Styl a technika

Annie Pootoogook tvořila jedinečným uměleckým stylem, který zůstal nezaměnitelný po celou dobu její krátké kariéry. Kresbě se aktivně věnovala přibližně deset let, i když díla vytvářela i v pozdějším věku. Zůstala věrná kresebné praxi, při níž používala plstěné pero, tužku a barevnou tužku k vytváření narativních, přímých a často nenápadných kompozic. Přestože experimentovala s velkoformátovými papíry, raději pracovala s menšími listy o rozměrech 51 x 66 cm. Přesto bez ohledu na to, jaký rozměr si Annie pro své kompozice zvolila, měly vždy obrovský dopad.

Kritické materiály a rané vlivy

Annie Pootoogook ve své praxi využívala fixy, grafit, pastelky a papír. Různorodé styly a techniky jejích raných prací, jako například Jíst tuleně doma, 2001, a Kompozice (Rodinné hrací karty), 2000-2001, dokládají její ochotu experimentovat a učit se. Annie si rychle osvojila technické ovládání média kresby. Kresba na papír je na Severu dlouholetou tradicí, která začala v padesátých letech 20. století a původně ji praktikovala takzvaná první generace, k níž patří významní umělci, jako je Anniina babička Pitseolak Ashoona (asi 1904).-(1916-1992).

Ačkoli Annie používá linii podobně jako mnozí její předchůdci, včetně její babičky a matky Napachie Pootoogook (1938-2002), její zralé kompozice se od dřívějších inuitských umělců velmi liší. V dílech umělců, jako jsou Kenojuak Ashevak (1927-2013) a Mayoreak Ashoona (nar. 1946), dominují na papíře obrazy mýtických zvířat. Annie je známá svými vnitřními prostory, které vymezuje stěnami a podlahou, někdy i dveřmi a okny. Místnost obvykle zaplňuje změť nábytku a všedních předmětů. Lidé v jejích interiérech zabírají prostor tak, jak to lidé obvykle dělají – uspořádávají se pohodlně a přirozeně. Když zobrazí izolovaný předmět, například brýle nebo podprsenku, vynikne odvážně jako ikona na ploše papíru. Ačkoli Anniini předchůdci obvykle nekomponovali interiéry ani neizolovali předměty stejným způsobem jako Annie, některá díla, konkrétně díla Napachieho, jsou uznávána jako důležité precedenty.

Napachieho vliv na Anniinu tvorbu je patrný v dílech jako Pohled do interiéru, 2000. Není pochyb o tom, že Annie v mládí sledovala, jak její matka vytváří kresby; stopy Napachieho popisných kompozic, které zahrnují drobnosti každodenního života, jsou patrné v Anniině pozdější tvorbě. Mezi díly obou umělkyň lze nalézt i přímé korelace. Například Napachieho kresba Trading Women for Supplies (Výměna žen za zásoby) z let 1997-98 zobrazuje temnější téma vykořisťování na základě pohlaví. Také Annie vytvořila díla, například A True Story (Pravdivý příběh, 2006), která zobrazují znepokojivé události ze skutečného života čerpané z její komunity. Napachieho boj s duševním zdravím a zneužíváním ovlivnil i Anniinu tvorbu. Poté, co Annie sledovala, jak její matka vytváří kresby o těchto těžkých zkušenostech, začala vytvářet své vlastní, například Man Abusing His Partner, 2002, a Memory of My Life: Rozbíjení lahví, 2001-2. V širším smyslu se Annie i její matka inspirovaly vzpomínkami na své dětství.

Annie jako malá dívka trávila čas pozorováním své babičky Pitseolak, upoutané na lůžko, jak kreslí. Pitseolakův vliv vidíme v Anniiných silných liniích a jemným způsobem také v některých Anniiných námětech. Například Pitseolakovy charakteristické brýle s černými obroučkami se objevují na mnoha kresbách a prozrazují pouto mezi nimi. Annie také nakreslila portrét své babičky.

