The 25 Best Animated Films Of The 21st Century So Far
Sorprendentemente, di tutti i molti, molti nomi che ci hanno chiamato nella nostra classifica dei 50 Best Films Of The Decade So Far, “anti-animazione, cripto-fascisti live-action egemonici” non era uno, nonostante il fatto che non abbiamo inserito alcun film d’animazione in quella lista. Eravamo un po’ delusi, ad essere onesti, dato che avevamo una risposta pronta: eravamo già nelle fasi di pianificazione di un film interamente d’animazione, quindi ci sentivamo giustificati nel separare i film d’azione dai loro fratelli disegnati a mano, generati al computer, in stop motion e in claymation. Quindi ecco la lista: l’arco temporale è esteso questa volta per includere qualsiasi film d’animazione in qualsiasi stile (tranne il rotoscoping, che abbiamo escluso a causa della sua dipendenza dalle riprese live-action) dal 2000 ad oggi.
Gli ultimi quindici anni hanno visto l’industria dell’animazione subire enormi sconvolgimenti, dall’unione titanica del gigante della vecchia scuola Disney con l’amata game-changer Pixar, all’ascesa alla gloria internazionale e al premio Oscar dello straordinario Studio Ghibli (e al suo imminente scioglimento), al massiccio salto di qualità fatto da artisti come la DreamWorks e altri emergenti. Tutti questi fattori si combinano per fornire un panorama cinematografico mainstream e d’essai che è più amichevole verso una gamma più diversificata di stili di animazione e soggetti che mai. L’ampiezza della scelta che abbiamo, e la natura estremamente soggettiva della bestia (la bellezza di uno spettatore è la pignoleria di un altro) significa che siamo pienamente fiduciosi che questa classifica ispirerà anche la sua giusta quota di rabbia/accuse di parzialità. Ma come molti dei film elencati qui sotto ci hanno insegnato, saremo coraggiosi, seguiremo i nostri sogni e troveremo riserve interiori di forza e bontà per affrontare qualsiasi cosa la vita e i commentatori ci lanceranno contro, mentre vi portiamo in questo viaggio attraverso i nostri 25 film d’animazione preferiti del 21° secolo. E se volete altri dei migliori film dal 2000, potete controllare la nostra caratteristica sui migliori film horror del 21° secolo qui.
25. “Lilo & Stitch” (2002)
La fine degli anni ’90 e l’inizio degli anni ’00 sono stati un periodo tetro per l’animazione Disney: quell’era pre-“Frozen” non ha fruttato quasi nulla al botteghino, in gran parte perché film come “Brother Bear” e “Home On The Range” erano estremamente poveri. Ma la maggiore luce splendente (insieme a “The Emperor’s New Groove”, che è mirabilmente Chuck Jones-esque) era “Lilo & Stitch”. È un riff su “E.T.” in superficie – una giovane ragazza eccentrica fa amicizia con un fuggiasco intergalattico – ma i registi Chris Sanders e Dean DeBlois (che avrebbero fatto “How To Train Your Dragon”) lo fanno cantare attraverso la specificità: la delirante malizia dell’adorabilmente psicotico Stitch, l’ambientazione hawaiana splendidamente realizzata, e il sorprendente pathos di Lilo e sua sorella maggiore, che sono sotto indagine dei servizi sociali. Forse non regge il confronto con la tarda età dell’oro Disney dei primi anni ’90, ma è un film meravigliosamente strano ed enormemente soddisfacente.
24. “Winnie the Pooh” (2011)
Ogni generazione ha la sensazione che i bambini di oggi stiano perdendo una parte vitale dell’infanzia a causa dei progressi tecnologici della vita moderna (fino al primo papà neolitico che scuoteva tristemente la testa quando suo figlio usava quei nuovi strumenti di bronzo). Ma il Disney “Winnie the Pooh” animato a mano dai registi Don Hall e Stephen J Anderson evoca tempi più semplici con fascino e arguzia e persino -gasp!- suggerisce i piaceri della lettura, con i personaggi che interagiscono con il testo sulla pagina in un modo continuamente inventivo. È chiaramente per bambini molto piccoli, e alcuni adulti che sono cresciuti con i precedenti film Disney Pooh sono stati apparentemente delusi dal fatto che questo non fosse così, beh, Disneyficato. Ma questo è un breve, calmo, dolcemente svitato omaggio a uno dei più dolci e amati personaggi per bambini di tutti i tempi che rispetta il materiale originale di Pooh – i meravigliosi libri di AA Milne.
