Hur man formaterar en animerad scen

Så du vill lära dig hur man formaterar animationsskript? Då har du kommit till rätt ställe. Jag tänker inte ens slösa din tid med en utdragen introduktion om den här fantastiska animerade filmen och den där fantastiska animerade filmen. Jag ska genast gå in på sakfrågorna. Hemligheten med att formatera animationsmanuskript? Det finns ingen hemlighet. Det är precis som med alla andra manus. Överraskning!

Och kanske inte en överraskning. Kanske visste du redan det här och du är som, um… duh. Men kom igen, om du klickade på den här länken för att läsa den här artikeln, erkänn det: du undrade. Även om det bara var en liten bit – du var nyfiken på om animationsmanuskript såg annorlunda ut än live-actionmanuskript. Jag menar, det skulle inte vara den tokigaste tanken. När allt kommer omkring ser de två medierna olika ut på skärmen, eller hur?

Men på papper är det bara svart bläck för dem båda, baby. Eller vilken färgbläck du än använder. (Låt oss bara hålla oss till svart, för ditt eget bästa.) Visst kan det finnas en viss skillnad i språkbruk eller frihet i skrivstilen, men det är berättande, inte formatering. Fråga bara ett av Pixars Oscarsnominerade manuskript om det tänker på sig själv på ett annat sätt än ett manuskript för live-action. Om dessa manus kunde tala skulle de garanterat säga: ”Nej, vi är alla bara filmer.”

Och kanske inte.

Men allvarligt talat – en film är en film, oavsett om den är animerad eller inte. Och en film behöver bara samma grundläggande plan, samma grund som är manuskriptet.

Men ta inte bara mitt ord för det. Låt oss titta på några exempel.

Låt oss undersöka två olika väggkrypande manus:

1. Spider-Man: Into the Spider-Verse, skriven av Phil Lord och Rodney Rotham, var älskad av både kritiker och fans för sin revolutionerande och underbara animationsstil (för att inte tala om den välgjorda historien). Vissa sa till och med att det var så här Spider-Man var tänkt att visas på skärmen: animerad.

Ladda ner manuskriptet till SPIDER-MAN: INTO THE SPIDER-VERSE här gratis.

2. 2002 års Spider-Man, skriven av David Koepp, satte bollen i rullning för Spidey på storbildsskärm. Ja, det har funnits en hel del iterationer sedan dess, på relativt kort tid, men det här manuset var gediget och underhållande och satte utan tvekan ribban för alla superhjältars ursprungshistorier på 2000-talet.

Du skulle ha svårt att hitta två Spider-Man-filmer som är mer olika än dessa två. Det är Spider-Man från olika generationer. Men om man tittar på respektive manus är de inte så olika trots allt.

Kontrollera det – från en öppningssida av Into the Spider-Verse:

Och från en öppningssida av Spider-Man:

En vanlig slugline inleder båda scenerna. Hollywood-standarden. Ja, Spider-Verse-manuset har fetstil på sina sluglines, men det är inte något som bara gäller för animationer; det är bara ett personligt val.

Och du kommer också att se att båda har samma dialogformatering, också det är standard. Jag sa ju att det inte är någon skillnad.

Även det är mest en stilgrej där du ser skillnaderna mellan ett animerat manus och ett live-actionmanus, och egentligen beror även det på författaren. Jag vill inte anta något om Phil Lord, men eftersom han är en av killarna bakom The Lego Movie kan du förvänta dig att hans tempo är högt. Visst är Spider-Verse-manuset mycket snabbare än Koepps Spidey-manus från 2002.

Titta till exempel på de båda manusens hantering av ”spindelbettet”.”

Från Spider-Verse:

Nu gör vi inte bara ”JUMP INTO PSYCHEDELIC 2D ANIMATION” som 2002 års film inte skulle göra, skrivstilen är mycket mer direkt än det tidigare manuset.

Mycket mer beskrivning i den här versionen, som du kan se. Långsammare. Mer spännande. Men det är naturligtvis det som är poängen. Spänningen är nyckeln här och spänningen tar sin tid. Spider-Verse å andra sidan hanterar bettet på ett mycket annorlunda, mer chockerande sätt, kan man säga. Att skriva spänning är dock ett ämne för en annan dag – ett ämne som skulle kunna delas upp i hundratals artiklar.

Punkten är att du formateringsmässigt inte kommer att skilja dig så mycket alls från animerad och live-action. Det säkraste är att behandla dem som en och samma sak. Det du vill fokusera på, om du är intresserad av att skriva ett manus för animation, är att dra nytta av ditt medium. Animation är inte en genre – se det som en annan typ av färg för din duk (förhoppningsvis låter det inte för pretentiöst). Fråga dig själv vad det här mediet erbjuder för att berätta din historia som inte live-action gör. Varför ska den här berättelsen vara animerad? Använd det. Infundera det i ditt skrivande.

Förstör dig inte för mycket på formateringen. Det är tråkigt. Fokusera på stilen. Det är roligt.