De 25 bedste animationsfilm i det 21. århundrede indtil videre

Overraskende nok var “anti-animationsfilm, hegemoniske live-action-kryptofascister” ikke et af de mange, mange navne, vi blev kaldt i forbindelse med vores rangliste over de 50 bedste film i årtiet indtil videre, på trods af at vi ikke havde nogen animationsfilm på listen. Vi var ærligt talt en smule skuffede, da vi havde et smart comeback klar: Vi var allerede i planlægningsfasen af en film udelukkende med animation, så vi følte os berettigede til at adskille live action-filmene fra deres håndtegnede, computergenererede, stop motion og claymation-brødre. Så her er listen: tidsrammen er denne gang udvidet til at omfatte alle animationsfilm i alle stilarter (bortset fra rotoscoping, som vi udelukkede, fordi den først er afhængig af live-action-filmoptagelser) fra 2000 til i dag.

De sidste femten år har animationsindustrien været udsat for enorme omvæltninger, lige fra den titaniske forening af den gammeldags Disney-gigant med den elskede spilforandrer Pixar, til det ekstraordinære Studio Ghibli’s opblomstring til international og Oscar-vindende hæder (og dets forestående opløsning), til det massive kvalitetsløft, som DreamWorks og andre opkomlinge har taget. Alle disse faktorer er tilsammen medvirkende til at skabe et mainstream- og arthousefilmlandskab, der er mere venligt indstillet over for en bredere vifte af animationsstile og emner end nogensinde før. Det store udvalg, vi har, og dyrets ekstremt subjektive karakter (den ene seers smukke film er den anden seers pjusket film) betyder, at vi er helt sikre på, at denne rangliste også vil inspirere sin del af vrede/beskyldninger om partiskhed. Men ligesom mange af de film, der er anført nedenfor, har lært os, vil vi være modige, følge vores drømme og finde indre reserver af styrke og godhed til at klare alt, hvad livet og kommentatorerne kaster efter os, mens vi tager dig med på denne rejse gennem vores 25 yndlingsanimationsfilm fra det 21. århundrede. Og hvis du vil have flere af de bedste film siden 2000, kan du tjekke vores indslag om de bedste gyserfilm i det 21. århundrede her.

25. “Lilo & Stitch” (2002)
De sene 90’ere og tidlige 00’ere var en dyster tid for Disney-animation: Denne æra før “Frozen” gav næsten intet ud af det ved kassen, i høj grad fordi film som “Brother Bear” og “Home On The Range” var ekstremt dårlige. Men det store lysende lys (sammen med “The Emperor’s New Groove”, som er beundringsværdigt Chuck Jones-agtig) var “Lilo & Stitch”. På overfladen er det et riff på “E.T.” – en excentrisk ung pige bliver veninde med en intergalaktisk flygtning – men instruktørerne Chris Sanders og Dean DeBlois (som senere skulle lave “How To Train Your Dragon”) får den til at synge gennem specificitet: den elskværdige, psykotiske Stitch’ deliriske skuespil, de smukke omgivelser på Hawaii og den overraskende patos hos Lilo og hendes storesøster, der bliver undersøgt af de sociale myndigheder. Den står måske ikke med de tidlige 90’eres sene guldalder for Disney, men det er en vidunderligt underlig og enormt tilfredsstillende film.

24. “Winnie the Pooh” (2011)
Alle generationer føler en følelse af, at nutidens børn går glip af en vigtig del af barndommen på grund af det moderne livs teknologiske fremskridt (helt tilbage til den første far fra bondestenalderen, der rystede trist på hovedet over sin søns brug af de nymodens værktøj af bronze). Men Disneys håndanimerede “Winnie the Pooh” fra instruktørerne Don Hall og Stephen J. Anderson fremkalder de enklere tider med charme og humor og foreslår endda – gisp! – fornøjelsen af at læse, idet figurerne interagerer med teksten på siden på en konstant opfindsom måde. Den er ganske vist for meget små børn, og nogle voksne, der er vokset op med tidligere Disney Puh-film, var tilsyneladende skuffede over, at denne ikke var helt så, ja, Disneyficeret. Men det er en kort, rolig, blidt skruet hyldest til en af de sødeste og mest elskede børnefigurer gennem tiderne, som respekterer Plys oprindelige kildemateriale -AA Milnes vidunderlige bøger.

