De 25 bästa animerade filmerna på 2000-talet hittills

Förvånansvärt nog var ”anti-animation, hegemoniska live-action-kryptofascister” inte ett av de många, många namn som vi kallades för i samband med vår rankning av de 50 bästa filmerna på decenniet hittills, trots att vi inte tog med några animerade filmer på den listan. Vi var lite besvikna, om vi ska vara ärliga, eftersom vi hade en snabb comeback i beredskap: vi var redan i planeringsstadiet för en helt animerad film, så vi kände oss berättigade att separera live action-filmerna från deras handritade, datorgenererade, stop motion och claymation-bröder. Så här är listan: tidsramen har utökats den här gången till att omfatta alla animerade filmer i alla stilar (utom rotoscoping, som vi uteslöt på grund av att den är beroende av att man först måste filma live-action) från år 2000 fram till idag.

Under de senaste femton åren har animationsindustrin genomgått enorma omvälvningar, från den titaniska föreningen av den gamla skoljätten Disney och den älskade spelförändraren Pixar, till den utomordentliga Studio Ghiblis uppgång till internationell och Oscarsbelönad ära (och dess nära förestående upplösning), till det enorma kvalitetslyft som gjorts av sådana som DreamWorks och andra uppstickare. Alla dessa faktorer kombineras för att skapa ett landskap för mainstream- och arthousefilmproduktion som är mer vänligt inställt till ett mer varierat utbud av animationsstilar och ämnen än någonsin tidigare. Det stora urvalet som vi har och den extremt subjektiva karaktären av djuret (en tittares vackra är en annan tittares pinsamma) innebär att vi är helt övertygade om att den här rankningen kommer att inspirera sin beskärda del av ilska/anklagelser om partiskhet också. Men precis som många av filmerna nedan har lärt oss kommer vi att vara modiga, följa våra drömmar och hitta inre reserver av styrka och godhet för att möta vad livet och kommentatorerna än kastar på oss, när vi tar er med på denna resa genom våra 25 favoritanimerade filmer från 2000-talet. Och om du vill ha fler av de bästa filmerna sedan 2000 kan du kolla in vårt inslag om 2000-talets bästa skräckfilmer här.

25. ”Lilo & Stitch” (2002)
Slutet av 90-talet och början av 00-talet var en dyster tid för Disney-animation: den där eran före ”Frozen” gav nästan inget utdelning på kassan, till stor del på grund av att filmer som ”Brother Bear” och ”Home On The Range” var extremt dåliga. Men det stora lysande ljuset (tillsammans med ”The Emperor’s New Groove”, som är beundransvärt Chuck Jones-esque) var ”Lilo & Stitch”. På ytan är det en kopia av ”E.T.” – en excentrisk ung flicka blir vän med en intergalaktisk rymling – men regissörerna Chris Sanders och Dean DeBlois (som senare skulle göra ”How To Train Your Dragon”) får den att sjunga genom att vara specifik: den förtjusande psykopatiska Stitchs deliriska skadeglädje, den underbart realiserade Hawaiianiska miljön och det överraskande patoset hos Lilo och hennes storasyster, som undersöks av socialförvaltningen. Den står kanske inte med det tidiga 90-talets sena guldålder för Disney, men det är en underbart konstig och enormt tillfredsställande film.

24. ”Nalle Puh” (2011)
Alla generationer känner en känsla av att dagens barn går miste om någon viktig del av barndomen på grund av det moderna livets tekniska framsteg (ända tillbaka till den första neolitiska pappan som sorgset skakade på huvudet när hans son använde de där nymodiga bronsverktygen). Men Disneys handanimerade ”Nalle Puh” av regissörerna Don Hall och Stephen J Anderson frammanar enklare tider med charm och humor och föreslår till och med – gasp! – nöjet att läsa, där karaktärerna interagerar med texten på sidan på ett ständigt uppfinningsrikt sätt. Filmen är visserligen avsedd för mycket små barn, och vissa vuxna som vuxit upp med tidigare Disney Puh-filmer var tydligen besvikna över att den här filmen inte var lika, ja, Disneyfierad. Men detta är en kort, lugn, försiktigt skruvad hyllning till en av de sötaste och mest älskade barnkaraktärerna genom tiderna som respekterar Puhs ursprungliga källmaterial -AA Milnes underbara böcker.

