Cele mai bune 25 de filme de animație ale secolului 21 de până acum

În mod surprinzător, dintre toate cele multe, multe nume cu care am fost numiți în clasamentul celor mai bune 50 de filme ale deceniului de până acum, „cripto-fasciști anti-animație, hegemonici și de acțiune live” nu a fost unul dintre ele, în ciuda faptului că nu am inclus niciun film de animație în acea listă. Am fost un pic dezamăgiți, ca să fim sinceri, deoarece aveam pregătită o replică rapidă: ne aflam deja în etapele de planificare a unui film de animație, așa că ne-am simțit îndreptățiți să separăm filmele de acțiune live de cele desenate manual, generate pe calculator, stop motion și de frații lor din lut. Iată, așadar, această listă: de data aceasta, intervalul de timp este extins pentru a include orice film de animație în orice stil (cu excepția rotoscopului, pe care l-am exclus din cauza faptului că se bazează mai întâi pe filmările live-action) din 2000 până în prezent.

În ultimii cincisprezece ani, industria animației a trecut prin convulsii uriașe, de la uniunea titanică a gigantului de modă veche Disney cu îndrăgitul game-changer Pixar, la ascensiunea spre glorie internațională și câștigarea premiilor Oscar a extraordinarului Studio Ghibli (și dizolvarea sa iminentă), până la saltul masiv în calitate făcut de cei de la DreamWorks și de alți debutanți. Toți acești factori se combină pentru a oferi un peisaj cinematografic mainstream și de artă care este mai prietenos cu o gamă mai diversă de stiluri și subiecte de animație decât oricând înainte. Amploarea mare a opțiunilor pe care le avem, precum și natura extrem de subiectivă a acestui tip de film (pentru un spectator, „drăguț” pentru un alt spectator înseamnă „ciudat” pentru un alt spectator) înseamnă că suntem pe deplin încrezători că acest clasament va inspira, de asemenea, partea sa echitabilă de furie/acuzații de părtinire. Dar, așa cum ne-au învățat multe dintre filmele enumerate mai jos, vom fi curajoși, ne vom urma visele și ne vom găsi rezervele interioare de forță și bunătate pentru a face față la orice ne-ar arunca viața și comentatorii, în timp ce vă conducem în această călătorie prin cele 25 de filme de animație preferate ale secolului XXI. Iar dacă vreți mai multe dintre cele mai bune filme din 2000 încoace, puteți consulta aici reportajul nostru despre cele mai bune filme de groază ale secolului XXI.

25. „Lilo & Stitch” (2002)
Fârșitul anilor ’90 și începutul anilor ’00 au fost o perioadă sumbră pentru animația Disney: acea epocă de dinainte de „Frozen” nu a plătit aproape nimic la box office, în mare parte pentru că filme precum „Brother Bear” și „Home On The Range” au fost extrem de slabe. Dar principala lumină strălucitoare (împreună cu „The Emperor’s New Groove”, care este admirabil de Chuck Jones-esque) a fost „Lilo & Stitch”. La prima vedere, este o replică la „E.T.” – o tânără excentrică se împrietenește cu un fugar intergalactic – dar regizorii Chris Sanders și Dean DeBlois (care aveau să realizeze apoi „Cum să-ți dresezi dragonul”) îl fac să cânte prin specificitate: năzbâtiile delirante ale adorabilului și psihoticului Stitch, decorul hawaiian superb realizat și patetismul surprinzător al lui Lilo și al surorii sale mai mari, care sunt investigate de serviciile sociale. Poate că nu se ridică la nivelul vârstei de aur târzii a Disney de la începutul anilor ’90, dar este un film minunat de ciudat și enorm de satisfăcător.

24. „Winnie the Pooh” (2011)
Care generație are sentimentul că copiii din ziua de azi pierd o parte vitală a copilăriei din cauza progreselor tehnologice ale vieții moderne (încă de la primul tată din neolitic care a clătinat din cap cu tristețe la utilizarea de către fiul său a acelor unelte de bronz nou-nouțe). Dar „Winnie the Pooh” de la Disney, animat manual de regizorii Don Hall și Stephen J. Anderson, evocă vremuri mai simple cu farmec și ingeniozitate și chiar -gasp!- sugerează plăcerile lecturii, personajele interacționând cu textul din pagină într-un mod continuu și inventiv. Este adevărat că este destinat copiilor foarte mici, iar unii adulți care au crescut cu filmele Disney Pooh anterioare au fost aparent dezamăgiți de faptul că acesta nu a fost la fel de, ei bine, disneyficat. Dar acesta este un omagiu scurt, calm și ușor aiuritor adus unuia dintre cele mai dulci și mai îndrăgite personaje pentru copii din toate timpurile, care respectă materialul sursă original al lui Pooh – minunatele cărți ale lui AA Milne.

