Bradford Young, ASC: Die Bedeutung der Inspiration

Der Kameramann spricht über die Entscheidungen, Motivationen und Einflüsse, die ihn zu einer Karriere hinter der Kamera geführt haben.

Viele kreative Menschen stehen in ihrem Leben an einem Scheideweg, an dem sie entweder ihrer Leidenschaft nachgehen oder sich den – realen oder eingebildeten – Erwartungen anpassen müssen. Als junger Mann, der in Louisville, Kyoto, aufwuchs, schien Bradford Young, ASC, einen vorbestimmten Weg zu haben – diktiert von der Geographie, dem sozialen Druck und der Erwartung, dass er das Familienunternehmen übernehmen würde. Doch andere Kräfte kamen dazwischen.

Wer Youngs Arbeit kennt, weiß, dass der preisgekrönte Kameramann sich mit unabhängigen Filmen wie Pariah (AC April ’11), Middle of Nowhere (AC Nov. ’12), Mother of George (AC April ’13), Ain’t Them Bodies Saints (AC Sept. ’13), Pawn Sacrifice, Selma und A Most Violent Year (AC Feb. ’15, die beiden letzteren), sowie die Großfilme Arrival (AC Dez. ’16) – für den er ASC-, BAFTA- und Oscar-Nominierungen erhielt – und Solo: A Star Wars Story (AC Juli ’18), und die Miniserie When They See Us (für die er eine Emmy-Nominierung erhielt). Aber nur wenige wissen, dass Youngs Weg zum Erfolg alles andere als direkt war.

Als Student an der Howard University studierte Young bei dem äthiopischen Filmemacher und Professor Haile Gerima – selbst Absolvent der UCLA School of Theater, Film and Television aus dem Jahr 1976 -, der für Young nicht nur ein Lehrer, sondern auch ein Mentor wurde. Gerima war einer von mehreren, die Youngs Wahrnehmung dessen, was für ihn als Künstler, der mit Bildern Geschichten erzählen will, möglich war, veränderten.

In einem ausführlichen Interview, das im Rahmen einer geplanten Online-Bildungsinitiative der ASC geführt wurde, sprach Young ausführlich darüber, wie sein Leben durch Menschen, die ihn inspiriert haben, verändert wurde und wie diese Erfahrungen ihm auf seinem Weg geholfen haben – einem Weg, den er weiterhin beschreitet.

„Ich brauchte jemanden, der mir sagte: ‚Du wirst ein Künstler sein; du wirst Filme machen.'“

American Cinematographer: Wenn Sie junge, aufstrebende Kameramänner und -frauen treffen, was wollen die am meisten von Ihnen wissen?

Bradford Young, ASC: Das ist eine gute Frage, und eine schwierige, die zu beantworten ist, ohne zu anmaßend zu klingen. Als ich ein 18- oder 19-jähriger Junge war, der über Kinematographie als Kunstform nachdachte und davon träumte, so zu arbeiten, wie ich es jetzt tue – und ich dachte sogar daran, jemanden wie Malik Sayeed oder Ernest Dickerson zu treffen – war das, was mir in meinem Leben wirklich fehlte, dieses Gefühl von Authentizität. Ich wollte mit Menschen zu tun haben, die authentische Erfahrungen gemacht haben und die den Film, das Kino oder die Kunst nutzen, um ihre Lebenserfahrung darzustellen. Wenn ich meinen 18-, 19- oder 20-jährigen Verstand in den Verstand junger Menschen übertragen müsste, für die Kommunikation und Verständnis so viel präsenter sind als in meinem Alter, würde ich sagen, dass dieses Bedürfnis nach Authentizität nicht verschwunden ist. Egal, in welcher Zeit wir leben, die Menschen wollen eine Verbindung herstellen, ein Gespräch führen, auch wenn sie Tausende von Kilometern entfernt sind. In dieser Umgebung, in der wir den ganzen Tag mit Bildern konfrontiert werden, wollen junge Menschen immer noch Authentizität.