23. “Rango” (2011)
Anche quando i film originali dei “Pirati dei Caraibi” non funzionavano, erano ancora ammirevolmente strani. Quindi non è sorprendente, in retrospettiva, che quando il regista Gore Verbinski e la star Johnny Depp si sono uniti per un film d’animazione, abbiano prodotto uno dei film d’animazione più strani mai realizzati da uno studio. Fondendo “Chinatown” con un qualsiasi numero di classici western, ma con animali e un’atmosfera un po’ squilibrata da peyote, vede il camaleonte alla Hunter Thompson di Depp essere scambiato per un eroe da una città che soffre di siccità. Provato con gli attori in costume (una rarità assoluta nel mondo dell’animazione) prima di essere portato alla vita sbalorditiva dalla Industrial Light & Magic, l’unico film d’animazione della società VFX fino ad oggi, è un promemoria della visione stravagante che Verbinski potrebbe portare senza il gonfiore del blockbuster, e mentre si qualifica a malapena come un film per bambini, si dimostra ancora un viaggio enormemente divertente.
22. “A Town Called Panic” (2009)
Basato su un programma televisivo in lingua francese delicatamente surreale e con la particolarità di essere il primo film d’animazione in stop-motion mai presentato a Cannes, “A Town Called Panic” dei belgi Stéphane Aubier e Vincent Patar è l’assurda storia di Cowboy (un cowboy di plastica), Indian (un indiano di plastica) e Horse (un giocattolo di plastica, avete capito bene) che vivono insieme in una casa in campagna e si cacciano in inspiegabili guai. Un tentativo di festeggiare il compleanno di Horse va storto quando un ordine su internet per 50 mattoni viene accidentalmente scambiato per 50 milioni di mattoni, e così costruiscono grandi muri che vengono rubati da creature marine malvagie, così vanno a rintracciarli attraverso un terreno innevato, aereo, sotterraneo e boscoso… la trama non ha alcun senso e la storia può sembrare a scatti come l’affascinante animazione grezza. Ma è anche investito da un’energia totalmente lunatica che non riguarda tanto i grandi archi narrativi quanto le interazioni momentanee e le stranezze che riempiono ogni singola scena folle.
21. “Millennium Actress” (2001)
Anche se ha diretto solo quattro lungometraggi completi ed è tristemente scomparso nel 2010 a soli 46 anni, Satoshi Kon si è affermato come uno dei più importanti e originali registi di anime. Avremmo potuto facilmente (e quasi fatto) includere “Tokyo Godfathers” o “Paprika” (quest’ultimo, secondo molti, ha ispirato “Inception” di Christopher Nolan), ma diremmo che il suo capolavoro è stato il suo secondo film, “Millennium Actress” del 2001. Molto più maturo della maggior parte dei film d’animazione, sia giapponesi che americani, questo film ha un concetto affascinante: un’anziana star del cinema in pensione porta una troupe di documentari attraverso i suoi ricordi, cambiando genere e forma mentre racconta la sua storia attraverso i suoi ruoli cinematografici. I fan della narrazione chiara probabilmente rimarranno delusi, ma c’è un affascinante e ricco puzzle da districare, alle prese con successo con i temi preferiti di Kon sulla natura della realtà e il potere dell’arte.
