Buck Dharma

Podczas dekady hard rocka lat 70-tych, pochodzący z Long Island zespół Blue Oyster Cult zaproponował zdecydowanie inne podejście do głośnej, gitarowej muzyki. Mroczne rozważania zespołu przyniosły mu kontrowersyjną reputację za jego teksty i loga, a jego popisowa piosenka, mega-hit „(Don’t Fear) The Reaper” z 1976 roku, jest tego przykładem; niektórzy słuchacze zinterpretowali ten utwór jako popierający samobójstwo.

Szybka jak błyskawica histrionika na podstrunnicy Donalda „Buck Dharma” Roesera była integralną częścią brzmienia BOC. Kontrowersje czy nie, riffy i lity grane przez Bucka i jego kolegów z zespołu na stałe wryły się w umysły wielu fanów i aspirujących gitarzystów. Gdy jego zespół przygotowywał się do trasy koncertowej Summer ’98, Buck rozmawiał o historii tego, co zostało nazwane „najinteligentniejszym zespołem heavy metalowym na świecie” oraz o gitarach, których używał po drodze.

Gitara w stylu vintage: Według Tima Bogerta z Vanilla Fudge, w połowie lat 60. istniała scena Long Island, na której grały między innymi takie zespoły jak The Vagrants, The Young Rascals i The Hassles. Pamiętasz te zespoły i co się tam działo? Jasne. To były zespoły klubowe, ale my zaczynaliśmy na kampusie, więc byliśmy bardziej zespołem uniwersyteckim, a nie barowym. Graliśmy w barach, ale to przyszło później. Widziałem wszystkie zespoły, które wymieniłeś.

Powiedz mi o niektórych z twoich wcześniejszych instrumentów i doświadczeń, „przed-BOC.”

Buck Dharma: Zaangażowałem się w rock and rolla w erze surfingu i byłem perkusistą w moim pierwszym zespole, który był w liceum. Grałem w koszykówkę uliczną i złamałem nadgarstek, a kiedy miałem założony gips zacząłem się wygłupiać z akustyczną Stellą, którą mój brat dostał na Gwiazdkę. Kiedy mój nadgarstek wyzdrowiał, postanowiłem zostać gitarzystą.

Znałem innego perkusistę, więc kupiłem gitarę, która była Premier jazz box z dwoma przetwornikami. Wyglądało to na mnie trochę głupio, bo jestem niski (chichoty), a ta gitara nie miała wycięcia. Zacząłem od razu jako gitarzysta prowadzący, grając na wysokiej strunie E. Jestem całkowitym samoukiem w grze na gitarze; wszystko, czego się nauczyłem, wymyśliłem z płyt.

Miałem też jedną z pierwszych gitar Hagstroma sprowadzonych do Ameryki. Był to pewnego rodzaju prototyp; nie miał tego samego okucia ani wiązań na szyjce, co późniejsze. Była to bardzo dobra, tania kopia Fendera.

Zespół, który stał się Blue Oyster Cult nie powstał aż do czasu, gdy byłeś na studiach. Do jakiego typu brzmienia dążyliście?

Skąd pochodziliśmy, kiedy byliśmy na studiach, to był niesamowicie bogaty angielski pop z tamtego okresu. Wykonywaliśmy dużo piosenek Animals, ale zainteresowaliśmy się też bluesem, na dużą skalę; zostaliśmy zdmuchnięci przez Blues Project. Byliśmy na studiach w stanie Nowy Jork, prawie w Kanadzie i jeździliśmy osiem godzin do Nowego Jorku co najmniej raz w miesiącu, żeby zobaczyć zespoły takie jak Paul Butterfield i Blues Project, którzy byli po prostu białymi nowojorskimi facetami grającymi bluesa. Powiedzieliśmy, „Hej, możemy to zrobić!”

Czy Danny Kalb wpłynął na twoją grę?

Big-time; jego szybkość była płonąca. Po spotkaniu z Kalbem wszedłem w okres intensywnej pracy w lesie – grałem cały dzień, ucząc się jego zagrywek. Kiedy już nauczyłem się jego rzeczy, mogłem grać bardzo szybko w ogóle, więc on miał bardzo duży wpływ na moją grę i na ewolucję mojej techniki.

Jesteś jednym z graczy, którego pseudonim sceniczny i prawdziwe nazwisko były publicznie znane przez jakiś czas. Jakie znaczenie ma „Buck Dharma”? Czy jest to tajemnica korporacyjna?

