Buck Dharma

Under 70-talets hårdrocksdecennium erbjöd Blue Oyster Cult från Long Island en helt annan inställning till högljudd, gitarrbaserad musik. Komboens mörka grubblerier gav dem ett kontroversiellt rykte för sina texter och logotyper, och deras signaturlåt, megahiten ”(Don’t Fear) The Reaper” från 1976, är ett exempel på detta; vissa lyssnare tolkade låten som en förespråkande av självmord.

Donald ”Buck Dharma” Roesers blixtsnabba fretbrädahistronik var en väsentlig del av BOC:s sound. Kontroverser eller inte, de riff och licks som Buck och hans bandkamrater spelade var permanent inplanterade i många fans och blivande gitarrister. När hans band förberedde sig för en turné sommaren 1998 diskuterade han historien om det som har kallats ”världens smartaste heavy metal-band” och de gitarrer han har använt på vägen.

Vintage Guitar: Enligt Vanilla Fudges Tim Bogert fanns det en scen på Long Island i mitten av 60-talet med band som Vagrants, Young Rascals och Hassles, bland andra. Minns du de banden och vad som hände där?

Självklart. De var klubbband, men vi startade på campus, så vi var mer av ett collegeband istället för ett barband. Vi spelade på barer, men det kom senare. Jag brukade se alla de band du nämnde.

Berätta om några av dina tidigare instrument och erfarenheter, ”före BOC”.

Buck Dharma: Jag började engagera mig i rock and roll under surf-eran, och jag var trummis i mitt första band, vilket var i high school. Jag spelade streetbasket och bröt handleden, och medan jag hade gips på började jag leka med en akustisk Stella som min bror hade fått i julklapp. När min handled hade läkt hade jag bestämt mig för att bli gitarrist.

Jag kände en annan trummis, så jag skaffade en gitarr, som var en Premier jazzbox med två pickuper. Den såg lite fånig ut på mig, eftersom jag är ganska kort (skrattar), och den här gitarren hade ingen cutaway. Jag började som leadgitarrist direkt från början och spelade på den höga E strängen. Jag är helt självlärd på gitarr; allt jag har lärt mig har jag räknat ut från skivor.

Jag hade också en av de första Hagstrom-gitarrerna som importerades till Amerika. Det var någon slags prototyp; den hade inte samma hårdvara eller bindning på halsen som de efterföljande hade. Det var en mycket bra, billig Fender-kopia.

Bandet som blev Blue Oyster Cult bildades inte förrän du gick på college. Vilken typ av sound var ni ute efter?

Där vi kom ifrån när vi gick på college var den otroligt rika engelska popen från den perioden. Vi gjorde en hel del Animals-låtar, men vi kom in på blues, stort sett; vi blev blåsta av Blues Project. Vi gick på college i norra New York, nästan i Kanada, och vi brukade åka åtta timmars bilresa till New York City minst en gång i månaden för att se band som Paul Butterfield och Blues Project, som i princip var vita killar från New York som spelade blues. Vi sa: ”Vi kan göra det!”

Influerade Danny Kalb ditt spelande?

I stor utsträckning; hans hastighet var brinnande. Efter att ha träffat Kalb gick jag in i en intensiv träningstid – jag spelade hela dagarna och lärde mig hans låtar. När jag väl hade lärt mig hans grejer kunde jag spela mycket snabbt i allmänhet, så han hade ett mycket stort inflytande på mitt spel och på utvecklingen av min teknik.

Du är en spelare vars artistnamn och riktiga namn har varit allmänt känt under en tid. Vad är betydelsen av ”Buck Dharma”? Eller är det en företagshemlighet?

Inte egentligen; vi övervägde alla pseudonymer när vi började, och på den tiden var det förmodligen viktigare att ha ett flashigt namn. Jag gillade mitt, så jag höll fast vid det, men i efterhand har det visat sig vara en plåga. Jag gillar Buck, men min fru kallar mig fortfarande Don (skrattar).