23. “Rango” (2011)
Selv da de oprindelige “Pirates of the Caribbean”-film ikke fungerede, var de stadig beundringsværdigt underlige. Så det er ikke overraskende set i bakspejlet, at da instruktøren Gore Verbinski og stjernen Johnny Depp genforenede sig til en animationsfilm, producerede de en af de mærkeligste animationsfilm, der nogensinde er lavet af et studie. Den blander “Chinatown” med en hvilken som helst af en række klassiske westernfilm, men med dyr og en let forstyrret stemning af en højpeyote, og Depps Hunter Thompson-agtige kamæleon bliver forvekslet med en helt i en by, der lider under tørke. Den blev indøvet med skuespillerne i kostume (en absolut sjældenhed i animationsverdenen), før den blev bragt til fantastisk liv af Industrial Light & Magic, VFX-selskabets eneste animerede film til dato, og den er en påmindelse om den skæve vision, som Verbinski kunne bringe uden blockbuster-bloat, og selv om den knap nok kvalificerer sig som en børnefilm, viser den sig stadig at være en enormt underholdende tur.

22. “A Town Called Panic” (2009)
Baseret på et let surrealistisk fransksproget tv-program og med den ære at være den første stop-motion-animation, der nogensinde er blevet vist i Cannes, er “A Town Called Panic” fra belgierne Stéphane Aubier og Vincent Patar den absurde historie om Cowboy (en cowboy af plastiklegetøj), Indian (en indianer af plastiklegetøj) og Horse (et plastiklegetøj, du forstår), der bor sammen i et hus på landet og kommer ud i uforklarlige skænderier. Et forsøg på at fejre Hestes fødselsdag går galt, da en internetbestilling på 50 klodser ved et uheld bliver forvekslet med 50 millioner klodser, og så bygger de store mure, som bliver stjålet af ondsindede havdyr, så de går på jagt efter dem gennem et terræn med sne, luft, underjordisk og skov… plottet giver ingen mening, og historien kan føles lige så rykkende som den charmerende grove animation. Men den er også investeret med en fuldstændig vanvittig energi, der mindre handler om store fortællerbueforløb end om de momentane interaktioner og mærkværdigheder, der propper hver eneste bonkerscene.

21. “Millennium Actress” (2001)
Og selv om han kun instruerede fire komplette spillefilm og desværre døde i 2010 i en alder af kun 46 år, etablerede Satoshi Kon sig som en af anime-filmens vigtigste og mest originale filmskabere. Vi kunne nemt have inkluderet (og gjorde det næsten) “Tokyo Godfathers” eller “Paprika” (sidstnævnte siges af mange at have inspireret Christopher Nolans “Inception”), men vi vil sige, at hans mesterværk var hans anden spillefilm, “Millennium Actress” fra 2001. Denne film, der er langt mere moden end de fleste animationsfilm, hvad enten de er japanske eller amerikanske, har et fascinerende koncept, idet en ældre pensioneret filmstjerne tager et dokumentarfilmteam med gennem sine minder og skifter genre og form, mens hun fortæller sin historie gennem sine filmroller. Fans af en klar fortælling vil sandsynligvis blive skuffede, men der er en fascinerende og rig puslespilskasse at løse, som med succes tager fat på Kon’s yndlingstemaer om virkelighedens natur og kunstens magt.

