Die 25 bisher besten Animationsfilme des 21. Jahrhunderts
Überraschenderweise war unter all den vielen, vielen Namen, die uns im Zusammenhang mit unserem Ranking der 50 bisher besten Filme des Jahrzehnts genannt wurden, „Anti-Animations-, hegemoniale Live-Action-Krypto-Faschisten“ keiner dabei, obwohl wir keinen einzigen Animationsfilm auf dieser Liste aufgeführt haben. Um ehrlich zu sein, waren wir ein wenig enttäuscht, denn wir hatten eine schlagfertige Antwort parat: Wir befanden uns bereits in der Planungsphase für einen reinen Animationsfilm, so dass wir uns berechtigt fühlten, die Live-Action-Filme von ihren handgezeichneten, computergenerierten, Stop-Motion- und Claymation-Geschwistern zu trennen. Hier ist also die Liste: Der Zeitrahmen wurde dieses Mal erweitert, um alle Animationsfilme in jedem Stil (außer Rotoscoping, das wir ausgeschlossen haben, weil es zuerst mit Live-Action-Filmen gedreht wurde) von 2000 bis heute aufzunehmen.
In den letzten fünfzehn Jahren hat die Animationsindustrie gewaltige Umwälzungen erlebt, von der gigantischen Vereinigung des alten Disney-Giganten mit dem geliebten Newcomer Pixar über den Aufstieg des außergewöhnlichen Studio Ghibli (und seine bevorstehende Auflösung) zu internationalem und Oscar-gekröntem Ruhm bis hin zum gewaltigen Qualitätssprung von DreamWorks und anderen Newcomern. All diese Faktoren zusammengenommen sorgen für eine Mainstream- und Arthouse-Filmlandschaft, die einer größeren Vielfalt an Animationsstilen und -themen gegenüber aufgeschlossener ist als je zuvor. Die schiere Breite der Auswahl, die uns zur Verfügung steht, und die extrem subjektive Natur der Sache (was für den einen hübsch ist, ist für den anderen kitschig) bedeuten, dass wir davon überzeugt sind, dass auch diese Rangliste ihren Anteil an Wut und Vorwürfen der Voreingenommenheit hervorrufen wird. Aber wie viele der unten aufgelisteten Filme uns gelehrt haben, werden wir mutig sein, unseren Träumen folgen und unsere inneren Reserven an Stärke und Güte finden, um uns allem zu stellen, was das Leben und die Kommentatoren uns vorwerfen, während wir Sie auf diese Reise durch unsere 25 liebsten Animationsfilme des 21. Und wenn du noch mehr der besten Filme seit 2000 sehen willst, kannst du dir hier unser Feature über die besten Horrorfilme des 21. Jahrhunderts ansehen.
25. „Lilo & Stitch“ (2002)
Die späten 90er und frühen 00er Jahre waren eine düstere Zeit für Disney-Animationen: die Vor-„Frozen“-Ära zahlte sich an den Kinokassen so gut wie gar nicht aus, was zu einem großen Teil daran lag, dass Filme wie „Brother Bear“ und „Home On The Range“ extrem schlecht waren. Aber der große Lichtblick (neben „The Emperor’s New Groove“, der bewundernswert Chuck Jones-esque ist) war „Lilo & Stitch“. Oberflächlich betrachtet handelt es sich um eine Anspielung auf „E.T.“ – ein exzentrisches junges Mädchen freundet sich mit einem intergalaktischen Ausreißer an -, aber die Regisseure Chris Sanders und Dean DeBlois (die später „How To Train Your Dragon“ drehen sollten) bringen den Film durch seine Besonderheit zum Singen: den delirierenden Unfug des liebenswert psychotischen Stitch, die wunderschön realisierte hawaiianische Kulisse und das überraschende Pathos von Lilo und ihrer älteren Schwester, die vom Sozialamt untersucht werden. Er kann vielleicht nicht mit dem späten goldenen Disney-Zeitalter der frühen 90er Jahre mithalten, aber er ist ein wunderbar schräger und enorm befriedigender Film.
24. „Winnie the Pooh“ (2011)
Jede Generation hat das Gefühl, dass die Kinder von heute aufgrund des technologischen Fortschritts des modernen Lebens einen wichtigen Teil ihrer Kindheit verpassen (das geht zurück bis zum ersten neolithischen Vater, der traurig den Kopf schüttelte, als sein Sohn diese neumodischen Bronzegeräte benutzte). Aber Disneys handanimierter „Winnie the Pooh“ von den Regisseuren Don Hall und Stephen J. Anderson beschwört mit Charme und Witz einfachere Zeiten herauf und regt sogar – ach was – zum Lesen an, indem die Figuren auf immer neue Weise mit dem Text auf der Seite interagieren. Der Film ist zugegebenermaßen für sehr junge Kinder gedacht, und einige Erwachsene, die mit den früheren Disney-Pooh-Filmen aufgewachsen sind, waren offenbar enttäuscht, dass dieser Film nicht ganz so, nun ja, disneyfiziert ist. Aber dies ist eine kurze, ruhige, sanft verschrobene Hommage an eine der süßesten und beliebtesten Kinderfiguren aller Zeiten, die das ursprüngliche Ausgangsmaterial von Pooh respektiert – Aa Milnes wunderbare Bücher.