23. ”Rango” (2011)
Även när de ursprungliga ”Pirates of the Caribbean”-filmerna inte fungerade var de fortfarande beundransvärt konstiga. Så det är i efterhand föga förvånande att när regissören Gore Verbinski och stjärnan Johnny Depp återförenades för en animerad film producerade de en av de märkligare animerade filmerna som någonsin gjorts av en studio. I filmen, som är en blandning av ”Chinatown” och någon av de klassiska westernfilmerna, men med djur och en lätt störd känsla av att vara en peyote, misstas Depps Hunter Thompson-kameleon för en hjälte i en stad som lider av torka. Den repeterades med skådespelarna i kostym (en absolut sällsynthet i animationsvärlden) innan den gavs fantastiskt liv av Industrial Light & Magic, VFX-företagets enda animerade film hittills, och är en påminnelse om den udda vision som Verbinski kunde ge utan blockbuster-blåsning, och även om den knappt ens kvalificerar sig som en barnfilm, visar den sig ändå vara en enormt underhållande resa.

22. ”A Town Called Panic” (2009)
Baserad på en lätt surrealistisk franskspråkig TV-show och med utmärkelsen att vara den första stop-motion-animationen som någonsin visats i Cannes, är ”A Town Called Panic” från belgarna Stéphane Aubier och Vincent Patar den absurda berättelsen om Cowboy (en cowboy i plastleksak), Indian (en indian i plastleksak) och Häst (en plastleksak, du fattar) som bor tillsammans i ett hus på landet och hamnar i oförklarliga bråk. Ett försök att fira Hästens födelsedag går snett när en internetbeställning på 50 tegelstenar av misstag misstas för 50 miljoner tegelstenar, och så bygger de stora murar som stjäls av ondskefulla havsvarelser, så de går på jakt efter dem genom en terräng som är snötäckt, luftburen, underjordisk och skogig … handlingen är helt meningslös och berättelsen kan kännas lika ryckig som den charmigt råa animationen. Men den är också investerad med en helt galen energi som handlar mindre om stora berättarbågar än om de tillfälliga interaktionerna och konstigheterna som proppar varje enskild knasig scen.

21. ”Millennium Actress” (2001)
Trots att han bara regisserade fyra kompletta spelfilmer och tyvärr gick bort 2010 endast 46 år gammal, etablerade sig Satoshi Kon som en av animes viktigaste och mest originella filmskapare. Vi kunde lätt ha inkluderat (och gjorde det nästan) ”Tokyo Godfathers” eller ”Paprika” (den senare sägs av många ha inspirerat Christopher Nolans ”Inception”), men vi skulle säga att hans mästerverk var hans andra långfilm, ”Millennium Actress” från 2001. Filmen är betydligt mognare än de flesta animerade filmer, vare sig de är japanska eller amerikanska, och har ett fascinerande koncept, då en äldre pensionerad filmstjärna tar med sig ett dokumentärteam genom sina minnen och byter genrer och form när hon berättar sin historia genom sina filmroller. Fans av tydliga berättelser kommer sannolikt att bli besvikna, men det finns ett fascinerande och rikt pussel att lösa upp, som framgångsrikt tar upp Kon’s favoritteman om verklighetens natur och konstens makt.