Nie bardzo; wszyscy rozważaliśmy pseudonimy, kiedy zaczynaliśmy, a w tamtych czasach prawdopodobnie ważniejsze było posiadanie krzykliwego imienia. Ja lubiłem swoje, więc się go trzymałem, ale z perspektywy czasu okazało się, że to wrzód na tyłku. Lubię Bucka, ale moja żona nadal nazywa mnie Don (chuckles).

Odkąd zespół miał kontrakt płytowy, niektóre z obrazów, które stworzyła jego muzyka mogły być uznane za kontrowersyjne, ale miałem wrażenie, że wtedy to była część marketingowego szumu, jak również. Szczegóły dotyczące logo zespołu są odnotowane na stronie internetowej, którą sprawdziłem, ale pozwolę Ci opowiedzieć swoją wersję tego, jak ten symbol stał się logo.

To logo zostało stworzone przez grafika, który zrobił okładki naszych dwóch pierwszych albumów; tak naprawdę nie istnieje nigdzie indziej, ale stoją za nim pewne podobne historyczne antecedencje. Podobno wygląda jak grecki symbol chaosu i alchemiczny symbol ołowiu. Czy te rzeczy są prawdziwe, nie mogę wam powiedzieć. Ale prawdziwą kupą jest to, że został stworzony przez grafika, a kiedy go zobaczyliśmy, powiedzieliśmy, „To jest nasze logo.”

Czytałem w pewnym momencie, że niektóre grupy próbowały zastosować jakiś rodzaj nazistowskiej symboliki do logo, a Jewish Defense League planowała protestować na niektórych z waszych koncertów.

Tak, i to było całkowicie niedorzeczne; jak szukanie diabłów za drzewami. BOC zawsze miało historyczne i intelektualne skrzywienie, jeśli chodzi o to, co robiliśmy, ale nigdy nie skłanialiśmy się ku kultowi diabła ani nic z tych rzeczy. Poruszamy tematy dobra i zła w naszych utworach, ale nie zajmujemy żadnego stanowiska. Pomysł, że mamy jakiś program, polityczny lub inny, był zawsze głupi. Jeśli mówiliśmy o ciemnej stronie ludzkości, to po prostu wyłożyliśmy to na wierzchu i powiedzieliśmy, „Oto jest.”

Okładka waszego trzeciego albumu, Secret Treaties, nie odstraszyłaby wspomnianych łowców nazistów, ponieważ był to szkic zespołu stojącego przed ME-262 (pierwszy na świecie operacyjny myśliwiec odrzutowy, zbudowany i używany przez Niemców podczas II Wojny Światowej).

Wielu ludzi było tym naprawdę zdenerwowanych i nie wiem dlaczego. W Secret Treaties chodzi o to, że podczas II wojny światowej istniało wiele zakulisowych umów między państwami Osi a Aliantami; handel nie został wstrzymany. Album był aluzją do tego: wojna nie była tym, czym się wydawała.

Aby dać ci trochę więcej tła, zostaliśmy podpisani przez Clive’a Davisa z Columbią, a jeśli pamiętasz, Columbia wyszła z lat 50-tych i weszła w lata 60-te jako dość sztampowa wytwórnia; Mitch Miller był facetem od A&R.

W latach 70-tych często ubieraliście się na biało na scenie i graliście na białych gitarach.

Miałem Gibsona SG, który zaczynał jako wiśniowy Standard; nigdy nie zrobili białego SG z dwoma przetwornikami, ale zrobili modele z trzema przetwornikami w kolorze białym ze złotym osprzętem. Kazałem go odnowić. Grałem też swego czasu na białym Strat’cie; wciąż go mam.

Później widziano Cię grającego na Les Paul’u single-cutaway w wykończeniu Tobacco Sunburst.

To był Deluxe; kupiłem go nowego około ’73 roku. To była jedna z tych rzeczy, kiedy wchodzisz do sklepu muzycznego, bierzesz coś i naprawdę to lubisz. Właśnie użyłem go na ostatniej płycie zespołu.

Kiedy zespół grał „ME-262” na koncercie, była jedna część, w której perkusista wychodził na przód z resztą graczy i grał również na gitarze, więc było czterech gitarzystów i basista. Czy nadal tak jest?