23. „Rango” (2011)
Chiar și atunci când filmele originale din „Pirații din Caraibe” nu funcționau, ele erau totuși admirabil de ciudate. Așa că, retrospectiv, nu este surprinzător că atunci când regizorul Gore Verbinski și starul Johnny Depp s-au reunit din nou pentru un film de animație, au produs unul dintre cele mai ciudate filme de animație realizate vreodată de un studio. Îmbinând „Chinatown” cu oricare dintre numeroasele western-uri clasice, dar cu animale și cu o vibrație ușor deranjantă, filmul îl vede pe cameleonul lui Depp, care seamănă cu Hunter Thompson, confundat cu un erou de către un oraș care suferă de secetă. Repetat cu actorii în costume (o raritate absolută în lumea animației) înainte de a fi adus la viață uimitor de Industrial Light & Magic, singurul film de animație al companiei VFX de până acum, este o reamintire a viziunii ciudate pe care Verbinski ar putea-o aduce fără blocaj de blockbuster și, deși abia dacă se califică drept un film pentru copii, se dovedește a fi o călătorie extrem de distractivă.

22. „Un oraș numit panică” (2009)
Bazat pe o emisiune de televiziune franțuzească ușor suprarealistă și având distincția de a fi prima animație stop-motion prezentată vreodată la Cannes, „Un oraș numit panică” al belgienilor Stéphane Aubier și Vincent Patar este povestea absurdă a lui Cowboy (un cowboy de jucărie din plastic), Indian (un indian de jucărie din plastic) și Horse (o jucărie de jucărie din plastic, ați prins ideea) care locuiesc împreună într-o casă la țară și care intră în încurcături inexplicabile. O încercare de a sărbători ziua de naștere a lui Horse dă greș atunci când o comandă pe internet pentru 50 de cărămizi este confundată din greșeală cu 50 de milioane de cărămizi, așa că ei construiesc ziduri mari care sunt furate de creaturi marine răutăcioase, așa că pleacă pe urmele lor pe un teren înzăpezit, aerian, subteran și împădurit… intriga nu are niciun sens, iar povestea poate părea la fel de sacadată ca și animația fermecător de crudă. Dar este, de asemenea, investită cu o energie total nebună, care ține mai puțin de marile arcuri narative decât de interacțiunile și ciudățeniile de moment care înghesuie fiecare scenă trăsnită.

21. „Millennium Actress” (2001)
Deși a regizat doar patru lungmetraje complete și s-a stins din păcate în 2010 la doar 46 de ani, Satoshi Kon s-a impus ca unul dintre cei mai importanți și originali regizori de anime. Am fi putut să includem cu ușurință (și aproape am fi făcut-o) „Tokyo Godfathers” sau „Paprika” (despre acesta din urmă se spune de mulți că a inspirat „Inception” al lui Christopher Nolan), dar am spune că capodopera sa a fost cel de-al doilea lungmetraj al său, „Millennium Actress” din 2001. Mult mai matur decât majoritatea lungmetrajelor de animație, fie ele japoneze sau americane, acest film are un concept fascinant, deoarece o vedetă de cinema pensionată în vârstă aduce o echipă de documentare printre amintirile ei, schimbând genurile și formele pe măsură ce își spune povestea prin rolurile sale cinematografice. Fanii narațiunii clare vor fi probabil dezamăgiți, dar există o cutie de puzzle fascinantă și bogată de descâlcit, care se luptă cu succes cu temele preferate ale lui Kon despre natura realității și puterea artei.