Annie během svého působení v Kinngait Studios plodně tvořila a rozvíjela svůj originální pohled na současný život na Severu s podporou zaměstnanců studia, zejména Williama (Billa) Ritchieho, který ji povzbuzoval, aby se prosazovala. Annie se rozhodla kreslit realitu svého Severu: domácí interiéry, spotřební zboží a fragmenty vlastního života mladé ženy, zkušenosti, na které odkazují díla jako Ranní rutina, 2003. Obchodnice s uměním a kurátorka Patricia Feheleyová píše, že „Anniiny narativní tendence, pečlivá kresba a současný námět vynikají na pozadí půlstoletí grafiky zabývající se především otázkami designu a barevnosti.“

Experimenty s linií, perspektivou a barvou

Annie přistupovala ke každé ze svých kreseb systematicky, začínala obrysy grafitem, poté vypracovávala detaily Finelinerem a končila stále výraznějšími plochami barevné tužky. V jejích dřívějších pracích je patrné opatrnější používání pastelky s méně sytými odstíny a lehčím nádechem. Pozdější práce ukazují jistotu v jejím barevném cítění, tahy jsou promyšlené, jasné a tvrdé. Stejně tak její dřívější práce byly ztvárněny dvourozměrně tužkou a finelinerem, ale stále více experimentovala s barvou, stínováním a stíny a s prezentací trojrozměrnějšího pohledu.

Bývá běžné, že umělci začínají pracovat černobíle, což je praxe, díky níž si začínají vytvářet svůj specifický styl. V případě Annie začala brzy zapojovat barvu a prokázala tak silný smysl pro její možnosti. Tříbodovou perspektivu používala jen v omezené míře, ačkoli s přibývajícími zkušenostmi se její zacházení s touto technikou zlepšovalo. Její pokrok je patrný z porovnání raných prací, jako je Jíst tuleně doma, 2001, a Kompozice: Sledování porna v televizi, 2005, s rozvojem popředí, středního plánu a pozadí. Annie je nejznámější svými interiéry, které zobrazují každodenní život a rutinní činnosti, včetně přípravy na rande, pojídání venkovského jídla (tradiční inuitská strava složená z věcí ulovených nebo nasbíraných v zemi), sledování televize nebo hraní karet. Ve svých interiérech hodně experimentuje. Některé, jako Dr. Phil, 2006, jsou hustě kolorované, zatímco jiné využívají techniky naznačující perspektivu a hloubku, aby ukázaly místnost za dveřmi.

Po celou svou krátkou kariéru Annie pokračovala v kreslení pastelkami, jak to dělala její babička a matka. Její rané kresby, jako například Bez názvu (Šití žen), 2004, jsou provedeny grafitem a fixem. V řadě kreseb se projevuje střídmé používání barevné tužky; v Kompozici (Rodinný portrét), 2005-6, do kompozice, které dominují ploché černé formy a silné tenké černé linie na bílé ploše, chytře vložila tenkou červenou čelenku a tři páry jemných růžových rtů. V některých dřívějších pracích se její práce s tužkou jeví jako opatrnější. Tento přístup mohl být záměrný, ale nejspíše s tím, jak se zlepšovala její jistota při tvorbě obrazů, začala se cítit pohodlněji při používání barev. Jak postupovala, bylo zřejmé, že její smysl pro barvu je výjimečný; její mistrovství se projevuje v odvážných barevných tazích, kterými je papír jejích zralých prací nasycen. V díle Holding Boots, 2004, které si pohrává s plochou a naznačenou perspektivou, používá doplňky zelené barvy v ženských ponožkách, aby uzemnila kresbu mezi přikrčenými červenými koleny.

V některých pozdějších dílech Annie použila fix, barvu a olejovou tyčinku k dosažení nových, experimentálních efektů. V roce 2007, když žila v Montrealu, ji Paul Machnik ve Studiu PM seznámil s olejovou tyčinkou. Toto nové médium zůstalo pro Annie experimentem a nedávala mu stejnou prioritu jako barevné tužce, grafitu a tuši. Vytvořila však řadu prací s olejovou tyčinkou, z nichž nejvýznamnější je (Composition) Drawing of My Grandmother’s Glasses, 2007, velká, živě barevná kresba babiččiných okamžitě rozpoznatelných brýlí s černými obroučkami. Tato kresba získala v roce 2007 na mezinárodním veletrhu umění Art Toronto cenu za nákup od Art Gallery of Ontario v Torontu.

