The 25 Best Animated Films Of The 21st Century So Far

25. „Lilo & Stich” (2002)
Późne lata ’90 i wczesne ’00 były ponurym czasem dla animacji Disneya: ta era przed „Frozen” prawie nic nie zwróciła się w kasie, w dużej mierze dlatego, że filmy takie jak „Brother Bear” i „Home On The Range” były wyjątkowo słabe. Ale głównym światłem świecącym (wraz z „The Emperor’s New Groove”, który jest godnie Chuck Jones-esque) był „Lilo & Stitch”. Jest to riff na „E.T.” na powierzchni -ecentric młoda dziewczyna zaprzyjaźnia międzygalaktycznej uciekiniera – ale reżyserzy Chris Sanders i Dean DeBlois (który pójdzie do zrobienia „Jak wytresować smoka”) sprawiają, że śpiewać poprzez specyfikę: delirious psoty uroczy psychotyczny Stitch, przepięknie zrealizowane Hawajach ustawienie, a zaskakujące patos Lilo i jej starsza siostra, którzy są badane przez służby socjalne. To może nie stoi z wczesnych lat 90-tych późnego złotego wieku Disneya, ale jest to cudownie dziwny i ogromnie satysfakcjonujący film.

24. „Kubuś Puchatek” (2011)
Każde pokolenie ma poczucie, że dzisiejszym dzieciom brakuje jakiejś istotnej części dzieciństwa z powodu technologicznego postępu współczesnego życia (aż do pierwszego neolitycznego taty, który ze smutkiem kręcił głową na używanie przez syna tych nowomodnych narzędzi z brązu). Ale Disney’s ręcznie animowany „Kubuś Puchatek” z reżyserów Don Hall i Stephen J Anderson przywołuje prostsze czasy z wdziękiem i dowcipem, a nawet -gasp! – sugeruje przyjemności czytania, z postaciami interakcji z tekstem na stronie w sposób stale pomysłowy. Jest to wprawdzie film dla bardzo małych dzieci, a niektórzy dorośli, którzy wychowali się na poprzednich filmach Disneya o Puchatku, byli najwyraźniej rozczarowani, że ten nie jest tak, no cóż, Disneyowski. Ale jest to krótki, spokojny, delikatnie zakręcony hołd dla jednej z najsłodszych i najbardziej lubianych postaci dziecięcych wszech czasów, który szanuje oryginalny materiał źródłowy Puchatka – wspaniałe książkiAA Milne’a.

23. „Rango” (2011)
Nawet gdy oryginalne filmy „Piraci z Karaibów” nie działały, wciąż były godnie dziwaczne. Z perspektywy czasu nie dziwi więc fakt, że kiedy reżyser Gore Verbinski i gwiazda Johnny Depp ponownie spotkali się przy animowanym obrazie, wyprodukowali jeden z najdziwniejszych filmów animowanych, jakie kiedykolwiek powstały w studiu. Łącząc „Chinatown” z którymś z wielu klasycznych westernów, ale ze zwierzętami i lekko obłąkanym klimatem „high-on-peyote”, Depp widzi kameleona w stylu Huntera Thompsona, który zostaje wzięty za bohatera przez miasteczko cierpiące z powodu suszy. Próby z udziałem aktorów w kostiumach (absolutna rzadkość w świecie animacji) przed ożywieniem przez Industrial Light & Magic, jedyną jak dotąd animowaną fabułę firmy VFX, przypominają o dziwacznej wizji, jaką Verbinski potrafił wnieść bez blockbusterowego nadęcia, i choć ledwo kwalifikuje się jako film dla dzieci, wciąż jest niezwykle zabawną wycieczką.

22. „Miasteczko zwane paniką” (2009)
Oparte na delikatnie surrealistycznym francuskojęzycznym programie telewizyjnym i noszące znamiona pierwszej animacji poklatkowej, jaka kiedykolwiek została pokazana w Cannes, „Miasteczko zwane paniką” od Belgów Stéphane’a Aubiera i Vincenta Patara to absurdalna historia Kowboja (plastikowy kowboj-zabawka), Indianina (plastikowy Indianin-zabawka) i Konia (plastikowa zabawka, rozumiecie), którzy mieszkają razem w domu na wsi i wpadają w niewytłumaczalne tarapaty. Próba świętowania urodzin Konia idzie nie tak, gdy zamówienie internetowe na 50 cegieł przypadkowo myli się z 50 milionów cegieł, i tak budują wielkie mury, które są skradzione przez złośliwe stwory morskie, więc idą śledzić je w dół przez tereny zaśnieżone, powietrzne, podziemne i zalesione … fabuła ma zero sensu i historia może czuć się tak szarpane jak uroczo surowej animacji. Ale jest to również zainwestowane z całkowicie obłędną energią, która jest mniej związana z wielkimi łukami narracyjnymi niż chwilowymi interakcjami i dziwactwami, które wypełniają każdą pojedynczą szaloną scenę.