20. “Monster House” (2006)
Den bedste af Robert Zemeckis’ performance-capture-film, dels fordi den kun er uhyggelig, når den forsøger at være det, og dels fordi den ikke er instrueret af Zemeckis (Gil Kenan havde jobbet i stedet), er “Monster House” den sjældne film, der både formår at være “Burtonesque” og “Amblin-esque” på en vellykket måde og gør det med en bunke hjerte og gys i processen. Filmen, der er skrevet af “Community”-skaberen Dan Harmon og hans ven Rob Schrab, er fortællingen om tre eventyrlystne teenagere, der undersøger et uhyggeligt lokalt hjem. Den gør det, hvor “The Polar Express” ikke gjorde det ved at stilisere karaktererne yderligere, og gør sine unge hovedpersoner troværdige og sympatiske som børn på en måde, som kun få film gør sig umage med, hvilket fører til både gode gags (“Det er æggelederen!” “Så det er et pigehus?”) og patos, der er mere effektivt end de fleste. Der er flottere film her, men få, der er lige så sjove.

19. “How To Train Your Dragon” (2010)
Den varierer i kvalitet fra de næsten fantastiske (“Kung Fu Panda”, den oprindelige “Shrek”) over de overraskende underholdende (“Madagascar 3” – nej, seriøst!) til de i bund og grund værdiløse (senere “Shrek”-efterfølgere, “Shark Tale”), men uanset resultatet er DreamWorks Animation næsten altid blevet betragtet som den anden violin til Pixar. Undtagelsen er “How To Train Your Dragon”, en spændende eventyrfortælling, der kombinerer et “E.T”-agtigt centralt forhold mellem en ung viking og hans dragekammerat med fantastiske, 3D-aktiverede flyvesekvenser, verdensopbygning og selskabets mest maleriske visuelle billeder (skabt med hjælp fra filmlegenden Roger Deakins). DreamWorks falder så ofte tilbage på popkulturelle gags eller kendiscasts, men i denne film (og i mindre grad i dens efterfølger) lader de historien føre an, og resultatet er en absolut triumf.

18. “Finding Nemo” (2003)
I betragtning af Pixars blandede resultater med efterfølgere er det svært ikke at være bekymret for næste års “Finding Dory”, den forsinkede opfølger til en af studiets mest elskede bedrifter, “Finding Nemo” fra 2003. Originalen var trods alt noget nær et mirakel. Historien om den overbeskyttende far (Albert Brooks), hvis værste mareridt går i opfyldelse, da hans søn bliver taget med over havet, er en svimlende farverig, enormt morsom historie fuld af utroligt mindeværdige karakterer og Pixars vel nok bedste stemmeskuespil nogensinde (Brooks og medspilleren Ellen DeGeneres er perfekte, men vi får også Willem Dafoe, Allison Janney, Stephen Root, Geoffrey Rush og Eric Bana). Men i sit hjerte har den et lige så stort følelsesmæssigt slag som noget andet, som studiet har lavet, idet den gradvist forkorter kløften mellem en kærlig, men destruktivt neurotisk far og hans eventyrlystne, men sårbare søn. Hvis efterfølgeren er bare halvt så god som denne, bør den stadig være en klassiker.

17. “Monsters Inc.” (2001)
Efter to fantastiske “Toy Story”-film og den middelmådigt modtagne (lidt uretfærdigt) “A Bug’s Life” var “Monsters Inc.” den film, der antydede, at Pixar ville være langt mere end det hus, som Buzz byggede. Ligesom “Toy Story” tager denne film en uimodståelig barndomsidé op – historien bag monstrene under ethvert barns seng eller i skabet – og fyldte den med to af firmaets mest elskelige figurer i Billy Crystals øjenklods på benene Mike Wasowski og John Goodmans fnugede blå Sully, der ved et uheld lukker et formodet dødbringende barn, den helt igennem yndige Boo, ind i deres monsterparadis. Filmen er ikke så fortællemæssigt perfekt som nogle af de senere Pixar-film (Yeti-afledningsmanøvren er død luft), men den er stadig smukt designet, har et kæmpe hjerte og viser sig at være yderst tilfredsstillende. Den anstændige, men unødvendige prequel “Monsters University” blegner i sammenligning, hvilket er et bevis på originalens styrke.