Und wir müssen über Entmystifizierung sprechen. Wir sind Künstler, die in einer Kunstform arbeiten, die – in einigen Bereichen – immer noch sehr mystifiziert und durch eine berühmtheitsorientierte Linse gesehen wird. Junge Menschen müssen wissen, dass sich hinter diesem Schleier, hinter diesem Vorhang, echte Menschen verbergen – Menschen, die ihre eigenen Kämpfe und Fragen zu ihrer eigenen Identität, ihrer Kultur und der Umgebung, in der sie leben, haben. Und es sind Menschen, die jeden Morgen aufwachen und sich auf die Teilnahme an dieser Kunstform freuen, weil sie ihnen die Möglichkeit gibt, ihr wahres, authentisches Selbst zu sein.

Ich versuche einfach, den jungen Leuten zu zeigen, dass ich ein Homie bin – ich bin ihr Cousin, ihr Onkel, ihr Vater. Ich bin nicht anders, und ich mache mir dieselben Sorgen um meine eigene Familie, meine eigenen Kinder, meine Partnerschaft mit meiner reizenden Frau – dieselben Sorgen wie jeder andere auch.

Jedes Mal, wenn ich das Glück habe, eine Kamera zu drehen oder jemanden zu haben, der eine Kamera für mich dreht, betrachte ich das nicht als selbstverständlich. Alles fängt mit einem einzigen Bild an, und dann mit 24 Bildern pro Sekunde, und ich verstehe, was das bedeutet. Ich hoffe, dass die jungen Leute, mit denen ich zusammenkomme – und die Älteren – verstehen, dass ich jeden Moment ernst nehme, wenn wir diese Ideen und Bilder konstruieren.

Viele angehende Kameramänner und -frauen, die die Möglichkeit hatten, etablierte Profis auf diesem Gebiet zu treffen – und ein offenes Gespräch zu führen – kommen mit einem ähnlichen Eindruck zurück: „Ich kann nicht glauben, dass sie dieselben Probleme haben wie ich.“ Haben Sie immer noch die gleichen Probleme wie am Anfang?

Young: Ich denke, das geht auf das zurück, was ich über Authentizität gesagt habe – Verletzlichkeit. Das, was wir erreichen müssen, um unsere kreativen Sinne im Kino zu öffnen, weil wir menschliches Verhalten in Echtzeit abbilden, egal zu welchem Zeitpunkt in der Geschichte es passiert. Verletzlichkeit ist eine unserer ‚Waffen‘. Und weil ich immer versuche – auch durch meine eigenen Filter – eine verletzliche Person zu sein, ist dieser Prozess des Lernens und des Fehlermachens und Scheiterns letztendlich wichtiger als die Erfolge oder die Art und Weise, wie wir erfolgreich sind.

Ich habe als junger Mensch damit gerungen, das Bildermachen als die ‚Axt‘ zu betrachten, die ich benutze, um meine eigenen persönlichen Ideen auszudrücken – mein persönliches Dilemma – Verletzlichkeit ist der Anker, auf den ich mich stützen kann, während ich den Moment, mit dem ich zu tun habe, authentisch auspacke. Daher ist es für uns, die wir als professionelle Bildermacher arbeiten, wichtig, dieses Handwerk, diese Kunstform, als Mittel der Heilung zu nutzen. Um uns zu helfen, mit unserem Trauma umzugehen. Und es ist wichtig für junge Menschen zu wissen, dass wir alle – im Allgemeinen in der westlichen Welt – mit denselben Traumata zu tun haben. Der Prozess der Traumabewältigung ist ein individueller Weg, aber einer, den wir alle gemeinsam gehen. Verletzlichkeit kann uns helfen, uns zu öffnen und Zugang zu Fähigkeiten, Techniken und Ideen zu finden, die uns oft verschlossen bleiben, weil wir unser Trauma und unseren Schmerz so sehr schützen. Ich hoffe einfach immer, dass junge Leute das aus der Arbeit mitnehmen können.