20. „Monster House” (2006)
Cu siguranță cel mai bun dintre filmele de captare a performanțelor lui Robert Zemeckis, în parte datorită faptului că este înfricoșător doar atunci când încearcă să fie și în parte pentru că nu a fost regizat de Zemeckis (Gil Kenan a avut în schimb sarcina), „Monster House” este filmul rar care reușește să facă atât „Burtonesque”, cât și „Amblin-esque” într-o manieră reușită, și face acest lucru cu o grămadă de inimă și spaime în acest proces. Co-scris de creatorul „Community” Dan Harmon și de prietenul său Rob Schrab, este povestea a trei preadolescenți aventuroși care investighează o casă locală înfricoșătoare. Lucrând acolo unde „The Polar Express” nu a făcut-o, stilizând și mai mult personajele, își face tinerii protagoniști credibili și simpatici ca niște copii într-un mod în care puține filme se obosesc, ceea ce duce atât la gaguri grozave („Este uvula!” „Deci este o casă de fete?”), cât și la un patetism mai eficient decât majoritatea. Există filme mai arătoase aici, dar puține care să fie la fel de amuzante.

19. „How To Train Your Dragon” (Cum să-ți dresezi dragonul” (2010)
Filmele sale variază în ceea ce privește calitatea, de la cele aproape grozave („Kung Fu Panda”, originalul „Shrek”) la cele surprinzător de distractive („Madagascar 3” – nu, serios!) și până la cele lipsite de valoare în esență (continuările ulterioare ale lui „Shrek”, „Shark Tale”), dar, indiferent de rezultat, DreamWorks Animation a fost aproape întotdeauna văzută ca fiind vioara a doua în fața Pixar. Excepție face „Cum să-ți dresezi dragonul”, o poveste de aventură palpitantă care combină o relație centrală de tip „E.T.” între un tânăr viking și prietenul său dragon cu secvențe de zbor uimitoare, în 3D, construirea lumii și cea mai picturală imagine a companiei (creată cu ajutorul legendei cinematografiei Roger Deakins). Atât de des, DreamWorks recurge la gaguri din cultura pop sau la distribuția celebrităților, dar în acest film (și, într-o mai mică măsură, în continuarea sa) a lăsat povestea să conducă, iar rezultatul este un triumf absolut.

18. „Finding Nemo” (2003)
Datorită palmaresului amestecat al Pixar în materie de continuări, este greu să nu fii îngrijorat în legătură cu „Finding Dory” de anul viitor, continuarea tardivă a uneia dintre cele mai îndrăgite realizări ale studioului, „Finding Nemo” din 2003. La urma urmei, originalul a fost ceva aproape de un miracol. Povestea tatălui supraprotector (Albert Brooks) al cărui cel mai mare coșmar devine realitate atunci când fiul său este dus peste ocean este o poveste amețitor de colorată, enorm de amuzantă, plină de personaje incredibil de memorabile și, probabil, de cea mai bună distribuție vocală de până acum a Pixar (Brooks și co-liderul Ellen DeGeneres sunt perfecți, dar îi avem și pe Willem Dafoe, Allison Janney, Stephen Root, Geoffrey Rush și Eric Bana). Dar, în esența sa, filmul are o forță emoțională la fel de mare ca orice alt film realizat de studio, scurtând treptat prăpastia dintre un tată iubitor, dar nevrotic în mod distructiv, și fiul său aventuros, dar vulnerabil. Dacă sequel-ul este măcar pe jumătate la fel de bun ca acesta, ar trebui să fie încă un clasic.

17. „Monsters Inc.” (2001)
După cele două filme grozave „Toy Story” și „A Bug’s Life”, primit în mod mediocru (oarecum nedrept), „Monsters Inc.” a fost filmul care a sugerat că Pixar va fi mult mai mult decât casa pe care a construit-o Buzz. La fel ca și „Toy Story”, acest film preia un concept irezistibil al copilăriei – povestea din spatele monștrilor de sub patul sau din dulapul fiecărui copil – și l-a umplut cu două dintre cele mai adorabile personaje ale companiei, Mike Wasowski, cu ochii pe picioare al lui Billy Crystal, și Sully, albastru pufos al lui John Goodman, care au lăsat din greșeală un copil presupus a fi mort, pe absolut adorabilul Boo, să intre în paradisul lor al monștrilor. Filmul nu este la fel de perfect din punct de vedere narativ ca unele dintre filmele ulterioare ale Pixar (diversiunea Yeti este un aer mort), dar este totuși superb conceput, are o inimă uriașă și se dovedește a fi absolut satisfăcător. Prequel-ul decent-dar-nefolositor „Monsters University” pălește în comparație, ceea ce este o dovadă a forței originalului.