16. “Toy Story 3” (2010)
Da “Toy Story 3” kommer et helt årti efter den elskede “Toy Story 2” (og synes at være det sidste ord om ‘Toy Story’-film… indtil “Toy Story 4”), er “Toy Story 3” en af århundredets bedste animationsfilm, hvilket viser Pixars høje barren. I stedet for at gå på en sejrsrunde skiftede det kreative team bestående af John Lasseter, Andrew Stanton og instruktør Lee Unkrich tingene ud for tredje gang, så tiden er gået, og Andy er på vej til college. De eventyr, der følger, er bemærkelsesværdige: Der er ægte fare til tider, en hel del mørke og nogle ret dybe selvransagelser, der gør den endnu mere rørende for voksne end sine forgængere. Fordi disse film aldrig rigtig handlede om plastiklegetøj – de handlede om barndommen, en tilstand, som man først rigtig kan værdsætte, når den er slut, og en ny person leger med ens gamle legetøj.

15. “Coraline” (2009)
Der kommer mere kvalitet ud af flere animationshuse i disse dage, bl.a. takket være Portlands Laika, et stop-motion-studie, der brød igennem med den sublime “Coraline”. Filmen, der er baseret på en bog af nørdeidolet Neil Gaiman og instrueret af “The Nightmare Before Christmas”-instruktøren Henry Selick, fokuserer på den titulære pige (Dakota Fanning), der flygter fra sine forsømmelige forældre til en anden verden, som viser sig at være mere uhyggelig, end hun havde planlagt. Filmen er smukt designet (med en brug af 3D, der stadig er blandt de bedste nogensinde, flad i den “virkelige verden” og ekspansiv i fantasiverdenen, “Wizard of Oz”-agtig), smart, sjælfuld, atmosfærisk, rig, sjov, spændende og mærkelig, og den er kun blevet ældre som en god vin i det sidste halve årti. “Paranorman” og “The Boxtrolls” er begge værd at tjekke ud, men Laikas første time er stadig deres bedste indtil videre.

14. “The Lego Movie” (2014)
På papiret så det ud til at være en mareridtsagtig corporate synergifest (den er ikke bare baseret på et stykke legetøj, men indeholder legetøjsversioner af superhelte!). I praksis er “The Lego Movie” en snedig, subversiv, svimlende glæde, hvor Phil Lord og Chris Miller overgår deres tidligere animationsfilm “Cloudy With Chance Of Meatballs” (som nogle af os er meget gnavne over, at den ikke er med på denne liste…). Den er en dybt fjollet, meta-tastisk actionkomedie, der spøger med “den udvalgte” fortællinger, da Chris Pratts Emmett bliver udvalgt som det sidste store håb mod den onde Lord Business (Will Ferrell), og som stadig finder plads til en overraskende grad af patos, ikke mindst i dens hemmelige, sene live-action-manøvre i slutningen af spillet. Den fanger en barnlig følelse af leg på en måde, som kun få havde gjort uden for “Toy Story”, men filtrerer den gennem en tusindårig mash-up-mentalitet og må regnes som en af de mest herlige mainstream-overraskelser i nyere tid.

13. “Ratatouille” (2007)
“Ratatouille” er noget af en særling blandt Pixars kanon, mindre på grund af dens produktionshistorie (“The Incredibles”-piloten Brad Bird omarbejdede filmen fuldstændigt sent i produktionen, hvilket er normalt for studiet), og mere fordi den spiller så meget ældre end mange af deres øvrige film. Filmen udspiller sig i verden af det fine køkken, er rettet mod og hylder kritikere, har et relativt langsomt tempo og trækker på så forskellige indflydelser som Lubitsch og Proust. Det er en auteuristisk, grænsende til det arthouse-agtige animationsfilm, der på en eller anden måde fortsatte med at indbringe hundredvis af millioner af dollars på verdensplan. Birds fortælling om en rotte (perfekt spillet af Patton Oswalt) med en raffineret smag og kulinariske drømme fungerer som en film om talende dyr, en romantisk komedie, et kærlighedsbrev til Paris (de bybilleder!) og til mad, og den kunne kun være blevet lavet af Pixar. Nogle af deres andre film kunne måske have haft en bredere appel, men “Ratatouille” er virkelig raffineret.