20. Monster House” (2006)
Sempre il migliore dei film di Robert Zemeckis, in parte perché è inquietante solo quando cerca di esserlo e in parte perché non è diretto da Zemeckis (Gil Kenan ha avuto l’incarico), “Monster House” è il raro film che riesce ad essere sia “burtonesco” che “amblinesco” in modo efficace, e lo fa con un mucchio di cuore e paura nel processo. Co-scritto dal creatore di “Community” Dan Harmon e dal suo amico Rob Schrab, è il racconto di tre avventurosi preadolescenti che indagano su una casa locale spettrale. Lavorando dove “The Polar Express” non ha fatto stilizzando ulteriormente i personaggi, rende i suoi giovani protagonisti credibili e simpaticamente infantili in un modo che pochi film si preoccupano di fare, portando sia a grandi gag (“È l’ugola!” “Quindi è una casa per ragazze?”) che a un pathos più efficace di molti altri. Ci sono film più belli qui, ma pochi che sono altrettanto divertenti.
19. 19. “How To Train Your Dragon” (2010)
I suoi film variano in qualità dal quasi grande (“Kung Fu Panda”, l’originale “Shrek”) al sorprendentemente divertente (“Madagascar 3” – no, seriamente!) al essenzialmente inutile (i successivi sequel di “Shrek”, “Shark Tale”), ma qualunque sia il risultato, la DreamWorks Animation è stata quasi sempre vista come seconda scelta rispetto alla Pixar. L’eccezione è “How To Train Your Dragon”, un emozionante racconto d’avventura che combina un ragazzo e il suo cane, una relazione centrale alla “E.T.” tra un giovane vichingo e il suo amico drago con splendide sequenze di volo in 3D, la costruzione del mondo e le immagini più pittoriche della compagnia (create con l’aiuto della leggenda della fotografia Roger Deakins). Così spesso la DreamWorks ricade nelle gag della cultura pop o nel casting delle celebrità, ma in questo (e in misura minore nel suo sequel) hanno lasciato che la storia facesse da guida, e il risultato è un trionfo assoluto.
18. “Alla ricerca di Nemo” (2003)
Visto il bilancio misto della Pixar con i sequel, è difficile non essere preoccupati per “Alla ricerca di Dory” del prossimo anno, il tardivo seguito di uno dei successi più amati dello studio, “Alla ricerca di Nemo” del 2003. Dopo tutto, l’originale era qualcosa di simile a un miracolo. La storia del padre iperprotettivo (Albert Brooks) il cui incubo peggiore si avvera quando suo figlio viene portato dall’altra parte dell’oceano è una storia vertiginosamente colorata, enormemente divertente, piena di personaggi incredibilmente memorabili e probabilmente il miglior cast di voci della Pixar (Brooks e la co-leader Ellen DeGeneres sono perfetti, ma abbiamo anche Willem Dafoe, Allison Janney, Stephen Root, Geoffrey Rush ed Eric Bana). Ma nel suo cuore, ha un grande impatto emotivo come qualsiasi altra cosa fatta dallo studio, accorciando gradualmente l’abisso tra un padre amorevole ma distruttivamente nevrotico e il suo figlio avventuroso ma vulnerabile. Se il sequel è buono anche solo la metà di questo, dovrebbe essere ancora un classico.
17. “Monsters Inc.” (2001)
Dopo due grandi film di “Toy Story” e il mediocremente accolto (un po’ ingiustamente) “A Bug’s Life”, “Monsters Inc.” è stato il film che ha suggerito che la Pixar sarebbe stata molto più della casa costruita da Buzz. Come “Toy Story”, questo film riprende un’irresistibile concezione infantile – la storia dietro i mostri sotto il letto di ogni bambino o nell’armadio – e la riempie con due dei personaggi più amabili della compagnia, l’occhialuto Mike Wasowski di Billy Crystal e l’azzurro Sully di John Goodman, che accidentalmente lasciano entrare nel loro paradiso dei mostri un bambino presunto mortale, l’assolutamente adorabile Boo. Il film non è narrativamente perfetto come alcuni dei successivi film della Pixar (la diversione Yeti è un’aria morta), ma è ancora splendidamente disegnato, ha un cuore gigante e si dimostra assolutamente soddisfacente. Il decente ma inutile prequel “Monsters University” impallidisce in confronto, il che è un testamento alla forza dell’originale.