20. ”Monster House” (2006)
Enligt Robert Zemeckis bästa performance-capture-film, delvis på grund av att den bara är läskig när den försöker vara det och delvis på grund av att den inte regisserades av Zemeckis (Gil Kenan fick jobbet i stället), är ”Monster House” den sällsynta film som lyckas med både ”Burtonesque” och ”Amblin-esque” på ett lyckat sätt, och gör det med en massa hjärta och skrämselhicka i processen. Filmen är skriven av ”Community”-skaparen Dan Harmon och hans vän Rob Schrab och handlar om tre äventyrliga tonåringar som undersöker ett spöklikt hem i trakten. Polar Express” lyckades inte med det genom att stilisera karaktärerna ytterligare och gör sina unga huvudpersoner trovärdiga och sympatiska på ett sätt som få filmer gör, vilket leder till både bra skämt (”Det är uvula!” ”Så det är ett tjejhus?”) och ett patos som är effektivare än de flesta andra. Det finns snyggare filmer här, men få som är lika roliga.

19. ”How To Train Your Dragon” (2010)
Dess filmer varierar i kvalitet från de nästan fantastiska (”Kung Fu Panda”, den ursprungliga ”Shrek”) till de överraskande underhållande (”Madagascar 3” – nej, allvarligt talat!) till de i princip värdelösa (senare ”Shrek”-uppföljningar, ”Shark Tale”), men oavsett hur det går har DreamWorks Animation nästan alltid betraktats som andrafiol till Pixar. Undantaget är ”How To Train Your Dragon”, en spännande äventyrsberättelse som kombinerar en ”E.T.”-liknande relation mellan en ung viking och hans drakkompis med fantastiska flygsekvenser i 3D, världsbyggande och företagets mest målande visuella bilder (skapade med hjälp av filmlegendaren Roger Deakins). Så ofta faller DreamWorks tillbaka på popkulturella skämt eller kändisrollsbesättningar, men i den här filmen (och i mindre utsträckning i dess uppföljare) låter de berättelsen leda vägen, och resultatet är en absolut triumf.

18. ”Finding Nemo” (2003)
Med tanke på Pixars blandade resultat med uppföljare är det svårt att inte vara orolig inför nästa års ”Finding Dory”, den försenade uppföljaren till en av studions mest älskade prestationer, 2003 års ”Finding Nemo”. Originalet var trots allt något som närmar sig ett mirakel. Historien om den överbeskyddande pappan (Albert Brooks) vars värsta mardröm blir sann när hans son tas med över havet är en svindlande färgstark, enormt rolig historia full av otroligt minnesvärda karaktärer och Pixars kanske bästa röstbesättning genom tiderna (Brooks och medaktören Ellen DeGeneres är perfekta, men vi får också Willem Dafoe, Allison Janney, Stephen Root, Geoffrey Rush och Eric Bana). Men i grunden har den en lika stor känslomässig kraft som allt annat som studion har gjort och minskar gradvis klyftan mellan en kärleksfull men destruktivt neurotisk far och hans äventyrslystna men sårbara son. Om uppföljaren är ens hälften så bra som den här, borde den ändå bli en klassiker.

17. ”Monsters Inc.” (2001)
Efter två fantastiska ”Toy Story”-filmer och den medelmåttigt mottagna (något orättvist) ”A Bug’s Life” var ”Monsters Inc.” filmen som antydde att Pixar skulle vara mycket mer än huset som Buzz byggde. Liksom ”Toy Story” tar filmen upp en oemotståndlig barndomsidé – historien bakom monstren under varje barns säng eller i garderoben – och fyller den med två av företagets mest älskvärda karaktärer i Billy Crystals ögon på benen Mike Wasowski och John Goodmans luddiga blå Sully, som av misstag släpper in ett förmodat dödligt barn, den fullständigt bedårande Boo, i deras monsterparadis. Filmen är inte lika berättarmässigt perfekt som några av de senare Pixar-filmerna (Yeti-avvikelsen är dödlig), men den är fortfarande vackert utformad, har ett jättehjärta och visar sig vara helt tillfredsställande. Den anständiga men onödiga föregångaren ”Monsters University” bleknar i jämförelse, vilket är ett bevis på originalets styrka.

