A 21. század eddigi 25 legjobb animációs filmje

Meglepő módon a sok-sok név közül, amit az évtized eddigi 50 legjobb filmjének rangsorolása során kaptunk, az “animációellenes, hegemón élőszereplős kriptofasiszták” nem volt az egyik, annak ellenére, hogy egyetlen animációs film sem szerepelt a listán. Őszintén szólva egy kicsit csalódottak voltunk, hiszen készen álltunk egy frappáns visszatérésre: már a tervezés fázisában voltunk egy kizárólag animációs filmnek, így jogosnak éreztük, hogy az élőszereplős válogatásokat elkülönítsük a kézzel rajzolt, számítógéppel generált, stop motion és claymation testvéreiktől. Íme tehát ez a lista: az időkeretet ezúttal kibővítettük, hogy a 2000-től napjainkig terjedő időszak bármely stílusú animációs filmje szerepeljen benne (kivéve a rotoszkópiát, amelyet azért zártunk ki, mert előbb az élőszereplős filmezésre támaszkodik).

Az elmúlt tizenöt évben az animációs filmipar hatalmas változásokon ment keresztül, kezdve a régi vágású óriás Disney és a kedvelt Pixar titáni egyesülésével, a rendkívüli Studio Ghibli nemzetközi és Oscar-díjas dicsőségre emelkedésével (és közelgő feloszlásával), egészen a DreamWorks és más feltörekvő cégek hatalmas minőségi ugrásáig. Mindezek a tényezők együttesen olyan mainstream és arthouse filmkészítési tájképet eredményeznek, amely minden korábbinál barátságosabb az animációs stílusok és témák sokszínűbb választékával szemben. A választék puszta szélessége és az állat rendkívül szubjektív jellege (az egyik nézőnek a szép, a másiknak a csitri) azt jelenti, hogy teljesen biztosak vagyunk benne, hogy ez a rangsor is bosszúságra/előítéletességgel való vádaskodásra ad majd okot. De ahogyan az alább felsorolt filmek közül sokan megtanítottak minket, mi is bátrak leszünk, követjük az álmainkat, és megtaláljuk az erő és jóság belső tartalékait, hogy szembenézzünk bármivel, amit az élet és a kommentelők hozzánk vágnak, miközben végigvezetünk titeket ezen az utazáson a 21. század 25 kedvenc animációs filmünkön. Ha pedig még többre vágysz a 2000 óta készült legjobb filmek közül, itt megnézheted a 21. század legjobb horrorfilmjeiről szóló írásunkat.

25. “Lilo & Stitch” (2002)
A ’90-es évek vége és a ’00-as évek eleje sivár időszak volt a Disney-animáció számára: a “Frozen” előtti korszak szinte semmit sem hozott a kasszáknál, nagyrészt azért, mert az olyan filmek, mint a “Medve testvér” és a “Home On The Range” rendkívül gyengék voltak. De a fő fényes fénypont (a “The Emperor’s New Groove” mellett, ami csodálatosan Chuck Jones-szerű) a “Lilo & Stitch” volt. A felszínen ez egy “E.T.”-re hajazó film – egy egzotikus kislány barátkozik egy intergalaktikus szökevénnyel -, de Chris Sanders és Dean DeBlois rendezők (akik később az “Így neveld a sárkányodat” című filmet készítették) a sajátosságokkal teszik egyedivé: az imádnivalóan pszichopata Stitch delíriumos huncutsága, a gyönyörűen megvalósított hawaii környezet, és Lilo és idősebb nővére meglepő pátosza, akiket a szociális szolgálat vizsgál. Talán nem állja meg a helyét a Disney ’90-es évek elejének késői aranykorában, de egy csodálatosan furcsa és roppant kielégítő film.

24. “Micimackó” (2011)
Minden generáció érzi, hogy a mai gyerekek a modern élet technológiai vívmányai miatt kimaradnak a gyermekkor valamelyik létfontosságú részéből (egészen az első neolitikus apukáig, aki szomorúan rázta a fejét, amikor a fia használta azokat az újdonsült bronzeszközöket). A Disney kézzel animált Micimackó című filmje Don Hall és Stephen J Anderson rendezőktől azonban bájjal és szellemességgel idézi meg az egyszerűbb időket, sőt – íme! – még az olvasás örömeit is sugallja, hiszen a karakterek folyamatosan ötletes módon lépnek interakcióba a lapon lévő szöveggel. A film bevallottan nagyon kisgyerekeknek szól, és néhány felnőtt, aki a korábbi Disney Micimackó-filmeken nőtt fel, láthatóan csalódott volt, hogy ez nem egészen olyan, nos, Disney-szerű. De ez egy rövid, nyugodt, finoman csavaros tisztelgés minden idők egyik legkedvesebb és legkedveltebb gyerekfigurája előtt, amely tiszteletben tartja Micimackó eredeti forrásanyagát -AA Milne csodálatos könyveit.

