Warhol Under the Hammer: Andy Warhol: Top Ten Most Expensive Works Ever Sold

En af de mest indflydelsesrige og elskede kunstnere i det 20. århundrede, Andy Warhol, fortsætter med at inspirere unge og gamle fans. Med talrige retrospektiver af hans værker, der finder sted over hele verden, er han også fortsat en af de mest eftertragtede kunstnere på markedet. Her tager vi et kig på de ti største priser, der er betalt for værker af popkunstens far på auktion, fra 105 millioner dollars for hans Silver Car Crash i 2013 til 53 millioner dollars for Double Elvis i 2019.

Den højeste pris, der blev realiseret for Warhol på auktion, blev opnået i 2013 for Silver Car Crash (Double Disaster) fra hans serie Death and Disaster. Dette monumentale maleri er et ubestrideligt stærkt værk, der vidner om omstændighederne ved en katastrofe og reflekterer over den lange tradition for historiemaleri i kunsten fra Géricaults Medusaens flåde til Picassos Guernica. Her forvandler Warhol en tragisk scene og gentager den igen og igen, indtil den ligner billeder fra en film eller en animation, hvis sort-hvide overflade er blevet sølvfarvet for eftertiden. Værket blev lavet i 1963, et skelsættende – og noget melankolsk – år for Warhol, hvor han også producerede Suicides, Race Riots og Silver Electric Chair.

Har Warhol forvandlet Marilyn Monroes ikoniske træk til utallige serigrafiudtryk, var det kun naturligt, at Warhol tog Elvis som motiv i dette maleri fra 1963. Ved at gentage sangerens figur i hans dynamiske cowboystandpunkt, mens han trækker sin pistol, får værket en filmisk kvalitet, der løfter stjernens image fra popikon til halvgud. Samtidig minder baggrundsfarven om Hollywoods sølvskærm og de barokke udsmykninger i den katolske kirke, som Warhol voksede op i, omgivet af malede ikoner, der skulle æres og reproduceres for masserne.

Et andet vigtigt værk fra Warhols serie Death and Disaster, Green Car Crash (Green Burning Car I), skabte overskrifter, da det blev solgt for US$71.720.000 hos Christie’s i 2007, hvilket var en spektakulær pris for den tid. Også her spiller gentagelsen en afgørende rolle ved at forvandle en tragisk scene til et klassisk værk af Pop Art, der anvender den industrielle teknik med silketryk til at reproducere et nyhedsfilm-billede igen og igen, indtil beskueren bliver følelsesløs over for dets betydning. Som Warhol sagde i et interview dengang: “Når man ser et grusomt billede igen og igen, har det ikke rigtig nogen effekt”, en idé, der har et foruroligende ekko i vor tids 24-timers nyhedskultur.

Med dette værk demonstrerede Warhol endnu en gang sin vedvarende fascination af berømmelse og berømthed, idet han valgte den talentfulde skuespiller Marlon Brando i filmen The Wild One som motiv. I modsætning til tidligere silketrykportrætter valgte Warhol med Four Marlons at trykke Brandos figur på et ugrundet lærred og undgik lyse overlejringer eller sølvgrunde for at lade den rå magnetisme i skuespillerens udtryk, positur og læderbukser tale for sig selv. Værket, der blev malet i 1966, repræsenterer Warhol på højdepunktet af sine evner, idet han brugte serigrafiteknikken til at låne fra reklamens og Hollywoods verdener for at skabe en helt ny malerstil, der brød med den kanon, som kritikeren Clement Greenberg havde dikteret ham. Her slog Warhol ind på en ny vej, en vej, som i sidste ende ville give ham sin egen berømmelse og formue, som ville være lige så stor som hans ikoners og måske endda overgå dem.

Men In Her Life, der blev solgt for over 63 millioner dollars i New York i 2010, er en hyldest til både filmstjernen Elizabeth Taylor og den amerikanske offentligheds fascination af hendes liv og kærlighed. Ved hjælp af et billede fra LIFE Magazine portrætterer Warhol Taylor sammen med sin tredje mand Mike Todd samt et andet par, Debbie Reynolds og Eddie Fisher. Selv om det ser ud som et uskyldigt billede af romantik og venskab, varsler fotografiet faktisk en katastrofe og en kompliceret kærlighedsaffære, som fik Taylor til at blive udskammet af medierne og offentligheden. Endnu en gang gentager Warhol sit centrale motiv og sammenligner billederne med billederne i en film, der bringer bevægelse ind i et stillestående billede. Samtidig beholder han fotografiets oprindelige sort-hvide farve, i modsætning til hvad vi forventer af hans farvestrålende lærreder fra samme år.

