Warhol Under the Hammer: Top Ten Most Expensive Works Ever Sold

Jeden z najbardziej wpływowych i lubianych artystów XX wieku, Andy Warhol nadal inspiruje młodych i starych fanów. Dzięki licznym retrospektywom jego twórczości, które odbywają się na całym świecie, pozostaje on również jednym z najbardziej poszukiwanych artystów na rynku. Poniżej przyglądamy się dziesięciu najwyższym cenom zapłaconym za dzieła ojca Pop Artu na aukcjach, od 105 milionów dolarów za jego Silver Car Crash w 2013 roku do 53 milionów dolarów za Double Elvis w 2019 roku.

Pochodzące z jego serii Death and Disaster, najwyższa cena zrealizowana dla Warhola na aukcji została osiągnięta w 2013 roku za Silver Car Crash (Double Disaster). To niezaprzeczalnie potężne dzieło, ten monumentalny obraz daje świadectwo okolicznościom katastrofy i odzwierciedla długą tradycję malarstwa historycznego w sztuce od Tratwy Meduzy Géricaulta do Guerniki Picassa. Warhol przekształca tu tragiczną scenę, powtarzając ją w kółko, aż przypomina kadry z filmu lub animacji, a jej czarno-biała powierzchnia staje się srebrzysta dla potomności. Praca powstała w 1963 roku, roku przełomowym – i nieco melancholijnym – dla Warhola, w którym powstały również Samobójstwa, Zamieszki rasowe i Srebrne krzesło elektryczne.

Po przekształceniu ikonicznych cech Marilyn Monroe w niezliczone sitodruki, było naturalne, że Warhol powinien obrać Elvisa jako swój temat w tym obrazie z 1963 roku. Powtarzając postać piosenkarza w jego dynamicznej, kowbojskiej postawie, gdy wyciąga broń, dzieło nabiera filmowej jakości, która podnosi wizerunek gwiazdy z ikony popu do półboga. Jednocześnie kolor tła przywołuje na myśl srebrny ekran Hollywood, jak również barokowe ornamenty katolickiego kościoła, w którym Warhol dorastał, otoczony malowanymi ikonami, które miały być czczone i reprodukowane dla mas.

Kolejna znacząca praca z serii Death and Disaster Warhola, Green Car Crash (Green Burning Car I) trafiła na pierwsze strony gazet, kiedy została sprzedana za US$71,720,000 w Christie’s w 2007 roku, co było spektakularną ceną jak na tamte czasy. Również w tym przypadku powtórzenie odgrywa kluczową rolę w przekształceniu tragicznej sceny w klasyczne dzieło pop-artu, które wykorzystuje przemysłową technikę sitodruku do powielania w kółko obrazu z kroniki filmowej, aż do momentu, gdy widz staje się znieczulony na jego znaczenie. Warhol powiedział wtedy w jednym z wywiadów: „Kiedy widzisz makabryczny obraz w kółko, to naprawdę nie ma to żadnego wpływu”, pomysł, który ma niepokojące echa w 24-godzinnej kulturze informacyjnej naszych czasów.

Tym dziełem Warhol po raz kolejny zademonstrował swoją nieprzemijającą fascynację sławą i celebrytami, wybierając jako temat utalentowanego aktora Marlona Brando z filmu Dziki. W przeciwieństwie do poprzednich sitodrukowych portretów, w przypadku Czterech Marlonów Warhol zdecydował się wydrukować postać Brando na płótnie bez podkładu, rezygnując z jaskrawych nakładek czy srebrnych gruntów, by pozwolić przemówić surowemu magnetyzmowi ekspresji aktora, jego pozie i skórom. Namalowana w 1966 roku praca przedstawia Warhola u szczytu jego możliwości, wykorzystującego technikę sitodruku do zapożyczenia ze świata reklamy i Hollywood, aby stworzyć zupełnie nowy styl malarski, który oderwał się od kanonu narzuconego przez krytyka Clementa Greenberga. Warhol wkroczył na nową drogę, która ostatecznie przyniosła mu sławę i fortunę, dorównującą, a może nawet przewyższającą sławę jego ikon.

Men In Her Life, który został sprzedany za ponad $63 miliony w Nowym Jorku w 2010 roku, jest hołdem złożonym zarówno gwieździe filmowej Elizabeth Taylor, jak i fascynacji amerykańskiej publiczności jej życiem i miłościami. Wykorzystując zdjęcie zaczerpnięte z magazynu LIFE, Warhol portretuje Taylor z jej trzecim mężem Mike’em Toddem, a także z inną parą – Debbie Reynolds i Eddiem Fisherem. Choć wydaje się, że jest to niewinny obraz romansu i przyjaźni, fotografia ta zapowiada katastrofę i skomplikowany romans, który spowodował, że Taylor została oczerniona przez media i opinię publiczną. Warhol po raz kolejny powtarza swój główny motyw, porównując zdjęcia do klatek filmu, wprowadzając ruch do nieruchomego obrazu. Jednocześnie zachowuje oryginalną czerń i biel fotografii, w przeciwieństwie do tego, czego spodziewamy się po jego jaskrawo kolorowych płótnach z tego samego roku.