21. „Millennium Actress” (2001)
Chociaż wyreżyserował tylko cztery pełne filmy fabularne i niestety odszedł w 2010 roku w wieku zaledwie 46 lat, Satoshi Kon ugruntował swoją pozycję jednego z najważniejszych i najbardziej oryginalnych twórców anime. Moglibyśmy z łatwością (i prawie tak się stało) zaliczyć do nich „Tokijskich ojców chrzestnych” czy „Paprikę” (tę ostatnią wielu uważa za inspirację dla „Incepcji” Christophera Nolana), ale my uważamy, że jego arcydziełem była druga pełnometrażowa fabuła, „Millennium Actress” z 2001 roku. O wiele dojrzalszy niż większość animacji, czy to japońskich, czy amerykańskich, film ten ma fascynującą koncepcję – starsza, emerytowana gwiazda filmowa prowadzi ekipę dokumentalną przez swoje wspomnienia, zmieniając gatunki i formy, gdy opowiada swoją historię poprzez role filmowe. Fani jasnej narracji prawdopodobnie będą rozczarowani, ale jest to fascynujące i bogate pudełko z puzzlami do rozplątania, które z powodzeniem porusza ulubione tematy Kona, takie jak natura rzeczywistości i siła sztuki.

20. „Monster House” (2006)
Bez wątpienia najlepszy z filmów Roberta Zemeckisa z gatunku performance-capture, częściowo dzięki temu, że jest przerażający tylko wtedy, gdy próbuje być, a częściowo dzięki temu, że nie został wyreżyserowany przez Zemeckisa (Gil Kenan miał ten występ zamiast niego), „Monster House” jest rzadkim filmem, który w udany sposób wyciąga zarówno „Burtonesque”, jak i „Amblin-esque”, i robi to z kupą serca i strachów w procesie. Napisana wspólnie przez twórcę „Community” Dana Harmona i jego przyjaciela Roba Schraba opowieść o trójce żądnych przygód nastolatków, którzy badają upiorny lokalny dom. Tam, gdzie nie udało się to w „Ekspresie polarnym”, dzięki głębszej stylizacji postaci, film czyni swoich młodych bohaterów wiarygodnymi i sympatycznie dziecięcymi w sposób, którym przejmuje się niewiele filmów, co prowadzi zarówno do świetnych gagów („To języczek!” „Więc to dom dziewczynki?”), jak i patosu skuteczniejszego niż u większości. Są tu lepiej wyglądające filmy, ale niewiele takich, które są równie zabawne.

19. „Jak wytresować smoka” (2010)
Jego filmy różnią się jakością, od prawie świetnych („Kung Fu Panda”, oryginalny „Shrek”), przez zaskakująco zabawne („Madagaskar 3” – nie, poważnie!), po w zasadzie bezwartościowe (późniejsze sequele „Shreka”, „Shark Tale”), ale bez względu na frekwencję, DreamWorks Animation prawie zawsze było postrzegane jako drugie skrzypce dla Pixara. Wyjątkiem jest „Jak wytresować smoka”, porywająca opowieść przygodowa, która łączy w sobie chłopięco-pieskową, przypominającą „E.T.” centralną relację między młodym wikingiem i jego smoczym kumplem z oszałamiającymi, trójwymiarowymi sekwencjami lotów, budową świata i najbardziej malarskimi wizualizacjami firmy (stworzonymi z pomocą legendy kinematografii Rogera Deakinsa). Tak często DreamWorks spada z powrotem na popkulturowych gagów lub casting celebrytów, ale to (i w mniejszym stopniu jego sequel) jest gdzie niech historia prowadzi drogę, a wynik jest absolutny triumf.