Es ist interessant, weil unser Beitrag als Kameraleute so sichtbar und doch so unsichtbar ist, wissen Sie? Manchmal denke ich, dass wir neben den Schauspielern die am meisten gefährdeten Personen am Set sind. Und es ist wichtig, dass die Leute wissen, dass es zu unserem Prozess gehört, verletzlich zu sein. Jeder Kameramann benutzt vielleicht ein anderes Wort, um zu beschreiben, wie er seinen Geist oder seinen inneren Kosmos öffnet, um Bilder hervorzubringen, aber „verletzlich“ ist das Wort, das ich benutze.

„Erstens, wenn man ein junger Schwarzer war, der in Louisville aufwuchs und nicht
School Daze gesehen hatte, dann hatte man eine
authentische schwarze Erfahrung.“

Was waren einige der ersten Erfahrungen, die Ihnen geholfen haben, das Filmemachen als etwas zu entdecken, das Sie tun können? Viele Leute, die Filme lieben, kommen nie zu dieser Erkenntnis.

Sie haben schon einmal gesagt, dass es ein großer Moment war, Spike Lees School Daze zu sehen: Das ist ein Thema, das ich schon seit einiger Zeit mit mir selbst diskutiere, und die aktuelle Version ist sehr vielschichtig. Meine Kinoerfahrung als junger Schwarzer in Amerika – und ich konzentriere mich auf das Wort „Black“ mit einem großen „B“ – hat meine Auseinandersetzung mit dem Film geprägt. Darauf reagiere ich jetzt in meiner aktuellen Praxis. Ohne dass es mir bewusst war, haben die Filme, die ich vor School Daze gesehen habe, Dinge getan, von denen ich nicht wusste, dass sie sie tun. Ich sah mich selbst nicht in den Filmen – ich sah nicht meine Familie oder meine Gemeinschaft oder Dinge, die mir wichtig waren. Für mich als amerikanisches Kind waren sie ein gewisser Eskapismus und bereiteten mir Freude – sie brachten mich zum Lachen und Weinen – und das fühlte sich alles richtig an. Es war ein Gemeinschaftserlebnis, und wir teilten uns eine Schachtel Popcorn und hatten eine tolle Zeit. Aber School Dazech hat all das verändert, und zwar auf mehreren Ebenen. Erstens: Wenn man als junger Schwarzer, der in Louisville aufwuchs, School Daze nicht gesehen hatte, fehlte einem eine authentische schwarze Erfahrung. Du musstest ins Kino gehen, weil dieser junge schwarze Filmemacher namens Spike Lee das für dich gemacht hat.

Das war das erste Mal, dass ich den Film als eine Bewegung erlebt habe. Das war mir damals noch nicht bewusst, aber ich wusste, dass alle über diesen Film sprachen. Ich ging mit meiner Mutter und meinen Schwestern, die ein bisschen älter waren als ich, und ich sah meine Freunde im Kino. Es war das erste Mal, dass ich ins Kino ging und nur schwarze Familien an einem Ort sah, die sich etwas anschauten, das speziell für ein schwarzes Publikum gemacht war. Ich war schon 100 Mal im Kino und hatte noch nie einen Film gesehen. Nicht bei den Goonies, nicht bei Return of the Jedi – nichts von alledem. Aber bei School Daze waren alle da, und ich erinnere mich, dass mich das beeindruckt hat, weil ich das Gefühl hatte, etwas mit ihnen zu teilen. Und dann kam der Film.