16. „Toy Story 3” (2010)
Cu un deceniu întreg după îndrăgitul „Toy Story 2” (și părând a fi ultimul cuvânt al lungmetrajelor „Toy Story”… până la „Toy Story 4”), „Toy Story 3” este unul dintre cele mai bune filme de animație ale secolului, ceea ce demonstrează ștacheta înaltă a Pixar. În loc să facă un tur al victoriei, echipa de creație formată din John Lasseter, Andrew Stanton și regizorul Lee Unkrich a schimbat lucrurile la a treia ediție, lăsând ca timpul să fi trecut și ca Andy să se îndrepte spre facultate. Aventurile care urmează sunt remarcabile: există un pericol real uneori, destul de multă întuneric și o căutare a sufletului destul de profundă, ceea ce îl face chiar mai afectiv pentru adulți decât predecesorii săi. Pentru că aceste filme nu au fost niciodată cu adevărat despre jucării de plastic – ele au fost despre copilărie, o stare pe care o poți aprecia cu adevărat doar după ce s-a încheiat și cineva nou se joacă cu jucăriile tale vechi.

15. „Coraline” (2009)
Există mai multă calitate care iese din mai multe case de animație în aceste zile, în parte datorită studioului Laika din Portland, un studio de stop-motion care a izbutit să iasă în evidență cu sublimul „Coraline”. Bazat pe o carte a lui Neil Gaiman, idolul tocilarilor, și regizat de Henry Selick, realizatorul filmului „Coșmarul dinaintea Crăciunului”, filmul se concentrează pe fata titulară (Dakota Fanning) care evadează de la părinții ei neglijenți într-o altă lume care se dovedește a fi mai sinistră decât a plănuit. Imaginea este superb concepută (cu o utilizare a 3D care este încă printre cele mai bune din toate timpurile, plată în „lumea reală” și expansivă în cea fantastică, în stilul „Vrăjitorul din Oz”), inteligentă, plină de suflet, atmosferică, bogată, amuzantă, incitantă și ciudată, și a îmbătrânit ca un vin bun doar în ultima jumătate de deceniu. „Paranorman” și „The Boxtrolls” merită amândouă vizionate, dar prima oră a celor de la Laika rămâne cea mai bună de până acum.

14. „The Lego Movie” (2014)
Pe hârtie, părea să fie un festival de coșmar al sinergiilor corporatiste (nu se bazează doar pe o jucărie, ci include versiuni de jucărie ale unor super-eroi!) În practică, „The Lego Movie” este o bucurie șireată, subversivă și amețitoare, Phil Lord și Chris Miller depășind filmul lor de animație precedent „Cloudy With Chance Of Meatballs” (pe care unii dintre noi sunt foarte supărați că nu se află în această listă…). Făcând o parodie a narațiunilor despre „aleși”, în timp ce Emmett, interpretat de Chris Pratt, este ales ca ultima mare speranță împotriva maleficului Lord Business (Will Ferrell), este o comedie de acțiune profund caraghioasă și meta-tastică, care găsește totuși loc pentru un grad surprinzător de patos, nu în ultimul rând în tactica sa secretă de final de joc live-action. Capturând un simț copilăresc al jocului într-un mod în care puțini au făcut-o în afară de „Toy Story”, dar filtrându-l printr-o mentalitate de mash-up milenar, trebuie să figureze ca una dintre cele mai glorioase surprize mainstream din memoria recentă.

13. „Ratatouille” (2007)
„Ratatouille” este un fel de ciudățenie în cadrul canonului Pixar, mai puțin din cauza istoriei producției sale („The Incredibles” helmer Brad Bird a retocat complet filmul la sfârșitul producției, ceea ce este normal la studio), și mai mult pentru că joacă mult mai vechi decât multe dintre celelalte filme ale lor. Plasat în lumea bucătăriei fine, filmul vizează și celebrează criticii, are un ritm relativ lent și se bazează pe influențe atât de diverse precum Lubitsch și Proust. Este o animație de autor, la limita casei, care a ajuns cumva să facă sute de milioane de dolari în întreaga lume. Povestea lui Bird despre un șobolan (interpretat perfect de Patton Oswalt) cu un palat rafinat și vise culinare funcționează ca un film cu animale vorbitoare, o comedie romantică, o scrisoare de dragoste pentru Paris (acele peisaje urbane!) și pentru mâncare, și ar fi putut fi realizată doar de Pixar. Unele dintre celelalte filme ale lor ar fi putut avea un farmec mai larg, dar „Ratatouille” este cu adevărat rafinat.