18. „Finding Nemo” (2003)
Zważywszy na mieszane osiągnięcia Pixara z sequelami, trudno nie mieć obaw przed przyszłorocznym „Finding Dory”, spóźnioną kontynuacją jednego z najbardziej ukochanych osiągnięć studia, „Finding Nemo” z 2003 roku. W końcu oryginał był czymś bliskim cudowi. Historia nadopiekuńczego ojca (Albert Brooks), którego najgorszy koszmar spełnia się, gdy jego syn zostaje zabrany za ocean, jest zawrotnie kolorowa, ogromnie zabawna historia pełna niesamowicie pamiętnych postaci i prawdopodobnie najlepszej w historii Pixara obsady głosowej (Brooks i co-lead Ellen DeGeneres są doskonałe, ale mamy też Willem Dafoe, Allison Janney, Stephen Root, Geoffrey Rush i Eric Bana). Ale w swoim sercu, to pakuje tak duży emocjonalny cios, jak wszystko, co studio zrobiło, stopniowo skracając przepaść między kochającym, ale destrukcyjnie neurotyczny ojciec i jego przygód, ale wrażliwy syn. Jeśli sequel jest choć w połowie tak dobry jak ten, powinien nadal być klasykiem.

17. „Monsters Inc.” (2001)
Po dwóch wspaniałych filmach „Toy Story” i średnio przyjętym (nieco niesprawiedliwie) „A Bug’s Life”, „Monsters Inc.” był filmem, który sugerował, że Pixar będzie znacznie więcej niż dom, który zbudował Buzz. Podobnie jak „Toy Story”, film ten podejmuje nieodpartą dziecięcą koncepcję – historię kryjącą się za potworami pod łóżkiem każdego dziecka lub w szafie – i wypełnił ją dwiema najbardziej sympatycznymi postaciami firmy w postaci Mike’a Wasowskiego z oczami na nogach Billy’ego Crystala i rozmytego niebieskiego Sully’ego Johna Goodmana, którzy przypadkowo wpuszczają do swojego raju potworów rzekomo śmiertelnie chore dziecko, całkowicie uroczego Boo. Film nie jest tak narracyjnie doskonały, jak niektóre z późniejszych filmów Pixara (dywersja Yeti to martwe powietrze), ale nadal jest pięknie zaprojektowany, ma wielkie serce i okazuje się całkowicie satysfakcjonujące. Przyzwoity, ale niepotrzebny prequel „Monsters University” wypada blado w porównaniu z nim, co świadczy o sile oryginału.

16. „Toy Story 3” (2010)
Pojawiając się pełną dekadę po ukochanej „Toy Story 2” (i wydając się ostatnim słowem na temat funkcji „Toy Story”… aż do „Toy Story 4”), „Toy Story 3” jest jednym z najlepszych filmów animowanych stulecia, co pokazuje wysoką poprzeczkę Pixara. Zamiast iść na okrążenie zwycięstwa, kreatywny zespół John Lasseter, Andrew Stanton i reżyser Lee Unkrich zmienił rzeczy po raz trzeci, pozwalając czas minął i dla Andy’ego być w kierunku college’u. Przygody, które następują, są niezwykłe: czasami jest tu prawdziwe niebezpieczeństwo, sporo mroku i dość głębokich przemyśleń, które sprawiają, że film jest jeszcze bardziej poruszający dla dorosłych niż jego poprzednicy. Bo tak naprawdę w tych filmach nigdy nie chodziło o plastikowe zabawki – chodziło o dzieciństwo, stan, który tak naprawdę można docenić dopiero po jego zakończeniu, gdy ktoś nowy bawi się starymi zabawkami.

15. „Koralina” (2009)
Obecnie z większej liczby domów animacji wychodzi więcej jakości, częściowo dzięki Laika z Portland, studiu stop-motion, które wybiło się z wysublimowaną „Koraliną”. Film, oparty na książce Neila Gaimana i wyreżyserowany przez Henry’ego Selicka, twórcę „Koszmaru przed Bożym Narodzeniem”, opowiada o tytułowej dziewczynce (Dakota Fanning), która ucieka od zaniedbujących ją rodziców do innego świata, który okazuje się bardziej złowrogi, niż planowała. Obraz jest wspaniale zaprojektowany (z wykorzystaniem 3D, które wciąż należy do najlepszych w historii, płaskie w „prawdziwym świecie” i ekspansywne w tym fantastycznym, w stylu „Czarnoksiężnika z Oz”), inteligentny, uduchowiony, klimatyczny, bogaty, zabawny, ekscytujący i dziwny, a tylko postarzał się jak dobre wino w ciągu ostatniej pół dekady. „Paranorman” i „The Boxtrolls” są zarówno warte sprawdzenia, ale pierwsza godzina Laika pozostaje ich najlepszym do tej pory.