16. ”Toy Story 3” (2010)
Vi kom ett helt decennium efter den älskade ”Toy Story 2” (och verkade vara det sista ordet om ”Toy Story”-filmer… fram till ”Toy Story 4”), ”Toy Story 3” är en av århundradets bästa animerade filmer, vilket visar att Pixars ribba ligger högt. I stället för att göra ett segervarv bytte det kreativa teamet bestående av John Lasseter, Andrew Stanton och regissören Lee Unkrich ut saker och ting för tredje gången, så att tiden har gått och Andy är på väg till college. Äventyren som följer är anmärkningsvärda: ibland finns det genuina faror, en hel del mörker och en ganska djup självrannsakan som gör den ännu mer berörande för vuxna än sina föregångare. För dessa filmer handlade egentligen aldrig om leksaker av plast – de handlade om barndomen, ett tillstånd som man egentligen bara kan uppskatta efter att den har avslutats och någon ny leker med ens gamla leksaker.

15. ”Coraline” (2009)
Det kommer mer kvalitet från fler animationshus nuförtiden, delvis tack vare Portlands Laika, en stop-motion-studio som slog igenom med den sublima ”Coraline”. Filmen är baserad på en bok av nördidolen Neil Gaiman och regisserad av Henry Selick, som har regisserat ”The Nightmare Before Christmas”. Filmen handlar om den titelbärande flickan (Dakota Fanning) som flyr från sina försumliga föräldrar till en annan värld som visar sig vara mer olycksbådande än vad hon hade planerat. Filmen är underbart utformad (med en användning av 3D som fortfarande är bland de bästa någonsin, platt i den ”verkliga världen” och expansiv i fantasivärlden, i ”Wizard of Oz”-stil), smart, själfull, atmosfärisk, rik, rolig, spännande och märklig, och den har bara åldrats som ett gott vin under det senaste halvdecenniet. ”Paranorman” och ”The Boxtrolls” är båda värda att kolla in, men Laikas första timme är fortfarande deras bästa hittills.

14. ”The Lego Movie” (2014)
På pappret verkade det vara en mardrömslik företagssynergifest (den är inte bara baserad på en leksak, utan innehåller leksaksversioner av superhjältar!). I praktiken är ”The Lego Movie” en listig, subversiv, svindlande glädje, där Phil Lord och Chris Miller överträffar deras tidigare animerade film ”Cloudy With Chance Of Meatballs” (som vissa av oss är väldigt sura över att den inte finns med på den här listan…). Det är en djupt fånig, meta-tastisk actionkomedi som fortfarande har utrymme för en överraskande grad av patos, inte minst i sitt hemliga, sena live-action-manöver. Genom att fånga en barnslig känsla av lek på ett sätt som få hade gjort utanför ”Toy Story”, men genom att filtrera den genom en tusenårig mash-up-mentalitet, måste den räknas som en av de mest härliga mainstreamöverraskningarna på senare tid.

13. ”Ratatouille” (2007)
”Ratatouille” är något av en udda figur i Pixars kanon, mindre på grund av dess produktionshistoria (”The Incredibles”-regissören Brad Bird gjorde om filmen helt och hållet i slutet av produktionen, vilket är vanligt i studion), och mer för att den spelar så mycket äldre än många av resten av deras filmer. Filmen utspelar sig i den fina matvärlden, riktar sig till och hyllar kritiker, har ett relativt långsamt tempo och hämtar influenser så olika som Lubitsch och Proust. Det är en auteuristisk, gränslösarthouse-animation som på något sätt fortsatte att omsätta hundratals miljoner dollar världen över. Birds berättelse om en råtta (perfekt spelad av Patton Oswalt) med en raffinerad smak och kulinariska drömmar fungerar som en talande djurfilm, en romantisk komedi, ett kärleksbrev till Paris (dessa stadslandskap!) och till mat, och kunde bara ha gjorts av Pixar. Några av deras andra filmer hade kanske haft ett bredare tilltal, men ”Ratatouille” är verkligen raffinerad.