12. „Chicken Run” (2000)
În general, lungmetrajele Aardman Animation nu s-au ridicat la înălțimea scurtmetrajelor sale premiate cu Oscar „Wallace & Gromit” (deși aventura de lungmetraj a acestuia din urmă este o bucurie și era cât pe ce să intre în această listă). Spunem „în ansamblu” pentru că „Chicken Run”, primul efort de lungmetraj al studioului, este extraordinar, un film mai fermecător și mai inventiv decât majoritatea celor cu bugete de multe ori mai mari. Urmărind un grup de găini care apelează la ajutorul cocoșului încrezut Red (un Mel Gibson înainte de declin) pentru a evada de la ferma lor atunci când află că sunt destinate să fie transformate în plăcinte, filmul canalizează în mod strălucit și sugestiv filmele cu prizonieri de război din al doilea război mondial, precum „The Great Escape”, cu un farmec excentric foarte britanic. Cuprinzând designul imaculat, comedia fizică clasică și acțiunea palpitantă care au caracterizat scurtmetrajele Aardman, este, de asemenea, mai bine închegat din punct de vedere narativ, cu un final la fel de antrenant ca oricare altul de pe această listă. Facem pumnii pentru ca Aardman să revină curând la acest tip de formă.

11. „Persepolis” (2007)
„Persepolis”, câștigător al Premiului Juriului la Cannes și nominalizat la Oscar, a precedat cu un an filmul „Vals cu Bashir”, nominalizat și la Cannes și la Oscar, dar, luate împreună, ambele reprezintă apariția, sau poate doar acceptarea mai larg răspândită, a unei alte funcții a animației: aceea de a spune povești adulte autobiografice atât de personale și/sau dureros de politice încât, cumva, aproape că imploră să fie desenate mai degrabă decât filmate. Filmul lui Marjane Satrapi este o relatare emoționantă, amuzantă, înduioșătoare și, ocazional, înfiorătoare a copilăriei sale care a crescut în Teheran în timpul rebeliunii islamice, povestită în imagini simple, crude, alb-negru, dar ochiul său pentru detalii neobișnuite și umanizante (o mare parte din ele provenind din benzile desenate scrise de ea însăși) este cel care a marcat-o pe Satrapi drept o cineastă promițătoare. Iar de atunci s-a achitat de această calitate, devenind unul dintre cei mai vioi și mai excentrici regizori de film de pe scena internațională, deși încă nu și-a egalat debutul în ceea ce privește impactul și importanța absolută.

10. „Wall-E” (2008)
Poate că o parte din vitriolul revărsat asupra lui „Chappie” a venit pentru că avem deja un robot cu personalitate adorabil (și aprobat de critică) în lexicul nostru cinematografic (nu vorbesc despre Johnny Five). „Wall-E” al celor de la Pixar, un mesaj ecologist destul de dur înfășurat în povestea unui robot de gunoi singuratic și a fragmentelor unei civilizații neglijate pe care doar el o prețuiește, a fost o întreprindere îndrăzneață. Cu mult mai puține dialoguri decât glumele deocheate de până acum și cu un protagonist aproape mut, rămâne unul dintre cele mai austere formal și mai satirice filme ale studioului. Cu toate acestea, filmul lui Andrew Stanton este cald și amuzant, bazându-se pe expresivitatea uimitoare a designului lui Wall-E (jocul său cu mingea și cu bâta este un exemplu perfect al fizicii imaculate la lucru pe tot parcursul filmului) pentru a spune cu o originalitate strălucitoare o poveste care, în cele din urmă, folosește toate troparele de modă veche din carte: un erou improbabil luptă pentru a câștiga mâna iubitei sale și, astfel, salvează omenirea de ea însăși.