23. “Rango” (2011)
Még amikor az eredeti “A Karib-tenger kalózai” filmek nem működtek, akkor is csodálatosan furcsák voltak. Így visszatekintve nem meglepő, hogy amikor Gore Verbinski rendező és Johnny Depp sztár újra összeálltak egy animációs filmhez, az egyik legfurcsább animációs filmet készítették, amit valaha egy stúdió készített. A film a “Kínai negyed” és a klasszikus westernek bármelyikének keveréke, de állatokkal és egy kissé elborult, a majmoktól elszállt hangulattal: Depp Hunter Thompson-szerű kaméleonját egy aszály sújtotta városban összetévesztik a hőssel. A színészekkel jelmezben próbálták (ami abszolút ritkaság az animációs világban), mielőtt az Industrial Light & Magic, a VFX cég eddigi egyetlen animációs filmje lenyűgöző életre keltette volna, és emlékeztet arra a furcsa látásmódra, amit Verbinski blockbuster-felhajtás nélkül tudott hozni, és bár aligha minősül gyerekfilmnek, mégis rendkívül szórakoztató utazásnak bizonyul.

22. “A Town Called Panic” (2009)
A belgák Stéphane Aubier és Vincent Patar “A Town Called Panic” című, finoman szürreális francia nyelvű tévéműsorán alapul, és azt a kitüntetést viseli, hogy ez volt az első stop-motion animáció, amelyet Cannes-ban bemutattak, és a belgák Stéphane Aubier és Vincent Patar abszurd története Cowboy (egy műanyag játék cowboy), Indian (egy műanyag játék indián) és Horse (egy műanyag játék, érted a lényeget), akik együtt élnek egy vidéki házban és megmagyarázhatatlan balhékba keverednek. Egy kísérlet, hogy megünnepeljék Horse születésnapját, balul sül el, amikor egy 50 téglára szóló internetes rendelést véletlenül 50 millió téglával tévesztenek össze, ezért nagy falakat építenek, amelyeket rosszindulatú tengeri lények ellopnak, ezért havas, légi, földalatti és erdős terepeken keresztül a nyomukba erednek… a cselekménynek nulla értelme van, és a sztori épp olyan bunkónak tűnhet, mint a bájosan nyers animáció. De ez is egy teljesen őrült energiával van tele, amely kevésbé a nagy narratív ívekről szól, mint a pillanatnyi interakciókról és furcsaságokról, amelyek minden egyes őrült jelenetet megtömnek.

21. “Millennium Actress” (2001)
Noha csak négy teljes játékfilmet rendezett, és sajnos 2010-ben, mindössze 46 évesen hunyt el, Satoshi Kon az anime egyik legfontosabb és legeredetibb filmkészítőjévé vált. Könnyedén bevehettük volna (és majdnem be is vettük) a “Tokyo Godfathers”-t vagy a “Paprika”-t (ez utóbbi sokak szerint Christopher Nolan “Inception”-jét ihlette), de mi azt mondjuk, hogy a mesterműve a második játékfilmje, a 2001-es “Millennium Actress” volt. Sokkal érettebb, mint a legtöbb animációs film, legyen az japán vagy amerikai, ez a film lenyűgöző koncepcióval rendelkezik, mivel egy idős, nyugdíjas filmsztár egy dokumentumfilmes stábot vezet végig az emlékein, műfajokat és formákat váltogatva, miközben filmszerepein keresztül meséli el történetét. A letisztult narratíva rajongói valószínűleg csalódni fognak, de egy lenyűgöző és gazdag rejtvénydobozt kell kibogozni, amely sikeresen birkózik meg Kon kedvenc témáival, a valóság természetével és a művészet erejével.