14. „The Lego Movie” (2014)
Na papierze wydawało się, że będzie to koszmarny korporacyjny synergiczny-fest (nie jest oparty tylko na zabawce, ale zawiera zabawkowe wersje superbohaterów!). W praktyce „The Lego Movie” to chytra, przewrotna, radosna zabawa, w której Phil Lord i Chris Miller przebijają swój poprzedni animowany obraz „Cloudy With Chance Of Meatballs” (którego niektórzy z nas są bardzo zrzędliwi, że nie ma na tej liście…). Spoofing „wybrany” narracji jak Chris Pratt’s Emmett jest wybrany jako ostatnia wielka nadzieja przeciwko złemu Lord Business (Will Ferrell), to głęboko głupie, meta-tastic action-comedy, który nadal znajduje miejsce na zaskakujący stopień patosu, nie tylko w jego tajnym późnym gry live-action gambit. Uchwycenie dziecięcego poczucia zabawy w sposób, który niewielu zrobiło poza „Toy Story”, ale przefiltrowanie go przez mentalność millenialsów mash-up, musi figurować jako jedna z najbardziej chwalebnych niespodzianek mainstreamowych w ostatniej pamięci.

13. „Ratatouille” (2007)
„Ratatouille” jest czymś w rodzaju dziwactwa wśród kanonu Pixara, mniej ze względu na jego historię produkcji („Iniemamocni” hemer Brad Bird całkowicie przebudowany film późno w produkcji, co jest par dla kursu w studiu), a bardziej dlatego, że gra tak dużo starszy niż wiele z resztą ich filmów. Osadzony w świecie wykwintnej kuchni obraz celuje i celebruje krytyków, ma stosunkowo wolne tempo i czerpie z tak różnych inspiracji jak Lubitsch czy Proust. Ta autorska, z pogranicza kina domowego animacja zarobiła setki milionów dolarów na całym świecie. Opowieść Birda o szczurze (w tej roli doskonale Patton Oswalt) z wyrafinowanym podniebieniem i kulinarnymi marzeniami sprawdza się jako obraz o gadających zwierzętach, komedia romantyczna, list miłosny do Paryża (te krajobrazy!) i do jedzenia, a mogła powstać tylko w wytwórni Pixar. Niektóre z ich innych filmów mogły mieć szerszy zasięg, ale „Ratatouille” jest naprawdę wyrafinowany.

12. „Chicken Run” (2000)
Na ogół, funkcje Aardman Animation nie do końca dorównywały jej nagrodzonym Oscarem krótkometrażowym „Wallace & Gromit” (choć fabularna przygoda tego ostatniego jest radosna i prawie trafiła na tę listę). Mówimy „na ogół”, ponieważ „Chicken Run”, pierwszy pełnometrażowy wysiłek studia jest wspaniały, bardziej uroczy i pomysłowy film niż większość z budżetami wielokrotnie większymi. Podążając za grupą kur, które korzystają z pomocy zarozumiałego koguta Reda (przedpotopowy Mel Gibson), by uciec z farmy, gdy dowiadują się, że ich przeznaczeniem jest zostać zamienionymi w placki, film w błyskotliwy i sugestywny sposób przedstawia filmy o jeńcach wojennych z czasów II wojny światowej, takie jak „Wielka ucieczka”, z bardzo brytyjskim, ekscentrycznym urokiem. Obejmując nieskazitelną oprawę graficzną, klasyczny komizm fizyczny i porywającą akcję, które charakteryzowały filmy krótkometrażowe Aardmana, jest również bardziej dopracowany pod względem narracyjnym, a jego finał jest tak porywający jak wszystko inne na tej liście. Trzymamy kciuki, by Aardman wkrótce powrócił do takiej formy.

