The 25 Best Animated Films Of The 21st Century So Far

25. “Lilo & Stitch” (2002)
De late jaren ’90 en vroege jaren ’00 waren een sombere tijd voor Disney-animatie: dat pre-“Frozen”-tijdperk leverde bijna niets op aan de kassa’s, voor een groot deel omdat films als “Brother Bear” en “Home On The Range” extreem slecht waren. Maar het grote lichtpuntje (samen met “The Emperor’s New Groove,” dat bewonderenswaardig Chuck Jones-achtig is) was “Lilo & Stitch.” Aan de oppervlakte is het een riff op “E.T.” – een excentrisch jong meisje sluit vriendschap met een intergalactische vluchteling – maar regisseurs Chris Sanders en Dean DeBlois (die later “How To Train Your Dragon” zouden maken) laten het zingen door specificiteit: de uitzinnige kattenkwaad van de schattige psychotische Stitch, de prachtig gerealiseerde Hawaiiaanse setting, en de verrassende pathos van Lilo en haar oudere zus, die worden onderzocht door de sociale dienst. De film kan zich misschien niet meten met de late gouden eeuw van Disney van de vroege jaren ’90, maar het is een heerlijk vreemde en enorm bevredigende film.

24. “Winnie de Poeh” (2011)
Iedere generatie heeft het gevoel dat de kinderen van nu een belangrijk deel van hun kindertijd missen door de technologische vooruitgang van het moderne leven (terug naar de eerste neolithische vader die treurig zijn hoofd schudde toen zijn zoon dat nieuwe, bronzen gereedschap gebruikte). Maar Disney’s met de hand geanimeerde “Winnie the Pooh” van regisseurs Don Hall en Stephen J Anderson roept eenvoudigere tijden op met charme en humor en suggereert zelfs -gasp!- de geneugten van het lezen, met de personages die op een voortdurend inventieve manier interageren met tekst op de pagina. Toegegeven, het is voor zeer jonge kinderen, en sommige volwassenen die zijn opgegroeid met eerdere Disney Poeh-films waren blijkbaar teleurgesteld dat dit niet helemaal zo, nou ja, Disneyfied was. Maar dit is een korte, rustige, zacht schroefachtige hommage aan een van de liefste en meest geliefde kinderpersonages aller tijden, die het oorspronkelijke bronmateriaal van Poeh respecteert – de prachtige boeken vanAA Milne.

23. “Rango” (2011)
Zelfs toen de originele “Pirates of the Caribbean”-films niet werkten, waren ze nog steeds bewonderenswaardig vreemd. Het is dus achteraf niet verwonderlijk dat toen regisseur Gore Verbinski en ster Johnny Depp opnieuw samenwerkten voor een animatiefilm, ze een van de vreemdste animatiefilms produceerden die ooit door een studio zijn gemaakt. In deze film, die een mix is van “Chinatown” en een aantal klassieke westerns, maar dan met dieren en een licht gestoorde “high-on-peyote” vibe, wordt Depp’s Hunter Thompson-achtige kameleon aangezien voor een held in een stadje dat lijdt onder de droogte. De film is geoefend met de acteurs in kostuum (een absolute zeldzaamheid in de animatiewereld) voordat hij tot verbluffend leven werd gebracht door Industrial Light & Magic, de enige animatiefilm van het VFX-bedrijf tot nu toe. Het is een herinnering aan de eigenaardige visie die Verbinski kon brengen zonder blockbusterbloat, en hoewel hij nauwelijks in aanmerking komt als kinderfilm, is het nog steeds een enorm vermakelijke trip.

22. “A Town Called Panic” (2009)
Gebaseerd op een zacht surrealistisch Franstalig tv-programma en met de eer de eerste stop-motion animatie te zijn die ooit in Cannes werd vertoond, is “A Town Called Panic” van de Belgen Stéphane Aubier en Vincent Patar het absurde verhaal van Cowboy (een plastic speelgoedcowboy), Indiaan (een plastic speelgoedindiaan) en Paard (een plastic speelgoedje, je snapt het al) die samen in een huis op het platteland wonen en in onverklaarbare situaties verzeild raken. Een poging om de verjaardag van Paard te vieren loopt mis wanneer een internetbestelling voor 50 bakstenen per ongeluk wordt aangezien voor 50 miljoen bakstenen, en dus bouwen ze grote muren die worden gestolen door kwaadaardige zeewezens, dus gaan ze ze opsporen door een terrein besneeuwd, in de lucht, onder de grond en bebost… het plot slaat nergens op en het verhaal kan net zo schokkerig aanvoelen als de charmant grove animatie. Maar er zit ook een volslagen krankzinnige energie in die minder te maken heeft met grote verhaallijnen dan met de kortstondige interacties en rariteiten die in elke krankzinnige scène zitten.

