Bradford Young, ASC: Inspiraation merkitys

Kuvaaja kertoo valinnoista, motiiveista ja vaikutteista, jotka johtivat hänet uralle kameran taakse.

Monet luovat ihmiset kohtaavat elämässään tienristeyksen, jossa heidän on joko omaksuttava ja harjoitettava intohimoaan tai sopeuduttava odotuksiin – todellisiin tai kuviteltuihin. Louisvillessä, Kyproksen osavaltiossa varttuneena nuorena miehenä Bradford Youngilla, ASC:llä näytti olevan ennalta määrätty polku, jonka sanelivat maantiede, sosiaaliset paineet ja odotukset siitä, että hän ottaisi perheyrityksen haltuunsa. Mutta muut voimat tulivat väliin.

Youngin töiden tuntijat tietävät, että palkittu kuvaaja vakiinnutti asemansa uutena äänenä muun muassa sellaisilla itsenäisillä elokuvilla kuin Pariah (AC huhtikuu 11), Middle of Nowhere (AC marraskuu 12), Äiti George (AC huhtikuu 13), Ain’t Them Bodies Saints (AC syyskuu 13), Ain’t Them Bodies Saints (AC syyskuu 11) ja Middle of Nowhere (AC marraskuu 12). ’13), Pawn Sacrifice, Selma ja A Most Violent Year (AC helmikuu ’15, kaksi jälkimmäistä) sekä suuren budjetin elokuvat Arrival (AC joulukuu ’16) – josta hän sai ASC-, BAFTA- ja Oscar-ehdokkuudet – ja Solo: A Star Wars Story (AC heinäkuu ’18) sekä minisarjan When They See Us (josta hän sai Emmy-ehdokkuuden). Mutta harva ehkä ymmärtää, että Youngin tie menestykseen ei ollut suinkaan suora.

Howardin yliopistossa opiskellessaan Young opiskeli etiopialaisen elokuvantekijän ja professorin Haile Geriman johdolla – joka oli itse valmistunut vuonna 1976 UCLA:n teatteri-, elokuva- ja televisiokoulusta – ja joka siirtyi Youngin kohdalla opettajan roolista mentoriksi. Gerima oli yksi monista, jotka muuttivat Youngin käsitystä siitä, mikä oli mahdollista hänelle itselleen taiteilijana, joka pyrki kertomaan tarinoita kuvien avulla.

Tässä laajassa haastattelussa, joka tehtiin osana tulevaa ASC:n verkkokoulutusaloitetta, Young puhui pitkään siitä, miten häntä inspiroineet henkilöt muuttivat hänen elämäänsä ja miten nämä kokemukset auttoivat häntä hänen matkallaan, jota hän jatkaa edelleen.

”Tarvitsin jonkun sanovan: ’Sinusta tulee taiteilija, teet elokuvia.'”

American Cinematographer:

Bradford Young, ASC: Tuo on hyvä kysymys, ja siihen on vaikea vastata kuulostamatta liian ylimieliseltä. Kun olin 18- tai 19-vuotias poika, joka ajatteli elokuvataidetta taidemuotona ja haaveili siitä, että yrittäisi työskennellä kuten nyt – ja ajatteli edes tapaavansa jonkun Malik Sayeedin tai Ernest Dickersonin kaltaisen henkilön – asia, joka elämästäni todella puuttui, oli tämä aitouden tunne. Halusin olla vuorovaikutuksessa sellaisten ihmisten kanssa, joilla oli aitoja kokemuksia ja jotka käyttivät elokuvaa, elokuvaa tai taidetta elämänkokemuksensa kartoittamiseen. Jos minun pitäisi siirtää tuo 18-, 19- tai 20-vuotias mieleni nuorten ihmisten mieleen, joille viestintä ja ymmärrys on paljon enemmän läsnä kuin minun iässäni, sanoisin, että autenttisuuden tarve ei ole kadonnut. Riippumatta siitä, missä ajassa elämme, ihmiset etsivät yhteyttä ja keskustelua, vaikka he olisivat tuhansien kilometrien päässä toisistaan. Tässä ympäristössä, jossa kuvat ovat ympärillämme koko päivän, nuoret haluavat yhä aitoutta.”