23. „Rango“ (2011)
Auch wenn die ursprünglichen „Fluch der Karibik“-Filme nicht funktionierten, waren sie immer noch bewundernswert schräg. Daher ist es rückblickend nicht überraschend, dass Regisseur Gore Verbinski und Johnny Depp, als sie sich für einen Animationsfilm zusammentaten, einen der seltsamsten Animationsfilme produzierten, die je von einem Studio produziert wurden. Der Film ist eine Mischung aus „Chinatown“ und einer Reihe klassischer Western, allerdings mit Tieren und einer leicht gestörten, hochgradig pietätlosen Stimmung. In einer Stadt, die unter einer Dürre leidet, wird Depps an Hunter Thompson erinnerndes Chamäleon fälschlicherweise für einen Helden gehalten. Der Film wurde mit den Schauspielern in Kostümen geprobt (eine absolute Seltenheit in der Welt der Animation), bevor er von Industrial Light & Magic zum Leben erweckt wurde, dem bisher einzigen Animationsfilm der VFX-Firma. Er ist eine Erinnerung an die schräge Vision, die Verbinski ohne Blockbuster-Aufblähung umsetzen konnte, und obwohl er sich kaum als Kinderfilm qualifiziert, erweist er sich dennoch als ein enorm unterhaltsamer Trip.
22. „A Town Called Panic“ (2009)
Basierend auf einer leicht surrealen französischsprachigen TV-Show und mit der Auszeichnung, die erste Stop-Motion-Animation zu sein, die jemals in Cannes gezeigt wurde, ist „A Town Called Panic“ von den Belgiern Stéphane Aubier und Vincent Patar die absurde Geschichte von Cowboy (einem Plastikspielzeug-Cowboy), Indianer (einem Plastikspielzeug-Indianer) und Pferd (einem Plastikspielzeug, du verstehst schon), die zusammen in einem Haus auf dem Land leben und in unerklärliche Schwierigkeiten geraten. Ein Versuch, den Geburtstag von Pferd zu feiern, geht schief, als eine Internet-Bestellung für 50 Ziegelsteine versehentlich mit 50 Millionen Ziegelsteinen verwechselt wird, und so bauen sie große Mauern, die von bösartigen Meeresbewohnern gestohlen werden, also machen sie sich auf die Suche nach ihnen durch ein verschneites, fliegendes, unterirdisches und bewaldetes Terrain… die Handlung ergibt keinen Sinn, und die Geschichte kann sich genauso ruckartig anfühlen wie die charmant krude Animation. Aber sie ist auch von einer völlig verrückten Energie durchdrungen, bei der es weniger um große Erzählbögen als um die momentanen Interaktionen und Verrücktheiten geht, die jede einzelne verrückte Szene ausfüllen.
21. „Millennium Actress“ (2001)
Obwohl er nur bei vier kompletten Spielfilmen Regie führte und leider 2010 im Alter von nur 46 Jahren verstarb, etablierte sich Satoshi Kon als einer der wichtigsten und originellsten Filmemacher des Anime. Wir hätten ohne weiteres „Tokyo Godfathers“ oder „Paprika“ (von dem viele sagen, dass er Christopher Nolans „Inception“ inspiriert hat) in die Liste aufnehmen können (und haben es auch fast getan), aber wir würden sagen, dass sein Meisterwerk sein zweiter Spielfilm war, „Millennium Actress“ von 2001. Dieser Film ist weitaus ausgereifter als die meisten japanischen oder amerikanischen Animationsfilme und hat ein faszinierendes Konzept: Ein älterer Filmstar im Ruhestand führt ein Dokumentarfilmteam durch seine Erinnerungen und wechselt dabei zwischen den Genres und Formen, während sie ihre Geschichte in ihren Filmrollen erzählt. Fans einer klaren Erzählweise werden wahrscheinlich enttäuscht sein, aber es gibt ein faszinierendes und reichhaltiges Puzzle zu entwirren, das sich erfolgreich mit Kon’s Lieblingsthemen der Natur der Realität und der Macht der Kunst auseinandersetzt.