9. „The Wind Rises” (2013)
Hayao Miyazaki s-a mai retras și înainte (sugerase că a terminat cu cinematografia încă de acum un deceniu), dar cu Studio Ghibli care se presupune că se retrage, „The Wind Rises” pare cu siguranță că ar putea fi cântecul de lebădă al maestrului anime. Filmul pare cu siguranță o declarație definitorie: o melodramă (în cea mai mare parte) lipsită de fantezie despre designerul de avioane din viața reală Jiro Horikoshi, este un portret emoționant al sfârșitului unei epoci în Japonia, o examinare a modului în care progresul, tehnologia și chiar și arta pot fi corupte, o scrisoare de dragoste către aviația iubită de regizor și, mai mult decât orice altceva, un portret autobiografic al artistului ca tânăr obsedat. Oricine respinge acest film ca fiind un desen animat nu are capul bine fixat. La fel de superb ca orice altceva pe care regizorul l-a făcut vreodată, de asemenea, în ciuda faptului că este relativ realist, ar fi putut funcționa doar ca animație. Dacă acesta este cu adevărat ultimul film al lui Miyazaki, îi va fi dureros de dor.

8. „Vals cu Bashir” (2008)
Un caz solid pentru cât de îndemânatică poate fi animația, filmul lui Ari Folman hibridizează cu măiestrie eseul personal, documentarul și imaginile halucinante, toate în slujba unei examinări îndrăznețe a experienței unui soldat în Războiul din Liban din 1982, care are exact doza potrivită de stilizat cool pentru a te prinde în intuițiile sale sfâșietoare. Din păcate, în zilele noastre, filmele despre drepturile omului și despre subiecte de actualitate sunt la duzină, așa că nu este puțin lucru că Folman a reușit să transceadă aceste limite înguste, făcând din „Waltz” un film absolut cinematografic. Animația – un amestec de decupaje Adobe Flash cu animație clasică – contribuie la natura suprarealistă a amintirilor manifestate de Folman cu privire la o perioadă traumatizantă din viața sa tânără. Partitura obsedantă a lui Max Richter și un amestec de cântece adecvate epocii (piesa „This is Not a Love Song” a celor de la PiL este un punct culminant) contribuie, de asemenea, la puterea sa generală. Este eficient, educativ și emoționant pentru că este distractiv.

7. „Fantastic Mr Fox” (2009)
Animarea stop motion și Wes Anderson s-au dovedit a fi o combinație asemănătoare cu unt de arahide și jeleu în această adaptare dulce, dar acidă, a cărții lui Roald Dahl. Nu am putea spune că este cel mai bun film al autorului, dar în multe privințe este cel mai reprezentativ pentru reputația sa de „artist” cu majuscule. La urma urmei, nu sunt toate dioramele sale cinematografice hipercontrolate o formă de animație live action? Dincolo de simpla apreciere a locului său în moștenirea lui Anderson, „Fox” este frumos de privit și unul dintre cele mai amuzante filme ale sale de până acum. Adaptarea unei povești pentru copii permite umorului său mai amplu, chiar caraghios, să iasă la suprafață în moduri plăcute (punctul culminant vine atunci când fermierii antagoniști sunt introduși în niște cuplaje rapide de viniete). Aspectele vizuale amintesc de Rankin/Bass, demonstrând că metodele de modă veche pot părea noi atunci când sunt bine realizate. Ne place acest film cel mai mult pentru că este pentru toată lumea, dar are totuși margini aspre și consecințe.

6. „The Tale Of Princess Kaguya” (2013)
Nu a primit la fel de multă atenție ca „The Wind Rises”, dar „The Tale Of Princess Kaguya”, cântecul de lebădă al lui Miyazaki, cofondatorul Studio Ghibli și regizorul lui Isao Takahata, regizorul lui „Grave Of The Fireflies”, este un adio și mai elegiac și frumos de dulce-amărui din partea unuia dintre maeștrii acestui mediu. O fabulă bazată vag pe povestea tradițională a Tăietorului de bambus și animată într-o manieră uimitoare, picturală, filmul prezintă descoperirea personajului principal în interiorul unui lăstar de bambus de către umilii săi părinți. Ea este ridicată la rang de bogăție și curtată de pretendenți nesfârșiți, dar nimic nu poate schimba sentimentul că timpul ei pe Pământ va fi scurt. Simplu atât în expresie, cât și în poveste, dar totuși incredibil de bogat (există teme feministe și de mediu puternice la mijloc, alături de meditațiile asupra mortalității), este un film delicat, pastoral, care servește atât ca un rezumat definitiv al carierei lui Takahata, cât și ca o despărțire profund emoționantă.

