Buck Dharma

Under 70’ernes hard rock årti havde Blue Oyster Cult fra Long Island en decideret anderledes tilgang til høj, guitarbaseret musik. Komboens mørke grublerier gav dem et kontroversielt ry for deres tekster og logoer, og deres signatursang, megahittet “(Don’t Fear) The Reaper” fra 1976, er et eksempel herpå; nogle lyttere tolkede melodien som en anbefaling af selvmord.

Donald “Buck Dharma” Roesers lynhurtige gribebræt-histrionik var en integreret del af BOC’s lyd. Kontroverser eller ej, de riffs og licks, som Buck og hans bandkammerater spillede, blev permanent indprentet i hovedet på mange fans og håbefulde guitarister. Da hans band forberedte sig til en turné i sommeren ’98, diskuterede han historien om det, der er blevet kaldt “verdens mest intelligente heavy metal-band”, og de guitarer, han har brugt undervejs.

Vintage Guitar: Ifølge Tim Bogert fra Vanilla Fudge var der en scene på Long Island i midten af 60’erne, der bl.a. omfattede bands som The Vagrants, Young Rascals og The Hassles. Kan du huske de bands, og hvad der foregik der?

Sikkert. De var klubbands, men vi startede på universitetet, så vi var mere et collegeband i stedet for et barband. Vi spillede på barer, men det kom først senere. Jeg plejede at se alle de bands, du nævnte.

Fortæl mig om nogle af dine tidligere instrumenter og erfaringer, “før BOC”.

Buck Dharma: Jeg blev involveret i rock’n’roll i surf-æraen, og jeg var trommeslager i mit første band, som var i gymnasiet. Jeg spillede street basket, og jeg brækkede mit håndled, og mens jeg havde gipsen på, begyndte jeg at fjolle rundt med en Stella-akustik, som min bror havde fået i julegave. Da mit håndled var helet, havde jeg besluttet mig for at blive guitarist.

Jeg kendte en anden trommeslager, så jeg fik en guitar, som var en Premier jazzbox med to pickupper. Den så lidt fjollet ud på mig, fordi jeg er ret lille (griner), og denne guitar havde ingen cutaway. Jeg startede som leadguitarist med det samme og spillede på den høje E-streng. Jeg er fuldstændig autodidakt på guitar; alt, hvad jeg har lært, har jeg fundet ud af fra plader.

Jeg havde også en af de første Hagstrom-guitarer, der blev importeret til Amerika. Det var en slags prototype; den havde ikke den samme hardware eller binding på halsen, som de efterfølgende guitarer havde. Det var en meget god, billig Fender-kopi.

Det band, der blev til Blue Oyster Cult, blev ikke dannet, før du gik på college. Hvilken type lyd gik I efter?

Det, vi kom fra, da vi gik på college, var den utroligt rige engelske pop fra den periode. Vi lavede en masse Animals-sange, men vi gik meget op i blues; vi blev blæst væk af The Blues Project. Vi gik på college i det nordlige New York, næsten i Canada, og vi plejede at køre otte timer til New York mindst en gang om måneden for at se bands som Paul Butterfield og The Blues Project, som grundlæggende var hvide fyre fra New York, der spillede blues. Vi sagde: “Det kan vi også gøre!”

Indvirkede Danny Kalb dit spil?

Det var i høj grad; han var lynende hurtig. Efter at have set Kalb gik jeg ind i en intens woodshed-periode – jeg spillede hele dagen lang og lærte hans licks. Da jeg først havde lært hans ting, kunne jeg generelt spille meget hurtigt, så han havde en meget stor indflydelse på mit spil og på udviklingen af min teknik.

Du er en spiller, hvis kunstnernavn og rigtige navn har været offentligt kendt i et stykke tid. Hvad er betydningen af “Buck Dharma”? Eller er det en firmahemmelighed?

Det er det egentlig ikke; vi overvejede alle sammen pseudonymer, da vi startede, og dengang var det nok vigtigere at have et prangende navn. Jeg kunne godt lide mit, så jeg holdt fast i det, men set i bakspejlet har det vist sig at være en plage i røven. Jeg kan godt lide Buck, men min kone kalder mig stadig Don (griner).