När bandet väl hade ett skivkontrakt kan en del av de bilder som dess musik skapade ha betraktats som kontroversiella, men jag hade en känsla av att det på den tiden var en del av marknadsföringshype också. Detaljerna om bandets logotyp finns noterade på en webbsida som jag kollade upp, men jag låter dig berätta din version av hur den symbolen blev logotypen.

Den logotypen skapades av grafikern som gjorde våra två första skivomslag; den finns egentligen inte någon annanstans, men det finns en del liknande historiska antecedenter bakom den. Det sägs att den ser ut som den grekiska symbolen för kaos och en alkemisk symbol för bly. Huruvida dessa saker är sanna kan jag inte säga. Men den verkliga poängen med den är att den skapades av en grafiker, och när vi såg den sa vi: ”Det är vår logotyp.”

Jag läste vid ett tillfälle att vissa grupper försökte tillämpa någon form av nazistisk symbolik på logotypen, och att Jewish Defense League planerade att protestera vid några av era konserter.

Ja, och det var helt löjligt; som att leta efter djävlar bakom träd. BOC har alltid haft en historisk och intellektuell inriktning när det gäller vad vi har gjort, men vi har aldrig varit inriktade på djävulsdyrkan eller något sådant. Vi tar upp teman om gott och ont i våra låtar, men vi tar inte ställning. Tanken att vi skulle ha en agenda, politisk eller på annat sätt, har alltid varit löjlig. Om vi pratade om mänsklighetens mörka sida så lade vi bara ut det där och sa: ”Här är det.”

Omslaget till ert tredje album, Secret Treaties, skulle inte ha avskräckt de tidigare nämnda nazistjägarna, eftersom det var en skiss av bandet som stod framför en ME-262 (världens första operativa jetflygplan, som byggdes och användes av tyskarna under andra världskriget).”

En hel del människor blev verkligen upprörda över det, och jag vet inte varför. Det som hemliga fördrag handlar om är det faktum att medan andra världskriget pågick fanns det faktiskt en hel del bakdörrsuppgörelser mellan axelländerna och de allierade; handeln upphörde inte. Albumet var en anspelning på det: kriget var inte vad det verkade vara.

För att ge dig lite mer bakgrund, hade Clive Davis skrivit kontrakt med oss på Columbia, och om du kommer ihåg att Columbia kom ut från 50-talet och in på 60-talet som ett ganska tungt bolag; Mitch Miller var A&R-killen.

Jag tror att Davis skrev kontrakt med oss ganska tidigt i sin tid, men jag kände aldrig att bolaget visste hur de skulle sälja oss; de visste inte vad de skulle göra med oss. Jag har alltid tyckt att vi var en sorts skam för dem. Jag tror att Aerosmith förmodligen var samma typ av band för Columbia; företaget var förmodligen mer bekväm med artister som Springsteen, som hade en mer rak image.

På 70-talet klädde man sig ofta i vitt på scenen och spelade också på vita gitarrer.

Jag hade en Gibson SG som började som en körsbärsfinish Standard; de hade aldrig gjort någon vit SG med två pickuper, men de hade gjort trepickup-modellerna i vitt med guldhårdvara. Jag fick den här återbehandlad. Jag spelade också en vit Strat en gång i tiden; jag har den fortfarande.

Senare sågs du spela en Les Paul med enkelhugg i Tobacco Sunburst-finish.

Det var en Deluxe; jag köpte den ny runt 1973. Det var bara en av de saker där man går in i en musikaffär, plockar upp något och verkligen gillar det. Jag använde den just på bandets senaste skiva.

När bandet brukade spela ”ME-262” på konsert, fanns det en del där trummisen gick fram med resten av spelarna, och han spelade gitarr också, så det var fyra gitarrister och en basist. Är det fortfarande så?