Ja meidän on puhuttava demystifioinnista. Olemme taiteilijoita, jotka työskentelevät taidemuodossa, joka – joillakin alueilla – on edelleen hyvin mystifioidusti verhottuna ja jota tarkastellaan maineeseen keskittyvän linssin läpi. Nuorten on tiedettävä, että tuon verhon takana on oikeita ihmisiä – ihmisiä, joilla on omat kamppailunsa ja kysymyksensä omasta identiteetistään, kulttuuristaan ja ympäristöstään, jossa he elävät. Ja he ovat ihmisiä, jotka heräävät joka aamu innostuneina osallistumaan tähän taidemuotoon, koska se antaa heille mahdollisuuden olla oma, aito itsensä.

Yritän vain näyttää nuorille, että olen homie – olen heidän serkkunsa, setänsä, isänsä. En ole yhtään erilainen, ja minulla on samat huolet omasta perheestäni, omista lapsistani, parisuhteestani ihanan vaimoni kanssa – kaikki samat huolet kuin kaikilla muillakin.

Joka kerta, kun minua siunataan sillä, että saan pyörittää kameraa tai että joku pyörittää kameraa puolestani, en pidä sitä itsestäänselvyytenä. Kaikki alkaa yhdestä kuvasta, ja sitten 24 kuvaa sekunnissa, ja ymmärrän sen vaikutukset. Toivon, että nuoret, joiden kanssa törmään – ja vanhemmat – ymmärtävät, että otan jokaisen hetken vakavasti, kun rakennamme näitä ideoita ja kuvia.”

Monet aloittelevat kuvaajat, jotka ovat voineet tavata alan vakiintuneita ammattilaisia – ja käydä vilpittömän keskustelun – palaavat takaisin samanlaisen vaikutelman kanssa: ”En voi uskoa, että heillä on samoja ongelmia kuin minulla.” Kohtaatko yhä samoja ongelmia kuin alussa?

Young: Luulen, että se palaa siihen, mitä olin sanomassa autenttisuudesta – haavoittuvuudesta. asia, johon meidän on päästävä käsiksi avataksemme luovia aistejamme elokuvassa, koska kartoitamme ihmisten käyttäytymistä reaaliajassa missä tahansa tarinan käännekohdassa, joka sattuu olemaan. Haavoittuvuus on yksi ”aseistamme”. Ja koska yritän aina olla – jopa omien suodattimieni läpi – haavoittuvainen ihminen, tuo oppimisprosessi, virheiden tekeminen ja epäonnistuminen on loppujen lopuksi tärkeämpää kuin pidämme onnistumisia tai sitä, miten menestymme.

Painin nuorena ajatellen kuvantekoa ’kirveenä’, jota käytän ilmaistakseni omia henkilökohtaisia ajatuksiani – henkilökohtaista dilemmaani – haavoittuvuus on se ankkuri, jonka varassa voin seistä purkaessani aito hetki, jota käsittelen. Meille, jotka työskentelemme ammattimaisina kuvantekijöinä, on siis tärkeää, että tämä käsityötaito, tämä taidemuoto, toimii parantavana välineenä. Se auttaa meitä käsittelemään traumojamme. Ja nuorille on tärkeää tietää, että me kaikki – yleensä länsimaissa – käsittelemme samantyyppisiä traumoja. Sen manaaminen on henkilökohtainen tie, mutta me kaikki kuljemme sitä yhdessä. Haavoittuvuus voi auttaa meitä avautumaan ja pääsemään käsiksi taitoihin, tekniikoihin ja ajatuksiin, jotka ovat usein meiltä suljettuja, koska suojelemme traumojamme ja tuskaamme niin paljon. Toivon vain aina, että nuoret saavat sen irti työstä.