20. „Monster House“ (2006)
Mit Abstand der beste von Robert Zemeckis‘ Performance-Capture-Filmen, was zum Teil daran liegt, dass er nur dann gruselig ist, wenn er es sein will, und zum Teil daran, dass er nicht von Zemeckis inszeniert wurde (Gil Kenan hatte stattdessen die Regie), ist „Monster House“ der seltene Film, der sowohl „Burtonesque“ als auch „Amblin-esque“ erfolgreich umsetzt, und das mit einem Haufen Herz und Grusel im Prozess. Das Drehbuch stammt vom „Community“-Schöpfer Dan Harmon und seinem Freund Rob Schrab und erzählt die Geschichte dreier abenteuerlustiger Teenager, die in einem gruseligen Haus in der Nähe ermitteln. Wo „Der Polarexpress“ es nicht schaffte, die Charaktere weiter zu stilisieren, macht er seine jungen Protagonisten auf eine Art und Weise glaubhaft und sympathisch, wie es nur wenige Filme tun, was sowohl zu großartigen Gags („Es ist das Gaumenzäpfchen!“ „Also ist es ein Mädchenhaus?“) als auch zu einem Pathos führt, das effektiver ist als die meisten anderen. Es gibt besser aussehende Filme hier, aber nur wenige, die so viel Spaß machen.
19. „How To Train Your Dragon“ (2010)
Die Qualität der Filme variiert von fast großartig („Kung Fu Panda“, der ursprüngliche „Shrek“) über überraschend unterhaltsam („Madagascar 3“ – nein, ernsthaft!) bis hin zu im Grunde wertlos (spätere „Shrek“-Fortsetzungen, „Shark Tale“), aber unabhängig vom Ergebnis wurde DreamWorks Animation fast immer als zweite Geige nach Pixar gesehen. Die Ausnahme ist „How To Train Your Dragon“, eine spannende Abenteuergeschichte, die die zentrale Beziehung zwischen einem jungen Wikinger und seinem Drachenkumpel, die an „E.T.“ erinnert, mit atemberaubenden 3D-Flugsequenzen, Weltenbau und den malerischsten Bildern des Unternehmens (die mit Hilfe von Kameralegende Roger Deakins entstanden) kombiniert. Wie so oft greift DreamWorks auf Gags aus der Popkultur oder die Besetzung von Prominenten zurück, aber in diesem Film (und in geringerem Maße auch in der Fortsetzung) lassen sie der Geschichte den Vortritt, und das Ergebnis ist ein absoluter Triumph.
18. „Findet Nemo“ (2003)
In Anbetracht der gemischten Erfolgsbilanz von Pixar bei Fortsetzungen ist es schwer, nicht besorgt zu sein über den im nächsten Jahr erscheinenden „Findet Dorie“, die verspätete Fortsetzung eines der beliebtesten Erfolge des Studios, „Findet Nemo“ von 2003. Schließlich war das Original schon fast ein Wunder. Die Geschichte des überfürsorglichen Vaters (Albert Brooks), dessen schlimmster Albtraum wahr wird, als sein Sohn über den Ozean entführt wird, ist eine schwindelerregend farbenfrohe, enorm witzige Geschichte voller unglaublich einprägsamer Charaktere und der wohl besten Sprecherbesetzung, die Pixar je hatte (Brooks und Co-Hauptdarstellerin Ellen DeGeneres sind perfekt, aber wir haben auch Willem Dafoe, Allison Janney, Stephen Root, Geoffrey Rush und Eric Bana). Aber im Kern ist der Film so emotional wie kaum ein anderer Film des Studios, der die Kluft zwischen einem liebenden, aber destruktiv neurotischen Vater und seinem abenteuerlustigen, aber verletzlichen Sohn allmählich verkleinert. Wenn die Fortsetzung auch nur halb so gut ist wie dieser Film, dürfte er ein Klassiker werden.
17. „Monsters Inc.“ (2001)
Nach zwei großartigen „Toy Story“-Filmen und dem mittelprächtig aufgenommenen (etwas unfairen) „A Bug’s Life“ war „Monsters Inc.“ der Film, der andeutete, dass Pixar weit mehr sein würde als das Haus, das Buzz gebaut hat. Wie „Toy Story“ greift dieser Film eine unwiderstehliche Kindheitsidee auf – die Geschichte hinter den Monstern unter dem Bett oder im Schrank eines jeden Kindes – und füllt sie mit zwei der liebenswertesten Figuren des Unternehmens: Billy Crystals Mike Wasowski, der mit den Augen auf den Beinen ist, und John Goodmans wuscheliger, blauer Sully, die versehentlich ein vermeintlich todbringendes Kind, den absolut liebenswerten Boo, in ihr Monsterparadies lassen. Der Film ist erzählerisch nicht so perfekt wie einige der späteren Pixar-Filme (die Yeti-Ablenkung ist tote Luft), aber er ist immer noch wunderschön gestaltet, hat ein riesiges Herz und ist absolut zufriedenstellend. Das dezente, aber unnötige Prequel „Monsters University“ verblasst im Vergleich dazu, was ein Beweis für die Stärke des Originals ist.