Når bandet havde en pladekontrakt, kunne nogle af de billeder, som musikken skabte, være blevet betragtet som kontroversielle, men jeg havde dengang en fornemmelse af, at det også var en del af markedsføringshypet. Detaljerne om bandets logo er noteret på en webside, jeg har tjekket ud, men jeg vil lade dig fortælle din version af, hvordan det symbol blev til logoet.

Det logo blev skabt af den grafiker, der lavede vores to første albumcovers; det findes egentlig ikke andre steder, men der er nogle lignende historiske aner bag det. Det ligner angiveligt det græske symbol for kaos og et alkymistisk symbol for bly. Om disse ting er sande, kan jeg ikke sige dig. Men det virkelige problem er, at det blev skabt af en grafiker, og da vi så det, sagde vi: “Det er vores logo.”

Jeg læste på et tidspunkt, at nogle grupper forsøgte at anvende en slags nazisymbolik på logoet, og Jewish Defense League havde planer om at protestere ved nogle af jeres koncerter.

Ja, og det var fuldstændig latterligt; som at lede efter djævle bag træer. BOC har altid haft en historisk og intellektuel orientering med hensyn til det, vi har lavet, men vi har aldrig været tilhængere af djævledyrkelse eller noget af den slags. Vi beskæftiger os med temaer om godt og ondt i vores numre, men vi tager ikke stilling. Tanken om, at vi har en dagsorden, politisk eller på anden måde, har altid været fjollet. Hvis vi talte om den mørke side af menneskeheden, så lagde vi det bare ud og sagde: “Her er det.”

Overfladen til jeres tredje album, Secret Treaties, ville ikke have afskrækket de førnævnte nazi-jægere, for det var en skitse af bandet stående foran en ME-262 (verdens første operationelle jetjager, bygget og indsat af tyskerne under Anden Verdenskrig).

Meget mange mennesker var virkelig oprørte over det, og jeg ved ikke hvorfor. Det, som hemmelige traktater handler om, er det faktum, at mens Anden Verdenskrig var i gang, var der faktisk en masse bagdørsaftaler mellem akselandene og de allierede; handelen stoppede ikke. Albummet var en hentydning til det: krigen var ikke, hvad den så ud til at være.

For at give dig lidt mere baggrund, var vi blevet signet af Clive Davis til Columbia, og hvis du husker det, så kom Columbia ud af 50’erne og ind i 60’erne som et ret gammeldags label; Mitch Miller var A&R-fyren.

Jeg tror, at vi blev signet af Davis ret tidligt i hans embedsperiode, men jeg følte aldrig, at selskabet vidste, hvordan de skulle sælge os; de vidste ikke, hvad de skulle gøre med os. Jeg har altid syntes, at vi var en slags forlegenhed for dem. Jeg tror, Aerosmith var nok den samme type band for Columbia; selskabet havde det nok bedre med kunstnere som Springsteen, der havde et mere ligetil image.

I 70’erne var man ofte klædt i hvidt på scenen og spillede også på hvide guitarer.

Jeg havde en Gibson SG, der startede som en Cherry-finish Standard; de lavede aldrig en hvid SG med to-pickup, men de havde lavet modellerne med tre-pickup i hvidt med guld hardware. Jeg fik den her refineret. Jeg spillede også en hvid Strat på et tidspunkt; jeg har den stadig.

Sidst blev du set spille på en single-cutaway Les Paul i en Tobacco Sunburst-finish.

Det var en Deluxe; den købte jeg ny omkring ’73. Det var bare en af de ting, hvor man går ind i en musikforretning, henter noget og virkelig kan lide det. Jeg har lige brugt den på bandets seneste plade.

Når bandet plejede at spille “ME-262” til koncert, var der en del, hvor trommeslageren gik ud foran sammen med resten af spillerne, og han spillede også guitar, så der var fire guitarister og en bassist. Er det stadig tilfældet?

