Warhol sous le marteau : Les dix œuvres les plus chères jamais vendues

L’un des artistes les plus influents et les plus appréciés du 20e siècle, Andy Warhol continue d’inspirer ses fans, jeunes et moins jeunes. Avec de nombreuses rétrospectives de ses œuvres dans le monde entier, il reste également l’un des artistes les plus recherchés sur le marché. Nous examinons ici les dix meilleurs prix payés pour les œuvres du père du Pop Art aux enchères, de 105 millions de dollars pour son Silver Car Crash en 2013 à 53 millions de dollars pour Double Elvis en 2019.

Pris dans sa série Death and Disaster, le prix le plus élevé réalisé pour Warhol aux enchères a été atteint en 2013 pour Silver Car Crash (Double Disaster). Œuvre d’une puissance indéniable, ce tableau monumental témoigne des circonstances du désastre et fait écho à la longue tradition de la peinture d’histoire dans l’art, du Radeau de la Méduse de Géricault au Guernica de Picasso. Ici, Warhol transforme une scène tragique, la répétant à l’infini jusqu’à ce qu’elle ressemble aux images d’un film ou d’une animation, sa surface en noir et blanc devenant argentée pour la postérité. L’œuvre a été réalisée en 1963, une année séminale – et quelque peu mélancolique – pour Warhol, au cours de laquelle il a également produit Suicides, Race Riots et Silver Electric Chair.

Ayant transformé les traits iconiques de Marilyn Monroe en d’innombrables sérigraphies, il était tout naturel que Warhol prenne Elvis comme sujet dans cette peinture de 1963. Reprenant la figure du chanteur dans sa position dynamique de cow-boy alors qu’il sort son arme, l’œuvre prend une qualité cinématographique qui élève l’image de la star d’icône pop à demi-dieu. En même temps, la couleur de fond rappelle l’écran argenté d’Hollywood ainsi que les ornements baroques de l’église catholique dans laquelle Warhol a grandi, entouré d’icônes peintes à vénérer et à reproduire pour les masses.

Autre œuvre importante de la série Death and Disaster de Warhol, Green Car Crash (Green Burning Car I) a fait les gros titres lorsqu’elle a été vendue pour US$71,720,000 chez Christie’s en 2007, un prix spectaculaire pour l’époque. Ici encore, la répétition joue un rôle clé dans la transformation d’une scène tragique en une œuvre classique du Pop Art qui utilise la technique industrielle de la sérigraphie pour reproduire une image d’actualité à l’infini jusqu’à ce que le spectateur devienne insensible à sa signification. Comme Warhol l’a dit dans une interview à l’époque, « Quand vous voyez une image macabre encore et encore, cela n’a vraiment aucun effet », une idée qui a des échos inquiétants dans la culture des nouvelles 24 heures sur 24 de notre époque.

Avec cette œuvre, Warhol a démontré une fois de plus sa fascination durable pour la gloire et la célébrité, en choisissant comme sujet le talentueux acteur Marlon Brando dans le film The Wild One. Contrairement aux portraits sérigraphiés précédents, Warhol a choisi, pour Four Marlons, d’imprimer le personnage de Brando sur une toile non apprêtée, évitant les superpositions brillantes ou les fonds argentés pour laisser parler le magnétisme brut de l’expression, de la pose et des cuirs de l’acteur. Peinte en 1966, cette œuvre représente Warhol au sommet de son art, utilisant la technique de la sérigraphie pour emprunter au monde de la publicité et d’Hollywood et créer un tout nouveau style de peinture qui rompt avec les canons dictés par le critique Clement Greenberg. Warhol empruntait ici une nouvelle voie, qui lui vaudrait finalement sa propre célébrité et sa propre fortune, égalant et peut-être même dépassant celles de ses icônes.

Men In Her Life, qui s’est vendu pour plus de 63 millions de dollars à New York en 2010, est un hommage à la fois à la star de cinéma Elizabeth Taylor et à la fascination du public américain pour sa vie et ses amours. À partir d’une image tirée du magazine LIFE, Warhol représente Taylor avec son troisième mari, Mike Todd, ainsi qu’un autre couple, Debbie Reynolds et Eddie Fisher. Bien qu’elle semble être une image innocente de romance et d’amitié, la photographie préfigure en fait un désastre et une histoire d’amour compliquée qui a valu à Taylor d’être vilipendée par les médias et le public. Une fois encore, Warhol répète son motif central en comparant les images aux cadres d’un film, apportant du mouvement à une image fixe. En même temps, il conserve le noir et blanc original de la photographie, contrairement à ce que l’on attend de ses toiles aux couleurs vives de la même année.

