Warhol Under the Hammer: Top Ten Most Expensive Works Ever Sold

Een van de meest invloedrijke en geliefde kunstenaars van de 20ste eeuw, Andy Warhol, blijft fans van jong tot oud inspireren. Met talrijke retrospectieven van zijn werk over de hele wereld blijft hij ook een van de meest gezochte kunstenaars op de markt. Hier nemen we een kijkje in de top tien van prijzen die op veilingen zijn betaald voor werken van de vader van de Pop Art, van $ 105 miljoen voor zijn Silver Car Crash in 2013 tot $ 53 miljoen voor Double Elvis in 2019.

Gelegen uit zijn Death and Disaster-serie, werd de topprijs die Warhol op een veiling realiseerde in 2013 behaald voor Silver Car Crash (Double Disaster). Dit monumentale schilderij, een onmiskenbaar krachtig werk, getuigt van de omstandigheden van een ramp en reflecteert op de lange traditie van historieschilderkunst in de kunst, van Géricaults Het vlot van de Medusa tot Picasso’s Guernica. Warhol transformeert hier een tragische scène en herhaalt die steeds opnieuw tot het lijkt op frames uit een film of animatie, het zwart-witte oppervlak zilverkleurig gemaakt voor het nageslacht. Het werk werd gemaakt in 1963, een cruciaal – en enigszins melancholisch – jaar voor Warhol, waarin hij ook Suicides, Race Riots en Silver Electric Chair produceerde.

Na Marilyn Monroe’s iconische trekken in ontelbare zeefdrukken te hebben verwerkt, was het niet meer dan normaal dat Warhol Elvis als onderwerp nam in dit schilderij uit 1963. Door de figuur van de zanger in zijn dynamische cowboyhouding te herhalen terwijl hij zijn pistool trekt, krijgt het werk een filmische kwaliteit die het imago van de ster verheft van popicoon tot halfgod. Tegelijkertijd herinnert de kleur van de achtergrond aan het witte doek van Hollywood en aan de barokke ornamenten van de katholieke kerk waarin Warhol opgroeide, omringd door geschilderde iconen die moesten worden vereerd en gereproduceerd voor de massa’s.

Een ander belangrijk werk uit Warhol’s Death and Disaster series, Green Car Crash (Green Burning Car I) haalde de krantenkoppen toen het in 2007 voor US$71,720,000 werd verkocht bij Christie’s, een spectaculaire prijs voor die tijd. Ook hier speelt herhaling een sleutelrol in de transformatie van een tragische scène in een klassiek werk van Pop Art, dat de industriële techniek van het zeefdrukken gebruikt om een nieuwsreportage steeds opnieuw te reproduceren totdat de kijker gevoelloos wordt voor de betekenis ervan. Zoals Warhol destijds in een interview zei: “Als je een gruwelijk beeld keer op keer ziet, heeft het echt geen effect meer”, een idee dat verontrustende echo’s heeft in de 24-uurs nieuwscultuur van onze huidige tijd.

Met dit werk demonstreert Warhol eens te meer zijn blijvende fascinatie voor roem en beroemdheid, door de getalenteerde acteur Marlon Brando uit de film The Wild One als onderwerp te nemen. In tegenstelling tot eerdere zeefdrukportretten koos Warhol er bij Four Marlons voor om Brando’s figuur op ongeprepareerd doek af te drukken, en af te zien van felle overlays of zilveren ondergronden om het rauwe magnetisme van de uitdrukking, de pose en het pak van de acteur te laten spreken. Het werk werd geschilderd in 1966 en representeert Warhol op het toppunt van zijn kunnen. Hij gebruikte de zeefdruktechniek om uit de reclamewereld en Hollywood te putten en een geheel nieuwe schilderstijl te ontwikkelen die brak met de canon zoals die door criticus Clement Greenberg was gedicteerd. Hier sloeg Warhol een nieuwe weg in, een weg die hem uiteindelijk zijn eigen roem en fortuin zou opleveren, die van zijn iconen evenaarden en misschien zelfs overtreffen.

Men In Her Life, dat in 2010 in New York voor meer dan $63 miljoen werd verkocht, is een hommage aan zowel filmster Elizabeth Taylor als de fascinatie van het Amerikaanse publiek voor haar leven en liefdes. Aan de hand van een afbeelding uit het tijdschrift LIFE portretteert Warhol Taylor met haar derde echtgenoot Mike Todd en met een ander koppel, Debbie Reynolds en Eddie Fisher. Hoewel het een onschuldig beeld lijkt van romantiek en vriendschap, is de foto in feite een voorbode van een ramp en een gecompliceerde liefdesaffaire, waardoor Taylor door de media en het publiek werd verguisd. Opnieuw herhaalt Warhol zijn centrale motief: hij vergelijkt de beelden met de frames van een film en brengt beweging in een stilstaand beeld. Tegelijkertijd behoudt hij het oorspronkelijke zwart-wit van de foto, in tegenstelling tot wat we verwachten van zijn felgekleurde doeken uit datzelfde jaar.