Men måske et af Warhols mere politisk åbenlyse og kendte malerier, Race Riot, gengiver et fotografi fra en borgerrettighedsmarch i Birmingham, Alabama, i 1963. Det, der skulle have været en fredelig protest fra byens afroamerikanske samfund mod statens segregationslove, blev snart grimt, da politiet bragte kamphunde og brandslanger frem for at sprede menneskemængden. Charles Moores fotografier af optøjerne, som blev bragt på forsiderne i hele verden, tvang præsident John F. Kennedy til at foretage historiske lovændringer og inspirerede Warhol til at reproducere dem, så han på sin måde delte denne skildring af uretfærdighed og sikrede dem en plads i kunsthistorien.

Malet i det sidste år af Warhols liv, er Sixty Last Suppers et vidnesbyrd om kunstnerens vedvarende kærlighed til de gamle mestre. Samme år fremstillede Warhol også The Last Supper (Pink) og The Camouflage Last Supper, som sammen med det aktuelle værk var baseret på reproduktioner af en kopi fra det 19. århundrede af Leonardo da Vincis originale maleri. Ved at anvende sin serigrafiteknik på et mesterværk fra det 16. århundrede og reproducere det i et monumentalt gitter af gentagne billeder så man, at Warhol indledte en dialog med den vestlige kunsthistoriske kanon før ham, ligesom han henviste til sine egne rødder i den katolske kirke og måske satte spørgsmålstegn ved værdien af et enkelt billede frem for mange.

Som Campbell’s Soup Cans og Brillo Boxes var Warhol særlig glad for at reproducere Coca Colas ikoniske branding. Fra logoets hvirvlende skrift til de røde og hvide etiketter og de elegante glasflasker havde Cola en tidløs tiltrækningskraft for Pop Art-faderen, der så det som en stor udjævner takket være dets allestedsnærværende popularitet og allestedsnærværende udbredelse. I sin bog fra 1975, The Philosophy Of Andy Warhol (From A to B & Back Again), skrev han: “Det fantastiske ved dette land er, at Amerika startede den tradition, hvor de rigeste forbrugere køber stort set de samme ting som de fattigste. Man kan se tv og se Coca-Cola, og man kan vide, at præsidenten drikker Coca-Cola, Liz Taylor drikker Coca-Cola, og så kan man bare tænke, at man også kan drikke Coca-Cola. En cola er en cola, og ingen penge kan give dig en bedre cola end den, som bumsen på gadehjørnet drikker. Alle colaer er ens, og alle colaer er gode. Liz Taylor ved det, præsidenten ved det, bumsen ved det, og du ved det.” Dette værk fra 1962 fjerner farven på mærket og viser en simpel omrids af flasken og logoet med ordene “trademark registered” tydeligt afgrænset, måske som en ironisk henvisning til hans egen tilsidesættelse af ophavsretten.

I 1962 besøgte JFK Frankrig på et statsbesøg, hvor det lykkedes hans kone Jackie, der blev tilbedt af pressen og offentligheden, at overtale den franske præsident til at lade Mona Lisa tage med på en hidtil uset rundrejse i USA. Året efter krydsede maleriet Atlanten ledsaget af en konvoj med høj sikkerhed og en omfattende mediedækning. Som følge heraf stod tusindvis af amerikanere i kø for at se mesterværket på det første stop, National Gallery of Art i Washington, inden det rejste videre til Metropolitan Museum of Art i New York, hvor Warhol så det. Han begyndte at arbejde på serigrafiudgaven det følgende forår ved hjælp af en gengivelse fra en brochure fra museet. Med denne lavede han tre skærmbilleder: det ene var en version af værket i fuld længde, mens et andet viste Mona Lisa beskåret til en buste, og det tredje var blot en detalje af figurens krydsede hænder. I dette maleri, der blev solgt for 56 165 000 USD, er alle tre samlet i en levende udstilling af farver og komposition.

Malet samme år som Triple Elvis viste dette værk sig at være lidt mindre populært på markedet og opnåede 30 millioner dollars mindre end sin modpart, da det blev solgt i New York i 2019. Værket er dog ikke mindre ikonisk med Elvis’ klassiske træk, der stirrer beslutsomt ud mod beskueren, og hans revolvermandspersonlighed repræsenterer en hyldest til den amerikanske romantik med Vesten og den vedvarende cowboyfigur. Her er det originale reklamefoto fra westernfilmen Flaming Star fra 1960 fordoblet og reproduceret i naturlig størrelse, hvilket resulterer i et imponerende værk, der stadig er en klassiker i denne lysende kunstners værk.