Kompozice v tradici sulijuk

Kompozičně se Anniina tvorba řadí do tradice sulijuk (v překladu „pravý“ nebo „skutečný“). Tato praxe je způsob práce, který je vidět na Severu, a přístup podporovaný ve studiu Kinngait. Od doby, kdy Anniini předchůdci začali kreslit své zkušenosti s životem na zemi, se však mnohé změnilo; i Annie při komponování obrazů daleko odlišného Severu kreslila svou vlastní prožitou a skutečnou realitu. Zobrazovala život tak, jak ho viděla, a odhalovala realitu, která se cizincům s malou znalostí Severu zdála být v rozporu s tradičními venkovními výjevy, které lidé na jihu Kanady očekávali v dílech inuitských umělců na papíře. Tato upřímnost je zdrojem Anniiny originality.

Důležité je také načasování Anniina příchodu na scénu. Kinngaitští umělci začínali vytvářet kresby, které byly uznávány jako hotová umělecká díla. Médium kresby dávalo Annie svobodu rozvíjet náměty vlastní žité reality – nemusela se podřizovat očekávání, že její kresby jsou přípravnými pracemi pro výrobu grafiky, tedy média, které si stále uchovávalo tradiční asociace. Přestože Anniiny práce byly zařazeny do některých výročních sbírek grafiky z Cape Dorsetu, byly to právě její kresby, které byly na trhu vyhledávány.

Na počátku své kariéry Annie kreslila mnoho drobných interiérových a táborových výjevů, ale jak se rozvíjely její výtvarné schopnosti, volně střídala různá kompoziční schémata. Patří mezi ně interiéry domů, předměty vyjmuté z těchto interiérů a zobrazené izolovaně, viněty ze života na zemi a obrazy vycentrované na stránce a obtékané klikatými liniemi. Její postup byl pečlivý a vyžadoval velké soustředění při realizaci hotových děl.

Prostý grafický styl, který začal charakterizovat Anniino umění, byl zpočátku kontroverzní mezi kurátory i sběrateli, přesto se ukázal být nesmírně populární, zejména mezi příznivci současného umění. Někteří lidé blahosklonně poznamenávali, že podobná díla by dokázalo vytvořit i dítě nebo že působí naivně. Tento typ kritiky není ničím novým, je to konzistentní reakce na moderní a současné umění již více než sto let. V případě Annie však byla málo důvěryhodná. Byla talentovaná a pracovitá; své kreslířské dovednosti zdokonalovala pilnou prací, využívala lekcí starších a zároveň se snažila odlišit od svých vrstevníků. Originalita jejího díla vypovídá o jejím nasazení, vizi a zručnosti.

Narativní realismus

Nejvíce uznávané a zdokumentované kresby Annie Pootookhook se hlásí k tradici narativního realismu. Vyprávějí příběhy nebo dokumentují její život. Její kresby zobrazují život tak, jak ho prožívala v Kinngaitu, od jídla a sledování televize až po hraní her nebo sex. Její domácí interiéry, pro které je nejznámější, jsou často kompilací mnoha skutečných domácností a v těchto scénách vidíme známé motivy, jako je stejný hrnek na kávu, hodiny nebo umělecké dílo opakující se v různých interiérech. Například výrazný hrnek na kávu s květinou můžeme vidět jak v Tea Time, Cape Dorset, 2003, tak v Ritz Crackers, 2004. Tyto motivy převzaté z každodenního života zasazují scénu do přítomnosti, nikoli do vzdálené minulosti.

Pomocí techniky narativního realismu se Annie rozhodla odhalit některé obtížné sociální, ekonomické a fyzické skutečnosti dnešního Severu. Do svého osobního boje s domácím násilím se ponořila v knize Muž týrající svou partnerku (Man Abusing His Partner, 2002) a do problematiky závislostí v knize Paměť mého života (Memory of My Life): Rozbíjení lahví, 2001-2. V knize Shooting a Mountie (Zastřelení policisty), 2001, dokumentuje tragickou vraždu konstábla RCMP Jurgena Seewalda v Kinngaitu v roce 2001. Podobně v knize A True Story (Pravdivý příběh, 2006) Annie vzpomíná ze vzpomínek na nehodu na moři v roce 1979, kdy se zvláštní konstábl Ningoseak Etidloi utopil při hlídce s konstáblem Gordonem Brooksem, když se jejich čtyřiadvacetimetrová nákladní kánoe převrátila v drsných podmínkách na Severním ledovém oceánu. Říká se, že policisté se vydávali na cestu, aby našli Kuiga (Kiugak) Ashoona (1933-2014), strýce Annie, který byl v jejich výjezdním táboře, a cestou plánovali lov mrožů. Různé příběhy jsou zde spojeny do jediného obrazu, který ukazuje utonutí s mlátícími se těly a rozbitou kánoí, lov na mrože a hledání jejího strýce v jedné scéně.