12. “Chicken Run” (2000)
I det hele taget kunne Aardman Animations spillefilm ikke helt måle sig med de Oscar-vindende “Wallace & Gromit”-kortfilm (selv om spillefilm-eventyret af sidstnævnte er en fornøjelse og var tæt på at komme med på denne liste). Vi siger “i det store og hele”, fordi “Chicken Run”, studiets første fuldlængdefilm, er fantastisk, en mere charmerende og opfindsom film end de fleste med mange gange så store budgetter. Den følger en gruppe høns, der får hjælp af den kæphøje hane Red (en Mel Gibson, der ikke er på afveje) til at flygte fra deres gård, da de opdager, at de er bestemt til at blive forvandlet til tærter, og den er en genial og stemningsfuld kanalering af krigsfangerfilm fra 2. verdenskrig som “The Great Escape” med en meget britisk excentrisk charme. Med det ulastelige design, den klassiske fysiske komedie og den spændende action, der kendetegnede Aardman-kortfilmene, er den også mere narrativt afrundet og har en finale, der er lige så medrivende som noget andet på denne liste. Vi krydser fingre for, at Aardman snart vender tilbage til den slags form.

11. “Persepolis” (2007)
Den Cannes-juryprisvindende og Oscar-nominerede “Persepolis” var et år før den ligeledes Cannes- og Oscar-nominerede “Waltz with Bashir”, men tilsammen repræsenterer de begge fremkomsten, eller måske bare den mere almindelige accept, af en anden funktion af animation: at fortælle voksne selvbiografiske historier, der er så personlige og/eller smerteligt politiske, at de på en eller anden måde næsten tigger om at blive tegnet frem for filmet. Marjane Satrapis film er en gribende, morsom, rørende og til tider skræmmende beretning om hendes opvækst i Teheran under det islamiske oprør, fortalt i enkle, barske, sort-hvide billeder, men det er hendes blik for skæve, menneskeliggørende detaljer (hvoraf en stor del stammer fra hendes selvskrevne tegneserie), der har markeret Satrapi som en lovende filmskaber. Og siden da har hun gjort alvor af det og er blevet en af de livligste og mest legende excentriske filmskabere på den internationale scene, selv om hun endnu ikke har formået at matche sin debut med hensyn til den rene virkning og betydning.

10. “Wall-E” (2008)
Måske kom noget af den vitriol, der blev hældt ud over “Chappie”, fordi vi allerede har en elskelig (og af kritikerne godkendt) robot med en personlighed i vores filmiske leksikon (jeg taler ikke om Johnny Five). Pixars “Wall-E”, et temmelig skarp miljøbudskab pakket ind i fortællingen om en ensom affaldsrobot og de fragmenter af en forsømt civilisation, som kun han værner om, var et dristigt foretagende. Med langt mindre dialog end de tidligere film og en næsten stum hovedperson er den stadig en af studiets mest formelt strenge og direkte satiriske film. Alligevel er Andrew Stantons film varm og morsom, og den er baseret på den fantastiske udtryksfuldhed i Wall-E’s design (hans leg med bolden og battet er et perfekt eksempel på den ulastelige fysik, der er på spil hele vejen igennem) for med glimtende originalitet at fortælle en historie, der i sidste ende anvender alle gammeldags troper i bogen: en usandsynlig helt kæmper for at vinde sin elskede kvindes hånd og redder dermed menneskeheden fra sig selv.

9. “The Wind Rises” (2013)
Hayao Miyazaki har før trukket sig tilbage (han havde antydet, at han var færdig med at lave film allerede for ti år siden), men da Studio Ghibli angiveligt er ved at lukke ned, virker “The Wind Rises” bestemt som om, at det kunne være anime-mesterens svanesang. Filmen virker i hvert fald som et definerende statement: et (for det meste) fantasiløst melodrama om den virkelige flydesigner Jiro Horikoshi, det er et bevægende portræt af en æra i Japan, en undersøgelse af, hvordan fremskridt, teknologi og selv kunst kan blive korrumperet, et kærlighedsbrev til instruktørens elskede luftfart og mere end noget andet et selvbiografisk portræt af kunstneren som en besat ung mand. Alle, der afviser denne film som en tegnefilm, har ikke hovedet skruet ordentligt på. Den er lige så smuk som alt, hvad instruktøren nogensinde har lavet, men på trods af at den er relativt realistisk, kunne den også kun have fungeret som animation. Hvis det virkelig er Miyazakis sidste film, vil han blive smerteligt savnet.