Vi gör inte de fem gitarrerna som vi gjorde under den klassiska eran. Albert , den ursprungliga trummisen, var den enda trummis vi har haft som kunde spela gitarr.

Och livealbumet som ”ME-262” finns på, On Your Feet or On Your Knees, lät lite dystert produktionsmässigt, men Some Enchanted Evening och Extraterrestrial Live kompenserade för det i massor.

Jag ska säga dig vad som är bra på On Your Feet, och det är ”Then Came the Last Days of May”. En av anledningarna till att jag gillar den är att den mixades av Jack Douglas, som hade gjort Aerosmith-skivorna från den tiden. Han var alltid en av mina favoriter.

Det är lustigt; jag har väldigt lite objektivt perspektiv på våra skivor, för vanligtvis när man är klar med att göra dem vill man inte höra dem på länge. Sedan hör man dem på radion eller hemma hos någon och kommer ihåg hur bra de var. Jag vet inte hur andra artister är, men jag sitter sällan och lyssnar på mina skivor när de är klara. Man känner redan till varje nyans och mikrosekund.

Är det några speciella covers som BOC har gjort som du gillar? Det finns ”Born to Be Wild”, ”We Gotta Get Out of This Place”, ”Kick Out the Jams”. Jag ska fråga om ”Roadhouse Blues” om en minut.

Jag gillar de flesta av dem. Den konstigaste som vi förmodligen någonsin provade var en studioversion av ”Born to Be Wild”. Min filosofi när det gäller covers, i allmänhet, är att om du inte kan tillföra något nytt till festen ska du verkligen inte försöka coacha en låt, men det hindrade oss inte från att vara dumdristiga nog att försöka coacha ”Kick Out the Jams” (skrattar).

”Roadhouse Blues” spelades in under en konsert med Robby Krieger som medverkande.

Ja, vi har gjort ”Roadhouse” med både Robby och Ray Manzarek vid olika tillfällen. The Doors hade ett stort inflytande på oss. De var inte som banden från San Francisco, som också var stora influenser – The Dead, Jefferson Airplane, Steve Miller; Doors kom från L.A. och gjorde musik som var mycket ”mörk” på ett konceptuellt sätt, och de var också mycket sångorienterade. Så det var väldigt spännande att göra ”Roadhouse” med de killarna.

Man kan anta att inspirationen till ”Godzilla” var att du var ett fan av de gamla japanska monsterfilmerna.

Ja, definitivt. Jag skrev riffet till den låten på ett Hyatt Hotel i Dallas; riffet fick mig att tänka på Godzilla, och jag skrev den första versen direkt ur huvudet, sedan jobbade jag i flera veckor till för att komma på mer text. Jag tyckte att musiken och groovet påminde om den första Godzilla-filmen som Raymond Burr var med i.

Den låten har alltid gått bra på konserter, och jag antar att den fortfarande är en av de vanligaste låtarna.

Ja, det är en av de tre låtarna som vi måste spela varje kväll. De andra är ”Burnin’ For You” och ”(Don’t Fear) The Reaper”. De skulle inte släppa ut oss ur hallen om vi inte spelade dem (skrattar).

I mitten och slutet av 70-talet, var inte BOC en av pionjärerna med laserljusshower på konserter? Såvitt jag minns hade Eric Bloom någon slags handskliknande anordning som han riktade mot en spegelkula för att sprida laserstrålarna.

Han hade en fiberoptisk kabel som gick till en lins som satt fast på hans handled, så när han riktade den mot spegelkulan kom lasern fram direkt från hans hand. Det var en fantastisk effekt.

Men fanns det inte en gång i tiden en viss kontrovers om huruvida sådana effekter kunde orsaka ögonskador?

