les autres sont « Burnin’ For You » et « (Don’t Fear) The Reaper ». Ils ne nous laissaient pas sortir de la salle si nous ne les jouions pas (rires).

Au milieu ou à la fin des années 70, BOC n’était-il pas l’un des pionniers des spectacles de lumière laser dans les concerts ? Si je me souviens bien, Eric Bloom avait une sorte d’appareil en forme de gant qu’il pointait vers une boule à facettes pour disperser les faisceaux laser.

Il avait un câble en fibre optique qui allait vers une lentille attachée à son poignet, donc quand il le pointait vers la boule à facettes, le laser apparaissait directement de sa main. C’était un effet stupéfiant.

Mais à un moment donné, n’y avait-il pas une controverse sur le fait que de tels effets pouvaient ou non causer des dommages aux yeux ?

Ouais, laissez-moi mettre les choses au clair : nous n’avons jamais blessé personne avec ce spectacle laser. Cependant, le gouvernement a flippé quand il s’est rendu compte de ce qui se passait ; ils n’aimaient pas l’idée que des rockeurs aient tout ce « pouvoir », alors ils nous ont fait inventer un tas de failsafes et d’interlocks pour l’équipement. L’OSHA nous a suivis en tournée pendant trois mois ! Après cela, ils ont même mis un frein à notre effet de « balayage », qui était un cône laser qui était également stupéfiant, mais il n’y avait aucun danger tant que le laser balayait. On voit cet effet dans les films maintenant, mais on ne peut plus le voir dans les concerts. Quiconque a vu l’un de nos shows laser à l’époque a vu quelque chose qui n’est pas fait dans les concerts maintenant.

En parlant de Bloom, qu’est-ce exactement que la stun guitar dont il a été crédité pour jouer ?

(rires) Nous avons inventé stun guitar pour décrire certaines des parties fuzz qu’Eric faisait. En fait, il y a une partie de stun guitar sur le nouveau disque !

« Reaper » pourrait avoir fait penser à certaines personnes que BOC était un proverbial one-hit wonder, mais il y avait d’autres chansons qui ont eu une quantité nominale de diffusion, au moins sur le format AOR. Il y avait le « Godzilla » susmentionné, « Burnin’ For You », et plus tard des titres comme « Dancin’ in the Ruins »

Bien, nous n’étions pas vraiment un groupe pop, et nous ne le sommes toujours pas. Je ne sais pas quel genre de groupe on pourrait appeler, mais quand je pense à Blue Oyster Cult, je ne pense pas au marché de masse.

« In Thee » était un peu un départ en ce sens qu’elle avait des guitares acoustiques, beaucoup d’harmonie vocale et un thème romantique.

Cette chanson a été écrite par Allen Lanier, et c’est probablement son meilleur morceau. Elle a une résonance et une beauté à elle. Nous venons de mettre une nouvelle version qui était un enregistrement live et « unplugged » sur le nouvel album, qui est la façon dont nous avons fait cette chanson en direct ces derniers temps. Nous avons pensé que la chanson méritait un peu plus d’exposition, donc nous l’avons à nouveau mise sur un album.

Sur la version originale, j’ai utilisé une Martin D-35, et l’électrique était une guitare faite sur mesure appelée Vulcan.

Je ne me suis pas renseigné sur les amplis.

Nous avons probablement utilisé ce que tout le monde a utilisé au fil des ans. Quand nous avons commencé à acheter du matériel, nous avons eu des Acoustic 260, que les Doors utilisaient, et c’étaient des amplis terribles pour le genre de musique que nous faisions (rires). Ils n’avaient pas du tout de distorsion ou d’overdrive. De là, nous avons pris des Marshall, avec lesquels on ne peut pas se tromper, bien sûr. Le problème était que, si nous ouvrions un spectacle en trois actes, nous nous trouvions juste sur le « bord » de la scène, et les Marshalls pouvaient vous assourdir. Après ça, on a utilisé des amplis Music Man pendant un moment, puis des têtes Boogie Mark II, qui étaient aussi géniales.

En studio, j’ai utilisé des amplis combo plus petits dernièrement ; un Vox AC-30, des Fender Supers. Le studio où nous avons enregistré Heaven Forbid a une grande collection d’amplificateurs vintage. J’ai aussi utilisé une tête Boogie Mark II à travers un 4 X 12.

Ayant eu votre plus gros succès avant l’avènement de MTV – et je sais que BOC a fait des vidéos – que pensez-vous de leur pertinence ?