Nie robimy pięciu gitar tak jak w klasycznej erze. Albert, oryginalny perkusista, był jedynym perkusistą jakiego mieliśmy, który potrafił grać na gitarze.

I album koncertowy, na którym znajduje się „ME-262”, On Your Feet or On Your Knees, brzmiał trochę mętnie pod względem produkcyjnym, ale Some Enchanted Evening i Extraterrestrial Live nadrobiły to z nawiązką.

Powiem ci co jest dobre na On Your Feet, a jest to „Then Came the Last Days of May”. Jednym z powodów, dla których to lubię jest to, że zostało zmiksowane przez Jacka Douglasa, który robił nagrania Aerosmith z tamtej ery. On zawsze był moim ulubieńcem.

To zabawne; mam bardzo mało obiektywnego spojrzenia na nasze płyty, ponieważ zazwyczaj, gdy kończysz je robić, nie chcesz ich słuchać przez długi czas. Potem słyszysz je w radiu lub u kogoś w domu i przypominasz sobie, jakie były dobre. Nie wiem, jak inni artyści, ale ja rzadko siadam i słucham swoich płyt, kiedy są już gotowe. Znasz już każdy niuans i mikrosekundę tego.

Czy są jakieś szczególne covery piosenek zrobione przez BOC, które lubisz? Jest „Born to Be Wild”, „We Gotta Get Out of This Place”, „Kick Out the Jams”. Za chwilę zapytam o „Roadhouse Blues”.

Lubię większość z nich. Najdziwniejszym, jakiego chyba kiedykolwiek próbowaliśmy, była studyjna wersja „Born to Be Wild”. Moja filozofia co do coverów jest taka, że jeśli nie możesz wnieść czegoś nowego na imprezę, to nie powinieneś próbować coverować piosenki, ale to nie powstrzymało nas przed byciem na tyle głupim, żeby spróbować coverować „Kick Out the Jams” (śmiech).

„Roadhouse Blues” został nagrany na koncercie z Robbym Kriegerem siedzącym w środku.

Tak; zrobiliśmy „Roadhouse” zarówno z Robbym jak i Rayem Manzarkiem w różnych momentach. The Doors mieli na nas duży wpływ. Nie byli jak zespoły z San Francisco, które również miały na nas duży wpływ – The Dead, Jefferson Airplane, Steve Miller; The Doors byli z L.A. i robili muzykę, która była bardzo „mroczna” w sposób konceptualny, a także byli bardzo zorientowani na piosenki. Więc to był wielki dreszczyk emocji robić „Roadhouse” z tymi facetami.

Można by przypuszczać, że inspiracją dla „Godzilli” było to, że byłeś fanem starych japońskich filmów o potworach.

Tak, zdecydowanie. Napisałem riff do tej piosenki w hotelu Hyatt w Dallas; riff sprawił, że pomyślałem o Godzilli i napisałem pierwszy wers z głowy, a potem przez kilka tygodni męczyłem się, żeby wymyślić więcej tekstów. Pomyślałem, że muzyka i groove przypominają mi pierwszy film o Godzilli, w którym grał Raymond Burr.

Ta piosenka zawsze dobrze wypadała na koncertach i przypuszczam, że nadal jest podstawą.

Prawda; to jeden z trzech utworów, które musimy grać każdej nocy. Pozostałe to „Burnin’ For You” i „(Don’t Fear) The Reaper”. Nie wypuściliby nas z hali, gdybyśmy ich nie zagrali (chuckles).

W połowie lub pod koniec lat 70-tych, czy BOC nie był jednym z pionierów pokazów świateł laserowych na koncertach? Jak pamiętam, Eric Bloom miał jakiś rodzaj urządzenia przypominającego rękawicę, które kierował na lustrzaną kulę, aby rozproszyć wiązki laserowe.

Miał kabel światłowodowy, który szedł do soczewki przypiętej do jego nadgarstka, więc kiedy kierował ją na lustrzaną kulę, laser pojawiał się prosto z jego ręki. To był oszałamiający efekt.

Ale czy w pewnym momencie nie było pewnych kontrowersji na temat tego, czy takie efekty mogą powodować uszkodzenia oczu?