20. “Szörnyek háza” (2006)
A “Szörnyek háza” Robert Zemeckis performanszfilmjei közül talán a legjobb, részben azért, mert csak akkor hátborzongató, amikor az akar lenni, részben pedig azért, mert nem Zemeckis rendezte (helyette Gil Kenan kapta a szerepet), a “Szörnyek háza” az a ritka film, amely egyszerre sikerül “burtonosan” és “amblini módon”, ráadásul mindezt egy rakás szívvel és ijesztgetéssel teszi. A “Community” alkotója, Dan Harmon és barátja, Rob Schrab közösen írták a történetet három kalandvágyó tinédzserről, akik egy kísérteties helyi házban nyomoznak. Ott dolgozik, ahol a “Polar Expressz” a karakterek további stilizálásával nem, és olyan módon teszi hihetővé és szerethetővé a fiatal főszereplőket, amivel kevés film bajlódik, ami remek gegekhez (“Ez az uvula!” “Szóval ez egy lányos ház?”) és a legtöbbnél hatásosabb pátoszhoz vezet. Vannak nála jobban kinéző filmek, de kevés, ami ennyire szórakoztató.

19. “Így neveld a sárkányodat” (2010)
A filmjei a majdnem nagyszerűtől (“Kung Fu Panda”, az eredeti “Shrek”) a meglepően szórakoztató (“Madagaszkár 3” – nem, komolyan!) a lényegében értéktelenig (későbbi “Shrek” folytatások, “Cápamese”) változnak, de bármi is legyen a fordulat, a DreamWorks Animationt szinte mindig másodhegedűsnek tekintették a Pixar mögött. Kivételt képez az “Így neveld a sárkányodat”, egy izgalmas kalandmese, amely a fiú és a kutyája, az “E.T.”-szerű központi kapcsolatot egy fiatal viking és sárkánypajtása között lenyűgöző, 3D-képes repülős jelenetekkel, világépítéssel és a cég legfestőibb látványvilágával (amelyet a filmes legenda, Roger Deakins segítségével készítettek) kombinálja. A DreamWorks oly gyakran hagyatkozik popkulturális gegekre vagy hírességek szereposztására, de ebben (és kisebb mértékben a folytatásban is) hagyják, hogy a történet vezesse őket, és az eredmény abszolút diadalmas.

18. “Némó nyomában” (2003)
A Pixar folytatásokkal kapcsolatos vegyes múltját tekintve nehéz nem aggódni a jövő évi “Dory megtalálása” miatt, amely a stúdió egyik legkedveltebb eredményének, a 2003-as “Némó nyomában”-nak a megkésett folytatása. Végül is az eredeti majdnem egy csoda volt. A történet a túlságosan védelmező apáról (Albert Brooks), akinek a legrosszabb rémálma válik valóra, amikor a fiát átviszik az óceánon, egy szédítően színes, roppant vicces történet, tele hihetetlenül emlékezetes karakterekkel és vitathatatlanul a Pixar eddigi legjobb szinkronhangjaival (Brooks és a társszereplő Ellen DeGeneres tökéletesek, de itt van Willem Dafoe, Allison Janney, Stephen Root, Geoffrey Rush és Eric Bana is). De a film szíve mélyén olyan nagy érzelmi ütést mér, mint bármi, amit a stúdió eddig készített, fokozatosan csökkentve a szakadékot egy szerető, de pusztítóan neurotikus apa és kalandvágyó, de sebezhető fia között. Ha a folytatás csak fele olyan jó lesz, mint ez, akkor még mindig klasszikusnak kell lennie.

17. “Szörnyek Inc.” (2001)
A két nagyszerű “Toy Story” film és a közepes fogadtatású (kissé igazságtalanul) “Egy bogár élete” után a “Monsters Inc.” volt az a film, amely azt sugallta, hogy a Pixar sokkal több lesz, mint a ház, amit Buzz épített. A “Toy Story”-hoz hasonlóan ez a film is egy ellenállhatatlan gyerekkori koncepciót – a minden gyerek ágya alatt vagy a szekrényben lévő szörnyek történetét – ragadott meg, és töltötte meg a cég két legszerethetőbb karakterével, Billy Crystal szemfüles Mike Wasowskijával és John Goodman bolyhos kék Sullyjával, akik véletlenül beengednek egy halálosnak hitt gyereket, a végtelenül imádnivaló Boo-t a szörnyparadicsomukba. A film narratív szempontból nem olyan tökéletes, mint néhány későbbi Pixar-kép (a Yeti-különlegesség holtomiglan), de még mindig gyönyörűen megtervezett, hatalmas szíve van, és teljesen kielégítőnek bizonyul. A tisztességes, de szükségtelen előzményfilm, a “Monsters University” elsápadt ehhez képest, ami az eredeti erejét bizonyítja.