Nun, meine Großeltern waren relativ wohlhabend, und sie betonten uns gegenüber, dass Kultur wichtig sei. Also traf ich Künstler in ihrem Haus, ich ging zu Vernissagen, ich ging in die Oper und sah Porgy und Bess. Das war Teil unserer Erziehung, und es war ganz natürlich. Als junger Mensch hatte ich also ein gewisses Verständnis für Kunst. Aber dieser Film hatte ein Temperament und eine Patina, die ich vorher nicht gesehen hatte. Zunächst einmal die Hauttöne. Ich erinnere mich daran, dass ich dachte, man könnte sie fast essen; man könnte sie von der Leinwand greifen.

Als ich aufwuchs, konnte ich Musicals nicht ausstehen, aber die Mischung aus Drama und Musical in diesem Film war angenehm, was für mich neu war – vielleicht weil er von so vielen anderen neuen Dingen umgeben war. Es ging um ein historisches afro-amerikanisches College. Die meisten in meiner Familie hatten historisch afroamerikanische Colleges und Universitäten besucht, so dass mir diese Erfahrung vertraut war. In diesem Film wirkten all diese Dinge auf mich ein – genau wie in so vielen anderen Filmen, die ich zuvor gesehen hatte -, aber dieser Film wurde für mich als junge Person im Kino produziert. Das hat wirklich viele Fragen aufgeworfen und sich tief in mich eingebrannt. Das Einzige, was ich damals nicht vermitteln konnte, was ich heute kann, ist, dass dieser Film für uns gemacht wurde.

Das ist etwas, worüber wir in der westlichen Welt nur schwer sprechen können – Filme, die für ein bestimmtes Publikum gemacht werden. Das ist gegen den Kommerz. Es widerspricht der Vorstellung, dass wir diese Dinge aus unserer Kultur verbannt haben, aber das haben wir nicht. Und es führt zu einer Diskussion über Repräsentation. Warum es für Frauen wichtig ist, Filme über und für Frauen zu machen. Warum es für italienische Filmemacher wichtig ist, Filme über diese Erfahrung zu machen. Warum es für chinesische Filmemacher wichtig ist, chinesische Filme zu machen. Das sind Dinge, mit denen alle Filmemacher ringen, und für mich wurde das deutlich, als ich zum ersten Mal School Daze sah. Es war klar, dass Spike Lee diesen Film für mich gemacht hat, aber er sprach auch alle anderen Leute im Kino an, und das zeigte mir die Macht des Films. Wenn man sich die aktuelle Landschaft der farbigen Filmemacher ansieht, bin ich mir sicher, dass School Daze einen Einfluss auf ihr Streben hatte, Filmemacher oder Geschichtenerzähler zu werden.

Was hat der junge Bradford Young mit dieser Offenbarung gemacht?

Young: Zuerst bin ich davor weggelaufen, denn ich bin der Enkel eines Leichenbestatters, und mein Großvater war eine sehr starke Persönlichkeit in meinem Leben. Nicht in einer Million Jahren hätte ich gedacht, dass ich ein Künstler sein könnte. Was auch immer ich fühlte, ich steckte es in eine Tasche, an seinen „richtigen“ Platz, an die Seite, denn … wie viele von uns fühlte ich die schwere Last, eine Familienverantwortung zu erfüllen. Von mir wurde erwartet, dass ich das Familienunternehmen übernehme. Ich spürte diese Last, auch wenn sie völlig unausgesprochen war. Mein Urgroßvater und mein Großvater hatten ein erfolgreiches Familienunternehmen aufgebaut, und das mussten wir erhalten. Und dieses Gefühl, das ich im Kino hatte? Ich habe es verdrängt. Ich hatte Angst, dass, wenn ich meinen Wunsch, Künstlerin zu werden, in einer sehr pragmatischen Familie zum Ausdruck bringen würde, diese Idee einfach abgetan würde. Als älterer Mensch, der nun selbst Kinder großzieht, wusste ich, dass meine Großmutter die Kunst sehr unterstützte und meinem Großvater beibrachte, was Kunst sein kann, aber das spielte damals keine Rolle. Ich war nicht in der Lage, ihnen zu sagen, dass ich Künstlerin werden wollte – egal welche Art von Künstlerin – und ich war überhaupt nicht daran interessiert, was ihnen wichtig war. Aber nach School Daze wusste ich, dass ich Filmemacherin werden wollte.