8. “Waltz with Bashir” (2008)
En stærk sag for, hvor behændig animation kan være, Ari Folmans film hybridiserer mesterligt personligt essay, dokumentarfilm og hallucinatoriske billeder, alt sammen til gavn for en dristig undersøgelse af en soldats oplevelse af Libanonkrigen i 1982, der har lige præcis den rette mængde stiliseret coolhed til at fange dig i sine rystende indsigter. Menneskerettigheds- og problemfilm er desværre en dynge i disse dage, så det er ikke nogen lille bedrift, at Folman har været i stand til at overskride disse snævre rammer ved at gøre “Waltz” helt igennem filmisk. Animationen – en blanding af Adobe Flash-cutouts og klassisk animation – bidrager til den surrealistiske karakter af Folmans manifesterede erindringer om en traumatisk tid i hans unge liv. Max Richters hjemsøgende score og en blanding af tidstypiske sange (PiL’s “This is Not a Love Song” er et højdepunkt) bidrager også til filmens overordnede styrke. Den er effektiv, lærerig og følelsesladet, fordi den er underholdende.

7. “Fantastic Mr Fox” (2009)
Stop motion-animation og Wes Anderson viste sig at være en jordnødde-smør-og-gelé-agtig kombination i denne søde, men syrlige filmatisering af Roald Dahls bog. Vi vil ikke påstå, at det er forfatterens bedste film, men på mange måder er den mest repræsentativ for hans ry som en “kunstner” med stort A. Når alt kommer til alt, er alle hans hyperkontrollerede filmiske dioramaer ikke en form for live action-animation? Ud over blot at værdsætte dens plads i Andersons arv er “Fox” smuk at se på og en af hans sjoveste film til dato. Ved at tilpasse en børnehistorie kan hans mere brede og endda fjollede humor komme op til overfladen på behagelige måder (højdepunktet kommer, når de antagonistiske landmænd introduceres i hurtige vignetklip). Det visuelle materiale minder om Rankin/Bass og beviser, at gammeldags metoder kan føles nye, når de er godt lavet. Vi elsker denne film mest, fordi den er for alle, men stadig har grove kanter og konsekvenser.

6. “The Tale Of Princess Kaguya” (2013)
Den fik ikke så meget opmærksomhed som “The Wind Rises”, men “The Tale Of Princess Kaguya”, der er Miyazakis medstifter af Studio Ghibli og “Grave Of The Fireflies”-instruktør Isao Takahata’s svanesang, er et endnu mere elegisk og smukt bittersødt farvel fra en af mediets mestre. Filmen er en fabel, der er løst baseret på den traditionelle fortælling om bambusskæreren og animeret på en fantastisk malerisk måde, hvor titelfiguren bliver opdaget af sine ydmyge forældre i et bambusskud. Hun bliver opløftet til rigdom og kurtiseret af endeløse bejlere, men intet kan ændre på fornemmelsen af, at hendes tid på jorden vil være kort. Den er enkel i både udtryk og historie, men alligevel utrolig rig (der er stærke feministiske og miljømæssige temaer på spil sammen med meditationerne om dødelighed), og det er en delikat, pastoral film, der både tjener som en endelig opsummering af Takahatas karriere og et dybt gribende farvel.