16. “Toy Story 3” (2010)
A “Toy Story 3” egy teljes évtizeddel a szeretett “Toy Story 2” után (és úgy tűnt, mintha ez lenne az utolsó szó a “Toy Story” filmekben… egészen a “Toy Story 4”-ig) az évszázad egyik legjobb animációs filmje, ami jól mutatja, hogy a Pixar magasra tette a lécet. John Lasseter, Andrew Stanton és a rendező Lee Unkrich alkotta alkotócsapat ahelyett, hogy győzelmi kört futott volna, harmadszor is változtatott a dolgokon, és hagyta, hogy az idő eltelt, Andy pedig egyetemre menjen. A kalandok, amelyek ezután következnek, figyelemre méltóak: időnként valódi veszélyek, elég sok sötétség és néhány elég mély lélekrajz, ami a felnőtteket még jobban megérinti, mint az elődök. Mert ezek a filmek valójában sosem a műanyag játékszerekről szóltak – hanem a gyermekkorról, egy olyan állapotról, amelyet csak akkor tudsz igazán értékelni, ha már véget ért, és valaki új játszik a régi játékaiddal.

15. “Coraline” (2009)
Egyre több animációs házból kerül ki manapság minőség, köszönhetően többek között a portlandi Laika stop-motion stúdiónak, amely a fenséges “Coraline”-nal tört ki. A geek bálvány Neil Gaiman könyvén alapuló és a “Rémálom karácsony előtt” rendezője, Henry Selick által rendezett film középpontjában a címszereplő lány (Dakota Fanning) áll, aki elhanyagoló szülei elől egy másik világba menekül, amelyről kiderül, hogy sokkal baljósabb, mint gondolta. A kép pompásan megtervezett (a 3D használata még mindig a valaha volt legjobbak közé tartozik, a “való világban” lapos, a fantáziavilágban pedig kiterjedt, “Óz, a nagy varázsló” stílusban), okos, lélekkel teli, hangulatos, gazdag, vicces, izgalmas és különös, és csak az elmúlt fél évtizedben öregedett, mint egy jó bor. A “Paranorman”-t és a “The Boxtrolls”-t is érdemes megnézni, de a Laika első órája továbbra is az eddigi legjobbjuk.

14. “The Lego Movie” (2014)
Papíron egy rémálomszerű vállalati szinergiafesztiválnak tűnt (nem csak egy játékon alapul, hanem szuperhősök játékverzióit is tartalmazza!). A gyakorlatban a “The Lego Movie” egy ravasz, felforgató, szédítő öröm, Phil Lord és Chris Miller felülmúlja az előző animációs filmjüket, a “Cloudy With Chance Of Meatballs”-t (ami néhányunk nagyon morcos, hogy nem szerepel ezen a listán…). A “kiválasztott” narratívák spoofozása, ahogy Chris Pratt Emmettjét kiválasztják az utolsó nagy reménységnek a gonosz Lord Business (Will Ferrell) ellen, egy mélyen buta, meta-taposztikus akció-vígjáték, amely még mindig talál helyet a meglepő pátosznak, nem utolsósorban a titkos késői élőszereplős játékban. Olyan módon ragadja meg a gyermeki játékosságot, ahogy a Toy Story-n kívül keveseknek sikerült, de az ezredfordulós mash-up mentalitáson átszűrve, az utóbbi idők egyik legdicsőségesebb mainstream meglepetéseként kell számon tartania.

13. “Ratatouille” (2007)
A “Ratatouille” egyfajta furcsaság a Pixar kánonjában, kevésbé a gyártási története miatt (“A hihetetlenek” rendezője, Brad Bird teljesen átdolgozta a filmet a gyártás végén, ami a stúdióra jellemző), sokkal inkább azért, mert sokkal régebbre játszik, mint sok más filmjük. A finom ételek világában játszódó kép a kritikusokat célozza és ünnepli, viszonylag lassú tempójú, és olyan különböző hatásokból merít, mint Lubitsch és Proust. Ez az auteurista, a földházat határoló animáció valahogy mégis több százmillió dolláros bevételre tett szert világszerte. Bird meséje egy kifinomult ízlésű és kulináris álmokat szövögető patkányról (akit Patton Oswalt alakít tökéletesen) beszélő állatos filmként, romantikus vígjátékként, Párizshoz (azok a városképek!) és az ételekhez szóló szerelmes levélként is működik, és csak a Pixar készíthette volna. Néhány más filmjük talán szélesebb rétegeket vonzott volna, de a Ratatouille igazán kifinomult.