16. “Toy Story 3” (2010)
Arrivando un intero decennio dopo l’amato “Toy Story 2” (e sembrando l’ultima parola sulle caratteristiche di ‘Toy Story’… fino a “Toy Story 4”), “Toy Story 3” è uno dei migliori film d’animazione del secolo, che dimostra l’alto livello della Pixar. Invece di fare un giro di vittoria, il team creativo di John Lasseter, Andrew Stanton e il regista Lee Unkrich ha cambiato le cose alla terza uscita, permettendo al tempo di passare e ad Andy di andare al college. Le avventure che ne derivano sono notevoli: c’è un pericolo genuino a volte, un po’ di oscurità e una ricerca dell’anima piuttosto profonda che lo rende ancora più toccante per gli adulti rispetto ai suoi predecessori. Perché questi film non sono mai stati veramente sui giocattoli di plastica – erano sull’infanzia, uno stato che puoi veramente apprezzare solo dopo che si è concluso e qualcuno di nuovo sta giocando con i tuoi vecchi giocattoli.
15. “Coraline” (2009)
C’è più qualità che esce da più case d’animazione in questi giorni, grazie in parte a Laika di Portland, uno studio di stop-motion che ha sfondato con il sublime “Coraline”. Basato su un libro dell’idolo dei geek Neil Gaiman e diretto dal regista di “The Nightmare Before Christmas” Henry Selick, il film si concentra sulla ragazza titolare (Dakota Fanning) che fugge dai suoi genitori negligenti in un altro mondo che si rivela essere più sinistro di quanto previsto. Il film è splendidamente progettato (con un uso del 3D che è ancora tra i migliori di sempre, piatto nel “mondo reale” ed espansivo in quello fantastico, stile “Mago di Oz”), intelligente, pieno di anima, atmosferico, ricco, divertente, eccitante e strano, ed è invecchiato come un buon vino solo nell’ultimo mezzo decennio. “Paranorman” e “The Boxtrolls” sono entrambi da controllare, ma la prima ora di Laika rimane la loro migliore finora.
14. “The Lego Movie” (2014)
Sulla carta, sembrava essere un incubo di sinergia aziendale-fest (non è solo basato su un giocattolo, ma include versioni giocattolo di supereroi!). In pratica, “The Lego Movie” è una gioia sorniona, sovversiva e vertiginosa, con Phil Lord e Chris Miller che superano il loro precedente pic animato “Cloudy With Chance Of Meatballs” (che alcuni di noi sono molto scontrosi non sia in questa lista…). Parodiando la narrativa del “prescelto”, quando l’Emmett di Chris Pratt viene scelto come l’ultima grande speranza contro il malvagio Lord Business (Will Ferrell), è una commedia d’azione profondamente sciocca e meta-tastica che trova ancora spazio per un sorprendente grado di pathos, non ultimo nel suo gioco segreto di fine partita in live-action. Catturando un senso infantile del gioco in un modo che pochi avevano fatto al di fuori di “Toy Story” ma filtrandolo attraverso una mentalità da mash-up millenario, deve figurare come una delle più gloriose sorprese mainstream nella memoria recente.
13. “Ratatouille” (2007)
“Ratatouille” è una sorta di stranezza nel canone della Pixar, non tanto per la sua storia produttiva (il regista de “Gli Incredibili” Brad Bird ha completamente rielaborato il film alla fine della produzione, il che è normale per lo studio), quanto perché è molto più vecchio di molti altri loro film. Ambientato nel mondo della buona cucina, il film prende di mira e celebra i critici, ha un ritmo relativamente lento e attinge a influenze diverse come Lubitsch e Proust. Si tratta di un’animazione d’autore, al limite dell’estremo, che in qualche modo ha fatto centinaia di milioni di dollari in tutto il mondo. Il racconto di Bird su un topo (interpretato perfettamente da Patton Oswalt) con un palato raffinato e sogni culinari funziona come un film di animali parlanti, una commedia romantica, una lettera d’amore a Parigi (quei paesaggi urbani!) e al cibo, e potrebbe essere stato fatto solo dalla Pixar. Alcuni dei loro altri film avrebbero potuto avere un appeal più ampio, ma “Ratatouille” è veramente raffinato.