12. ”Chicken Run” (2000)
På det hela taget kunde Aardman Animations långfilmer inte riktigt mäta sig med de Oscarsbelönade kortfilmerna ”Wallace & Gromit” (även om långfilmsäventyret av den sistnämnda är en fröjd och nästan hade kommit med på den här listan). Vi säger ”på det hela taget” eftersom ”Chicken Run”, studions första långfilmssatsning, är fantastisk, en mer charmig och uppfinningsrik film än de flesta med många gånger större budgetar. Filmen följer en grupp höns som tar hjälp av den kaxiga tuppen Red (en Mel Gibson innan han avgick) för att fly från sin gård när de får reda på att de är ämnade att förvandlas till pajer. Den är briljant och suggestiv och innehåller en brittisk, excentrisk charm som påminner om andra världskrigets krigsfångelfilmer som ”The Great Escape”. Filmen har den perfekta designen, den klassiska fysiska komedin och den spännande action som kännetecknade Aardman-kortfilmerna, men den är också mer väl avrundad i fråga om berättelse och har en final som är lika medryckande som allt annat på den här listan. Vi håller tummarna för att Aardman snart återvänder till den här formen.

11. ”Persepolis” (2007)
Den Cannes-juryprisvinnande och Oscarsnominerade ”Persepolis” föregick den också Cannes- och Oscarsnominerade ”Waltz with Bashir” med ett år, men tillsammans representerar båda filmerna framväxten, eller kanske bara den mer allmänna acceptansen, av en annan funktion hos animationen: att berätta vuxna historier om självbiografi som är så personliga och/eller smärtsamt politiska att de på något sätt nästan ber om att tecknas snarare än filmas. Marjane Satrapis film är en gripande, rolig, rörande och ibland skrämmande skildring av hennes uppväxt i Teheran under det islamiska upproret, berättad i enkla, starka, svartvita bilder, men det är hennes öga för udda, mänskliggörande detaljer (som till stor del kommer från hennes egenhändigt författade serietidning) som utmärker Satrapi som en lovande filmskapare. Och sedan dess har hon gjort det och blivit en av de livligaste och mest lekfullt excentriska filmskaparna på den internationella scenen, även om hon ännu inte har lyckats mäta sig med sin debut när det gäller ren effekt och betydelse.

10. ”Wall-E” (2008)
Kanske en del av den vitriol som hälldes över ”Chappie” berodde på att vi redan har en älskvärd (och kritiskt godkänd) robot med en personlighet i vårt filmiska lexikon (jag talar inte om Johnny Five). Pixars ”Wall-E”, ett ganska svidande miljöbudskap som är förpackat i berättelsen om en ensam skräprobot och fragmenten av en försummad civilisation som bara han värnar om, var ett djärvt företag. Med mycket mindre dialog än i tidigare filmer och en nästan stum huvudperson är den fortfarande en av studions mest formellt strikta och direkt satiriska filmer. Ändå är Andrew Stantons film varm och rolig och förlitar sig på den fantastiska uttrycksfullheten hos Wall-E:s design (hans lek med bollen och slagträet är ett perfekt exempel på den perfekta fysiken som är verksam i hela filmen) för att på ett originellt sätt berätta en historia som i slutändan använder sig av alla gamla troper: en osannolik hjälte kämpar för att vinna sin älskades hand och räddar på så sätt mänskligheten från sig själv.

9. ”The Wind Rises” (2013)
Hayao Miyazaki har dragit sig tillbaka tidigare (han föreslog att han var färdig med filmskapande redan för tio år sedan), men när Studio Ghibli förmodligen håller på att avvecklas verkar ”The Wind Rises” definitivt vara anime-mästarens svanesång. Filmen verkar verkligen vara ett definierande uttalande: en (mestadels) fantasilös melodram om den verkliga flygplanskonstruktören Jiro Horikoshi, det är ett gripande porträtt av slutet på en epok i Japan, en undersökning av hur framsteg, teknik och till och med konst kan fördärvas, ett kärleksbrev till regissörens älskade flyg och mer än något annat ett självbiografiskt porträtt av konstnären som en besatt ung man. Den som avfärdar detta som en tecknad film har inte huvudet ordentligt skruvat på. Den är lika vacker som allt som regissören någonsin gjort, men trots att den är relativt realistisk kan den bara ha fungerat som animerad film. Om det verkligen är Miyazakis sista film kommer han att vara smärtsamt saknad.