11. „Persepolis” (2007)
Zdobywca nagrody jury w Cannes i nominowany do Oscara „Persepolis” o rok wyprzedził również nominowany do nagrody w Cannes i Oscara „Walc z Baszirem”, ale razem wzięte, oba reprezentują pojawienie się, a może tylko bardziej mainstreamową akceptację, innej funkcji animacji: opowiadania dorosłych historii autobiograficznych tak osobistych i/lub boleśnie politycznych, że w jakiś sposób niemal błagają o to, by je narysować, a nie sfilmować. Film Marjane Satrapi to przejmująca, zabawna, wzruszająca i momentami przerażająca relacja z jej dzieciństwa w Teheranie podczas islamskiej rebelii, opowiedziana prostymi, surowymi, czarno-białymi obrazami, ale to właśnie jej oko do dziwacznych, uczłowieczających szczegółów (z których wiele pochodzi z jej samodzielnie napisanego komiksu) wyróżniło Satrapi jako obiecującego filmowca. Od tego czasu stała się jednym z najbardziej żywiołowych i zabawnie ekscentrycznych twórców filmowych na scenie międzynarodowej, choć jeszcze nie dorównała swojemu debiutowi pod względem wpływu i znaczenia.

10. „Wall-E” (2008)
Prawdopodobnie część witriolu wylanego na „Chappie” wzięła się stąd, że mamy już w naszym kinowym leksykonie uroczego (i krytycznie zatwierdzonego) robota z osobowością (nie mówiąc o Johnnym Five). Wall-E” Pixara, dość ostry przekaz ekologiczny zawarty w opowieści o samotnym robocie-śmieciarzu i fragmentach zaniedbanej cywilizacji, którą tylko on pielęgnuje, był śmiałym przedsięwzięciem. Ze znacznie mniejszą ilością dialogów niż w poprzednich filmach i niemal niemym bohaterem, pozostaje jednym z najbardziej surowych formalnie i otwarcie satyrycznych filmów studia. A jednak film Andrew Stantona jest ciepły i zabawny, opierając się na oszałamiającej ekspresyjności projektu Wall-E (jego gra z piłką i kijem jest doskonałym przykładem nieskazitelnej fizyki w pracy przez cały czas), aby opowiedzieć z migotliwą oryginalnością historię, która ostatecznie wykorzystuje każdy stary trope w książce: nieprawdopodobny bohater walczy, aby zdobyć rękę swojej pani miłości, a tym samym ratuje ludzkość przed samą sobą.

9. „The Wind Rises” (2013)
Hayao Miyazaki przeszedł już wcześniej na emeryturę (sugerował, że skończył z kręceniem filmów już dekadę temu), ale z rzekomo kończącym działalność Studio Ghibli, „The Wind Rises” zdecydowanie wygląda na to, że może być łabędzim śpiewem mistrza anime. Film z pewnością wydaje się być definiującym go oświadczeniem: pozbawiony (w większości) fantazji melodramat o prawdziwym konstruktorze samolotów Jiro Horikoshim, to poruszający portret końca pewnej epoki w Japonii, badanie sposobu, w jaki postęp, technologia, a nawet sztuka mogą zostać zepsute, list miłosny do ukochanego przez reżysera lotnictwa, a przede wszystkim autobiograficzny portret artysty jako młodego człowieka z obsesją. Każdy, kto uzna to za kreskówkę, nie ma dobrze przykręconej głowy. Film jest tak piękny, jak wszystko, co reżyser kiedykolwiek stworzył, a jednocześnie, mimo że jest stosunkowo realistyczny, mógłby się sprawdzić jedynie jako animacja. Jeśli to naprawdę ostatni film Miyazakiego, będzie go boleśnie brakowało.

8. „Walc z Baszirem” (2008)
Dobry przykład tego, jak zręczna może być animacja, film Ariego Folmana w mistrzowski sposób łączy osobisty esej, dokument i halucynacyjne obrazy, a wszystko to w służbie odważnego badania doświadczeń jednego żołnierza z wojny libańskiej w 1982 r., który ma odpowiednią ilość stylizowanego chłodu, by wciągnąć cię w swoje wstrząsające spostrzeżenia. W dzisiejszych czasach filmy o prawach człowieka i problemach społecznych są niestety na porządku dziennym, więc Folmanowi udało się przekroczyć te wąskie ramy, czyniąc „Walc” filmem na wskroś filmowym. Animacja – połączenie wycinanek Adobe Flash z klasyczną animacją – dodaje surrealistycznego charakteru wspomnieniom Folmana z traumatycznego okresu w jego młodym życiu. Przejmująca ścieżka dźwiękowa Maxa Richtera i mieszanka odpowiednich do epoki piosenek (na szczególną uwagę zasługuje „This is Not a Love Song” zespołu PiL) również dodają całości mocy. Jest skuteczny, edukacyjny i emocjonalny, ponieważ jest zabawny.