12. “Chicken Run” (2000)
Nel complesso, i lungometraggi della Aardman Animation non sono stati all’altezza dei suoi corti “Wallace & Gromit” che hanno vinto l’Oscar (anche se l’avventura di quest’ultimo è una gioia e ha quasi fatto questa lista). Diciamo “nel complesso” perché “Chicken Run”, il primo sforzo completo dello studio è tremendo, un film più affascinante e inventivo della maggior parte dei film con budget molte volte maggiori. Seguendo un gruppo di galline che arruolano l’aiuto del gallo presuntuoso Red (un Mel Gibson pre-declino) per fuggire dalla loro fattoria quando imparano che sono destinate ad essere trasformate in torte, incanala brillantemente ed evocativamente i film sui prigionieri di guerra come “La grande fuga” con un fascino eccentrico molto britannico. Comprendendo il design immacolato, la classica commedia fisica e l’azione emozionante che ha caratterizzato i cortometraggi Aardman, è anche narrativamente più completo, con un finale entusiasmante come qualsiasi altra cosa in questa lista. Incrociamo le dita affinché Aardman ritorni presto a questo tipo di forma.
11. “Persepolis” (2007)
Il vincitore del Premio della Giuria a Cannes e nominato all’Oscar “Persepolis” ha preceduto di un anno l’altro candidato all’Oscar “Valzer con Bashir”, ma presi insieme, entrambi rappresentano l’emergere, o forse solo l’accettazione più mainstream, di un’altra funzione dell’animazione: raccontare storie adulte di autobiografia così personali e/o dolorosamente politiche che in qualche modo implorano quasi di essere disegnate piuttosto che filmate. Il film di Marjane Satrapi è un toccante, divertente, commovente e occasionalmente orribile resoconto della sua infanzia cresciuta a Teheran durante la ribellione islamica, raccontata in semplici, crude immagini in bianco e nero, ma è il suo occhio per i dettagli eccentrici e umanizzanti (molti dei quali provengono dal suo fumetto scritto da lei stessa) che ha segnato la Satrapi come una regista promettente. E da allora ha fatto del suo meglio, diventando una delle registe più vivaci e giocosamente eccentriche sulla scena internazionale, anche se deve ancora eguagliare il suo debutto per impatto e importanza.
10. “Wall-E” (2008)
Forse parte del vetriolo riversato su “Chappie” è venuto perché abbiamo già un amabile (e criticamente approvato) robot-con-una-personalità nel nostro lessico cinematografico (non parlando di Johnny Five). Il “Wall-E” della Pixar, un messaggio ambientalista abbastanza feroce avvolto nella storia di un robot spazzatura solitario e dei frammenti di una civiltà trascurata che solo lui custodisce, era un’impresa audace. Con molto meno dialogo rispetto alle battute di spirito delle uscite precedenti e un protagonista quasi muto, rimane uno dei film più austeri dal punto di vista formale e apertamente satirici dello studio. Eppure il film di Andrew Stanton è caldo e divertente, affidandosi alla stupefacente espressività del design di Wall-E (il suo giocare con la palla e la mazza è un perfetto esempio dell’immacolata fisica al lavoro in tutto il film) per raccontare con scintillante originalità una storia che alla fine impiega ogni tropo della vecchia scuola nel libro: un improbabile eroe combatte per conquistare la mano della sua amata, e così facendo salva l’umanità da se stessa.