12. “Chicken Run” (2000)
Az Aardman Animation játékfilmjei összességében nem értek fel az Oscar-díjas “Wallace & Gromit” rövidfilmjeihez (bár az utóbbi nagyjátékfilmes kalandja örömteli, és majdnem felkerült erre a listára). Azért mondjuk, hogy “összességében”, mert a “Chicken Run”, a stúdió első egész estés alkotása óriási, sokkal bájosabb és ötletesebb film, mint a legtöbb, sokszor nagyobb költségvetésű film. A film egy csapat tyúkot követ, akik a nagyképű Red nevű kakas (Mel Gibson még a hanyatlás előtt) segítségét kérik, hogy megszökjenek a farmról, amikor megtudják, hogy pite lesz belőlük, és a film zseniálisan és hangulatosan idézi fel az olyan második világháborús hadifogolyfilmeket, mint A nagy szökés, egy nagyon brit excentrikus bájjal. Magában foglalja a makulátlan dizájnt, a klasszikus fizikai komédiát és az izgalmas akciót, amelyek az Aardman rövidfilmjeit jellemezték, de történetileg is sokkal kerekebb, és a fináléja is olyan lelkesítő, mint bármi más ezen a listán. Drukkoljunk, hogy az Aardman hamarosan visszatérjen ehhez a formához.

11. “Persepolis” (2007)
A Cannes-i zsűri-díjas és Oscar-jelölt “Persepolis” egy évvel megelőzte a szintén Cannes-i és Oscar-jelölt “Keringő Bashirral” című filmet, de együttvéve mindkettő az animáció egy másik funkciójának megjelenését, vagy talán csak a mainstream elfogadottságát képviseli: felnőtt önéletrajzi történetek elmesélését, amelyek annyira személyesek és/vagy fájdalmasan politikaiak, hogy valahogy szinte könyörögnek, hogy inkább rajzolják, mint filmre vegyék őket. Marjane Satrapi filmje megható, vicces, megható és időnként borzalmas beszámoló az iszlám lázadás idején Teheránban felnövő gyermekkoráról, amelyet egyszerű, rideg, fekete-fehér képekben mesél el, de a szokatlan, humanizáló részletek iránti érzéke (amelyek nagy része saját maga által írt képregényéből származik) az, ami Satrapit mint ígéretes filmrendezőt jelölte ki. És azóta be is váltotta ezt, és a nemzetközi színtér egyik legélénkebb és legjátékosabban excentrikus filmesévé vált, bár még nem érte el a debütálását puszta hatás és jelentőség tekintetében.

10. “Wall-E” (2008)
Talán a “Chappie”-re zúdított vitriol egy része azért jött, mert már van egy szerethető (és a kritikusok által is elismert) robot-személyiség a filmes lexikonunkban (nem Johnny Five-ról beszélek). Merész vállalkozás volt a Pixar “Wall-E”, amely egy magányos szemétrobot és egy elhanyagolt civilizáció darabkáinak történetébe csomagolt, eléggé fanyar környezetvédelmi üzenet, amelyet csak ő dédelget. A korábbi filmeknél jóval kevesebb párbeszéddel és egy majdnem néma főhőssel a stúdió egyik formailag legszigorúbb és legnyíltabb szatirikus filmje maradt. Andrew Stanton filmje mégis melegszívű és vicces, Wall-E dizájnjának lenyűgöző kifejezőerejére támaszkodva (a labdával és az ütővel való játéka tökéletes példája az egész filmben működő makulátlan fizikának) csillogó eredetiséggel mesél el egy olyan történetet, amely végül minden régi vágású trópust felhasznál: egy valószínűtlen hős harcol szerelme kezéért, és ezzel megmenti az emberiséget önmagától.