8. ”Waltz with Bashir” (2008)
Ett starkt exempel på hur skicklig animation kan vara, Ari Folmans film hybridiserar på ett mästerligt sätt personlig essä, dokumentärfilm och hallucinatoriska bilder, allt i tjänst av en djärv undersökning av en soldats upplevelse av Libanonkriget 1982 som är precis lagom stiliserad cool för att fånga dig i sina hårresande insikter. Filmer om mänskliga rättigheter och problemställningar är tyvärr ett dussin nuförtiden, så det är ingen liten bedrift att Folman lyckades överskrida dessa snäva gränser genom att göra ”Waltz” helt och hållet filmisk. Animationen – en blandning av Adobe Flash-utklipp och klassisk animation – bidrar till den surrealistiska karaktären hos Folmans manifesterade minnen av en traumatisk tid i hans unga liv. Max Richters hemska musik och en blandning av tidstypiska låtar (PiL:s ”This is Not a Love Song” är en höjdpunkt) bidrar också till den övergripande kraften. Den är effektiv, pedagogisk och känslomässig eftersom den är underhållande.

7. ”Fantastic Mr Fox” (2009)
Stop motion animation och Wes Anderson visade sig vara en jordnötssmör-och-gelé-liknande kombination i denna söta men sura adaption av Roald Dahls bok. Vi skulle inte påstå att det är auteurens bästa film, men på många sätt är den mest representativ för hans rykte som en ”artist” med stort A. När allt kommer omkring, är inte alla hans hyperkontrollerade filmiska dioramor en form av live action-animation? Förutom att uppskatta sin plats i Andersons arv är ”Fox” vacker att titta på och en av hans roligaste filmer hittills. Anpassningen av en barnaga gör det möjligt för hans mer breda, till och med fåniga humor att stiga upp till ytan på ett tilltalande sätt (höjdpunkten kommer när de antagonistiska bönderna introduceras i snabba vinjettklipp). Det visuella materialet påminner om Rankin/Bass och visar att gammaldags metoder kan kännas nya när de är välgjorda. Vi älskar den här filmen mest för att den är för alla, men ändå har grova kanter och konsekvenser.

6. ”The Tale Of Princess Kaguya” (2013)
Den fick inte lika mycket uppmärksamhet som ”The Wind Rises”, men ”The Tale Of Princess Kaguya”, svanesången för Miyazakis Studio Ghibli-medgrundare och ”Grave Of The Fireflies”-regissören Isao Takahata, är ett ännu mer elegiskt, vackert bitterljuvt farväl från en av mediets mästare. Filmen är en fabel som är löst baserad på den traditionella sagan om bambusklipparen och animerad på ett fantastiskt, målande sätt. I filmen upptäcker hennes ödmjuka föräldrar titelfiguren inuti ett bambuskott. Hon blir rik och uppvaktas av oändliga friare, men ingenting kan ändra känslan av att hennes tid på jorden kommer att vara kort. Den är enkel i både uttryck och berättelse men ändå otroligt rik (det finns starka feministiska och miljörelaterade teman i arbetet tillsammans med meditationerna om dödlighet), och det är en känslig, pastoral film som fungerar både som en slutgiltig sammanfattning av Takahatas karriär och som ett djupt gripande farväl.