9. “The Wind Rises” (2013)
Hayao Miyazaki si è già ritirato in passato (aveva suggerito di aver chiuso con il cinema già un decennio fa), ma con lo Studio Ghibli che si suppone stia chiudendo, “The Wind Rises” sembra decisamente essere il canto del cigno del maestro degli anime. Il film sembra certamente una dichiarazione di definizione: un melodramma (per lo più) privo di fantasia sulla vita reale del progettista di aeroplani Jiro Horikoshi, è un commovente ritratto della fine di un’epoca in Giappone, un esame del modo in cui il progresso, la tecnologia e persino l’arte possono essere corrotti, una lettera d’amore all’amata aviazione del regista, e più di ogni altra cosa un ritratto autobiografico dell’artista come un giovane ossessionato. Chiunque lo scarti come un cartone animato non ha la testa ben avvitata. Splendido come qualsiasi cosa che il regista abbia mai fatto, nonostante sia relativamente realistico, avrebbe potuto funzionare solo come animazione. Se è veramente l’ultimo film di Miyazaki, ci mancherà dolorosamente.
8. “Waltz with Bashir” (2008)
Un caso forte di quanto abile possa essere l’animazione, il film di Ari Folman ibrida magistralmente il saggio personale, il documentario e le immagini allucinatorie, il tutto al servizio di un esame audace dell’esperienza di un soldato nella guerra del Libano del 1982 che ha la giusta quantità di freddezza stilizzata per agganciarti alle sue strazianti intuizioni. I film sui diritti umani e le tematiche sono purtroppo una decina al giorno d’oggi, quindi non è un’impresa da poco che Folman sia stato in grado di trascendere questi stretti confini rendendo “Waltz” completamente cinematografico. L’animazione – un mix di ritagli di Adobe Flash con animazione classica – aggiunge alla natura surreale dei ricordi manifestati da Folman di un periodo traumatico della sua giovane vita. L’ossessionante colonna sonora di Max Richter e un mix di canzoni appropriate all’epoca (“This is Not a Love Song” dei PiL è un punto culminante) aggiungono al suo potere complessivo. È efficace, educativo ed emotivo perché è divertente.
7. “Fantastic Mr Fox” (2009)
L’animazione in stop motion e Wes Anderson hanno dimostrato di essere una combinazione tipo burro d’arachidi e gelatina in questo dolce ma acido adattamento del libro di Roald Dahl. Non diremo che è il miglior film dell’autore, ma per molti versi è il più rappresentativo della sua reputazione di “artista” con la A maiuscola. Dopo tutto, tutti i suoi diorami cinematografici iper controllati non sono forse una forma di animazione live action? Oltre ad apprezzare il suo posto nell’eredità di Anderson, “Fox” è bello da vedere e uno dei suoi film più divertenti fino ad oggi. L’adattamento di una storia per bambini permette al suo umorismo più ampio, persino goffo, di salire in superficie in modi piacevoli (il punto culminante arriva quando i contadini antagonisti sono introdotti in rapidi stacchi di vignetta). Le immagini richiamano Rankin/Bass, dimostrando che i metodi vecchio stile possono sembrare nuovi quando sono fatti bene. Amiamo questo film soprattutto perché è per tutti, ma ha ancora spigoli grezzi e conseguenze.
6. “The Tale Of Princess Kaguya” (2013)
Non ha avuto la stessa attenzione di “The Wind Rises”, ma “The Tale Of Princess Kaguya”, il canto del cigno del co-fondatore dello Studio Ghibli di Miyazaki e del regista di “Grave Of The Fireflies” Isao Takahata, è un addio ancora più elegiaco e splendidamente dolceamaro di uno dei maestri del medium. Una favola basata vagamente sul racconto tradizionale della Tagliatrice di Bambù e animata in modo stupefacente e pittorico, il film vede la scoperta del personaggio del titolo all’interno di un germoglio di bambù da parte dei suoi umili genitori. Viene elevata alla ricchezza e corteggiata da infiniti pretendenti, ma nulla può cambiare la sensazione che il suo tempo sulla Terra sarà breve. Semplice sia nell’espressione che nella storia, ma ancora incredibilmente ricco (ci sono forti temi femministi e ambientali all’opera insieme alle meditazioni sulla mortalità), è un film delicato e pastorale che serve sia come un riassunto definitivo della carriera di Takahata che come un addio profondamente toccante.
