Warhol Under the Hammer: Top Ten Most Expensive Works Ever Sold

Uno degli artisti più influenti e amati del 20° secolo, Andy Warhol continua a ispirare i fan giovani e vecchi. Con numerose retrospettive del suo lavoro in tutto il mondo, rimane anche uno degli artisti più ricercati sul mercato. Qui diamo un’occhiata ai primi dieci prezzi pagati all’asta per le opere del padre della Pop Art, da 105 milioni di dollari per il suo Silver Car Crash nel 2013 a 53 milioni di dollari per Double Elvis nel 2019.

Tratto dalla sua serie Death and Disaster, il prezzo massimo realizzato per Warhol all’asta è stato raggiunto nel 2013 per Silver Car Crash (Double Disaster). Un’opera innegabilmente potente, questo dipinto monumentale testimonia le circostanze del disastro e riflette sulla lunga tradizione della pittura storica nell’arte da La zattera della Medusa di Géricault a Guernica di Picasso. Qui Warhol trasforma una scena tragica, ripetendola più e più volte fino a farla assomigliare ai fotogrammi di un film o di un’animazione, la sua superficie in bianco e nero resa argentea per i posteri. L’opera è stata realizzata nel 1963, un anno seminale – e un po’ malinconico – per Warhol in cui ha prodotto anche Suicidi, Razzie e Sedia elettrica d’argento.

Avendo trasformato i tratti iconici di Marilyn Monroe in innumerevoli serigrafie, era naturale che Warhol prendesse Elvis come soggetto in questo dipinto del 1963. Ripetendo la figura del cantante nella sua dinamica posizione da cowboy mentre estrae la sua pistola, l’opera assume una qualità cinematografica che eleva l’immagine della star da icona pop a semidio. Allo stesso tempo, il colore dello sfondo ricorda lo schermo d’argento di Hollywood e gli ornamenti barocchi della chiesa cattolica in cui Warhol è cresciuto, circondato da icone dipinte da venerare e riprodurre per le masse.

Un’altra opera significativa della serie Death and Disaster di Warhol, Green Car Crash (Green Burning Car I) fece notizia quando fu venduta per 71.720.000 dollari da Christie’s nel 2007, un prezzo spettacolare per l’epoca. Anche qui la ripetizione gioca un ruolo chiave nel trasformare una scena tragica in un’opera classica della Pop Art che usa la tecnica industriale della serigrafia per riprodurre un’immagine da cinegiornale più e più volte fino a quando lo spettatore diventa insensibile al suo significato. Come disse Warhol in un’intervista dell’epoca, “Quando si vede un’immagine raccapricciante più e più volte, non ha davvero alcun effetto”, un’idea che ha echi preoccupanti nella cultura delle notizie 24 ore su 24 dei nostri giorni.

Con quest’opera Warhol ha dimostrato ancora una volta il suo fascino duraturo per la fama e la celebrità, scegliendo come soggetto il talentuoso attore Marlon Brando nel film The Wild One. A differenza dei precedenti ritratti serigrafici, con Four Marlons Warhol scelse di stampare la figura di Brando su tela non spalmata, evitando sovrapposizioni brillanti o fondi argentati per lasciare che fosse il magnetismo grezzo dell’espressione, della posa e della pelle dell’attore a parlare. Dipinta nel 1966, l’opera rappresenta Warhol all’apice del suo potere, usando la tecnica della serigrafia per prendere in prestito dal mondo della pubblicità e di Hollywood per inventare uno stile di pittura completamente nuovo che rompe il canone dettato dal critico Clement Greenberg. Qui Warhol stava percorrendo una nuova strada, che alla fine gli avrebbe fatto guadagnare la sua stessa fama e fortuna, eguagliando e forse superando quella delle sue icone.

Men In Her Life, venduto per oltre 63 milioni di dollari a New York nel 2010, è un omaggio sia alla star del cinema Elizabeth Taylor sia al fascino del pubblico americano per la sua vita e i suoi amori. Usando un’immagine presa dalla rivista LIFE, Warhol ritrae la Taylor con il suo terzo marito Mike Todd e un’altra coppia, Debbie Reynolds e Eddie Fisher. Sebbene sembri un’immagine innocente di romanticismo e amicizia, la fotografia in realtà prefigura un disastro e una complicata storia d’amore che causò il vilipendio di Taylor da parte dei media e del pubblico. Ancora una volta Warhol ripete il suo motivo centrale di paragonare le immagini ai fotogrammi di un film, portando il movimento a un fermo immagine. Allo stesso tempo mantiene il bianco e nero originale della fotografia, contrariamente a quello che ci aspettiamo dalle sue tele colorate dello stesso anno.