21. “Millennium Actress” (2001)
Hoewel hij slechts vier volledige films regisseerde en helaas in 2010 op slechts 46-jarige leeftijd overleed, heeft Satoshi Kon zichzelf gevestigd als een van de belangrijkste en origineelste anime filmmakers. We hadden gemakkelijk (en bijna) “Tokyo Godfathers” of “Paprika” kunnen opnemen (van de laatste wordt door velen gezegd dat het Christopher Nolan’s “Inception” heeft geïnspireerd), maar we zouden zeggen dat zijn meesterwerk zijn tweede speelfilm was, 2001’s “Millennium Actress”. Deze film is veel volwassener dan de meeste animatiefilms, of ze nu Japans of Amerikaans zijn, en heeft een fascinerend concept. Een oudere gepensioneerde filmster neemt een documentaireploeg mee door haar herinneringen, waarbij ze van genre en vorm verandert terwijl ze haar verhaal vertelt aan de hand van haar filmrollen. Fans van een duidelijk verhaal zullen waarschijnlijk teleurgesteld achterblijven, maar er is een fascinerende en rijke puzzeldoos te ontwarren, die met succes Kon’s favoriete thema’s van de aard van de werkelijkheid en de kracht van kunst behandelt.

20. Monster House” (2006)
Bijna de beste film van Robert Zemeckis’ “performance-capture”-films, deels omdat hij alleen griezelig is als hij dat probeert te zijn en deels omdat hij niet door Zemeckis geregisseerd is (Gil Kenan was de regisseur). “Monster House” is de zeldzame film die zowel Burtonesque als Amblinesque op een geslaagde manier weet neer te zetten, en dat doet hij met een hoop hart en schrik. De film is geschreven door Dan Harmon en zijn vriend Rob Schrab, en gaat over drie avontuurlijke tieners die een spookachtig huis onderzoeken. Waar “The Polar Express” dat niet deed door de personages verder te stileren, maakt het zijn jonge protagonisten geloofwaardig en sympathiek kinderlijk op een manier waar weinig films moeite mee hebben, wat leidt tot zowel geweldige gags (“Het is de huig!” “Dus het is een meisjeshuis?”) als pathos effectiever dan de meeste. Er zijn hier beter uitziende films, maar weinig die net zo leuk zijn.

19. “How To Train Your Dragon” (2010)
De kwaliteit van DreamWorks Animation varieert van bijna geweldig (“Kung Fu Panda”, de originele “Shrek”) tot verrassend vermakelijk (“Madagascar 3” – nee, serieus!) tot waardeloos (latere “Shrek”-vervolgen, “Shark Tale”), maar wat de resultaten ook zijn, DreamWorks Animation wordt bijna altijd beschouwd als de tweede viool van Pixar. De uitzondering is “How To Train Your Dragon”, een spannend avonturenverhaal dat een jongen-en-hij-hond, “E.T”-achtige centrale relatie tussen een jonge Viking en zijn drakenvriend combineert met verbluffende, 3D-gebaseerde vliegscènes, world-building en de meest schilderachtige visuals van het bedrijf (gemaakt met de hulp van cinematografielegende Roger Deakins). DreamWorks valt zo vaak terug op popculturele grappen of de casting van beroemdheden, maar in deze film (en in mindere mate het vervolg) laten ze het verhaal de hoofdrol spelen, en het resultaat is een absolute triomf.