5. “The Triplets of Belleville” (2003)
78 minuti di pura beatitudine francese. La sceneggiatura di Sylvain Chomet (con quasi nessun dialogo udibile) è fatta di svolte apparentemente casuali che non solo ti fanno indovinare, ma miracolosamente si fondono in un insieme magico e unico. La laboriosa animazione, meravigliosamente vecchia scuola e pittorica, è una meraviglia per gli occhi, che dà vita a questa bizzarra storia di un’adorabile madre task-mistress il cui figlio ciclista viene rapito dalla mafia e usato per nefasti schemi di gioco. Si unisce ai tre gemelli canterini che la aiutano nel salvataggio, aggiungendo alla gioia musicale generale infusa nell’intero film. È una narrazione totalmente originale, diretta da Chomet con una perfetta padronanza del materiale. Mentre è ancora un oggetto di culto (nonostante sia stato candidato a 2 Oscar nel 2003), il film è più che accessibile per qualsiasi pubblico.
4. “It’s Such A Beautiful Day” (2012)
E’ lontano da un nome familiare (anche se recentemente ha contribuito con una delle migliori sequenze di divani per “The Simpsons” nei 25 anni di storia dello show), ma i fan dell’animazione hanno cantato a lungo le lodi di Don Herzfeldt di Austin, in particolare dopo “It’s Such A Beautiful Day”. Combinando il cortometraggio omonimo del 2011, della durata di 23 minuti, con i due precedenti corti “Everything Will Be Ok” e “I Am So Proud Of You”, si tratta di una trilogia ossessionante e, in ultima analisi, stranamente rassicurante per la vita, nel marchio di fabbrica di Herzfeldt, con le sue figure a bastoncino e lo stile del disegno a linee (anche se impreziosito da una collezione di effetti sempre più inebriante), che si occupa di satira, ultraviolenza e, nel sorprendente segmento finale, di malattia mentale e identità. Obliquo e stranamente accessibile, cupo e trascendente, semplice e infinitamente ri-guardabile, è un capolavoro di pietra che conferma che Herzfeldt è un grande regista.
3. “Up” (2009)
Diamo il terzo posto a “Up” nella sua interezza, o concediamo quel posto grazie a quel montaggio di 4 minuti della vita matrimoniale di Carl & Ellie che ci riduce in macerie emotive? Ha almeno una qualche importanza? Prendendo una visione da elicottero o da casa volante, “Up” non è la narrazione più soddisfacente che la Pixar abbia mai creato, ma è l’apoteosi dell’abilità alchemica dello studio con la creazione di personaggi e relazioni. Con questo film, Pete Docter e Bob Petersen ci hanno dato semplicemente uno dei più grandi film sul dolore mai realizzati, nascosto in un racconto pieno di capricci, palloncini colorati, boy scout lagnosi e cani parlanti esilaranti. Così, mentre ha tanto da dire sul divario generazionale quanto la media dei film di Ozu, e il fatto che inizia con la morte animata più toccante dalla scomparsa della madre di Bambi, alla sua conclusione “Up” non è altro che una gioiosa affermazione della vita a qualsiasi età e a qualsiasi altezza sul livello del mare.
2. “Gli Incredibili” (2004)
Il miglior film del regista Brad Bird è un amalgama esplosivo di mitologia immaginaria dei fumetti, melodramma familiare e splendida animazione generata al computer. È arrivato proprio alla fine della prima grande ondata di titoli della Pixar, proprio prima che lo studio commettesse un passo falso con “Cars” e poi si rimettesse in carreggiata con “Ratatouille” (grazie ancora a Bird, natch). In effetti, questo sembra ancora il momento migliore del juggernaut dell’animazione e probabilmente il suo film più completo, pieno di pezzi d’azione legittimamente emozionanti e di drammi dei personaggi facilmente relazionabili (buoni per adulti e bambini), e attingendo in modo incisivo all’ossessione della cultura dei supereroi prima che fosse annacquata al suo attuale livello di ubiquità. Disegnato magistralmente (controllare la conformità suburbana in stile anni ’50 delle location di casa e dell’ufficio), abilmente sceneggiato in modo che le storyline A e B si completino e migliorino costantemente a vicenda, e con un prezioso messaggio anti-capestro che Madonna avrebbe fatto bene a seguire, “Gli Incredibili” non è solo un grande film d’animazione di tutti i tempi, ma è un grande film di supereroi di tutti i tempi, punto.