Wann wurde es möglich, diese Veränderung für sich selbst vorzunehmen?

Jung: Als ich 18 war, wusste ich buchstäblich nicht einmal, dass schwarze Menschen Filme machen. Das ist verrückt. Aber ich hatte keine Beispiele; ich hatte keine Referenz. Und das macht mich ein wenig emotional … denn ich bin froh, dass Leute in diesem Alter heute einige Beispiele sehen können, aber ich hatte niemanden außer Spike Lee und später John Singleton, die hervorragende Geschichten auf visuelle, kunstvolle Weise erzählten. Ich habe nie die Bedeutung einer guten Kinematographie außer Acht gelassen, die die visuelle Tiefe der schwarzen Erfahrung in Amerika ausdrücken konnte. Und ich kann über das Verantwortungsgefühl nachdenken, das dazu nötig war.

Ich verwende Spike Lee und John Singleton als Beispiele, weil sie die einzigen beiden schwarzen Filmemacher waren, die ich zu dieser Zeit kannte. Erst als ich an die Howard University kam, entdeckte ich, dass es Leute gab – wie meinen Lehrer Haile Gerima -, die mehr wussten als ich. Da verstand ich, dass es in Amerika eine lange Tradition schwarzer Filmemacher gab und dass dieses Wissen an junge Leute weitergegeben werden musste, insbesondere an junge Farbige.

Im College sah ich die Filme von Oscar Micheaux, Bill Greaves, Kathleen Collins, Charles Burnett, Julie Dash und Haile Gerima. Das war für mich weltverändernd – nicht nur, dass sie Filme gemacht haben, sondern dass sie Filme gemacht haben, die für sie individuell waren.

Aber ich möchte auch klarstellen, dass meine Existenz als Filmemacherin vollständig von meinen beiden Schwestern ermöglicht wurde. Selbst wenn es nur etwas in meiner Fantasie war, haben sie mir erlaubt, dorthin zu gehen. Aber das bedeutete auch – für mein spezielles 18-jähriges Gehirn, dieses Echsengehirn – dass ich meine Familie für eine Weile hinter mir lassen musste. Ich musste wegziehen und aufs College gehen – mit der Ermutigung meiner Schwestern – um eine neue Familie zu finden. Die Menschen, die ich fand, waren nicht meine Blutsverwandten, sondern meine künstlerische Familie, und ich fand sie in Howard. Es gibt zu viele, um sie alle zu nennen, aber die Person, die uns zu sich holte, war Haile Gerima.

Was ich tun musste, war, die starke, sehr rassistische, gegenwärtige, pragmatische Stimme meines Großvaters Woodford Porter durch eine andere, ähnlich starke Stimme zu ergänzen – die von Haile Gerima. Ich brauchte diese nährende Weisheit im Filmemachen, die ich von meiner Familie nicht bekommen konnte, von jemandem, der das, was ich behaupten wollte, bestätigen würde. Ich wollte ein Künstler sein, und ich brauchte jemanden, der mich mit diesem großväterlichen Pragmatismus anleitet – aber mit einem freien Geist. Ich brauchte jemanden, der mir sagte: „Du wirst ein Künstler sein, du wirst Filme machen“. Als ich ihn kennenlernte, konnte ich diese Tasche für mich beanspruchen und diese Kunstform auf eine Art und Weise ausüben, die meiner Gemeinschaft – insbesondere der schwarzen Gemeinschaft – gegenüber verantwortlich war. Die afrikanische Diaspora-Gemeinschaft. Das war der Schlüssel.

Die ASC freut sich darauf, dieses Interview in seiner Gesamtheit als Teil unserer kommenden Online-Master-Class-Bildungsinitiative zu präsentieren, die derzeit in Produktion ist.