5. „The Triplets of Belleville” (2003)
78 de minute de fericire franceză pură. Scenariul lui Sylvain Chomet (cu aproape nici un dialog audibil) este alcătuit din viraje de stânga aparent aleatorii care nu numai că te țin în suspans, dar se contopesc în mod miraculos într-un întreg magic și unic. Animația, care necesită multă muncă și este frumos pictată, de tip old school, este o minune de admirat, dând viață acestei povești bizare a unei adorabile mame care se ocupă de sarcini și al cărei fiu ciclist este răpit de către mafie și folosit pentru scheme nefaste de jocuri de noroc. Ea se alătură tripleților cântăreți titulari care o ajută la salvare, contribuind la bucuria muzicală contagioasă de care este plin întregul film. Este o narațiune cu totul originală, regizată de Chomet cu o stăpânire perfectă a materialului. Deși este încă un obiect de cult (în ciuda faptului că a fost nominalizat la 2 premii Oscar în 2003), filmul este mai mult decât accesibil pentru orice public.

4. „It’s Such A Beautiful Day” (2012)
Este departe de a fi un nume cunoscut (deși contribuția recentă la una dintre cele mai bune secvențe de canapea pentru „The Simpsons” din istoria de 25 de ani a emisiunii a ajutat), dar fanii animației îi cântă de mult timp laudele lui Don Herzfeldt din Austin, în special după „It’s Such A Beautiful Day”. Combinând scurtmetrajul cu același nume din 2011, de 23 de minute, cu două scurtmetraje anterioare, „Everything Will Be Ok” și „I Am So Proud Of You”, este o trilogie obsedantă și, în cele din urmă, ciudat de reconfortantă pentru viață, în stilul caracteristic al lui Herzfeldt, cu figuri de băț și linii desenate (deși înfrumusețat cu o colecție de efecte din ce în ce mai amețitoare), care abordează satira, ultraviolența și, în uluitorul segment final, boala mintală și identitatea. Oblicu și ciudat de accesibil, sumbru și transcendent, simplu și infinit de revăzut, este o capodoperă rece ca gheața care confirmă că Herzfeldt este un cineast important.

3. „Up” (2009)
Deci acordăm locul al treilea filmului „Up” în întregime, sau acordăm acest loc datorită acelui montaj de 4 minute din viața de cuplu a lui Carl & Ellie care ne reduce la moloz emoțional? Oare contează măcar? Privind din elicopter sau de la casa zburătoare, „Up” nu este cea mai satisfăcătoare narațiune pe care Pixar a creat-o vreodată, dar este apoteoza abilității alchimice a studioului în ceea ce privește crearea de personaje și relații. Cu acest film, Pete Docter și Bob Petersen ne-au oferit, pur și simplu, unul dintre cele mai mari filme de suferință realizate vreodată, ascuns într-o poveste plină de fantezie, baloane colorate, cercetași lispiți și câini vorbitori hilari. Așadar, deși are la fel de multe de spus despre decalajul dintre generații ca și filmul obișnuit al lui Ozu, precum și faptul că începe cu cea mai emoționantă moarte animată de la decesul mamei lui Bambi încoace, până la finalul său, „Up” nu este nimic mai puțin decât o afirmare veselă a vieții la orice vârstă și la orice înălțime deasupra nivelului mării.

2. „The Incredibles” (2004)
Cel mai bun film al regizorului Brad Bird de până acum este un amalgam fulminant de mitologie imaginară a benzilor desenate, melodramă familială și o superbă animație generată pe calculator. A apărut chiar la finalul primului mare val de titluri Pixar, chiar înainte ca studioul să greșească cu „Cars” și apoi să revină pe drumul cel bun cu „Ratatouille” (datorită lui Bird din nou, firește). De fapt, acesta încă pare a fi cel mai bun moment al jongleriei de animație și probabil cel mai complet film al său, plin de piese de acțiune cu adevărat palpitante și de drame cu personaje ușor de relaționat (bune pentru adulți și copii), și care exploatează în mod incisiv obsesia supereroilor din cultură înainte ca aceasta să fie diluată până la nivelul actual de ubicuitate. Proiectat cu măiestrie (a se vedea conformitatea suburbană în stilul anilor ’50 a locațiilor de acasă și de la birou), scenarizat inteligent, astfel încât poveștile A și B să se completeze și să se îmbunătățească reciproc în mod constant, și cu un valoros mesaj anti-capete de care Madonna ar fi făcut bine să țină cont, „The Incredibles” nu este doar un mare film de animație din toate timpurile, ci este un mare film de supereroi din toate timpurile, punct.