Přiznání obtížných témat připomíná pozdější tvorbu Anniiny matky Napachie Pootoogook, která v některých svých dílech zobrazovala těžkosti své komunity i svůj vlastní život. Mnohá z těchto děl dokumentují přechodné období 60. let 20. století a stěhování Inuitů do státem vybudovaných osad a jejich život v nich. Napachie začala v roce 1996 kreslit epizody ze svého osobního života, někdy i scény zneužívání, a pokračovala v tom až do své smrti o šest let později. Některá z těchto děl byla vystavena na výstavě Tři ženy, tři generace: Napatchie Pootoogook a Shuvinai Ashoona, která se konala v roce 1999 v McMichael Canadian Art Collection, Kleinburg, Ontario, a ve Winnipeg Art Gallery. Jen o několik let později se podobné kresby samotné Annie staly jejími nejikoničtějšími obrazy.

Starší Jimmy Manning v rozhovoru v roce 2005 řekl, že „Anniiny práce jsou jakoby dneškem a včerejškem… každodenní události, nakupování, hudba, svátek“. Manning však také řekl: „

Psychologické kresby

Caoimhe Morgan-Feir píše, že zatímco Anniiny interiérové a exteriérové scény fungují jako jeviště s pravoúhlými oblastmi, kde se odehrávají děje, kresby, které jsou uvnitř ní samé – její „psychologické kresby“ – jsou pozoruhodné svými klikatými liniemi obklopujícími ústřední obraz, který se často jakoby vznáší na stránce. Jedním z takových obrazů je Kompozice (Zlý duch), 2003-4, kde, jak píše Morgan-Feirová, „linie podobná pupeční šňůře spojuje ústa postavy s genitáliemi ducha a obepíná je obě“. Morgan-Feir poznamenává, že v mnoha těchto kresbách „ústřední postavy sedí uprostřed stránky a jejich prvky se táhnou dovnitř a smyčkou ven. Existují určité formální podobnosti s jejími dalšími výjevy – jmenovitě silné, jasné linie, které vyznačila tužkou před vykreslením tuší.“

Ukázkou tohoto stylu je Kompozice (Smutek a úleva pro mého bratra), 2006. Tuto práci začala Annie vytvářet ve Skotsku, kde se dva měsíce účastnila programu Glenfiddich Artists in Residence. Patricia Feheleyová s Annie vedla obsáhlý rozhovor o její práci a hovořily i o této kresbě. Feheleyová vzpomíná: „Začala kreslit a byly tam všechny ty černé čáry a věci….. A ona řekla: ‚Kreslím to, protože jsem naštvaná kvůli svému bratrovi, protože ho zatkli a myslím, že tentokrát ho zavřou do vězení‘. Ale druhý den znovu mluvila se svou rodinou a on nebyl uvězněn, byl propuštěn, a ona dokončila kresbu ve šťastném módu.“

Tato výměna názorů pomáhá vysvětlit složitost Anniiny techniky: křivé čáry, červené tečky, žluté tečky a hvězdičky, které zahrnula do některých z těchto děl, jsou vodítkem pro její psychický stav během aktu tvorby. Tyto motivy vyvinula jako způsob, jak na stránku zakódovat své emoce. Některé z psychologických kreseb jsou výsledkem komplikovaných propletenců s realitou Severu, vlivu Kinngait Studios, Anniiných vlastních vnitřních bojů a jejího úsilí najít své místo ve světě.