Vi spiller ikke med de fem guitarer, som vi gjorde i den klassiske æra. Albert , den oprindelige trommeslager, var den eneste trommeslager, vi har haft, der kunne spille guitar.

Og det livealbum, som “ME-262” findes på, On Your Feet or On Your Knees, lød lidt mudret rent produktionsmæssigt, men Some Enchanted Evening og Extraterrestrial Live gjorde det i høj grad godt igen.

Jeg vil fortælle dig, hvad der er godt på On Your Feet, og det er “Then Came the Last Days of May”. En af grundene til, at jeg kan lide den, er, at den blev mixet af Jack Douglas, som havde lavet Aerosmith-pladerne fra den tid. Han har altid været en af mine favoritter.

Det er sjovt; jeg har meget lidt objektivt perspektiv på vores plader, for når man er færdig med at lave dem, har man som regel ikke lyst til at høre dem i lang tid. Så hører man dem i radioen eller hjemme hos nogen, og så kan man huske, hvor gode de var. Jeg ved ikke, hvordan det er med andre kunstnere, men jeg sidder sjældent og lytter til mine plader, når de er færdige. Man kender allerede hver eneste nuance og hvert eneste mikrosekund.

Er der nogle særlige covernumre, som BOC har lavet, og som du kan lide? Der er “Born to Be Wild”, “We Gotta Get Out of This Place”, “Kick Out the Jams”. Jeg vil spørge om “Roadhouse Blues” om et øjeblik.

Jeg kan lide de fleste af dem. Den mærkeligste, som vi nok nogensinde har prøvet, var en studieversion af “Born to Be Wild”. Min filosofi om covers er generelt, at hvis man ikke kan bidrage med noget nyt til festen, bør man virkelig ikke forsøge at coppe en sang, men det afholdt os ikke fra at være dumdristige nok til at forsøge at coppe “Kick Out the Jams” (griner).

“Roadhouse Blues” blev indspillet til koncert med Robby Krieger siddende med.

Ja; vi har lavet “Roadhouse” med både Robby og Ray Manzarek på forskellige tidspunkter. The Doors var en stor indflydelse på os. De var ikke som San Francisco-bands, der også var store indflydelser – The Dead, Jefferson Airplane, Steve Miller; The Doors kom fra L.A. og lavede musik, der var meget “mørk” på en konceptuel måde, og de var også meget sang-orienterede. Så det var en stor fornøjelse at lave “Roadhouse” med de fyre.

Man kunne antage, at inspirationen til “Godzilla” var, at du var fan af de gamle japanske monsterfilm.

Ja, helt sikkert. Jeg skrev riff’et til den sang på et Hyatt Hotel i Dallas; riff’et fik mig til at tænke på Godzilla, og jeg skrev det første vers lige ud af hovedet, og så arbejdede jeg i flere uger for at finde på flere tekster. Jeg syntes, at musikken og groovet mindede om den første Godzilla-film, som Raymond Burr var med i.

Den sang er altid gået godt til koncerter, og jeg går ud fra, at den stadig er en fast bestanddel.

Ja, det er en af de tre melodier, vi skal spille hver aften. De andre er “Burnin’ For You” og “(Don’t Fear) The Reaper”. De ville ikke lukke os ud af salen, hvis vi ikke spillede dem (griner).

I midten og slutningen af 70’erne var BOC ikke en af pionererne inden for laserlys-shows i koncerter? Så vidt jeg husker, havde Eric Bloom en slags handskelignende apparat, som han pegede på en spejlkugle for at sprede laserstrålerne.

Han havde et fiberoptisk kabel, der gik til en linse, som var fastgjort til hans håndled, så når han pegede det på spejlkuglen, kom laseren frem direkte fra hans hånd. Det var en fantastisk effekt.

Men var der ikke på et tidspunkt en vis uenighed om, hvorvidt sådanne effekter kunne forårsage øjenskader?