5. “The Triplets of Belleville” (2003)
78 minutter af ren fransk lyksalighed. Sylvain Chomet’s manuskript (med næsten ingen hørbar dialog) består af tilsyneladende tilfældige venstresving, der ikke blot holder dig i gang med at gætte, men på mirakuløs vis geler sammen til en magisk, unik helhed. Den arbejdskrævende, smukt gammeldags, maleriske animation er et vidunder at se på, og den bringer liv i denne bizarre historie om en yndig taskemor, hvis cyklende søn bliver kidnappet af mafiaen og brugt til forbryderiske spilleplaner. Hun slutter sig til de titulære syngende trillinger, som hjælper hende med at redde hende, hvilket bidrager til den overordnede smittende musikalske glæde, som hele filmen er gennemsyret af. Det er en helt original fortælling, som er instrueret af Chomet med et perfekt greb om materialet. Selv om den stadig er et kultobjekt (på trods af at den var indstillet til 2 Oscars i 2003), er filmen mere end tilgængelig for ethvert publikum.

4. “It’s Such A Beautiful Day” (2012)
Han er langt fra et kendt navn (selv om det for nylig har hjulpet at bidrage med en af de bedste sofa-sekvenser til “The Simpsons” i seriens 25-årige historie), men animationsfans har længe sunget Austin’s Don Herzfeldts rosende ord, især efter “It’s Such A Beautiful Day”. Den kombinerer den 23 minutter lange kortfilm af samme navn fra 2011 med to tidligere kortfilm “Everything Will Be Ok” og “I Am So Proud Of You”, og det er en hjemsøgende, i sidste ende mærkeligt livsbekræftende trilogi i Herzfeldts karakteristiske stil med stregtegninger og pindefigurer (dog udsmykket med en stadig mere berusende samling af effekter), der både omfatter satire, ultravold og i det svimlende sidste afsnit psykisk sygdom og identitet. Den er skæv og mærkeligt tilgængelig, dyster og transcendent, enkel og uendeligt genseelig, og det er et iskoldt mesterværk, der bekræfter, at Herzfeldt er en stor filmskaber.

3. “Up” (2009)
Giver vi så tredjepladsen til “Up” i sin helhed, eller tildeler vi den plads takket være den 4-minutters montage af Carl & Ellies ægteskabsliv, der reducerer os til følelsesmæssige murbrokker? Er det overhovedet vigtigt? Hvis man tager et helikopter- eller flyvehusperspektiv, er “Up” ikke den mest tilfredsstillende fortælling, som Pixar nogensinde har skabt, men den er apotheosen af studiets alkymistiske evne med karakterskabelse og relationer. Med denne film gav Pete Docter og Bob Petersen os ganske enkelt en af de største sorgfilm, der nogensinde er lavet, gemt i en fortælling fuld af lune, farvede balloner, lispende spejderdrenge og hylende morsomme talende hunde. Så selv om den har lige så meget at sige om generationskløften som den gennemsnitlige Ozu-film, og selv om den begynder med den mest rørende animerede død siden Bambis mors død, er “Up” ved sin afslutning intet mindre end en glædelig bekræftelse af livet i enhver alder og i enhver højde over havets overflade.

2. “De utrolige” (2004)
Instruktør Brad Birds bedste film til dato er en blændende blanding af fantasifuld tegneseriemytologi, familiemelodrama og smuk computergenereret animation. Den kom helt i slutningen af Pixars første store bølge af titler, lige før studiet gik galt i byen med “Cars” og derefter kom tilbage på sporet med “Ratatouille” (takket være Bird igen, naturligvis). Faktisk føles denne film stadig som animationskæmpens bedste time og sandsynligvis dens mest komplette film, fuld af spændende actionstykker og let genkendeligt karakterdrama (godt for både voksne og børn) og med en præcis udnyttelse af kulturens besættelse af superhelte, før den blev udvandet til det nuværende niveau af allestedsnærværelse. Den er mesterligt designet (tjek den 50’er-agtige forstadskonformitet i hjemmet og på kontoret), smart drejet, så A- og B-historierne konstant supplerer og forbedrer hinanden, og med et værdifuldt budskab mod kaperskab, som Madonna ville have gjort klogt i at lytte til, er “De Utrolige” ikke bare en fantastisk animationsfilm, men en fantastisk superheltefilm, punktum.