16. „Toy Story 3“ (2010)
Ein volles Jahrzehnt nach dem geliebten „Toy Story 2“ (und scheinbar das letzte Wort in Sachen „Toy Story“… bis „Toy Story 4“) ist „Toy Story 3“ einer der besten Animationsfilme des Jahrhunderts, was zeigt, wie hoch Pixars Messlatte liegt. Anstatt eine Siegesrunde zu drehen, hat das Kreativteam John Lasseter, Andrew Stanton und Regisseur Lee Unkrich die Dinge beim dritten Mal anders angepackt: Die Zeit ist vergangen und Andy ist auf dem Weg zum College. Die Abenteuer, die sich daraus ergeben, sind bemerkenswert: Es gibt echte Gefahren, eine Menge Dunkelheit und eine ziemlich tiefe Seelensuche, die den Film für Erwachsene noch berührender macht als seine Vorgänger. Denn in diesen Filmen ging es nie wirklich um Plastikspielzeug – es ging um die Kindheit, einen Zustand, den man erst dann richtig zu schätzen weiß, wenn sie vorbei ist und jemand anderes mit dem alten Spielzeug spielt.
15. „Coraline“ (2009)
Es gibt heutzutage mehr Qualität aus mehr Animationshäusern, zum Teil dank Laika aus Portland, einem Stop-Motion-Studio, das mit dem erhabenen „Coraline“ den Durchbruch schaffte. Der Film basiert auf einem Buch des Geek-Idols Neil Gaiman und wurde von „The Nightmare Before Christmas“-Regisseur Henry Selick inszeniert. Im Mittelpunkt steht das titelgebende Mädchen (Dakota Fanning), das vor seinen vernachlässigenden Eltern in eine andere Welt flieht, die sich als unheimlicher erweist als geplant. Der Film ist wunderschön gestaltet (mit einem 3D-Einsatz, der immer noch zu den besten überhaupt gehört, flach in der „realen Welt“ und ausladend in der Fantasiewelt im Stil von „Der Zauberer von Oz“), klug, gefühlvoll, atmosphärisch, reichhaltig, witzig, aufregend und seltsam, und er ist erst im letzten halben Jahrzehnt wie ein guter Wein gereift. „Paranorman“ und „The Boxtrolls“ sind beide sehenswert, aber Laikas erste Stunde bleibt ihr bisher bester Film.
14. „The Lego Movie“ (2014)
Auf dem Papier schien es ein alptraumhaftes Firmen-Synergie-Fest zu sein (es basiert nicht nur auf einem Spielzeug, sondern beinhaltet Spielzeugversionen von Superhelden!). In der Praxis ist „The Lego Movie“ eine schlitzohrige, subversive, schwindelerregende Freude, mit der Phil Lord und Chris Miller ihren vorherigen Animationsfilm „Cloudy With Chance Of Meatballs“ (über den einige von uns sehr verärgert sind, weil er nicht auf dieser Liste steht…) noch übertreffen. Chris Pratts Emmett wird als letzte große Hoffnung im Kampf gegen den bösen Lord Business (Will Ferrell) auserwählt. Der Film ist eine zutiefst alberne, metatastische Action-Komödie, die immer noch Platz für ein überraschendes Maß an Pathos findet, nicht zuletzt in der geheimen Live-Action-Einlage am Ende. Er fängt das kindliche Spielgefühl auf eine Weise ein, wie es nur wenige außerhalb von „Toy Story“ getan haben, filtert es aber durch eine Mash-up-Mentalität der Jahrtausendwende und ist wohl eine der glorreichsten Mainstream-Überraschungen der letzten Zeit.
13. „Ratatouille“ (2007)
„Ratatouille“ ist so etwas wie ein Kuriosum im Pixar-Kanon, weniger wegen seiner Produktionsgeschichte („Die Unglaublichen“-Regisseur Brad Bird hat den Film erst spät in der Produktion komplett umgestaltet, was bei dem Studio gang und gäbe ist), sondern eher, weil er so viel älter spielt als viele der anderen Filme des Studios. Der Film spielt in der Welt der feinen Küche, zielt auf Kritiker ab und feiert sie, ist relativ langsam und bezieht sich auf so unterschiedliche Einflüsse wie Lubitsch und Proust. Die auteuristische, grenzwertige Arthouse-Animation spielte weltweit Hunderte von Millionen Dollar ein. Birds Geschichte über eine Ratte (perfekt gespielt von Patton Oswalt) mit einem feinen Gaumen und kulinarischen Träumen funktioniert als Film über sprechende Tiere, als romantische Komödie, als Liebeserklärung an Paris (diese Stadtansichten!) und an das Essen und hätte nur von Pixar gemacht werden können. Einige ihrer anderen Filme hätten vielleicht eine breitere Anziehungskraft gehabt, aber „Ratatouille“ ist wirklich raffiniert.