Peut-être l’une des peintures les plus politiquement ouvertes et les plus connues de Warhol, Race Riot reproduit une photographie d’une marche pour les droits civiques à Birmingham, en Alabama, en 1963. Ce qui était censé être une protestation pacifique de la communauté afro-américaine de la ville contre les lois de ségrégation de l’État a rapidement tourné au vinaigre lorsque la police a sorti des chiens d’attaque et des lances à incendie pour disperser la foule. Faisant la une des journaux du monde entier, les photographies de l’émeute par Charles Moore ont forcé le président John F Kennedy à apporter des changements historiques à la loi et ont inspiré Warhol à les reproduire, partageant à sa manière cette représentation de l’injustice et assurant leur place dans l’histoire de l’art.

Peinte au cours de la dernière année de la vie de Warhol, Sixty Last Suppers témoigne de l’amour durable de l’artiste pour les maîtres anciens. Cette année-là, Warhol a également produit The Last Supper (Pink) et The Camouflage Last Supper qui, avec l’œuvre actuelle, étaient basés sur des reproductions d’une copie du XIXe siècle de la peinture originale de Léonard de Vinci. En appliquant sa technique de sérigraphie à un chef-d’œuvre du 16ème siècle et en le reproduisant dans une grille monumentale d’images répétées, Warhol était perçu comme entrant dans un dialogue avec le canon historique de l’art occidental avant lui, ainsi qu’en faisant référence à ses propres racines dans l’église catholique et peut-être en remettant en question la valeur d’une seule image par rapport à plusieurs.

A l’instar des boîtes de soupe Campbell et des boîtes Brillo, Warhol aimait particulièrement reproduire la marque iconique de Coca Cola. De l’écriture tourbillonnante du logo aux étiquettes rouges et blanches, en passant par les élégantes bouteilles en verre, le Coca-Cola exerçait un attrait intemporel sur le père du Pop Art qui y voyait un grand niveleur grâce à sa popularité tous azimuts et son omniprésence. Dans son livre de 1975, The Philosophy Of Andy Warhol (From A to B & Back Again), il écrit : « Ce qui est formidable dans ce pays, c’est que l’Amérique a lancé la tradition selon laquelle les consommateurs les plus riches achètent essentiellement les mêmes choses que les plus pauvres. Vous pouvez regarder la télévision et voir du Coca-Cola, et vous pouvez savoir que le président boit du Coca, que Liz Taylor boit du Coca, et pensez simplement que vous pouvez aussi boire du Coca. Un Coca-Cola est un Coca-Cola et aucune somme d’argent ne peut vous procurer un meilleur Coca-Cola que celui que boit le clochard du coin. Tous les Coca sont les mêmes et tous les Coca sont bons. Liz Taylor le sait, le Président le sait, le clochard le sait, et vous le savez. » Cette œuvre de 1962 dépouille la marque de sa couleur, offrant un simple contour de la bouteille et du logo avec les mots « trademark registered » (marque déposée) clairement délimités, peut-être dans une référence pince-sans-rire à son propre mépris du droit d’auteur.

En 1962, JFK s’est rendu en France pour une visite d’État au cours de laquelle son épouse Jackie, adulée par la presse et le public, a réussi à persuader le président français de permettre à la Joconde de faire une tournée sans précédent aux États-Unis. L’année suivante, le tableau traverse l’Atlantique accompagné d’un convoi de haute sécurité et d’une importante couverture médiatique. En conséquence, des milliers d’Américains font la queue pour voir le chef-d’œuvre à sa première étape, la National Gallery of Art de Washington, avant qu’il ne se rende au Metropolitan Museum of Art de New York, où Warhol l’a vu. Il commence à travailler sur la version sérigraphiée au printemps suivant, en utilisant une reproduction tirée d’une brochure du musée. Il réalise ainsi trois écrans : l’un est une version intégrale de l’œuvre, un autre montre la Joconde coupée en buste, et le troisième n’est qu’un détail des mains croisées du personnage. Dans ce tableau, vendu 56 165 000 dollars, les trois se rejoignent dans un déploiement vibrant de couleurs et de composition.

Peinte la même année que Triple Elvis cette œuvre semblait être légèrement moins populaire sur le marché, atteignant 30 millions de dollars de moins que son homologue lors de sa vente à New York en 2019. L’œuvre n’en est pas moins emblématique, avec les traits classiques d’Elvis qui fixent le spectateur avec détermination, son personnage de flingueur représentant un hommage à la romance américaine avec l’Ouest et la figure durable du cow-boy. Ici, le cliché publicitaire original du film western Flaming Star de 1960 est doublé et reproduit à taille réelle, ce qui donne une œuvre imposante qui reste un classique de l’œuvre de cet artiste lumineux.