Ja, låt mig klargöra att vi aldrig skadade någon med den där lasershowen. Regeringen flippade dock ut när de insåg vad som pågick; de gillade inte tanken på att rock and rollers hade all denna ”makt”, så de tvingade oss att uppfinna en massa säkerhetsanordningar och låsningar för utrustningen. OSHA följde oss faktiskt runt på turné i tre månader! Efter det slog de till och med ner på vår ”scan”-effekt, som var en laserkägla som också var bedövande, men det finns ingen fara så länge lasern skannar. Man ser den effekten i filmer nu, men man kan inte se den på livekonserter längre. Alla som såg en av våra lasershower då såg något som inte görs på konserter nu.

När vi pratar om Bloom, vad exakt är den stun-gitarr som han tillskrivs för att ha spelat?

(skrattar) Vi hittade på stun-gitarr för att beskriva en del av de fuzz-delar som Eric gjorde. Faktum är att det finns en stun guitar-del på den nya skivan!

”Reaper” kan ha fått en del människor att tänka på BOC som ett ordspråksmässigt one-hit wonder, men det fanns andra låtar som fick en nominell mängd airplay, åtminstone på AOR-formatet. Det fanns den tidigare nämnda ”Godzilla”, ”Burnin’ For You” och senare ”Dancin’ in the Ruins”

Vi var verkligen inget popband, och det är vi fortfarande inte. Jag vet inte vilken typ av band vi skulle kunna kallas, men när jag tänker på Blue Oyster Cult tänker jag inte på massmarknad.

”In Thee” var lite annorlunda i och med att den hade akustiska gitarrer, mycket sångharmonier och ett romantiskt tema.

Den låten skrevs av Allen Lanier, och det är troligen hans bästa melodi. Den har en resonans och skönhet. Vi har precis lagt in en ny version som var en live- och ”unplugged”-inspelning på det nya albumet, vilket är hur vi har gjort den låten live på sistone. Vi tyckte att låten förtjänade lite mer exponering, så vi satte den på ett album igen.

På originalversionen använde jag en Martin D-35, och elgitarren var en specialtillverkad gitarr som kallades Vulcan.

Jag har inte frågat om förstärkare.

Vi har antagligen använt det som alla andra har använt genom åren. När vi började köpa utrustning fick vi Acoustic 260s, som Doors använde, och de var fruktansvärda förstärkare för den typ av musik vi gjorde (skrattar). De hade ingen distorsion eller overdrive alls. Därifrån fick vi Marshalls, som man naturligtvis inte kan göra fel med. Problemet var att om vi öppnade en föreställning med tre akter skulle vi stå precis vid ”läppen” på scenen, och Marshalls kunde göra dig döv. Efter det använde vi Music Man-förstärkare ett tag, sedan några Boogie Mark II-huvuden, som också var bra.

I studion har jag använt mindre comboförstärkare på sistone; en Vox AC-30, Fender Supers. Studion där vi spelade in Heaven Forbid har en fantastisk samling vintageförstärkare. Jag använde också ett Boogie Mark II-huvud genom en 4 X 12.

Du hade din största hit före MTV:s intåg – och jag vet att BOC har gjort videor – hur känner du för deras relevans?

Vi har gjort sex eller sju genom åren, och jag vet inte om de har någon effekt överhuvudtaget. Det är trevligt att se sig själv på TV, men uppenbarligen var de inte en faktor för vår popularitet till att börja med, eftersom det var en tid före videon. Jag tror att de hjälper vissa nya band att bli exponerade, men det verkar som om man ser så lite av musikens spektrum på tv. Det dåliga med videor är att de är väldigt dyra; man kan göra en skiva för vad en video kostar, och är det värt pengarna som ett marknadsföringsverktyg? Jag skulle nog säga nej.

När videoåldern kom tror jag att flera dåliga saker hände: Jag tror att det dödade sydstatsrocken nästan helt och hållet. Det förstörde karriärerna för många människor som inte var så snygga, men det gjorde karriärerna för en del mycket snygga människor som inte hade så mycket talang. Det gjorde det också möjligt för vissa grupper som var medvetna om det visuella mediet att bli uppmärksammade, men om det är en bra sak är jag inte säker på.