18. “Finding Nemo” (2003)
Gezien Pixars gemengde staat van dienst op het gebied van vervolgen, is het moeilijk om niet bezorgd te zijn over “Finding Dory”, het verlate vervolg op een van de meest geliefde successen van de studio, “Finding Nemo” uit 2003. Het origineel was immers bijna een mirakel. Het verhaal van de overbeschermende vader (Albert Brooks) wiens ergste nachtmerrie uitkomt als zijn zoon wordt meegenomen over de oceaan is een duizelingwekkend kleurrijk, enorm grappig verhaal vol ongelooflijk gedenkwaardige personages en misschien wel Pixar’s beste stemmencast ooit (Brooks en co-lead Ellen DeGeneres zijn perfect, maar we krijgen ook Willem Dafoe, Allison Janney, Stephen Root, Geoffrey Rush en Eric Bana). Maar in de kern is de emotionele klap net zo groot als alles wat de studio ooit heeft gemaakt, en wordt de kloof tussen een liefhebbende maar destructief neurotische vader en zijn avontuurlijke maar kwetsbare zoon geleidelijk kleiner. Als het vervolg ook maar half zo goed is als dit, zou het een klassieker moeten worden.

17. “Monsters Inc.” (2001)
Na twee geweldige “Toy Story”-films en de (enigszins onterecht) middelmatig ontvangen “A Bug’s Life”, was “Monsters Inc.” de film die suggereerde dat Pixar veel meer zou zijn dan het huis dat Buzz had gebouwd. Net als “Toy Story”, neemt deze film een onweerstaanbaar kinderverhaal – het verhaal achter de monsters onder het bed of in de kast van elk kind – en vult het met twee van de meest beminnelijke personages van het bedrijf in Billy Crystal’s oogbal-op-benen Mike Wasowski en John Goodman’s pluizige blauwe Sully, die per ongeluk een zogenaamd dodelijk kind, de uiterst schattige Boo, in hun monsterparadijs binnenlaten. De film is narratief niet zo perfect als sommige van de latere Pixar-films (de Yeti-afleiding is dood lucht), maar het is nog steeds prachtig ontworpen, heeft een gigantisch hart en blijkt uiterst bevredigend. Decente-maar-noodzakelijke prequel “Monsters University” verbleekt in vergelijking, wat een bewijs is voor de kracht van het origineel.

16. “Toy Story 3 (2010)
Tien jaar na de geliefde Toy Story 2 (die het laatste woord leek te hebben gesproken over Toy Story-films… tot Toy Story 4) is Toy Story 3 een van de beste animatiefilms van deze eeuw, wat aantoont dat Pixar de lat hoog legt. In plaats van een overwinningsrondje te maken, heeft het creatieve team van John Lasseter, Andrew Stanton en regisseur Lee Unkrich de zaken voor de derde keer omgegooid, zodat de tijd verstreken is en Andy naar de universiteit gaat. De avonturen die volgen zijn opmerkelijk: soms is er echt gevaar, nogal wat duisternis en een aantal behoorlijk diepe zielenroerselen die het voor volwassenen nog aangrijpender maken dan zijn voorgangers. Want deze films gingen nooit echt over plastic speeltjes – ze gingen over de kindertijd, een toestand die je pas echt kunt waarderen als die voorbij is en iemand anders met je oude speelgoed speelt.

15. “Coraline” (2009)
Er komt tegenwoordig meer kwaliteit uit meer animatiehuizen, mede dankzij Laika uit Portland, een stop-motionstudio die doorbrak met het sublieme “Coraline”. Gebaseerd op een boek van geek idool Neil Gaiman en geregisseerd door “The Nightmare Before Christmas” regisseur Henry Selick, concentreert de film zich op het titulaire meisje (Dakota Fanning) dat ontsnapt van haar verwaarlozende ouders naar een andere wereld die sinisterder blijkt te zijn dan ze had gepland. De film is prachtig vormgegeven (met een gebruik van 3D dat nog steeds tot de beste ooit behoort, vlak in de ‘echte wereld’ en uitgestrekt in de fantasiewereld, “Wizard of Oz”-stijl), slim, soulvol, sfeervol, rijk, grappig, spannend en vreemd, en hij is alleen maar ouder geworden als een goede wijn in het laatste half decennium. “Paranorman” en “The Boxtrolls” zijn allebei de moeite waard om te bekijken, maar Laika’s eerste uur blijft hun beste tot nu toe.