Misschien wel een van Warhol’s meer politiek getinte en bekende schilderijen, Race Riot reproduceert een foto van een mars voor burgerrechten in Birmingham, Alabama in 1963. Wat bedoeld was als een vreedzaam protest van de Afro-Amerikaanse gemeenschap tegen de segregatiewetten van de staat, liep al snel uit de hand toen de politie jachthonden en brandslangen inzette om de menigte uiteen te drijven. De foto’s van de rellen door Charles Moore, die voorpaginanieuws over de hele wereld werden, dwongen president John F Kennedy tot historische wetswijzigingen en inspireerden Warhol om ze te reproduceren, waarmee hij op zijn manier deelgenoot werd van deze uitbeelding van onrechtvaardigheid en hun plaats in de kunstgeschiedenis verzekerde.

Geschilderd in het laatste jaar van Warhol’s leven, getuigt Sixty Last Suppers van de blijvende liefde van de kunstenaar voor de oude meesters. Dat jaar maakte Warhol ook Het Laatste Avondmaal (Roze) en Het Camouflage Laatste Avondmaal die samen met het huidige werk gebaseerd waren op reproducties van een 19de eeuwse kopie van het originele schilderij van Leonardo da Vinci. Door zijn zeefdruktechniek toe te passen op een 16e eeuws meesterwerk en het te reproduceren tot een monumentaal raster van herhaalde beelden, ging Warhol een dialoog aan met de westerse kunsthistorische canon voor hem, refereerde hij ook aan zijn eigen wortels in de katholieke kerk en stelde hij misschien de waarde van één enkel beeld boven vele andere in vraag.

Naast de blikjes Campbell’s Soup en de Brillo-doosjes, was Warhol vooral dol op het reproduceren van de iconische Coca Cola branding. Van het zwierige schrift van het logo tot de rode en witte etiketten en elegante glazen flessen, Coke had een tijdloze aantrekkingskracht op de vader van de Pop Art, die het zag als een grote gelijkmaker dankzij zijn all-round populariteit en alomtegenwoordigheid. In zijn boek uit 1975, The Philosophy Of Andy Warhol (From A to B & Back Again) schreef hij: “Het mooie van dit land is dat Amerika de traditie inluidde dat de rijkste consumenten in wezen dezelfde dingen kopen als de armste. Je kunt TV kijken en Coca-Cola zien, en je kunt weten dat de president Coke drinkt, Liz Taylor drinkt Coke, en denk je eens in, jij kunt ook Coke drinken. Een Coke is een Coke en geen enkele hoeveelheid geld kan je een betere Coke bezorgen dan de Coke die de zwerver op de hoek drinkt. Alle Cokes zijn hetzelfde en alle Cokes zijn goed. Liz Taylor weet het, de president weet het, de zwerver weet het, en jij weet het.” Dit werk uit 1962 ontdoet het merk van zijn kleur en biedt een eenvoudige schets van de fles en het logo met de woorden ’trademark registered’ duidelijk omlijnd, misschien met een ironische verwijzing naar zijn eigen minachting voor het auteursrecht.

In 1962 bezocht JFK Frankrijk voor een staatsbezoek waarbij zijn vrouw Jackie, die door pers en publiek werd aanbeden, erin slaagde de Franse president over te halen de Mona Lisa mee te laten gaan op een ongekende tournee door de Verenigde Staten. Het volgende jaar stak het schilderij de Atlantische Oceaan over, vergezeld van een streng beveiligd konvooi en uitgebreide media-aandacht. Het resultaat was dat duizenden Amerikanen in de rij stonden om het meesterwerk bij de eerste halte, de National Gallery of Art in Washington, te zien voordat het doorreisde naar het Metropolitan Museum of Art in New York, waar Warhol het zag. In de daaropvolgende lente begon hij te werken aan de zeefdrukversie, met behulp van een reproductie uit een brochure van het museum. Hiermee maakte hij drie zeefdrukken: één was een volledige versie van het werk, een andere toonde de Mona Lisa bijgesneden tot een buste, en de derde was slechts een detail van de gekruiste handen van de figuur. In dit schilderij, dat voor 56.165.000 US dollar werd verkocht, komen alle drie samen in een levendige weergave van kleur en compositie.

Geschilderd in hetzelfde jaar als Triple Elvis bleek dit werk iets minder populair op de markt en bracht het 30 miljoen dollar minder op dan zijn tegenhanger toen het in 2019 in New York werd verkocht. Het werk is echter niet minder iconisch, met Elvis’ klassieke gelaatstrekken die de kijker vastberaden aanstaren, zijn revolverheld persona die een eerbetoon is aan de Amerikaanse romantiek met het Westen en de blijvende figuur van de cowboy. Hier is het originele publiciteitsshot van de Western film Flaming Star uit 1960 verdubbeld en op ware grootte gereproduceerd, wat resulteert in een imposant werk dat een klassieker blijft in het oeuvre van deze lumineuze kunstenaar.