9. “A szél feltámad” (2013)
Hayao Miyazaki már korábban is visszavonult (már egy évtizeddel ezelőtt is jelezte, hogy befejezte a filmkészítést), de mivel a Studio Ghibli állítólag leállt, “A szél feltámad” határozottan úgy tűnik, hogy ez lehet az anime-mester hattyúdala. A film mindenképpen meghatározónak tűnik: egy (többnyire) fantáziától mentes melodráma a valódi repülőgép-tervező Jiro Horikoshi-ról, egy korszak végének megható portréja Japánban, annak vizsgálata, hogy a fejlődés, a technológia és még a művészet is megromolhat, egy szerelmes levél a rendező szeretett repüléséhez, és mindenekelőtt egy önéletrajzi portré a művészről, mint megszállott fiatalemberről. Aki ezt a filmet rajzfilmként kezeli, annak nincs rendesen becsavarva a feje. Olyan gyönyörű, mint bármi, amit a rendező valaha is készített, és annak ellenére, hogy viszonylag realisztikus, csak animációként működhetett volna. Ha valóban ez Miyazaki utolsó filmje, akkor fájdalmasan fog hiányozni.

8. “Keringő Bashirral” (2008)
Ari Folman filmjében Ari Folman mesterien keveri a személyes esszét, a dokumentumfilmet és a hallucinációs képeket, mindezt egy katona 1982-es libanoni háborúban szerzett élményeinek merész vizsgálatának szolgálatában, amely épp elég stilizáltan vagány ahhoz, hogy megrázó meglátásaiba belekössön. Az emberi jogi és problémákkal foglalkozó filmek manapság sajnos tucatjával jelennek meg, így nem kis teljesítmény, hogy Folman képes volt túllépni ezeken a szűk kereteken azzal, hogy a “Waltz”-ot teljesen filmszerűvé tette. Az animáció – az Adobe Flash kivágások és a klasszikus animáció keveréke – hozzájárul Folman fiatal életének egy traumatikus időszakáról szóló, manifesztált emlékeinek szürreális jellegéhez. Max Richter kísérteties zenéje és a korhű dalok keveréke (a PiL “This is Not a Love Song” című dala a csúcspont) szintén hozzájárul a film általános erejéhez. Hatékony, tanulságos és érzelemgazdag, mert szórakoztató.

7. “Fantasztikus Róka úr” (2009)
A stop motion animáció és Wes Anderson mogyoróvajas-kocsonyás kombinációnak bizonyult Roald Dahl könyvének édes, mégis savanyú feldolgozásában. Nem állítanánk, hogy ez a szerző legjobb filmje, de sok szempontból ez képviseli leginkább a nagybetűs “művész” hírnevét. Végtére is, nem minden hiperkontrollált filmes diorámája az élőszereplős animáció egy formája? Túl azon, hogy értékeljük Anderson örökségében elfoglalt helyét, a “Fox” gyönyörű látvány és az egyik legviccesebb filmje. A gyermekmese adaptációja lehetővé teszi, hogy a szélesebb körű, sőt bolondos humora kellemesen a felszínre törjön (a csúcspont az, amikor az antagonista farmerek pofás vignettás vágóképekben mutatkoznak be). A látványvilág a Rankin/Bass-filmeket idézi, bizonyítva, hogy a régimódi módszerek is lehetnek újak, ha jól csinálják. Leginkább azért szeretjük ezt a filmet, mert mindenkinek szól, de mégis vannak durva élei és következményei.

6. “The Tale Of Princess Kaguya” (2013)
Nem kapott akkora figyelmet, mint “A szél feltámad”, de “The Tale Of Princess Kaguya”, a Studio Ghibli társalapítójának, Miyazakinak és “A szentjánosbogarak sírja” rendezőjének, Isao Takahatának a hattyúdala, a Studio Ghibli még elegikusabb, gyönyörűen keserédes búcsú a médium egyik mesterétől. A bambuszvágó hagyományos meséjén lazán alapuló, lenyűgözően festői módon animált mesében a filmben a címszereplőt szerény szülei fedezik fel egy bambuszhajtás belsejében. A lányt gazdagságra emelik, és végtelen számú udvarló udvarol neki, de semmi sem változtathat azon az érzésen, hogy földi ideje rövid lesz. Mind kifejezésmódjában, mind történetében egyszerű, mégis hihetetlenül gazdag (a halandóságról szóló elmélkedések mellett erős feminista és környezetvédelmi témák is megjelennek), finom, pasztorális film, amely Takahata karrierjének végleges összegzéseként és mélyen megrendítő búcsújaként is szolgál.