Hur var det tänkt att ditt soloalbum Flat Out skulle skilja sig från ett Blue Oyster Cult-album?

Materialet på Flat Out var generellt sett mer poporienterat och hade ett mer romantiskt tema, mer personligt. Jag hade en hel del låtar som helt enkelt inte passade för BOC.

Heaven Forbids release väntar medan vi spelar in detta.

Det är vår första skiva med nya grejer sedan 88; den har 11 låtar och är en bra skiva, om jag får säga det själv (skrattar).

Du har en utbrytargrupp som heter Buck Dharma Band, och den gruppen gjorde nyligen en välgörenhetsgala i Atlanta. Detaljer?

Jag gillar trioformatet; musikerna i bandet är Danny Miranda, som också är basist i BOC, och John Mocelli, som trummar för Meat Loaf; han var också med i BOC en gång i tiden. Och min fru sjunger.
Vi fick ett samtal från ett fan som tog upp en tidningsartikel om ett barn i en förort till Atlanta som hade en inoperabel hjärntumör, och han använde ”Godzilla” för att visualisera att han kämpade mot sin sjukdom. Han genomgick ett experimentellt läkemedelsprotokoll, kom ut ur det och besegrade på sätt och vis sjukdomen. Vi åkte dit och gjorde en välgörenhetskonsert för att hjälpa till med hans utgifter. Han är en fantastisk grabb och vi hade en fantastisk tid. Konserten videofilmades, och kopior av den finns också tillgängliga som en del av välgörenhetskonserten.

Du använder en Steinberger på konserter för det mesta nu för tiden.

Det är min allroundyxa. Jag fick upp ögonen för Steinbergers när de gjorde modellen med bultning och träkropp; den helt i plast var för steril för mig, tonmässigt. Halsprofilen passar mig perfekt, och naturligtvis varpar de inte. De är mycket konsekventa från instrument till instrument.

Du nämnde tidigare att du använde Tobacco Sunburst Les Paul Deluxe på Heaven Forbid. Finns det några andra instrument som du kanske har som ingår i en samling, eller använder du de flesta av dem i studion?

Jag har haft väldigt få värdefulla instrument. Jag hade en ’57 Strat, men min filosofi är att om jag inte riktigt använder vissa gitarrer verkar det knappast värt att äga dem. Det finns ett par gitarrer som jag skulle vilja ha; jag skulle vilja ha en Gretsch Tennessean eller några andra Chet Atkins-typiska gitarrer, eftersom jag inte har någon sådan nu. Jag skulle inte ha något emot att ha en Rickenbacker, men jag har ett par Strats och en specialgjord gitarr i SG-stil som gjordes av ett fan i Pittsburgh. Jag spelade ”The Reaper” live med den i många år.

Förväntar du dig att behöva göra omfattande turnéer för att marknadsföra det nya albumet?

Vi har åtagit oss att göra en sex till åtta veckors turné i sommar; vi kommer att vara i skjul tillsammans med andra band från vår tid, som Motorhead och Iron Maiden. Så vi kommer förmodligen att arbeta mer än vad vi gjorde förra året, men vi känner inte för att turnera lika hårt som vi gjorde när vi kom upp.

Andra framtidsplaner?

Jag vill göra en Buck Dharma Band-skiva, och det kommer utan tvekan att bli en uppföljare till Heaven Forbid.

Men även om Buck Dharma har rykte om sig att vara en snabbfyrad riffmeister, visar hans insikter om Blue Oyster Cult’s historia, dess låtar och de gitarrer han har använt sig av att han har uppmärksammat sina erfarenheter genom årtiondena. Naturligtvis är hans gitarrkonst också ganska vältalig … men den är också mycket snabbare.

Donald ”Buck Dharma” Roeser. Foto med tillstånd av Buck Dharma.

Denna intervju publicerades ursprungligen i VG:s Aug. ’98 nummer.