14. “The Lego Movie” (2014)
Op papier leek het een nachtmerrieachtig bedrijfssynergiefestijn te worden (het is niet alleen gebaseerd op een stuk speelgoed, maar bevat speelgoedversies van superheroe!). In de praktijk is “The Lego Movie” een sluwe, subversieve, duizelingwekkende vreugde, waarbij Phil Lord en Chris Miller hun vorige animatiefilm “Cloudy With Chance Of Meatballs” overtreffen (waarvan sommigen van ons erg chagrijnig zijn dat die niet in deze lijst staat…). De film is een spoofing van het ‘uitverkorene’-verhaal waarin Chris Pratts Emmett wordt uitgekozen als de laatste grote hoop tegen de kwaadaardige Lord Business (Will Ferrell). De film is een uiterst dwaze, meta-tastische actiekomedie die toch ruimte biedt voor een verrassende mate van pathos, niet in het minst door het geheime live-actie-spel aan het eind van de game. Door het kinderlijke gevoel voor spel te vangen op een manier die slechts weinigen buiten “Toy Story” hadden gedaan, maar het te filteren door een millennial mash-up mentaliteit, moet het wel een van de meest glorieuze mainstream verrassingen zijn in de recente geschiedenis.

13. “Ratatouille” (2007)
“Ratatouille” is een vreemde eend in de Pixar-bijt, niet zozeer vanwege de productiegeschiedenis (“The Incredibles”-regisseur Brad Bird heeft de film laat in de productie volledig omgegooid, wat gebruikelijk is bij de studio), maar meer omdat hij zoveel ouder is dan veel van de andere Pixar-films. De film speelt zich af in de wereld van de verfijnde keuken, richt zich op critici en viert hun lof, heeft een relatief traag tempo en put uit invloeden zo divers als Lubitsch en Proust. Deze auteuristische, borderline-arthouse animatie heeft op de een of andere manier wereldwijd honderden miljoenen dollars opgebracht. Bird’s verhaal over een rat (perfect gespeeld door Patton Oswalt) met een verfijnde smaak en culinaire dromen werkt als een pratende dierenfilm, een romantische komedie, een liefdesbrief aan Parijs (die stadsgezichten!) en aan eten, en zou alleen door Pixar gemaakt kunnen zijn. Sommige van hun andere films hadden misschien een bredere aantrekkingskracht, maar “Ratatouille” is echt verfijnd.

12. “Chicken Run” (2000)
Over het geheel genomen kunnen de films van Aardman Animation niet tippen aan de Oscarwinnende “Wallace & Gromit”-shorts (hoewel het feature-avontuur van de laatste een genot is en bijna in deze lijst was opgenomen). We zeggen “over het algemeen” omdat “Chicken Run”, de eerste avondvullende film van de studio, geweldig is, een charmantere en inventievere film dan de meeste met budgetten die vele malen groter zijn. Het verhaal gaat over een groep kippen die de hulp inroepen van de eigenwijze haan Red (een Mel Gibson van voor zijn pensioen) om van hun boerderij te ontsnappen wanneer ze ontdekken dat ze voorbestemd zijn om in taarten veranderd te worden. Het is een briljante en suggestieve manier om WW2 krijgsgevangenenfilms zoals “The Great Escape” met een zeer Britse excentrieke charme te kopiëren. De film bevat de onberispelijke vormgeving, klassieke fysieke komedie en spannende actie die de Aardman-shorts kenmerkten, maar is ook verhaaltechnisch beter uitgewerkt, met een finale die net zo opzwepend is als al het andere in deze lijst. Vingers gekruist Aardman keert terug naar dit soort vorm snel.

11. “Persepolis” (2007)
De in Cannes bekroonde en voor een Oscar genomineerde film “Persepolis” was een jaar eerder dan de eveneens in Cannes en Oscars genomineerde “Waltz with Bashir”, maar beide films samen vertegenwoordigen de opkomst, of misschien gewoon de meer mainstream acceptatie, van een andere functie van animatie: het vertellen van volwassen autobiografische verhalen die zo persoonlijk en/of pijnlijk politiek zijn dat ze op de een of andere manier bijna smeken om getekend in plaats van gefilmd te worden. Marjane Satrapi’s film is een aangrijpend, grappig, ontroerend en soms gruwelijk verslag van haar jeugd in Teheran tijdens de Islamitische opstand, verteld in eenvoudige, grimmige zwart-wit beelden, maar het is haar oog voor eigenzinnige, humaniserende details (waarvan een groot deel afkomstig is uit haar zelfgeschreven stripverhaal) dat Satrapi als een veelbelovende filmmaker heeft gekenmerkt. En sindsdien heeft ze dat waargemaakt, door een van de levendigste en meest speelse excentrieke filmmakers op het internationale toneel te worden, hoewel ze haar debuut nog moet evenaren qua impact en belang.