On mielenkiintoista, koska panoksemme elokuvantekijöinä on niin näkyvä, mutta samalla niin näkymätön. Ajattelen joskus, että näyttelijöiden ohella me olemme kuvauspaikalla kaikkein haavoittuvimpia ihmisiä. Ja on tärkeää, että ihmiset tietävät, että osa prosessistamme on olla haavoittuvaisia. Jokainen kuvaaja saattaa käyttää eri sanaa kuvaamaan sitä, miten he avaavat henkensä tai sisäisen kosmoksensa tuodakseen esiin kuvia, mutta minä käytän sanaa ”haavoittuvainen”.”

”Ensinnäkin, jos olit nuori musta ihminen, joka kasvoi Louisvillessä, etkä ollut nähnyt
School Dazea, sinulla oli
autenttista mustaa kokemusta.”

Mitkä olivat ensimmäisiä kokemuksia, jotka auttoivat sinua huomaamaan, että elokuvanteko on ”juttu” ja jopa jotain, mitä voit tehdä? Monet ihmiset, jotka rakastavat elokuvia, eivät koskaan saa tätä oivallusta.Olet sanonut aiemmin, että Spike Leen School Daze -elokuvan näkeminen oli suuri hetki.

Nuori: Se on jatkuva juttu, jota olen käynyt itseni kanssa jo jonkin aikaa, ja sen nykyisessä iteraatiossa on paljon kerroksia. Elokuvien katsomiskokemukseni nuorena mustana amerikkalaisena – ja painotan tuota sanaa musta isolla B:llä – on värittänyt sitoutumistani elokuvan ymmärtämiseen. Vastaan siihen nyt nykyisessä käytännössäni. Elokuvat, joita näin ennen School Dazea, tekivät itse asiassa asioita, joita en tiennyt niiden tekevän, vaikka en tiennytkään. En nähnyt itseäni elokuvissa – en nähnyt perhettäni tai yhteisöäni tai asioita, joista välitin. Amerikkalaisena lapsena ne tarjosivat minulle tietynlaista eskapismia ja iloa – saivat minut nauramaan ja itkemään – ja se tuntui oikealta. Se oli yhteisöllinen kokemus, ja jaoimme laatikollisen popcornia ja pidimme hauskaa. Mutta School Dazech muutti kaiken tämän monella tasolla. Ensinnäkin, jos olit nuori musta henkilö, joka kasvoi Louisvillessä, etkä ollut nähnyt School Dazea, sinulla ei ollut aitoa mustaa kokemusta. Sinun oli mentävä teatteriin, koska tämä nuori musta elokuvantekijä nimeltä Spike Lee teki sen sinulle.

Se oli ensimmäinen kerta, kun koin elokuvan liikkeenä. En ollut silloin tietoinen siitä, mutta olin tietoinen siitä, että kaikki puhuivat tästä elokuvasta. Menin äitini ja vähän vanhempien siskojeni kanssa, ja näin ystäväni teatterissa. Se oli ensimmäinen kerta, kun menin elokuviin ja näin vain mustia perheitä yhdessä paikassa katsomassa jotain, joka oli tehty nimenomaan mustalle yleisölle. Olin käynyt elokuvissa sata kertaa enkä ollut koskaan nähnyt sitä ennen. En Gooniesia, en Jedin paluuta – en mitään sellaista. Mutta School Daze -elokuvassa kaikki olivat paikalla, ja muistan sen vaikuttaneen minuun, koska tunsin jakavani jotain heidän kanssaan. Ja sitten elokuva alkoi.

Nyt isovanhempani olivat suhteellisen varakkaita, ja he korostivat meille, että kulttuuri on tärkeää. Niinpä tapasin taiteilijoita heidän luonaan, kävin taidegallerioiden avajaisissa, kävin oopperassa ja näin Porgyn ja Bessin. Se oli osa kasvatustamme, ja se tuntui luonnolliselta. Nuorena minulla oli siis jonkinlainen käsitys taiteesta. Mutta tässä elokuvassa oli sellaista temperamenttia ja patinaa, jota en ollut ennen nähnyt. Ensinnäkin ihon sävyt. Muistan ajatelleeni, että niitä voisi melkein syödä, ne voisi napata pois valkokankaalta.