1. „Spirited Away” (2001)
Dacă marele punct forte al animației este ușurința de imersiune totală în lumi delimitate doar de limitele imaginației regizorului, nu există cu adevărat o altă alegere pentru locul întâi decât uimitorul „Spirited Away” al lui Hayao Miyazaki, curatorul uneia dintre cele mai cuprinzătoare și mai frumoase imaginații cinematografice care există. Început ca o poveste de avertizare de tipul „ai grijă ce-ți dorești”, în care o fetiță se aventurează entuziasmată într-un tărâm magic după ce părinții ei sunt transformați în porci, filmul devine mai ciudat, mai fantezist și mai ambiguu pe măsură ce avansează, devenind opusul polar al tipului de simplificare condescendentă și de alb-negru moral care marchează genul filmelor de familie din alte părți. Grotesc, înspăimântător, emoționant, frumos și foarte străin pentru oricine a fost crescut în animația occidentală, „Spirited Away” este, datorită succesului de la Oscar și a promovării sale mai largi în SUA, pentru mulți oameni primul film al lui Miyazaki sau al Studioului Ghibli pe care l-au văzut și, prin urmare, ar trebui să ocupe un loc foarte special în inimile noastre ca portal strălucitor în lumea fantastică, dincolo de lumea lui Ghibli. Mai bine zis în multitudinea de lumi.

Honorable Mentions: Așadar, lista lungă pentru acest lungmetraj a ajuns la peste 100 de titluri, iar pasiunile au fost mari în legătură cu pur și simplu prea multe pentru a le enumera aici, dar există câteva pe care ne-a durut fizic să le excludem, mai ales când s-a întâmplat să fie de la studiouri mai mici sau de la cineaști independenți care ar avea nevoie de strălucire. Așadar, minunatul și seninul „The Secret of Kells” al casei de animație irlandeze Cartoon Saloon; continuarea acestuia, „Song of the Sea”, de asemenea nominalizat la Oscar; „Sita Sings the Blues” al regizoarei Nina Paley, un melanj de jazz din anii ’20, mitologie indiană și animație flash, finanțat independent, plin de umor și spirit, și „Mary and Max” al regizorului australian Adam Elliott, cu vocea regretatului Philip Seymour Hoffman, sunt toate recomandate cu tărie.

Și alte filme mai puțin cunoscute, dar nu mai puțin îndrăgite, care au planat foarte aproape de vârful listei au fost „Pirații!”, „Ernest & Celestine”, „Wallace și Gromit: Curse of the Were Rabbit”, „Cloudy with a Chance of Meatballs”, „Howl’s Moving Castle”, „Brave”, „Ghost in the Shell 2″: Inocența”, „Iluzionistul”, „Paranorman”, „The Boxtrolls”, „Nașii din Tokyo”, „Paprika”, „Ponyo”, „Shrek”, „Wolf Children”, „Aventurile lui Tintin”, „Kung Fu Panda”, „Fata care a sărit în timp”, „Evangelion”: You Are Not Alone”, „Dead Leaves”, „The Secret World of Arriety”, „Frankenweenie”, „Tangled”, „The Emperor’s New Groove” și „Wreck-it Ralph” – am putea continua la nesfârșit, așa că nu o vom face.

Cum am spus, am umblat și am ezitat să includem filmele rotoscopate înainte de a decide că acestea nu se califică, ceea ce nu înseamnă că trebuie să subestimăm măiestria artistică a filmelor „Waking Life” sau „A Scanner Darkly” ale lui Richard Linklater. Și, în cazul în care vă întrebați, nu, nu am uitat de „Frozen”, care este un film bun, dar, în ansamblu, nu prea vedem de ce se face atâta vâlvă. Exprimă-ți indignarea cu privire la neprezentarea sa și orice altceva care te preocupă în secțiunea de comentarii de mai jos. Sau, știți voi, lăsați-o baltă.

– Jessica Kiang, Oliver Lyttelton, Erik McClanahan

Înscrieți-vă: Rămâi la curent cu cele mai recente știri de ultimă oră despre film și televiziune! Înscrieți-vă pentru buletinele noastre de știri prin e-mail aici.