Tak, pozwólcie, że wyprostuję zapis: nigdy nikogo nie skrzywdziliśmy tym pokazem laserowym. Nie podobał im się pomysł, że rockandrollowcy mają całą tę „moc”, więc zmusili nas do wynalezienia wielu zabezpieczeń i blokad dla sprzętu. OSHA towarzyszyło nam w trasie przez trzy miesiące! Po tym czasie zlikwidowali nawet nasz efekt „skanowania”, czyli stożka laserowego, który również był oszałamiający, ale nie stanowił zagrożenia, dopóki laser skanował. Ten efekt można teraz zobaczyć w filmach, ale nie można go już zobaczyć na koncertach na żywo. Każdy, kto widział jeden z naszych laserowych pokazów wtedy, widział coś, czego nie robi się teraz na koncertach.

Mówiąc o Bloomie, czym dokładnie jest stun guitar, za granie na której został uznany?

(chuckles) Wymyśliliśmy stun guitar, aby opisać niektóre z partii fuzz, które robił Eric. W rzeczywistości, na nowej płycie jest partia gitary stun!

„Reaper” może sprawić, że niektórzy ludzie pomyślą o BOC jako o przysłowiowym „one-hit wonder”, ale były też inne piosenki, które dostały nominalną ilość wyświetleń, przynajmniej w formacie AOR. Była wspomniana „Godzilla,” „Burnin’ For You,” i późniejsze rzeczy jak „Dancin’ in the Ruins”

Naprawdę nie byliśmy zespołem popowym i nadal nie jesteśmy. Nie wiem jaki rodzaj zespołu można by nazwać, ale kiedy myślę o Blue Oyster Cult, nie myślę o masowym rynku.

„In Thee” było pewnym odstępstwem, ponieważ miało gitary akustyczne, dużo harmonii wokalnych i romantyczny temat.

Ta piosenka została napisana przez Allena Laniera i jest to prawdopodobnie jego najlepsza melodia. Ma w sobie rezonans i piękno. Właśnie umieściliśmy na nowym albumie nową wersję, która była nagraniem na żywo i „unplugged”, czyli tak, jak ostatnio wykonujemy tę piosenkę na żywo. Pomyśleliśmy, że ta piosenka zasługuje na trochę więcej ekspozycji, więc umieściliśmy ją ponownie na albumie.

Na oryginalnej wersji używałem Martina D-35, a elektryczną była robiona na zamówienie gitara o nazwie Vulcan.

Nie pytałem o wzmacniacze.

Prawdopodobnie używaliśmy tego, co wszyscy inni przez lata. Kiedy zaczęliśmy kupować sprzęt, kupiliśmy Acoustic 260s, których używali The Doors i były to okropne wzmacniacze do rodzaju muzyki, którą robiliśmy (śmiech). Nie miały w ogóle przesteru ani zniekształceń. Stamtąd kupiliśmy Marshall’e, z którymi oczywiście nie można się pomylić. Problem polegał na tym, że jeśli otwieraliśmy trzyaktowe show, byliśmy na samej „wardze” sceny, a Marshalle mogły cię ogłuszyć. Potem przez jakiś czas używaliśmy wzmacniaczy Music Man, a następnie kilku głów Boogie Mark II, które również były świetne.

W studiu używam ostatnio mniejszych wzmacniaczy combo; Vox AC-30, Fender Supers. Studio, w którym nagrywaliśmy Heaven Forbid ma wspaniałą kolekcję vintage’owych wzmacniaczy. Używałem też głowy Boogie Mark II przez 4 X 12.

Mając swój największy hit przed pojawieniem się MTV – a wiem, że BOC nagrywało teledyski – jak oceniasz ich znaczenie?

Zrobiliśmy sześć czy siedem na przestrzeni lat i nie wiem, czy mają one jakikolwiek wpływ. Miło jest zobaczyć siebie w telewizji, ale oczywiście nie były one czynnikiem wpływającym na naszą popularność, ponieważ to były czasy przed wideo. Myślę, że pomagają one pewnym nowym zespołom zaistnieć, ale wydaje mi się, że w telewizji można zobaczyć tak niewiele z całego spektrum muzyki. Złą rzeczą w teledyskach jest to, że są bardzo drogie; możesz nagrać płytę za tyle, ile kosztuje teledysk i czy jest to warte tych pieniędzy jako narzędzie promocji? Prawdopodobnie powiedziałbym, że nie.