Varttuessani en voinut sietää musikaaleja, mutta tämän elokuvan draaman ja musikaalin sekoitus oli nautittavaa, mikä oli minulle uutta – ehkä siksi, että sitä ympäröi niin paljon muuta uutta. Se kertoi historiallisesta afroamerikkalaisesta collegesta. Suurin osa perheestäni oli käynyt historiallisesti afroamerikkalaisia korkeakouluja ja yliopistoja, joten kokemus oli minulle tuttu. Tässä elokuvassa kaikki nämä asiat vaikuttivat minuun – aivan kuten monissa muissakin elokuvissa, jotka olin nähnyt aiemmin – mutta tämä elokuva oli valmistettu minulle, nuorelle ihmiselle elokuvateatterissa. Se herätti todella paljon kysymyksiä ja jätti minuun syvän jäljen. Yksi asia, jota en pystynyt silloin välittämään, mutta pystyn nyt välittämään, on se, että tuo elokuva oli tehty meitä varten.

Siitä meidän länsimaissa on vaikea puhua – elokuvista, jotka on tehty tietylle yleisölle. Se on vastoin kaupallisuutta. Se on vastoin ajatusta, että olemme mananneet nämä asiat pois kulttuuristamme, vaikka emme ole. Ja se liittyy keskusteluun representaatiosta. Miksi on tärkeää, että naiset tekevät elokuvia naisista ja naisille. Miksi italialaisten elokuvantekijöiden on tärkeää tehdä elokuvia tästä kokemuksesta. Miksi kiinalaisten elokuvantekijöiden on tärkeää tehdä kiinalaisia elokuvia. Nämä ovat asioita, joiden kanssa kaikki elokuvantekijät kamppailevat, ja se tuli minulle selväksi, kun näin School Daze -elokuvan ensimmäistä kertaa. Oli selvää, että Spike Lee teki sen minulle, mutta se puhutteli myös kaikkia muita teatterissa olleita ihmisiä, ja se osoitti minulle elokuvan voiman. Jos katsoo nykyistä maisemaa, jossa värilliset ihmiset tekevät elokuvia, olen varma, että School Daze vaikutti heidän pyrkimykseensä ryhtyä elokuvantekijäksi tai tarinankertojaksi.”

Mitä nuori Bradford Young teki tällä oivalluksella?

Young: Ensin pakenin sitä, koska olen hautausurakoitsijan pojanpoika, ja isoisäni oli hyvin voimakas läsnäolo elämässäni. En ikimaailmassa ajatellut, että minusta voisi tulla taiteilija. Joten kaikki tunteet, joita minulla oli, laitettiin laukkuun, ”oikealle” paikalleen, sivuun, koska … kuten monet meistä, tunsin painavan taakan täyttää perheeseen liittyvä vastuu. Minun odotettiin ottavan perheyrityksen haltuun. Tunsin tuon taakan, vaikka sitä ei sanottu eikä sanottu. Isoisoisäni ja isoisäni olivat rakentaneet menestyksekkään perheyrityksen, ja meidän oli säilytettävä se. Joten se tunne, joka minulla oli elokuvissa? Hautasin sen. Pelkäsin, että jos ilmaisin haluni olla taiteilija – hyvin pragmaattisessa perheessä – että ajatus vain tukahdutettaisiin. Vanhempana ihmisenä, joka nyt kasvattaa omia lapsia, tiesin, että isoäitini oli vahva taiteen kannattaja ja että hän opetti isoisälleni, mitä taide voi olla, mutta tuolloin sillä ei ollut merkitystä. Minulla ei ollut kielitaitoa kertoa heille, että halusin taiteilijaksi – millaiseksi tahansa taiteilijaksi – enkä ollut lainkaan kiinnostunut siitä, mikä heille oli tärkeää. Mutta School Daze -elokuvan jälkeen tiesin, että halusin olla elokuvantekijä.