10. “Wall-E” (2008)
Misschien is een deel van het venijn dat over “Chappie” werd uitgestort, te wijten aan het feit dat we al een sympathieke (en door critici goedgekeurde) robot-met-een-persoonlijkheid in ons filmlexicon hebben (en dan heb ik het niet over Johnny Five). Pixars “Wall-E”, een nogal vernietigende milieuboodschap verpakt in het verhaal van een eenzame vuilnisrobot en de fragmenten van een verwaarloosde beschaving die alleen hij koestert, was een gewaagde onderneming. Met veel minder dialoog dan de grapjes van de vorige films en een bijna stomme hoofdrolspeler blijft het een van de meest formele sobere en ronduit satirische films van de studio. Toch is de film van Andrew Stanton warm en grappig. Hij vertrouwt op de verbluffende expressiviteit van het ontwerp van Wall-E (zijn spel met de bal en de knuppel is een perfect voorbeeld van de onberispelijke fysica die overal aan het werk is) om met een sprankelende originaliteit een verhaal te vertellen dat uiteindelijk elke ouderwetse trope uit het boek gebruikt: een onwaarschijnlijke held vecht om de hand van zijn geliefde te winnen en redt zo de mensheid van zichzelf.

9. “The Wind Rises” (2013)
Hayao Miyazaki is al eerder met pensioen gegaan (tien jaar geleden suggereerde hij al dat hij klaar was met filmmaken), maar nu Studio Ghibli naar verluidt ophoudt te bestaan, lijkt The Wind Rises wel eens de zwanenzang van de anime-meester te kunnen worden. De film lijkt zeker een definitief statement: een (meestal) fantasievrij melodrama over de echte vliegtuigontwerper Jiro Horikoshi, een ontroerend portret van het einde van een tijdperk in Japan, een onderzoek naar de manier waarop vooruitgang, technologie en zelfs kunst gecorrumpeerd kunnen worden, een liefdesbrief aan de geliefde luchtvaart van de regisseur, en bovenal een autobiografisch portret van de kunstenaar als een geobsedeerde jongeman. Iedereen die dit afdoet als een tekenfilm heeft zijn hoofd er niet goed bij. Zo prachtig als alles wat de regisseur ooit heeft gemaakt, had het ook, ondanks dat het relatief realistisch is, alleen maar als animatie kunnen werken. Als dit echt Miyazaki’s laatste film is, zal hij pijnlijk gemist worden.

8. “Waltz with Bashir” (2008)
De film van Ari Folman is een meesterlijke combinatie van een persoonlijk essay, een documentaire en hallucinerende beelden, en laat zien hoe een soldaat de Libanon-oorlog van 1982 heeft ervaren. Helaas zijn mensenrechten- en probleemfilms tegenwoordig een dubbeltje in een dozijn, dus het is geen geringe prestatie dat Folman in staat was om deze beperkte grenzen te overstijgen door van ‘Waltz’ een volslagen filmische film te maken. De animatie – een mix van Adobe Flash-knipsels met klassieke animatie – draagt bij aan het surreële karakter van Folmans herinneringen aan een traumatische tijd in zijn jonge leven. De spookachtige score van Max Richter en een mix van bij de tijd passende liedjes (PiL’s “This is Not a Love Song” is een hoogtepunt) dragen ook bij aan de algehele kracht. Het is effectief, leerzaam en emotioneel omdat het onderhoudend is.