Ja, lad mig lige slå det fast: Vi har aldrig skadet nogen med det lasershow. Men regeringen flippede ud, da det gik op for dem, hvad der foregik; de kunne ikke lide tanken om, at rock’n’rollere havde al denne “magt”, så de tvang os til at opfinde en masse fejlsikringer og interlocks til udstyret. OSHA fulgte os faktisk rundt på turné i tre måneder! Derefter lagde de endda bånd på vores “scan”-effekt, som var en laserkegle, der også var fantastisk, men der er ingen fare, så længe laseren scanner. Man ser den effekt i film nu, men man kan ikke se den til livekoncerter længere. Enhver, der så et af vores lasershows dengang, så noget, der ikke bliver gjort ved koncerter nu.

Apropos Bloom, hvad er det præcist for en stun-guitar, som han blev krediteret for at spille?

(griner) Vi fandt på stun guitar for at beskrive nogle af de fuzz-numre, som Eric lavede. Faktisk er der en stun-guitar-del på den nye plade!

“Reaper” fik måske nogle folk til at tænke på BOC som et ordsproget one-hit wonder, men der var andre sange, der fik en nominel mængde airplay, i det mindste på AOR-formatet. Der var den føromtalte “Godzilla”, “Burnin’ For You” og senere numre som “Dancin’ in the Ruins”

Vi var virkelig ikke et popband, og det er vi stadig ikke. Jeg ved ikke, hvilken slags band man kunne kalde os, men når jeg tænker på Blue Oyster Cult, tænker jeg ikke på massemarked.

“In Thee” var lidt af en afvigelse, idet den havde akustiske guitarer, en masse vokalharmonier og et romantisk tema.

Den sang blev skrevet af Allen Lanier, og det er nok hans fineste melodi. Den har en resonans og en skønhed i sig. Vi har lige lagt en ny version, som var en live- og “unplugged”-indspilning på det nye album, og det er sådan, vi har lavet den sang live på det seneste. Vi syntes, at sangen fortjente lidt mere eksponering, så vi lagde den på et album igen.

På den oprindelige version brugte jeg en Martin D-35, og den elektriske var en specialfremstillet guitar kaldet en Vulcan.

Jeg har ikke spurgt om forstærkere.

Vi har nok brugt det, som alle andre har brugt gennem årene. Da vi begyndte at købe udstyr, fik vi Acoustic 260’ere, som The Doors brugte, og de var forfærdelige forstærkere til den slags musik, vi lavede (griner). De havde ingen forvrængning eller overdrive overhovedet. Derfra fik vi Marshalls, som man selvfølgelig ikke kan gå galt i byen med. Problemet var, at hvis vi åbnede et show med tre numre, så stod vi lige på “læben” af scenen, og Marshalls kunne gøre dig døv. Derefter brugte vi Music Man-forstærkere i et stykke tid, derefter nogle Boogie Mark II-hoveder, som også var gode.

I studiet har jeg brugt mindre comboforstærkere på det seneste; en Vox AC-30, Fender Supers. Det studie, hvor vi indspillede Heaven Forbid, har en stor samling af vintageforstærkere. Jeg brugte også et Boogie Mark II-hoved gennem en 4 X 12.

Du havde dit største hit før MTV’s indtog – og jeg ved, at BOC har lavet videoer – hvordan har du det med deres relevans?

Vi har lavet seks eller syv gennem årene, og jeg ved ikke, om de har nogen effekt overhovedet. Det er rart at se sig selv i fjernsynet, men det er klart, at de ikke var en faktor for vores popularitet til at begynde med, for det var før videoens tid. Jeg tror, at de hjælper visse nye bands med at blive eksponeret, men det virker som om, at man ser så lidt af hele spektret af musikken på tv. Det dårlige ved videoer er, at de er meget dyre; man kan lave en plade for det, som en video koster, og er det pengene værd som et promoveringsværktøj? Jeg ville nok sige nej.

Da videoalderen kom, tror jeg, at der skete flere dårlige ting: Jeg tror, det dræbte sydstatsrock næsten helt og holdent. Det ødelagde karrieren for en masse mennesker, der ikke så godt ud, men det gjorde karrieren for nogle meget smukke mennesker, der ikke havde så meget talent. Det gav også visse bands, der var opmærksomme på det visuelle medie, mulighed for at blive bemærket, men om det er en god ting, er jeg ikke sikker på.