5. “The Triplets of Belleville” (2003)
78 perc tiszta francia boldogság. Sylvain Chomet forgatókönyve (alig hallható párbeszéddel) látszólag véletlenszerűnek tűnő baloldali fordulatokból áll, amelyek nem csak találgatásra késztetnek, de csodával határos módon varázslatos, egyedi egésszé állnak össze. A munkaigényes, gyönyörűen old school, festői animáció egy csoda, ami életre kelti ezt a bizarr történetet egy imádnivaló feladat-felelős anyáról, akinek kerékpáros fiát elrabolja a maffia, és aljas szerencsejáték-tervekre használja fel. Összefog a címszereplő énekes hármas ikrekkel, akik segítenek neki a megmentésben, hozzájárulva az egész filmet átható, ragadós zenei örömhöz. Ez egy teljesen eredeti elbeszélés, amelyet Chomet rendezett, aki tökéletesen érti az anyagot. Bár még mindig kultikus darab (annak ellenére, hogy 2003-ban két Oscar-díjra is esélyes volt), a film több mint hozzáférhető minden néző számára.

4. “It’s Such A Beautiful Day” (2012)
Még messze nem egy közismert név (bár a közelmúltban hozzájárult a sorozat 25 éves történetének egyik legjobb kanapésorozatához a “The Simpsons”-hoz), de az animációrajongók már régóta dicsérik az austini Don Herzfeldt-et, különösen az “It’s Such A Beautiful Day” után. A 2011-es, 23 perces, azonos című rövidfilmet két korábbi, “Everything Will Be Ok” és “I Am So Proud Of You” című rövidfilmmel kombinálva ez egy kísérteties, végül furcsán életigenlő trilógia Herzfeldt védjegyének számító pálcikafigurás, vonalrajzos stílusban (bár egyre mámorítóbb effektgyűjteménnyel feldobva), amely szatírát, ultraerőszakot, és a megdöbbentő utolsó szegmensben mentális betegséget és identitást mutat be. Ferde és furcsán hozzáférhető, komor és transzcendens, egyszerű és végtelenül újranézhető, kőkemény mestermű, amely megerősíti, hogy Herzfeldt jelentős filmes.

3. “Up” (2009)
A harmadik helyet tehát teljes egészében a “Up”-nak adjuk, vagy annak a 4 perces montázsnak köszönhetően adjuk ezt a helyet, ami Carl & Ellie házaséletéről készült, érzelmi törmelékké redukál minket? Számít ez egyáltalán? Helikopteres vagy repülőházas szemszögből nézve a “Fel” nem a legmegfelelőbb narratíva, amit a Pixar valaha alkotott, de a stúdió alkimista képességének apoteózisa a karakteralkotás és a kapcsolatok terén. Pete Docter és Bob Petersen ezzel a filmmel egyszerűen a valaha készült egyik legjobb bánatfilmet adta nekünk, amely egy szeszélyekkel, színes lufikkal, lihegő cserkészfiúkkal és viccesen beszélő kutyákkal teli mesébe van rejtve. Miközben tehát ugyanannyi mondanivalója van a generációs szakadékról, mint egy átlagos Ozu-filmnek, és bár a Bambi anyjának halála óta a legmeghatóbb animációs halállal kezdődik, a végére a “Fel” nem más, mint az élet örömteli megerősítése minden életkorban és minden tengerszint feletti magasságban.

2. “A hihetetlenek” (2004)
A rendező, Brad Bird eddigi legjobb filmje a képzeletbeli képregénymitológia, a családi melodráma és a pompás számítógépes animáció hólyagos ötvözete. A Pixar első nagy címhullámának legvégén készült, közvetlenül azelőtt, hogy a stúdió a “Verdákkal” félresiklott, majd a “Ratatouille”-val visszatért a helyes útra (ismét Birdnek köszönhetően, természetesen). Valójában ez még mindig az animációs óriáscég legjobb órájának és valószínűleg legteljesebb filmjének tűnik, tele izgalmas akciójelenetekkel és könnyen átélhető karakterdrámákkal (felnőtteknek és gyerekeknek egyaránt), valamint a kultúra szuperhős-mániájával, mielőtt az felhígult volna a jelenlegi, mindenütt jelenlévő szintre. A mesterien megtervezett (nézd meg az 50-es évek stílusú külvárosi otthonok és az irodai helyszínek konformitását), az okosan megtervezett forgatókönyv, hogy az A és B történetszálak folyamatosan kiegészítsék és erősítsék egymást, és egy olyan értékes, erőszakellenes üzenettel büszkélkedhet, amelyet Madonna jól tette volna, ha meghallgat, A hihetetlenek nem csak egy minden idők legjobb animációs filmje, hanem egy minden idők legjobb szuperhősfilmje, pont.