Velkoformátová díla

Annie vytvářela díla ve větším formátu, než bylo v Kinngait Studios zvykem. Ačkoli se v ateliérech v minulosti používaly větší papíry, nikdy předtím, než to Annie zkusila, nebyl pro tento formát trh. Inuitské umění se před začátkem roku 2000 prodávalo především pro soukromé sběratele, nikoli pro veřejná muzea a galerie, a menší formáty byly běžné. Anniina výstava v The Power Plant Contemporary Art Gallery v Torontu v roce 2006 nabídla novou příležitost vystavovat velkoformátové kresby. Muzea současného umění obvykle vyžadují větší díla, aby v jejich obrovských prostorách působila efektně, což je požadavek, který přiměl mnoho umělců k posouvání hranic měřítka. Cape Dorset Freezer, 2005, bylo první velké rozměrné dílo, které Annie vytvořila. Pro tuto kresbu dostala k dispozici velký list papíru, na kterém začala pracovat v ateliéru, ale nakonec jej dokončila doma. Jako námět si Annie vybrala novou mrazničku na stěnu, která byla nedávno instalována v obchodě v Kinngaitu. V tradici sulijuk Annie pečlivě vykreslila obsah mrazáku a nakupující v obchodě. Tato kresba byla excelentním dílem a okamžitě ji zakoupila Kanadská národní galerie v Ottawě.

Mrazák v Dorsetu znamenal pro kresby umělců z Kinngaitu významnou změnu měřítka. Tento precedens (ne vyloženě novinka – na Severu se o to pokoušeli už dříve) se rozšířil po všech ateliérech. Umělci Annieho příkladu nadšeně následovali, protože tato větší díla měla vyšší ceny. Annie však zůstala spokojená s menším měřítkem – Freezer byl největší kresbou, kterou kdy vytvořila. Dávala přednost svobodě pracovat rychle a snadno přecházet od jednoho obrazu k druhému. Jiní umělci, jako například Anniina sestřenice Shuvinai Ashoona (nar. 1961), se však pustili do velkých děl novým vzrušujícím způsobem.

Printmaking

Ačkoli je Annie nejvíce známá svými kresbami, v letech 2003-2008 sloužily její kresby jako zdrojový materiál pro výroční sbírku grafiky Cape Dorset, která obsahovala osm jejích grafik. Protože Anniina umělecká kariéra byla krátká, byly krátké i její tiskové produkce pro družstvo West Baffin Eskimo Co-operative.

Od roku 1959 je společnost Kinngait Studios mezinárodně respektována za vydávání Cape Dorset Annual Print Collection. Udržuje si svůj závazek vysoce kvalitní tiskové produkce, vynikajících kamenotisků, leptů, litografií a koláží a péče o bezpečnou a oddanou sběratelskou základnu. Ateliéry aktivně podporují místní talenty a umělci z Kinngaitu nadále dominují na trhu s inuitským uměním. K úspěchu družstva významně přispělo strategické plánování na úrovni vyššího managementu. Kromě prvního manažera Jamese Houstona měl pro stabilitu družstva zásadní význam další manažer Terrence Ryan. Ryan, který měl solidní zkušenosti v oblasti umění, působil čtyřicet let jako generální ředitel družstva a udělal mnoho pro podporu rozvoje uměleckého sektoru v obci a zároveň pro udržení silného a životaschopného družstva. Pod Ryanovým vedením umění v Kinngaitu vzkvétalo a družstvo se soustředilo na rozvoj a rozšiřování technik a výtvarného slovníku umělců. Po Ryanovi se stal vedoucím ateliéru William (Bill) Ritchie, který se staral o umělce a podporoval je a povzbuzoval začínající umělce, aby trávili čas v ateliérech a experimentovali.

Stejně jako byla Annie některými svými kolegy v Coopu považována za něco jako disidentku kvůli svým kresbám (ačkoli ji zaměstnanci Coopu podporovali), tak i její příspěvky k vydání tisku byly nápadně experimentální. Studio upravilo díla představující její jedinečnou vizi nového Severu. Briefcase, 2005, a 35/36, 2006, obrazy pánských slipů a podprsenky, se rozhodně vymykaly ze škatulky obvyklých grafik. Jiné grafiky, například The Homecoming, 2006, a Interior and Exterior, 2003, jsou sentimentálnější – zaměřují se na Anniinu lásku ke komunitě. Ačkoli jsou Anniiny grafiky úspěšné v prodeji a distribuci, její kresby udržují pozornost uměleckého světa svým rozsahem vize, plodnou tvorbou a překvapivou přímočarostí obrazů a kompozice.