7. “Fantastic Mr Fox” (2009)
Stop motion animatie en Wes Anderson bleken een pindakaas-en-pudding-achtige combinatie te zijn in deze zoete maar zure bewerking van het boek van Roald Dahl. Wij willen niet beweren dat het de beste film van de auteur is, maar in veel opzichten is het het meest representatief voor zijn reputatie als een hoofdletter A “kunstenaar.” Zijn al zijn hypergecontroleerde filmische diorama’s tenslotte niet een vorm van live action animatie? Naast de waardering voor zijn plaats in Andersons nalatenschap, is ‘Fox’ prachtig om naar te kijken en een van zijn grappigste films tot nu toe. De adaptatie van een kinderverhaal zorgt ervoor dat zijn breedsprakige, zelfs maffe humor op een aangename manier naar boven komt (het hoogtepunt komt wanneer de antagonistische boeren worden geïntroduceerd in pittige vignet cutaways). De visuals grijpen terug naar Rankin/Bass en bewijzen dat ouderwetse methodes nieuw kunnen aanvoelen als ze goed gedaan worden. Wij houden het meest van deze film omdat hij voor iedereen is, maar toch de scherpe kantjes en de gevolgen heeft.

6. “The Tale Of Princess Kaguya” (2013)
Het kreeg niet zo veel aandacht als “The Wind Rises,” maar “The Tale Of Princess Kaguya,” de zwanenzang voor Miyazaki’s Studio Ghibli mede-oprichter en “Grave Of The Fireflies” regisseur Isao Takahata, is een nog meer elegische, prachtig bitterzoet afscheid van een van de meesters van het medium. De film is een fabel die losjes gebaseerd is op het traditionele verhaal van de Bamboesnijder en die op een verbluffende, schilderachtige manier geanimeerd is. In de film wordt het hoofdpersonage in een bamboescheut ontdekt door haar nederige ouders. Ze wordt verheven tot rijkdom en het hof gemaakt door eindeloze vrijers, maar niets kan het gevoel veranderen dat haar tijd op aarde kort zal zijn. Deze film is eenvoudig van uitdrukking en verhaal, maar toch ongelooflijk rijk (er spelen sterke feministische en milieuthema’s, naast de overpeinzingen over sterfelijkheid). Het is een delicate, pastorale film die dient als definitieve samenvatting van Takahata’s carrière en als een diep ontroerend afscheid.

5. “The Triplets of Belleville’ (2003)
78 minuten pure Franse gelukzaligheid. Het script van Sylvain Chomet (met nauwelijks hoorbare dialogen) bestaat uit schijnbaar willekeurige afslagen die je niet alleen aan het raden houden, maar op miraculeuze wijze samenkomen tot een magisch, uniek geheel. De arbeidsintensieve, prachtig ouderwetse, schilderachtige animatie is een wonder om te zien en brengt het bizarre verhaal van een schattige taakgeefster tot leven. Haar zoon, een fietser, wordt ontvoerd door de maffia en gebruikt voor snode gokpraktijken. Ze sluit zich aan bij de zingende drieling die haar helpt bij de redding, wat bijdraagt aan de aanstekelijke muzikale vrolijkheid die de hele film uitstraalt. Het is een totaal originele vertelling, geregisseerd door Chomet met een perfecte greep op het materiaal. Hoewel het nog steeds een cultfilm is (ondanks het feit dat hij in 2003 voor 2 Oscars werd genomineerd), is de film meer dan toegankelijk voor elk publiek.

4. “It’s Such A Beautiful Day” (2012)
Hij is verre van een begrip (al heeft zijn recente bijdrage aan een van de beste banksequenties voor “The Simpsons” in de 25-jarige geschiedenis van de show wel geholpen), maar animatiefans zijn al lang vol lof over Don Herzfeldt uit Austin, vooral na “It’s Such A Beautiful Day”. De 23 minuten durende korte film uit 2011 met dezelfde naam wordt gecombineerd met de twee eerdere korte films “Everything Will Be Ok” en “I Am So Proud Of You”. Het is een beklemmende, uiteindelijk op een vreemde manier levensbevestigende trilogie in Herzfeldts kenmerkende stokfiguren, lijntekeningen (hoewel verfraaid met een steeds onstuimigere verzameling effecten), waarin satire, ultrageweld en in het onthutsende laatste segment mentale ziekte en identiteit aan bod komen. Deze film, die op een vreemde manier toegankelijk is, somber en transcendent, eenvoudig en eindeloos herbekijkbaar, is een ijskoud meesterwerk dat bevestigt dat Herzfeldt een groot filmmaker is.