7. „Fantastyczny Pan Lis” (2009)
Animacja poklatkowa i Wes Anderson okazały się być połączeniem jak masło orzechowe i galaretka w tej słodkiej, ale kwaśnej adaptacji książki Roalda Dahla. Nie twierdzimy, że jest to najlepszy film reżysera, ale pod wieloma względami jest to najbardziej reprezentatywne dla jego reputacji jako „artysty” przez duże „A”. W końcu, czy wszystkie jego hiper kontrolowane dioramy filmowe nie są formą animacji live action? Poza docenieniem miejsca, jakie zajmuje w spuściźnie Andersona, „Lis” jest pięknym do oglądania i jednym z jego najzabawniejszych filmów. Adaptacja bajki dla dzieci pozwala na wydobycie na powierzchnię jego szerszego, wręcz głupkowatego humoru w przyjemny dla oka sposób (punktem kulminacyjnym jest wprowadzenie antagonistycznych farmerów w migawkowych ujęciach). Oprawa wizualna nawiązuje do filmów Rankina/Bassa, udowadniając, że stare metody mogą być nowe, jeśli są dobrze wykonane. Kochamy ten film najbardziej, bo jest dla wszystkich, ale wciąż ma szorstkie krawędzie i konsekwencje.

6. „The Tale Of Princess Kaguya” (2013)
Nie przykuł tak dużej uwagi jak „The Wind Rises”, ale „The Tale Of Princess Kaguya”, swansong dla współzałożyciela Studia Ghibli Miyazakiego i reżysera „Grave Of The Fireflies” Isao Takahaty, to jeszcze bardziej elegijne, pięknie słodko-gorzkie pożegnanie jednego z mistrzów medium. Bajka oparta luźno na tradycyjnej opowieści o Nożycy Bambusa i animowana w zachwycający, malarski sposób, film opowiada o odkryciu tytułowej bohaterki wewnątrz pędu bambusa przez jej skromnych rodziców. Zostaje ona wyniesiona do bogactwa i zabiegana przez niekończących się zalotników, ale nic nie może zmienić poczucia, że jej czas na Ziemi będzie krótki. Prosty zarówno w wyrazie, jak i historii, ale wciąż niezwykle bogaty (istnieją silne feministyczne i środowiskowe tematy w pracy wraz z medytacjami na temat śmiertelności), jest to delikatny, pastoralny film, który służy zarówno jako ostateczne podsumowanie kariery Takahaty, jak i głęboko przejmujące pożegnanie.

5. „The Triplets of Belleville” (2003)
78 minut czystej francuskiej rozkoszy. Scenariusz Sylvaina Chometa (z ledwie słyszalnym dialogiem) składa się z pozornie przypadkowych zwrotów w lewo, które nie tylko trzymają w napięciu, ale cudownie łączą się w magiczną, niepowtarzalną całość. Pracochłonna, pięknie oldschoolowa, malarska animacja jest cudem do oglądania, ożywiając tę dziwaczną historię uroczej matki-mistrzyni, której syn rowerzysta zostaje porwany przez mafię i wykorzystany do nikczemnych gier hazardowych. Dołącza ona do tytułowych śpiewających trojaczków, które pomagają jej w akcji ratunkowej, dodając do tego zaraźliwą muzyczną radość, którą przesiąknięty jest cały film. Jest to całkowicie oryginalna narracja, wyreżyserowana przez Chometa z doskonałym wyczuciem materiału. Choć wciąż jest to pozycja kultowa (mimo że w 2003 roku zdobyła 2 Oscary), film jest bardziej niż przystępny dla każdego widza.

4. „It’s Such A Beautiful Day” (2012)
Jest daleki od sławy (choć ostatnio przyczynił się do jednej z najlepszych sekwencji kanapowych do „The Simpsons” w 25-letniej historii serialu, pomogło), ale fani animacji od dawna śpiewają pochwały Austin’s Don Herzfeldt, zwłaszcza po „It’s Such A Beautiful Day”. Łącząc 23-minutowy film krótkometrażowy z 2011 roku o tym samym tytule z dwoma wcześniejszymi „Everything Will Be Ok” i „I Am So Proud Of You”, Herzfeldt stworzył przejmującą, a zarazem dziwnie życiodajną trylogię w charakterystycznym dla siebie stylu rysowania kreską (choć ubarwioną coraz bogatszą kolekcją efektów). Przewrotny i dziwnie przystępny, ponury i transcendentny, prosty i dający się oglądać bez końca, jest to arcydzieło, które potwierdza, że Herzfeldt jest wybitnym filmowcem.