12. „Chicken Run“ (2000)
Im Großen und Ganzen konnten die Spielfilme von Aardman Animation nicht ganz mit den Oscar-gekrönten „Wallace & Gromit“-Kurzfilmen mithalten (obwohl das Spielfilmabenteuer des letzteren eine Freude ist und es fast auf diese Liste geschafft hätte). Wir sagen „im Großen und Ganzen“, denn „Chicken Run“, der erste abendfüllende Film des Studios, ist großartig, ein charmanterer und einfallsreicherer Film als die meisten Filme, die ein Vielfaches des Budgets haben. Der Film folgt einer Gruppe von Hühnern, die sich der Hilfe des eingebildeten Hahns Red (ein Mel Gibson vor seinem Ableben) bedienen, um von ihrer Farm zu fliehen, als sie erfahren, dass sie zu Pasteten verarbeitet werden sollen, und erinnert auf brillante und eindrucksvolle Weise an Kriegsgefangenenfilme des Zweiten Weltkriegs wie „The Great Escape“ mit einem sehr britischen, exzentrischen Charme. Mit dem makellosen Design, der klassischen physischen Komik und der spannenden Action, die die Aardman-Kurzfilme auszeichneten, ist er auch erzählerisch runder, mit einem Finale, das so mitreißend ist wie alles andere auf dieser Liste. Ich drücke die Daumen, dass Aardman bald zu dieser Form zurückkehrt.
11. „Persepolis“ (2007)
Der mit dem Preis der Jury in Cannes ausgezeichnete und für den Oscar nominierte Film „Persepolis“ ist dem ebenfalls für Cannes und den Oscar nominierten Film „Waltz with Bashir“ um ein Jahr voraus, aber beide zusammengenommen stehen für das Aufkommen – oder vielleicht auch nur für die größere Akzeptanz – einer anderen Funktion des Animationsfilms: erwachsene autobiografische Geschichten zu erzählen, die so persönlich und/oder schmerzhaft politisch sind, dass sie fast darum betteln, gezeichnet und nicht gefilmt zu werden. Marjane Satrapis Film ist ein ergreifender, witziger, rührender und gelegentlich erschreckender Bericht über ihre Kindheit in Teheran während der islamischen Rebellion, erzählt in einfachen, nüchternen Schwarz-Weiß-Bildern, aber es ist ihr Auge für ausgefallene, vermenschlichende Details (von denen ein Großteil aus ihrem selbst geschriebenen Comic stammt), das Satrapi als vielversprechende Filmemacherin auszeichnete. Seitdem ist sie zu einer der lebhaftesten und spielerisch exzentrischsten Filmemacherinnen der internationalen Szene geworden, auch wenn ihr Debüt noch nicht an Wirkung und Bedeutung heranreicht.
10. „Wall-E“ (2008)
Vielleicht ist ein Teil der Kritik an „Chappie“ darauf zurückzuführen, dass wir bereits einen liebenswerten (und von der Kritik anerkannten) Roboter mit einer Persönlichkeit in unserem Filmlexikon haben (ich spreche nicht von Johnny Five). Pixars „Wall-E“, eine ziemlich bissige Umweltbotschaft, verpackt in die Geschichte eines einsamen Müllroboters und den Fragmenten einer vernachlässigten Zivilisation, die nur er hegt und pflegt, war ein kühnes Unterfangen. Mit viel weniger Dialogen als die Witzeleien früherer Filme und einem fast stummen Protagonisten bleibt er einer der formal strengsten und satirischsten Filme des Studios. Und doch ist Andrew Stantons Film warmherzig und witzig und verlässt sich auf die verblüffende Ausdruckskraft von Wall-Es Design (sein Spiel mit dem Ball und dem Schläger ist ein perfektes Beispiel für die makellose Physik, die hier am Werk ist), um mit schimmernder Originalität eine Geschichte zu erzählen, die letztlich alle Tropen der alten Schule verwendet: ein unwahrscheinlicher Held kämpft um die Hand seiner Geliebten und rettet so die Menschheit vor sich selbst.