Kiedy nastała era wideo, myślę, że stało się kilka złych rzeczy: Myślę, że to zabiło southern rock prawie całkowicie. Zrujnował karierę wielu ludzi, którzy nie byli zbyt przystojni, ale zrobił karierę kilku bardzo ładnym ludziom, którzy nie mieli zbyt wiele talentu. Pozwoliło to również pewnym zespołom, które były świadome wizualnego medium, zostać zauważonymi, ale czy to dobra rzecz, nie jestem pewien.

Jak twój solowy album, Flat Out, miał się różnić od albumu Blue Oyster Cult?

Materiał na Flat Out był, ogólnie rzecz biorąc, bardziej popowy i bardziej romantyczny; bardziej osobisty. Miałem sporo piosenek, które po prostu nie nadawały się na BOC.

Wydanie Heaven Forbid jest w toku, gdy to nagrywamy.

To nasza pierwsza płyta z nowym materiałem od ’88 roku; ma 11 utworów i jest świetnym albumem, jeśli mogę tak powiedzieć (chichocze).

Masz przedsięwzięcie offshoot zwane Buck Dharma Band, i ta grupa ostatnio zrobiła benefis w Atlancie. Szczegóły?

Lubię format trio; muzycy w zespole to Danny Miranda, który jest również basistą BOC, i John Mocelli, który bębni dla Meat Loaf; on również był w BOC w pewnym momencie. I moja żona śpiewa.
Dostaliśmy telefon od fana, który odebrał artykuł w gazecie o dzieciaku z przedmieść Atlanty, który miał nieoperacyjnego guza mózgu i używał „Godzilli” do wizualizacji walki z chorobą. Przeszedł eksperymentalną terapię lekową, wyszedł z niej i w pewnym sensie pokonał chorobę. Pojechaliśmy tam i zrobiliśmy koncert charytatywny, aby pomóc w pokryciu jego kosztów. To wspaniały dzieciak i świetnie się bawiliśmy. Koncert został sfilmowany, a jego kopie są również dostępne jako część benefisu.

Obecnie na koncertach najczęściej używasz Steinbergera.

To moja uniwersalna siekiera. Przekonałem się do Steinbergerów, kiedy wyprodukowali model z drewnianym korpusem mocowanym śrubami; plastikowy był dla mnie zbyt sterylny brzmieniowo. Profil szyjki pasuje do mnie idealnie, no i oczywiście nie odkształcają się. Są bardzo spójne z instrumentu na instrument.

Zauważyłeś wcześniej, że używałeś Tobacco Sunburst Les Paul Deluxe w Heaven Forbid. Czy jakieś inne instrumenty, które możesz mieć są częścią kolekcji, czy też używasz większości z nich w studio?

Miałem bardzo mało wartościowych instrumentów. Miałem Strat’a ’57, ale moja filozofia jest taka, że jeśli nie używam pewnych gitar, to nie warto ich posiadać. Jest kilka gitar, które chciałbym mieć; chciałbym dostać Gretscha Tennesseana lub jakąś inną gitarę typu Chet Atkins, ponieważ teraz nie mam żadnej z nich. Nie miałbym nic przeciwko Rickenbackerowi, ale mam kilka Stratów i customową gitarę w stylu SG, która została zrobiona przez fana w Pittsburghu. Grałem na niej „The Reaper” na żywo przez wiele lat.

Czy przewidujesz konieczność odbycia rozległej trasy koncertowej w celu promocji nowego albumu?

Jesteśmy zaangażowani w sześcio- lub ośmiotygodniową trasę tego lata; będziemy w szopach z innymi zespołami z naszej ery, jak Motorhead i Iron Maiden. Więc prawdopodobnie będziemy pracować więcej niż w zeszłym roku, ale nie mamy ochoty na tak intensywne koncertowanie jak wtedy, gdy powstawaliśmy.

Inne plany na przyszłość?

Chcę nagrać płytę Buck Dharma Band i bez wątpienia będzie kontynuacja Heaven Forbid.

Chociaż Buck Dharma ma reputację szybkiego riffmeistera, jego spostrzeżenia na temat historii Blue Oyster Cult, jego piosenek i gitar, których używał, świadczą o tym, że zwracał uwagę na swoje doświadczenia na przestrzeni dekad. Oczywiście, jego gitarowa sprawność jest również dość elokwentna… ale jest również o wiele szybsza.

Donald „Buck Dharma” Roeser. Zdjęcie dzięki uprzejmości Bucka Dharmy.

Ten wywiad pierwotnie ukazał się w numerze VG z sierpnia ’98.