1. “Spirited Away” (2001)
Hvis animationens store styrke er dens mulighed for total fordybelse i verdener, der kun er begrænset af grænserne for filmskaberens fantasi, er der virkelig ikke noget andet valg til vores førsteplads end den blændende “Spirited Away” fra Hayao Miyazaki, kurator for en af de mest omfattende og smukke filmiske fantasier, der findes. Filmen starter som en advarende fortælling om “pas på, hvad du ønsker dig”, hvor en ung pige begiver sig begejstret ud i et magisk rige, efter at hendes forældre er blevet forvandlet til grise, men efterhånden bliver filmen mere mærkelig, mere fantasifuld og mere tvetydig og bliver det stik modsatte af den form for nedladende forenkling og moralsk sort-hvide, der præger familiefilmgenren i andre sammenhænge. “Spirited Away” er grotesk, skræmmende, spændende, smuk og meget fremmed for alle, der er opvokset med vestlig animation, og på grund af Oscar-succesen og den bredere markedsføring i USA er “Spirited Away” for mange mennesker den første Miyazaki- eller Studio Ghibli-film, de har set, og den bør derfor indtage en helt særlig plads i vores hjerter som den skinnende portal ind i Ghiblis fantastiske, hinsides-ken verden. Eller rettere: mange forskellige verdener.

Honorable Mentions: Så langlisten til dette indslag løb op i mere end 100 titler, og lidenskaberne gik højt om simpelthen for mange til at blive nævnt her, men der er et par stykker, som det fysisk gjorde os ondt at udelukke, især når de tilfældigvis var fra mindre studier eller uafhængige filmskabere, der kunne have brug for at blive fremhævet. Så den dejlige, fredfyldte “The Secret of Kells” fra det irske animationshus Cartoon Saloon, dens opfølger, den ligeledes Oscar-nominerede “Song of the Sea”, den uafhængigt finansierede, vittige, smeltedigel-mix af 20’ernes jazz, indisk mytologi og flashanimation “Sita Sings the Blues” fra instruktør Nina Paley og “Mary and Max” fra den australske instruktør Adam Elliott med den afdøde Philip Seymour Hoffman som stemme, kan alle varmt anbefales.

Og andre mere profilerede, men ikke mindre elskede film, der svævede meget tæt på toppen af listen, var bl.a: “The Pirates!”, “Ernest & Celestine”, “Wallace and Gromit: Were Rabbit’s Curse of the Were Rabbit”, “Cloudy with a Chance of Meatballs”, “Howl’s Moving Castle”, “Brave”, “Ghost in the Shell 2: Innocence”, “The Illusionist”, “Paranorman”, “The Boxtrolls”, “Tokyo Godfathers”, “Paprika”, “Ponyo”, “Shrek”, “Wolf Children”, “The Adventures of Tintin”, “Kung Fu Panda”, “The Girl Who Leapt through Time”, “Evangelion”: You Are Not Alone”, “Dead Leaves”, “The Secret World of Arriety”, “Frankenweenie”, “Tangled”, “The Emperor’s New Groove” og “Wreck-it Ralph” – vi kunne blive ved i al evighed, så det vil vi ikke gøre.

Som vi sagde, så har vi overvejet at medtage rotoscopede film, før vi besluttede, at de ikke helt kunne komme i betragtning, hvilket ikke er for at undervurdere det kunstneriske arbejde i Richard Linklaters “Waking Life” eller “A Scanner Darkly”. Og hvis du undrer dig, nej, vi har ikke glemt “Frozen”, som er en god film, men som samlet set ikke helt forstår, hvad al den ståhej er for. Giv udtryk for din forargelse over, at den ikke dukkede op, og alt andet, der ligger dig på sinde, i kommentarfeltet nedenfor. Eller, du ved, lad det ligge.

– Jessica Kiang, Oliver Lyttelton, Erik McClanahan

Sign Up: Hold dig opdateret på de seneste film- og tv-nyheder! Tilmeld dig vores e-mail-nyhedsbreve her.