5. ”Tripparna i Belleville” (2003)
78 minuter av ren fransk lycka. Sylvain Chomet’s manus (med knappt någon hörbar dialog) består av till synes slumpmässiga vänstersvängar som inte bara får dig att gissa utan som på ett mirakulöst sätt sammanfogas till en magisk, unik helhet. Den arbetskrävande, vackert gammaldags, målande animationen är ett underverk att beskåda och ger liv åt denna bisarra berättelse om en bedårande uppgiftslämnare vars cyklande son kidnappas av maffian och används för skändliga spelupplägg. Hon slår sig samman med de sångande trillingarna som hjälper henne med räddningen, vilket bidrar till den smittsamma musikaliska glädjen i hela filmen. Det är en helt originell berättelse, regisserad av Chomet med ett perfekt grepp om materialet. Även om den fortfarande är kultförklarad (trots att den var nominerad till två Oscars 2003) är filmen mer än tillgänglig för vilken publik som helst.

4. ”It’s Such A Beautiful Day” (2012)
Han är långt ifrån ett känt namn (även om det har hjälpt att han nyligen bidrog med en av de bästa soffsekvenserna till ”The Simpsons” i seriens 25-åriga historia), men animationsfantaster har länge sjungit Austin’s Don Herzfeldts lovord, särskilt efter ”It’s Such A Beautiful Day”. Den 23 minuter långa kortfilmen med samma namn från 2011 kombineras med de två tidigare kortfilmerna ”Everything Will Be Ok” och ”I Am So Proud Of You”. Det är en hemsökande, i slutändan märkligt livsbejakande trilogi i Herzfeldts karakteristiska stil med streckfigurer och linjeteckningar (som dock förskönas med en alltmer berusande samling effekter), där satir, ultravåld och, i det häpnadsväckande sista avsnittet, psykisk ohälsa och identitet behandlas. Den är snedvriden och märkligt lättillgänglig, dyster och transcendent, enkel och oändligt återblickbar – ett stenhårt mästerverk som bekräftar att Herzfeldt är en stor filmskapare.

3. ”Up” (2009)
Så ger vi tredjeplatsen till ”Up” i sin helhet, eller beviljar vi den platsen tack vare det där 4 minuter långa montaget av Carl & Ellies äktenskapliga liv som reducerar oss till känslomässiga spillror? Spelar det ens någon roll? Om man tar ett helikopter- eller flyghusperspektiv är ”Up” inte den mest tillfredsställande berättelsen som Pixar någonsin har skapat, men den är apotheosen av studions alkemiska förmåga när det gäller karaktärsskapande och relationer. Med den här filmen gav Pete Docter och Bob Petersen oss helt enkelt en av de bästa sorgefilmerna som någonsin gjorts gömd i en berättelse full av nyckfullhet, färgade ballonger, lismande pojkscouter och roliga talande hundar. Så även om den har lika mycket att säga om generationsklyftan som en genomsnittlig Ozu-film, och det faktum att den börjar med den mest gripande animerade döden sedan Bambis mammas död, så är ”Up” i slutet inget mindre än en glad bekräftelse på livet i alla åldrar och på alla höjder över havet.

2. ”De otroliga” (2004)
Regissören Brad Birds bästa film hittills är en bländande blandning av fantasifull serietidningsmytologi, familjemelodram och underbar datorgenererad animation. Den kom i slutet av Pixars första stora våg av titlar, precis innan studion gjorde ett misstag med ”Cars” och sedan kom tillbaka på rätt spår med ”Ratatouille” (tack vare Bird igen, förstås). Faktum är att detta fortfarande känns som animationens bästa timme och förmodligen dess mest kompletta film, full av riktigt spännande actionuppsättningar och lätt relaterbart karaktärsdrama (bra för vuxna och barn), och som på ett bra sätt tar fasta på kulturens besatthet av superhjältar innan den urvattnades till sin nuvarande nivå av allestädes närvarande. Den är mästerligt utformad (kolla in den 50-talsliknande förortskonformiteten i hemmen och på kontoren), skickligt skriven så att A- och B-handlingarna hela tiden kompletterar och förstärker varandra, och med ett värdefullt budskap mot kepsar som Madonna skulle ha gjort klokt i att ta till sig. ”De otroliga” är inte bara en alldeles utmärkt animerad film, utan också en alldeles utmärkt superhjältefilm, punkt slut.