9. „The Wind Rises“ (2013)
Hayao Miyazaki hat sich schon früher zurückgezogen (er hatte schon vor einem Jahrzehnt angedeutet, dass er mit dem Filmemachen aufhören wollte), aber da das Studio Ghibli angeblich aufgelöst wird, scheint „The Wind Rises“ definitiv der Schwanengesang des Anime-Meisters zu sein. Der Film scheint auf jeden Fall ein entscheidendes Statement zu sein: ein (größtenteils) fantasieloses Melodram über den Flugzeugkonstrukteur Jiro Horikoshi aus dem wirklichen Leben, ein bewegendes Porträt des Endes einer Ära in Japan, eine Untersuchung der Art und Weise, wie Fortschritt, Technologie und sogar Kunst korrumpiert werden können, eine Liebeserklärung an die geliebte Luftfahrt des Regisseurs und mehr als alles andere ein autobiografisches Porträt des Künstlers als besessener junger Mann. Jeder, der diesen Film als Zeichentrickfilm abtut, hat seinen Kopf nicht richtig aufgesetzt. Er ist so wunderschön wie alles, was der Regisseur je gemacht hat, und hätte, obwohl er relativ realistisch ist, auch nur als Zeichentrickfilm funktionieren können. Wenn dies wirklich Miyazakis letzter Film ist, wird er schmerzlich vermisst werden.
8. „Waltz with Bashir“ (2008)
Ein starker Beweis dafür, wie geschickt Animation sein kann. Ari Folmans Film ist eine meisterhafte Mischung aus persönlichem Essay, Dokumentarfilm und halluzinatorischen Bildern, die eine kühne Untersuchung der Erfahrungen eines Soldaten im Libanonkrieg von 1982 darstellt und genau das richtige Maß an stilisierter Coolness besitzt, um den Zuschauer in seine erschütternden Einsichten zu ziehen. Menschenrechts- und Problemfilme gibt es heutzutage leider wie Sand am Meer, daher ist es keine kleine Leistung, dass Folman es geschafft hat, über diese engen Grenzen hinauszugehen, indem er „Waltz“ absolut filmisch gestaltet hat. Die Animation – eine Mischung aus Adobe Flash-Cutouts und klassischer Animation – trägt zur surrealen Natur von Folmans manifestierten Erinnerungen an eine traumatische Zeit in seinem jungen Leben bei. Max Richters eindringliche Filmmusik und eine Mischung aus zeitgemäßen Liedern (PiLs „This is Not a Love Song“ ist ein Highlight) tragen ebenfalls zu seiner Gesamtwirkung bei. Der Film ist effektiv, lehrreich und emotional, weil er unterhaltsam ist.
7. „Fantastic Mr. Fox“ (2009)
Stop-Motion-Animation und Wes Anderson erwiesen sich in dieser süßen und doch säuerlichen Adaption von Roald Dahls Buch als eine Erdnussbutter- und Gelee-artige Kombination. Wir würden nicht behaupten, dass es der beste Film des Autors ist, aber in vielerlei Hinsicht ist er repräsentativ für seinen Ruf als „Künstler“ mit großem A. Denn sind nicht alle seine hyperkontrollierten filmischen Dioramen eine Form der Live-Action-Animation? Abgesehen davon, dass man seinen Platz in Andersons Vermächtnis zu schätzen weiß, ist „Fox“ wunderschön anzusehen und einer seiner bisher witzigsten Filme. Die Adaption einer Kindergeschichte ermöglicht es ihm, seinen breiteren, sogar albernen Humor auf angenehme Weise an die Oberfläche zu bringen (der Höhepunkt ist die Einführung der antagonistischen Bauern in bissigen Vignettenschnitten). Die visuelle Gestaltung erinnert an Rankin/Bass und beweist, dass altmodische Methoden neu wirken können, wenn sie gut gemacht sind. Wir lieben diesen Film am meisten, weil er für jedermann geeignet ist, aber dennoch Ecken und Kanten und Konsequenzen hat.
6. „Das Märchen von der Prinzessin Kaguya“ (2013)
Es hat nicht so viel Aufmerksamkeit bekommen wie „The Wind Rises“, aber „Das Märchen von der Prinzessin Kaguya“, der Abgesang für Miyazakis Studio Ghibli-Mitbegründer und „Grave Of The Fireflies“-Regisseur Isao Takahata, ist ein noch elegischerer, wunderbar bittersüßer Abschied von einem der Meister des Mediums. Der Film ist eine Fabel, die lose auf dem traditionellen Märchen vom Bambusschneider basiert und in einer atemberaubenden, malerischen Art und Weise animiert ist: Die Titelfigur wird von ihren bescheidenen Eltern in einem Bambusrohr entdeckt. Sie gelangt zu Reichtum und wird von unzähligen Verehrern umworben, aber nichts kann ihr das Gefühl nehmen, dass ihre Zeit auf der Erde nur kurz sein wird. Einfach im Ausdruck und in der Geschichte, aber dennoch unglaublich reichhaltig (neben den Meditationen über die Sterblichkeit sind auch starke feministische und umweltpolitische Themen im Spiel), ist es ein zarter, pastoraler Film, der sowohl als endgültige Zusammenfassung von Takahatas Karriere als auch als ergreifender Abschied dient.