1. “Spirited Away” (2001)
Ha az animáció nagy erőssége, hogy képes teljesen elmerülni olyan világokban, amelyeknek csak a filmes képzelet szab határt, akkor tényleg nincs más választásunk az első helyre, mint a káprázatos “Spirited Away” Hayao Miyazakitól, az egyik legátfogóbb és legszebb filmes fantázia kurátorától. A film a “vigyázz, mit kívánsz” óvatosságra intő meseként indul, amikor egy fiatal lány izgatottan merészkedik egy varázslatos birodalomba, miután szüleit disznóvá változtatják, de ahogy halad előre, egyre furcsább, fantáziadúsabb és kétértelműbb lesz, és szöges ellentéte lesz annak a fajta lekezelő egyszerűsítésnek és erkölcsi fekete-fehérnek, ami máshol a családi film műfaját jellemzi. Groteszk, ijesztő, izgalmas, gyönyörű és nagyon idegen mindazok számára, akik a nyugati animáción nevelkedtek, a “Spirited Away” – Oscar-sikere és szélesebb körű amerikai népszerűsítése miatt – sokak számára az első Miyazaki vagy Studio Ghibli film, amit láttak, és így különleges helyet kell elfoglalnia a szívünkben, mint fényes kapu a Ghibli fantasztikus, túlvilági világába. Vagyis a világok sokaságába.

Honorable Mentions: A hosszú lista tehát több mint 100 címre rúgott, és a szenvedélyek egyszerűen túl nagyok voltak ahhoz, hogy itt felsoroljuk őket, de van néhány, amit fizikailag fájt kizárni, különösen, ha történetesen kisebb stúdióktól vagy független filmesektől származnak, akikre ráférne a csillogás. Így az ír Cartoon Saloon animációs ház kedves, derűs “The Secret of Kells” című filmjét; a folytatását, a szintén Oscar-jelölt “Song of the Sea”-t; a független finanszírozású, szellemes, a 20-as évek jazzének, az indiai mitológiának és a flash-animációnak az olvasztótégelybe olvasztott “Sita Sings the Blues”-t Nina Paley rendezőtől; valamint a “Mary and Max”-t Adam Elliott ausztrál rendezőtől, amelyben a néhai Philip Seymour Hoffman hangja szólal meg, mind erősen ajánljuk.

És más, ismertebb, de nem kevésbé szeretett filmek, amelyek a lista élmezőnye közelében lebegnek, többek között a következők: “A kalózok!, az Ernest & Celestine, a Wallace és Gromit: A nyúl átka”, “Felhős a húsgolyók esélye”, “Howl mozgó kastélya”, “Brave”, “Ghost in the Shell 2”: Innocence, “The Illusionist”, “Paranorman”, “The Boxtrolls”, “Tokyo Godfathers”, “Paprika”, “Ponyo”, “Shrek”, “Wolf Children”, “The Adventures of Tintin”, “Kung Fu Panda”, “The Girl Who Leapped through Time”, “Evangelion”: Nem vagy egyedül”, “Dead Leaves”, “The Secret World of Arriety”, “Frankenweenie”, “Tangled”, “The Emperor’s New Groove” és “Wreck-it Ralph” – a végtelenségig folytathatnánk, de nem fogjuk.

Amint mondtuk, gondolkodtunk a rotoszkópos filmek felvételén, mielőtt úgy döntöttünk, hogy ezek nem igazán alkalmasak erre, ami nem jelenti Richard Linklater “Waking Life” vagy “A Scanner Darkly” művészetének lebecsülését. És ha kíváncsiak lennétek, nem, nem felejtettük el a “Frozen”-t, ami egy jó film, de összességében nem igazán értjük, mi ez a nagy felhajtás. Fejezzétek ki felháborodásotokat a film elmaradása miatt, és bármi mást, ami a fejetekben van, az alábbi kommentszekcióban. Vagy, tudjátok, hagyjátok annyiban.

– Jessica Kiang, Oliver Lyttelton, Erik McClanahan

Sign Up: Maradj képben a legfrissebb filmes és tévés hírekről! Iratkozzon fel e-mail hírlevelünkre itt.