Forse uno dei dipinti più politicamente espliciti e conosciuti di Warhol, Race Riot riproduce una fotografia di una marcia per i diritti civili a Birmingham, Alabama nel 1963. Quella che doveva essere una protesta pacifica contro le leggi di segregazione dello stato da parte della comunità afroamericana della città si trasformò presto in una brutta situazione quando la polizia tirò fuori cani da attacco e idranti per disperdere la folla. In prima pagina in tutto il mondo, le fotografie della rivolta di Charles Moore costrinsero il presidente John F. Kennedy ad apportare modifiche storiche alla legge e ispirarono Warhol a riprodurle, condividendo a suo modo questa rappresentazione dell’ingiustizia e assicurandosi il loro posto nella storia dell’arte.

Pitturato nell’ultimo anno di vita di Warhol, Sessanta ultime cene testimonia l’amore duraturo dell’artista per gli antichi maestri. Quell’anno Warhol produsse anche The Last Supper (Pink) e The Camouflage Last Supper che, insieme all’opera attuale, erano basati su riproduzioni di una copia del XIX secolo del dipinto originale di Leonardo da Vinci. Applicando la sua tecnica serigrafica a un capolavoro del XVI secolo e riproducendolo in una griglia monumentale di immagini ripetute, Warhol è stato visto entrare in un dialogo con il canone storico dell’arte occidentale prima di lui, così come fare riferimento alle sue radici nella chiesa cattolica e forse mettere in discussione il valore di una singola immagine rispetto a molte.

Come le lattine di zuppa Campbell e le scatole Brillo, Warhol amava particolarmente riprodurre il marchio iconico della Coca Cola. Dalle scritte a spirale del logo alle etichette rosse e bianche e alle eleganti bottiglie di vetro, la Coca Cola aveva un fascino senza tempo per il padre della Pop Art che la vedeva come un grande livellatore grazie alla sua popolarità e ubiquità a tutto tondo. Nel suo libro del 1975, The Philosophy Of Andy Warhol (From A to B & Back Again) scrisse: “La cosa bella di questo paese è che l’America ha iniziato la tradizione per cui i consumatori più ricchi comprano essenzialmente le stesse cose dei più poveri. Puoi guardare la TV e vedere la Coca-Cola, e puoi sapere che il presidente beve Coca-Cola, Liz Taylor beve Coca-Cola, e pensare che anche tu puoi bere Coca-Cola. Una Coca è una Coca e nessuna somma di denaro può darti una Coca migliore di quella che sta bevendo il barbone all’angolo. Tutte le Coca Cola sono uguali e tutte le Coca Cola sono buone. Liz Taylor lo sa, il presidente lo sa, il barbone lo sa e tu lo sai”. Quest’opera del 1962 spoglia il marchio del suo colore, offrendo un semplice contorno della bottiglia e del logo con le parole “marchio registrato” chiaramente delineate, forse in un riferimento ironico al suo disprezzo per il copyright.

Nel 1962 JFK visitò la Francia per una visita di stato durante la quale sua moglie Jackie, adorata dalla stampa e dal pubblico, riuscì a convincere il presidente francese a permettere alla Monna Lisa di fare un tour senza precedenti negli Stati Uniti. L’anno successivo il quadro attraversò l’Atlantico accompagnato da un convoglio di alta sicurezza e da una vasta copertura mediatica. Come risultato, migliaia di americani fecero la fila per vedere il capolavoro nella sua prima tappa, la National Gallery of Art di Washington, prima che viaggiasse al Metropolitan Museum of Art di New York dove Warhol lo vide. Iniziò a lavorare alla versione serigrafica la primavera seguente, utilizzando una riproduzione tratta da un opuscolo del museo. Con questo, fece tre schermi: uno era una versione integrale dell’opera, mentre un altro mostrava la Monna Lisa ritagliata a busto, e il terzo era solo un dettaglio delle mani incrociate della figura. In questo dipinto, venduto per 56.165.000 dollari, tutti e tre si uniscono in un vibrante spettacolo di colore e composizione.

Pinto nello stesso anno di Triple Elvis quest’opera è sembrata essere leggermente meno popolare sul mercato, ottenendo 30 milioni di dollari in meno della sua controparte quando è stato venduto a New York nel 2019. L’opera non è comunque meno iconica, con le classiche caratteristiche di Elvis che fissano lo spettatore con determinazione, il suo personaggio di pistolero che rappresenta un omaggio al romanticismo americano con il West e la figura duratura del cowboy. Qui lo scatto pubblicitario originale del film western Flaming Star del 1960 è raddoppiato e riprodotto a grandezza naturale, dando vita a un’opera imponente che rimane un classico nell’opera di questo luminoso artista.