5. „Die Drillinge von Belleville“ (2003)
78 Minuten pure französische Glückseligkeit. Das Drehbuch von Sylvain Chomet (mit kaum hörbaren Dialogen) besteht aus scheinbar zufälligen Wendungen, die nicht nur zum Mitraten anregen, sondern sich auf wundersame Weise zu einem magischen, einzigartigen Ganzen zusammenfügen. Die arbeitsintensive, wunderschön altmodische, malerische Animation ist ein wahres Wunderwerk und erweckt die bizarre Geschichte einer liebenswerten Mutter, deren Sohn, ein Radfahrer, von der Mafia entführt und für ruchlose Glücksspielpläne benutzt wird, zum Leben. Sie tut sich mit den titelgebenden singenden Drillingen zusammen, die ihr bei der Rettung helfen, was zu der ansteckenden musikalischen Freude beiträgt, die dem ganzen Film innewohnt. Es handelt sich um eine völlig originelle Erzählung, bei der Chomet das Material perfekt beherrscht. Obwohl der Film immer noch Kult ist (obwohl er 2003 für 2 Oscars nominiert war), ist er für jedes Publikum mehr als zugänglich.
4. „It’s Such A Beautiful Day“ (2012)
Er ist weit davon entfernt, ein bekannter Name zu sein (obwohl er kürzlich eine der besten Couch-Sequenzen für „Die Simpsons“ in der 25-jährigen Geschichte der Serie beigesteuert hat), aber Animationsfans singen schon lange ein Loblied auf Don Herzfeldt aus Austin, besonders nach „It’s Such A Beautiful Day“. Der gleichnamige, 23-minütige Kurzfilm aus dem Jahr 2011 wird mit den beiden früheren Kurzfilmen „Everything Will Be Ok“ und „I Am So Proud Of You“ kombiniert. Es handelt sich um eine eindringliche, letztlich seltsam lebensbejahende Trilogie in Herzfeldts charakteristischem Strichmännchen-Stil (wenn auch mit einer zunehmend berauschenden Sammlung von Effekten verschönert), die Satire, Ultragewalt und im erschütternden letzten Segment psychische Krankheit und Identität umfasst. Schräg und seltsam zugänglich, düster und transzendent, einfach und endlos wiederholbar – ein eiskaltes Meisterwerk, das bestätigt, dass Herzfeldt ein großer Filmemacher ist.
3. „Up“ (2009)
Geben wir also „Up“ in seiner Gesamtheit den dritten Platz, oder vergeben wir diesen Platz dank der 4-minütigen Montage von Carl & Ellies Eheleben, die uns in emotionale Trümmer verwandelt? Ist das überhaupt wichtig? Aus der Hubschrauber- oder Fliegerperspektive ist „Up“ nicht die befriedigendste Erzählung, die Pixar je geschaffen hat, aber er ist die Apotheose der alchemistischen Fähigkeiten des Studios bei der Schaffung von Charakteren und Beziehungen. Mit diesem Film haben uns Pete Docter und Bob Petersen einfach einen der größten Trauerfilme aller Zeiten geschenkt, versteckt in einer Geschichte voller Launen, bunter Luftballons, lispelnder Pfadfinder und urkomischer sprechender Hunde. Obwohl der Film so viel über die Kluft zwischen den Generationen zu sagen hat wie ein durchschnittlicher Ozu-Film und mit dem bewegendsten animierten Tod seit dem Tod von Bambis Mutter beginnt, ist „Up“ am Ende nichts weniger als eine freudige Bejahung des Lebens in jedem Alter und in jeder Höhe über dem Meeresspiegel.
2. „Die Unglaublichen“ (2004)
Regisseur Brad Birds bisher bester Film ist eine fulminante Mischung aus erdachter Comic-Mythologie, Familienmelodrama und großartiger computergenerierter Animation. Der Film entstand ganz am Ende der ersten großen Pixar-Welle, bevor das Studio mit „Cars“ einen Fehltritt beging und mit „Ratatouille“ wieder auf den richtigen Weg kam (natürlich wieder dank Bird). Tatsächlich fühlt sich dieser Film immer noch wie die beste Stunde des Animations-Juggernauts an und ist wahrscheinlich sein komplettester Film. Er ist voll von wirklich spannenden Action-Einlagen und leicht nachvollziehbaren Charakter-Dramen (gut für Erwachsene und Kinder) und greift die Superhelden-Besessenheit der Kultur auf, bevor sie auf das aktuelle Niveau der Allgegenwärtigkeit verwässert wurde. Meisterhaft gestaltet (man beachte die Vorstadtkonformität der Wohn- und Büroräume im Stil der 50er Jahre), klug geschrieben, so dass sich A- und B-Handlungsstränge ständig ergänzen und gegenseitig verstärken, und mit einer wertvollen Anti-Cape-Botschaft, die Madonna gut getan hätte, zu beherzigen, ist „Die Unglaublichen“ nicht nur ein großartiger Animationsfilm aller Zeiten, sondern ein großartiger Superheldenfilm aller Zeiten, Punkt.