Milloin tuli mahdolliseksi tehdä tuo muutos itselleen?

Nuorta: Kun olin 18-vuotias, en kirjaimellisesti edes tiennyt, että mustat ihmiset tekevät elokuvia. Se on hullua. Mutta minulla ei ollut esimerkkejä, minulla ei ollut vertailukohteita. Ja se saa minut hieman tunteelliseksi … koska olen iloinen, että tuon ikäiset ihmiset voivat nykyään nähdä esimerkkejä, mutta minulla ei ollut ketään muuta kuin Spike Lee ja myöhemmin John Singleton, jotka kertoivat erinomaisia tarinoita visuaalisella, taidokkaalla tavalla. en koskaan väheksynyt hyvän elokuvataiteen merkitystä, joka voisi ilmaista mustien kokemuksen visuaalista syvyyttä Amerikassa. Ja voin pohtia sitä vastuuntuntoa, jota se vaati.”

Käytän Spike Leetä ja John Singletonia esimerkkeinä, koska he olivat ainoat kaksi mustaa elokuvantekijää, joista tiesin tuolloin. Vasta Howardin yliopistossa huomasin, että oli ihmisiä – kuten opettajani Haile Gerima – jotka tiesivät enemmän kuin minä. Silloin ymmärsin, että Amerikassa oli ollut pitkät perinteet mustilla elokuvantekijöillä ja että tätä tietoa piti välittää nuorille, erityisesti värillisille nuorille.

Yliopistossa näin Oscar Micheaux’n, Bill Greavesin, Kathleen Collinsin, Charles Burnettin, Julie Dashin ja Haile Geriman elokuvia. Se oli minulle maailmaa mullistavaa – ei vain se, että he tekivät elokuvia, vaan se, että he tekivät elokuvia, jotka olivat heille yksilöllisiä.

Mutta haluan myös tehdä selväksi, että olemassaoloni elokuvantekijänä mahdollistivat täysin kaksi siskoani. Jopa silloin, kun se oli vain jotain mielikuvituksessani, he antoivat minun mennä sinne. Mutta se tarkoitti myös sitä, että minun täytyi – 18-vuotiaiden aivojeni, liskoaivojeni, kannalta – päästää perheeni hetkeksi irti. Minun oli muutettava pois ja mentävä yliopistoon – siskojeni rohkaisemana – löytääkseni uuden perheen. Ihmiset, jotka löysin, eivät olleet verisukulaisiani vaan taiteen tekemisen perhettäni, ja löysin heidät Howardista. Heitä on liian monta nimetäkseni, mutta henkilö, joka veti meidät mukaan, oli herra Haile Gerima.

Minun oli täydennettävä isoisäni, herra Woodford Porterin vahvaa, hyvin rodullisesti etusijalla olevaa, läsnäolevaa ja pragmaattista ääntä toisella, samanlaisella vahvalla äänellä – herra Haile Geriman äänellä. Tarvitsin elokuvantekoon liittyvää kasvattavaa viisautta, jota en voinut saada perheeltäni, joltakulta, joka vahvistaisi sen, mitä halusin väittää. Halusin olla taiteilija, ja tarvitsin jonkun, joka opastaisi minua isoisän käytännönläheisellä, mutta vapaalla hengellä. Tarvitsin jonkun sanomaan: ”Sinusta tulee taiteilija, teet elokuvia.” Kun tapasin hänet, pystyin ottamaan tuon pussin haltuuni ja harjoittamaan tätä taidemuotoa tavalla, joka vastasi ja oli vastuullinen yhteisölleni – erityisesti mustalle yhteisölle. Afrikkalaista diaspora-yhteisöä. Se oli avainasemassa.

ASC odottaa innolla tämän haastattelun esittämistä kokonaisuudessaan osana tulevaa Online Master Class -koulutusaloitettamme, joka on parhaillaan tuotannossa.