1. ”Spirited Away” (2001)
Om animationsfilmens stora styrka är dess möjlighet till total fördjupning i världar som bara begränsas av gränserna för filmskaparens fantasi, finns det egentligen inget annat val för vår förstaplats än den bländande ”Spirited Away” av Hayao Miyazaki, förvaltare av en av de mest omfattande och vackraste filmiska fantasierna som finns. Filmen börjar som en varnande berättelse om ”var försiktig med vad du önskar dig” när en ung flicka entusiastiskt ger sig ut i en magisk värld efter att hennes föräldrar förvandlats till grisar, men filmen blir alltmer märklig, fantasifull och tvetydig allteftersom den fortskrider, och blir den raka motsatsen till den typ av nedlåtande förenkling och moraliskt svartvitt som präglar familjefilmsgenren på andra håll. Grotesk, skrämmande, spännande, vacker och mycket främmande för alla som är uppvuxna med västerländsk animation, är ”Spirited Away”, på grund av sin Oscarsframgång och bredare marknadsföring i USA, för många människor den första Miyazaki- eller Studio Ghibli-film som de såg, och bör därför ha en mycket speciell plats i våra hjärtan som den lysande portalen in i Ghiblis fantasifulla, bortom-ken-värld. Eller snarare många olika världar.

Honorable Mentions: Det finns dock några som det gjorde fysiskt ont för oss att utesluta, särskilt när de råkade komma från mindre studior eller oberoende filmskapare som kunde ha behövt lite mer uppmärksamhet. Så den vackra, fridfulla ”The Secret of Kells” från det irländska animationshuset Cartoon Saloon, dess uppföljare, den Oscarsnominerade ”Song of the Sea”, den oberoende finansierade, kvicka, smältdegsblandningen av 20-talsjazz, indisk mytologi och flashanimation ”Sita Sings the Blues” från regissören Nina Paley och ”Mary and Max” från den australiensiske regissören Adam Elliott, där den bortgångne Philip Seymour Hoffman är med i rösten, rekommenderas starkt.

Och andra mer profilerade men inte mindre älskade filmer som låg mycket nära toppen av listan var bland annat: ”Piraterna”, ”Ernest Celestine”, ”Wallace and Gromit: Curse of the Were Rabbit”, ”Cloudy with a Chance of Meatballs”, ”Howl’s Moving Castle”, ”Brave”, ”Ghost in the Shell 2″: Innocence”, ”The Illusionist”, ”Paranorman”, ”The Boxtrolls”, ”Tokyo Godfathers”, ”Paprika”, ”Ponyo”, ”Shrek”, ”Wolf Children”, ”The Adventures of Tintin”, ”Kung Fu Panda”, ”The Girl Who Leapt through Time”, ”Evangelion: You Are Not Alone”, ”Dead Leaves”, ”The Secret World of Arriety”, ”Frankenweenie”, ”Tangled”, ”The Emperor’s New Groove” och ”Wreck-it Ralph” – vi skulle kunna fortsätta i all oändlighet, men det gör vi inte.

Som sagt, vi tvekade att inkludera rotoscopade filmer innan vi bestämde oss för att de inte riktigt kvalificerade sig, vilket inte innebär att vi ska underskatta konstnärskapet i Richard Linklaters ”Waking Life” eller ”A Scanner Darkly”. Och om du undrar så glömde vi inte bort ”Frozen”, som är en bra film, men som totalt sett inte riktigt förstår vad all uppståndelse handlar om. Uttryck din upprördhet över att den inte dyker upp och allt annat du tänker på i kommentarsfältet nedan. Eller, du vet, låt det vara.

– Jessica Kiang, Oliver Lyttelton, Erik McClanahan

Anmäl dig: Håll dig uppdaterad om de senaste film- och tv-nyheterna! Anmäl dig till vårt nyhetsbrev här.