1. „Spirited Away“ (2001)
Wenn die große Stärke des Zeichentrickfilms darin besteht, dass er ein völliges Eintauchen in Welten ermöglicht, die nur durch die Grenzen der Vorstellungskraft des Filmemachers begrenzt sind, dann gibt es wirklich keine andere Wahl für unseren ersten Platz als den umwerfenden „Spirited Away“ von Hayao Miyazaki, dem Schöpfer einer der umfassendsten und schönsten filmischen Vorstellungswelten überhaupt. Der Film, der als „Vorsicht, was du dir wünschst“ beginnt und in dem sich ein junges Mädchen aufgeregt in ein magisches Reich begibt, nachdem seine Eltern in Schweine verwandelt wurden, wird im Laufe des Films immer merkwürdiger, fantasievoller und zweideutiger und ist damit das genaue Gegenteil der gönnerhaften Vereinfachung und moralischen Schwarz-Weiß-Malerei, die das Genre des Familienfilms andernorts prägen. Grotesk, gruselig, aufregend, wunderschön und sehr fremd für jeden, der mit westlichen Animationsfilmen aufgewachsen ist, ist „Spirited Away“ aufgrund seines Oscar-Erfolgs und der breiteren US-Promotion für viele Menschen der erste Miyazaki- oder Studio-Ghibli-Film, den sie gesehen haben, und sollte daher einen ganz besonderen Platz in unseren Herzen einnehmen als das leuchtende Portal in die fantastische, jenseitige Welt von Ghibli. Oder besser gesagt, in eine Vielzahl von Welten.
Honorable Mentions: Die Longlist für dieses Feature umfasste mehr als 100 Titel, und die Begeisterung war groß, weil es einfach zu viele waren, um sie hier aufzulisten, aber es gab ein paar, die wir nur ungern ausließen, vor allem, wenn sie von kleineren Studios oder unabhängigen Filmemachern stammten, die den Glanz gebrauchen könnten. So sind der schöne, heitere „The Secret of Kells“ des irischen Animationsstudios Cartoon Saloon, sein Nachfolger, der ebenfalls Oscar-nominierte „Song of the Sea“, der unabhängig finanzierte, witzige Mischmasch aus 20er-Jahre-Jazz, indischer Mythologie und Flash-Animation „Sita Sings the Blues“ von Regisseurin Nina Paley und „Mary and Max“ des australischen Regisseurs Adam Elliott mit der Stimme des verstorbenen Philip Seymour Hoffman sehr zu empfehlen.
Und andere weniger bekannte, aber nicht weniger beliebte Filme, die ganz oben auf der Liste standen, waren: „Die Piraten!“, „Ernest & Celestine“, „Wallace und Gromit: Curse of the Were Rabbit“, „Cloudy with a Chance of Meatballs“, „Howl’s Moving Castle“, „Brave“, „Ghost in the Shell 2: Innocence“, „The Illusionist“, „Paranorman“, „The Boxtrolls“, „Tokyo Godfathers“, „Paprika“, „Ponyo“, „Shrek“, „Wolf Children“, „The Adventures of Tintin“, „Kung Fu Panda“, „The Girl Who Leapt through Time“, „Evangelion: You Are Not Alone“, „Dead Leaves“, „The Secret World of Arriety“, „Frankenweenie“, „Tangled“, „The Emperor’s New Groove“ und „Wreck-it Ralph“ – wir könnten ewig so weitermachen, also lassen wir es.
Wie gesagt, haben wir lange überlegt, ob wir Rotoskopie-Filme in die Liste aufnehmen sollen, bevor wir entschieden haben, dass sie nicht ganz in Frage kommen. Das soll aber nicht heißen, dass wir die Kunstfertigkeit von Richard Linklaters „Waking Life“ oder „A Scanner Darkly“ unterschätzen. Und falls Sie sich wundern: Nein, wir haben „Frozen“ nicht vergessen, der zwar ein guter Film ist, bei dem wir aber insgesamt nicht ganz verstehen, was der ganze Wirbel soll. Drücken Sie Ihre Empörung über das Nichterscheinen des Films und alles andere, was Sie beschäftigt, in den Kommentaren aus. Oder, ihr wisst schon, lasst es sein.
– Jessica Kiang, Oliver Lyttelton, Erik McClanahan
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