Prawdopodobnie jeden z bardziej politycznie jawnych i dobrze znanych obrazów Warhola, Race Riot reprodukuje fotografię z marszu praw obywatelskich w Birmingham, Alabama w 1963 roku. To, co miało być pokojowym protestem afroamerykańskiej społeczności miasta przeciwko stanowym przepisom segregacyjnym, wkrótce zmieniło się w brzydkie zamieszki, gdy policja wyprowadziła psy szturmowe i węże strażackie, by rozproszyć tłum. Zdjęcia z zamieszek autorstwa Charlesa Moore’a, które trafiły na pierwsze strony gazet na całym świecie, zmusiły prezydenta Johna F. Kennedy’ego do wprowadzenia historycznych zmian w prawie i zainspirowały Warhola do ich powielenia, dzieląc się na swój sposób tym portretem niesprawiedliwości i zapewniając im miejsce w historii sztuki.

Zamalowany w ostatnim roku życia Warhola, Sixty Last Suppers jest świadectwem nieprzemijającej miłości artysty do starych mistrzów. W tym samym roku Warhol stworzył również Ostatnią Wieczerzę (różową) i Ostatnią Wieczerzę w kamuflażu, które wraz z obecną pracą powstały na podstawie reprodukcji XIX-wiecznej kopii oryginalnego obrazu Leonarda da Vinci. Poprzez zastosowanie techniki sitodruku do XVI-wiecznego arcydzieła i odtworzenie go w monumentalnej siatce powtarzających się obrazów Warhol wszedł w dialog z zachodnim kanonem historycznym sztuki, jak również odniósł się do własnych korzeni w kościele katolickim i być może zakwestionował wartość pojedynczego obrazu nad wieloma.

As well as Campbell’s Soup Cans and Brillo Boxes, Warhol was particularly fold of reproducing Coca Cola’s iconic branding. Od wirującego napisu na logo, po czerwono-białe etykiety i eleganckie szklane butelki, Coca Cola miała ponadczasowy urok dla ojca pop-artu, który widział w niej wielki wyrównywacz szans dzięki jej wszechstronnej popularności i wszechobecności. W swojej książce z 1975 roku, The Philosophy Of Andy Warhol (From A to B & Back Again) napisał: „To, co jest wspaniałe w tym kraju, to fakt, że Ameryka zapoczątkowała tradycję, w której najbogatsi konsumenci kupują zasadniczo te same rzeczy, co najbiedniejsi. Możesz oglądać telewizję i zobaczyć Coca-Colę, i możesz wiedzieć, że prezydent pije Colę, Liz Taylor pije Colę, i pomyśl tylko, że ty też możesz pić Colę. Cola to Cola i żadna suma pieniędzy nie da ci lepszej Coli niż ta, którą pije menel na rogu. Wszystkie rodzaje Coli są takie same i wszystkie rodzaje Coli są dobre. Liz Taylor to wie, prezydent to wie, menel to wie i ty to wiesz”. Ta praca z 1962 roku pozbawia markę koloru, oferując prosty zarys butelki i logo z wyraźnie zaznaczonymi słowami „znak towarowy zastrzeżony”, być może w żartobliwym nawiązaniu do jego własnego lekceważenia praw autorskich.

W 1962 roku JFK odwiedził Francję z wizytą państwową, podczas której jego żona Jackie, uwielbiana przez prasę i opinię publiczną, zdołała przekonać francuskiego prezydenta, aby pozwolił Mona Lisie wyruszyć na bezprecedensowe tournée po Stanach Zjednoczonych. W następnym roku obraz przemierzył Atlantyk w towarzystwie konwoju o wysokim poziomie bezpieczeństwa i przy szerokiej obecności mediów. W rezultacie tysiące Amerykanów ustawiły się w kolejce, by zobaczyć arcydzieło w pierwszej części trasy, w National Gallery of Art w Waszyngtonie, zanim trafiło ono do Metropolitan Museum of Art w Nowym Jorku, gdzie obejrzał je Warhol. Pracę nad sitodrukiem rozpoczął wiosną następnego roku, posługując się reprodukcją zaczerpniętą z broszury muzealnej. W ten sposób powstały trzy sitodruki: jeden był pełnometrażową wersją dzieła, drugi przedstawiał Mona Lisę przyciętą do popiersia, a trzeci był tylko szczegółem skrzyżowanych rąk postaci. W tym obrazie, który sprzedano za 56 165 000 USD, wszystkie trzy spotykają się w żywym pokazie koloru i kompozycji.

Zamalowana w tym samym roku co Triple Elvis praca ta wydawała się być nieco mniej popularna na rynku, osiągając 30 milionów dolarów mniej niż jej odpowiednik, gdy została sprzedana w Nowym Jorku w 2019 roku. Praca jest jednak nie mniej ikoniczna, z klasycznymi rysami Elvisa wpatrującymi się w widza w determinacji, jego persona rewolwerowca reprezentująca hołd dla amerykańskiego romansu z Zachodem i trwałej postaci kowboja. Oryginalne ujęcie reklamowe z westernu „Flaming Star” z 1960 roku zostało podwojone i odtworzone w naturalnej wielkości, dając w rezultacie imponujące dzieło, które pozostaje klasycznym dziełem w dorobku tego świetlistego artysty.