1. “Spirited Away” (2001)
Se la grande forza dell’animazione è la sua facilità di immersione totale in mondi delimitati solo dai limiti dell’immaginazione di un regista, non c’è davvero altra scelta per il nostro posto numero uno che il folgorante “Spirited Away” di Hayao Miyazaki, curatore di una delle più complete e belle immaginazioni cinematografiche esistenti. Iniziando come un racconto ammonitore del tipo “stai attento a quello che desideri”, quando una ragazzina si avventura eccitata in un regno magico dopo che i suoi genitori sono stati trasformati in maiali, il film diventa più particolare, più fantasioso e più ambiguo man mano che va avanti, diventando il polar opposto del tipo di semplificazione paternalistica e dei bianchi e neri morali che caratterizzano il genere dei film per famiglie altrove. Grottesco, spaventoso, emozionante, bellissimo e molto alieno per chiunque sia cresciuto con l’animazione occidentale, “Spirited Away” è, grazie al suo successo agli Oscar e alla più ampia promozione negli Stati Uniti, per molte persone il primo film di Miyazaki o dello Studio Ghibli che hanno visto, e quindi dovrebbe occupare un posto molto speciale nei nostri cuori come portale luminoso nel fantastico, oltremondano mondo del Ghibli. Facciamo una moltitudine di mondi.
Honorable Mentions: Quindi la longlist per questo film ha superato i 100 titoli, e le passioni si sono scatenate per troppi titoli da elencare qui, ma ce ne sono alcuni che ci è dispiaciuto fisicamente escludere, specialmente quando si trattava di film di piccoli studi o di registi indipendenti che avevano bisogno di un po’ di luce. Così l’adorabile, sereno “The Secret of Kells” della casa d’animazione irlandese Cartoon Saloon; il suo seguito, il candidato all’Oscar “Song of the Sea”; l’arguto e indipendente mish-mash di jazz anni ’20, mitologia indiana e animazione flash “Sita Sings the Blues” della regista Nina Paley; e “Mary and Max” del regista australiano Adam Elliott e con la voce del compianto Philip Seymour Hoffman sono tutti fortemente raccomandati.
E altri film di più alto profilo ma non meno amati che hanno aleggiato molto vicino alla cima della lista includono: “I Pirati!”, “Ernest & Celestine”, “Wallace e Gromit: Curse of the Were Rabbit”, “Cloudy with a Chance of Meatballs”, “Howl’s Moving Castle”, “Brave”, “Ghost in the Shell 2: Innocence”, “The Illusionist”, “Paranorman”, “The Boxtrolls”, “Tokyo Godfathers”, “Paprika”, “Ponyo”, “Shrek”, “Wolf Children”, “The Adventures of Tintin”, “Kung Fu Panda”, “The Girl Who Leapt through Time”, “Evangelion: You Are Not Alone”, “Dead Leaves”, “The Secret World of Arriety”, “Frankenweenie”, “Tangled”, “The Emperor’s New Groove” e “Wreck-it Ralph” – potremmo continuare all’infinito, quindi non lo faremo.
Come abbiamo detto, ci siamo interrogati sull’inclusione dei film in rotoscopia prima di decidere che non erano adatti, il che non significa sottovalutare la maestria di “Waking Life” o “A Scanner Darkly” di Richard Linklater. E nel caso ve lo stiate chiedendo, no, non ci siamo dimenticati di “Frozen”, che è un buon film, ma nel complesso non vediamo proprio il motivo di tutto questo clamore. Esprimete la vostra indignazione per la sua assenza e qualsiasi altra cosa che vi passa per la testa nella sezione commenti qui sotto. Oppure, sai, lascia perdere.
– Jessica Kiang, Oliver Lyttelton, Erik McClanahan
Scriviti: Rimani in cima alle ultime notizie su film e TV! Iscriviti alla nostra newsletter via e-mail qui.