Hvordan skulle dit soloalbum Flat Out adskille sig fra et Blue Oyster Cult-album?

Materialet på Flat Out var generelt mere poporienteret og med mere romantiske temaer, mere personligt. Jeg havde en del sange, som bare ikke passede til BOC.

Heaven Forbid’s udgivelse er undervejs, mens vi indspiller dette.

Det er vores første plade med nye ting siden ’88; den har 11 numre og er et godt album, hvis jeg selv skal sige det (griner).

Du har en udbrydergruppe, der hedder Buck Dharma Band, og den gruppe lavede for nylig et velgørenhedsarrangement i Atlanta. Detaljer?

Jeg kan godt lide trio-formatet; musikerne i bandet er Danny Miranda, som også er bassist i BOC, og John Mocelli, som trommer for Meat Loaf; han var også med i BOC på et tidspunkt. Og min kone synger.
Vi fik et opkald fra en fan, der havde fået fat i en avisartikel om et barn i en forstad til Atlanta, der havde en uoperabel hjernetumor, og han brugte “Godzilla” til at visualisere kampen mod sin sygdom. Han gennemgik en eksperimentel medicinprotokol, kom ud af den og besejrede på en måde sygdommen. Vi tog derned og lavede en velgørenhedskoncert for at hjælpe med at dække hans udgifter. Han er en fantastisk dreng, og vi havde en god tid. Koncerten blev optaget på video, og kopier af den er også tilgængelige som en del af velgørenhedskoncerten.

Du bruger for det meste en Steinberger til koncerter i disse dage.

Det er min all-purpose-økse. Jeg blev tændt for Steinbergerne, da de lavede den boltede model med trækrop; den helt i plastik var for steril for mig, tonemæssigt set. Halsprofilen passer perfekt til mig, og de forvrænger selvfølgelig ikke. De er meget ensartede fra instrument til instrument.

Du bemærkede tidligere, at du brugte Tobacco Sunburst Les Paul Deluxe på Heaven Forbid. Er der andre instrumenter, som du måske har, en del af en samling, eller bruger du de fleste af dem i studiet?

Jeg har haft meget få værdifulde instrumenter. Jeg havde en ’57 Strat, men min filosofi er, at hvis jeg ikke rigtig bruger visse guitarer, er det næppe værd at eje dem. Der er et par guitarer, jeg gerne vil have; jeg vil gerne have en Gretsch Tennessean eller nogle andre Chet Atkins-agtige guitarer, for jeg har ikke en af dem nu. Jeg ville gerne have en Rickenbacker, men jeg har et par Strats og en specialfremstillet guitar i SG-stil, som en fan i Pittsburgh har lavet. Jeg spillede “The Reaper” live med den i mange år.

Forventer du at skulle lave omfattende turnéer for at promovere det nye album?

Vi har forpligtet os til en seks til otte ugers turné til sommer; vi vil være i skure med andre bands fra vores æra, som Motorhead og Iron Maiden. Så vi kommer nok til at arbejde mere, end vi gjorde sidste år, men vi har ikke lyst til at turnere så hårdt, som vi gjorde, da vi var på vej op.

Andre fremtidsplaner?

Jeg vil gerne lave en Buck Dharma Band-plade, og der kommer uden tvivl en opfølger til Heaven Forbid.

Mens Buck Dharma har ry for at være en hurtig riffmeister, er hans indsigt i Blue Oyster Cult’s historie, deres sange og de guitarer, han har brugt, et gennemsnit af, at han har været opmærksom på sine erfaringer gennem årtierne. Selvfølgelig er hans guitarpræstationer også ret veltalende … men de er også meget hurtigere.

Donald “Buck Dharma” Roeser. Foto venligst udlånt af Buck Dharma.

Dette interview blev oprindeligt bragt i VG’s august ’98-nummer.