Nous en avons fait six ou sept au fil des ans, et je ne sais pas si elles ont un quelconque effet. C’est bien de se voir à la télévision, mais évidemment, elles n’étaient pas un facteur de notre popularité au départ, car c’était l’époque pré-vidéo. Je pense qu’elles aident certains nouveaux groupes à se faire connaître, mais il semble que l’on voit si peu de l’éventail de la musique à la télévision. Le mauvais côté des vidéos, c’est qu’elles sont très chères ; on peut faire un disque pour ce que coûte une vidéo, et est-ce que ça vaut le coup en tant qu’outil promotionnel ? Je dirais probablement non.

Lorsque l’ère de la vidéo est arrivée, je pense que plusieurs mauvaises choses se sont produites : Je pense que ça a tué le rock sudiste presque entièrement. Ça a ruiné la carrière de beaucoup de gens qui n’étaient pas si beaux, mais ça a fait la carrière de très jolies personnes qui n’avaient pas beaucoup de talent. Cela a également permis à certains actes qui connaissaient le médium visuel de se faire remarquer, mais si c’est une bonne chose, je ne suis pas sûr.

En quoi votre album solo, Flat Out, était-il censé différer d’un album de Blue Oyster Cult ?

Le matériel sur Flat Out était, en général, plus orienté pop et à thème plus romantique ; plus personnel. J’avais pas mal de chansons qui ne convenaient tout simplement pas à BOC.

La sortie de Heaven Forbid est en attente au moment où nous enregistrons ceci.

C’est notre premier disque de nouveautés depuis 88 ; il comporte 11 morceaux et c’est un grand album, si je peux me permettre (rires).

Vous avez une entreprise dérivée appelée le Buck Dharma Band, et ce groupe a récemment fait une soirée de charité à Atlanta. Détails?

J’aime le format trio ; les musiciens du groupe sont Danny Miranda, qui est aussi le bassiste de BOC, et John Mocelli, qui est le batteur de Meat Loaf ; il a aussi fait partie de BOC à un moment donné. Et ma femme chante.
Nous avons reçu un appel d’un fan qui a repris un article de journal sur un enfant de la banlieue d’Atlanta qui avait une tumeur cérébrale inopérable, et il utilisait « Godzilla » pour visualiser le combat contre sa maladie. Il a suivi un protocole de traitement expérimental, s’en est sorti et a en quelque sorte vaincu la maladie. Nous sommes allés là-bas et avons fait un concert de charité pour l’aider à payer ses dépenses. C’est un enfant génial, et nous avons passé un bon moment. Le concert a été filmé, et des copies sont également disponibles dans le cadre du bénéfice.

Vous utilisez un Steinberger en concert pour la plupart ces jours-ci.

C’est mon axe tout usage. Je me suis tourné vers les Steinberger lorsqu’ils ont fait le modèle à corps en bois boulonné ; le modèle tout en plastique était trop stérile pour moi, au niveau du son. Le profil du manche me convient parfaitement, et bien sûr, elles ne se déforment pas. Elles sont très cohérentes d’un instrument à l’autre.

Vous avez noté précédemment que vous avez utilisé la Tobacco Sunburst Les Paul Deluxe sur Heaven Forbid. Est-ce que d’autres instruments que vous pourriez avoir font partie d’une collection, ou est-ce que vous utilisez la plupart d’entre eux en studio ?

J’ai eu très peu d’instruments de valeur. J’avais une Strat ’57, mais ma philosophie est que si je n’utilise pas vraiment certaines guitares, cela ne semble guère utile de les posséder. Il y a quelques guitares que j’aimerais avoir ; j’aimerais avoir une Gretsch Tennessean ou d’autres guitares du type Chet Atkins, parce que je n’en ai pas actuellement. J’aimerais bien avoir une Rickenbacker, mais j’ai deux Strats et une guitare SG personnalisée fabriquée par un fan à Pittsburgh. J’ai joué « The Reaper » en live avec celle-là pendant de nombreuses années.

Prévoyez-vous de devoir faire de grandes tournées pour promouvoir le nouvel album ?

Nous sommes engagés dans une tournée de six à huit semaines cet été ; nous serons dans des hangars avec d’autres groupes de notre époque, comme Motorhead et Iron Maiden. Donc, nous allons probablement travailler plus que l’année dernière, mais nous n’avons pas envie de tourner aussi fort que lorsque nous avons commencé.

Autres projets futurs ?

Je veux faire un disque du Buck Dharma Band, et il y aura sans doute une suite à Heaven Forbid.

Bien que Buck Dharma ait la réputation d’être un riffmeur rapide, ses réflexions sur l’histoire de Blue Oyster Cult, ses chansons et les guitares qu’il a utilisées signifient qu’il a prêté attention à ses expériences au fil des décennies. Bien sûr, ses prouesses à la guitare sont aussi très éloquentes… mais elles sont aussi beaucoup plus rapides.

Donald « Buck Dharma » Roeser. Photo reproduite avec l’aimable autorisation de Buck Dharma.

Cette interview a été publiée à l’origine dans le numéro d’août 98 de VG.

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