Akeem Smith: No Gyal Can Test – The Brooklyn Rail Akeem Smith: No Gyal Can Test

Akeem Smiths No Gyal Can Test er en udforskning af den visuelle, soniske og materielle kultur, der udgår fra dancehall, hvor den nu globalt eksporterede form forstås ud fra dens sociale og politiske specificitet og ikke blot på grund af dens uforglemmelige stil. Dancehall er en hjemmelavet, intergenerationel, fælles happening, der oprindeligt opstod i Kingston på Jamaica i forbindelse med væksten i hovedstadens storbyliv. I slutningen af 1970’erne, da den neoliberale – det vil sige neokoloniale – reaktion på den verdensomspændende antikoloniale kamp (som omfattede Jamaicas egen nationale uafhængighed i 1962) tog sin begyndelse i slutningen af 1970’erne, og de berømte dancehall-dronninger fra den caribiske ø oplyste hele diasporaen, idet de snublede over imperier og bevægede sig i takt med det globaliserede forbrug.

Som både en afvisning af fratagelse af rettigheder og som en festscene er dancehall en bevægelse, der centrerer periferier. Selv om No Gyal Can Test, er et dybt personligt projekt for den professionelle runwaystylist og kreative direktør, kuraterer Akeem Smith sit omfattende arkiv af fotografier og sin samling af videoscener (overleveret fra sin gudmors Ouch Crew) for at give liv til en kritisk genealogi af diasporisk stil, der fortsat påvirker millioner.

Mens beskueren oplever en vis rumlig specificitet – en invitation til gården så at sige – og en oprigtig fornemmelse af en bestemt historie engang i den nære fortid, afviser denne udstilling yndefuldt patoset i en etnografisk udstilling. I stedet skaber Smith nye vinkler for genfinding gennem selektivt sammensat arkivmateriale, nye værker og samarbejdsdesign – med uniformer af Grace Wales Bonner til gallerivagter, tunge lydsystemarkitekturer, der afspejler praktiske beskyttelsesrum, fire nye skulpturer af Jessi Reaves, betagende remixede flerkanalsvideoinstallationer og originale lydlandskaber fra Total Freedom, Physical Therapy og Alex Somers. Alt i alt viser Smith kompleksiteten af Blackness gennem dancehall, der både er et unikt sted for kulturel innovation og en fremtidsorienteret, internationalt sammenflettet bevægelse; en bevægelse, der omfatter et rigt energisk felt, som både er inspireret af og potentielt inspirerende for sort kvinde-ledet modstand mod vedvarende og indbyrdes forbundne systemer af ulighed og vold.

I en alder af 29 år er Smith kendt verden over som et vidunderbarn som stylist inden for runwaymode. I denne udstilling styrer han vores blik ved at synkronisere beskuerens synslinjer med deres bevægelse gennem gallerierne. Når vi passerer gennem Red Bull Arts’ foyer, før vi støder på den standardiserede vægtekst, der annoncerer, at vi er trådt ind i kunstens rum, mellem at få taget vores temperatur og tjekke ind til den aftale, der skal holde kapaciteten begrænset, kaster vi et blik over trappeafsatsen og bliver straks fanget af et utroligt syn: juwelbesatte hænder, der bevæger sig rytmisk over et gyngende skridtetøj. Langt nede og uden for rækkevidde hjælper det ikke at krumme nakken for at få et bedre udsyn i mørket, hvor galleriets egne stråler yderligere skraverer den gigantiske væg af skærme under Soursop (2020). Nærbilleder af dansere, der kæmper om kendisskabets symbolske kapital og andre økonomiske belønninger, stråler op fra det, der føles som 30 meter nede, og signalerer en omkalibrering af en uundgåelig voyeurisme, der arbejder på at overvælde beskuerens trænede mandlige og koloniale blik. Det forventede galleriblik, som altid beordrer sorte kvinders kroppe til at blive holdt nede, bliver kortsluttet, og vi bliver straks opfordret til at omlægge vores retningssans og åbne nye synslinjer. Dette bevidste øjeblik af desorientering skaber et semi-autonomt blik tilbage og bekræfter, at dansernes kroppe fremkalder pirring på deres egne betingelser.

I stedet for blot at fremvise dancehallens historie gennem gentagelsen af letpåklædte kroppe tilbyder Smith en personlig artikulation af sine polysemiske opholdssteder – han bevæger sig mellem enklaver af “hjem”, der både gemmer på hemmeligheder og flyder over med livlighed – for at blive en kontinuerlig fejring i fremtidig perfektum. Ved at omlægge galleriets blik og vende rundt på outsider-insider-status spekulerer Smith i, hvad der vil have været, ved at samle den mode, de ritualer og natlandskaber, der dannede hans egen ungdoms habitus, fra en ubestemt – men ikke utænkelig – fremtid. Når vi træder ind i serien af installationer (sammen med en anden sort kritiker), føler vi os straks afslappet og begynder at mindes barndommens ture frem og tilbage fra det globale nord til den udvidede familie, der bor længere sydpå og på begge sider af Atlanten.

At genkende dancehall-diasporaen kræver ikke nødvendigvis, at vi har været de samme steder eller endog deler et eller andet totaliserende sæt af velkendte folkemønstre. Men ligesom Prousts madeleine er det, der strømmer ind for en sort kvinde ved hjælp af f.eks. haglordet “gyal”, et tykt sensorium – så kulturelt tungt, der bærer vægten af en eksistens, der er så tæt knyttet til interpolationen af, hvad det vil sige at blive genkendelig som sådan. Det er et ord med konnotationer så dybe og så brede, at det ikke kan formidles via en simpel oversættelse fra patois. Groft sagt betyder gyal, at hun er ved at komme til sig selv, og det er et udtryk med et væld af bøjninger, som ikke kan forveksles, selv når det opleves i en ny kontekst. At blive kaldt gyal er bl.a. at blive beskyldt for at opføre sig voksent, nogle gange i alvor eller måske i sjov, baseret på toner, som man har lært (og aldrig glemt) af tante og moster. Men det er også en indikation af, at “hun” er et erotisk væsen, der er i stand til at opleve nydelse for sig selv. Udstillingens titel “No Gyal Can Test”, som er skrevet på bagsiden af et arkivfoto, betyder således, at den pågældende gyal, der skinner i “videolyset”, er den, der skaber sit mærke og bestemmer sit livs retning, om ikke andet så i det øjeblik, hvor hun selv beundrer sig selv.

Smiths omorganiseringsoperationer, der sætter de marginaliserede i centrum, rammer et højdepunkt i den tre-kanals videoinstallation Social Cohesiveness (2020). Mindeværdige billeder af en enkelt, slank danser, der er klædt i lyserødt tøj og fylder sin egen scene i gårdens morgenrøde timer, mens hun holder rytmen i sit eget hypnotiserende groove, sættes side om side mellem glimt af nyhedsoptagelser fra prinsesse Margarets besøg på Jamaica i 1955 og den blå himmel og røgfyldte skærm fra angrebet på World Trade Center den 11. september 2001. Med to generationer mellem sig væver Ashland Mines’ score til Social Cohesiveness – som tog vejret fra mig – to meget forskellige scener af imperial opløsning sammen, og den eneste intakte integritet er den, der kommer fra danserens selvtillid og utrættelige grusomhed.

Som No Gyal Can Test vidner om, er betydningen af at fejre sort kultur i et anti-sort rum og en anti-sort tid at minde sorte mennesker om, at vi fortsat forstår os selv og vores kulturelle bidrag ganske godt; og at vise, at det er os, der faktisk fortsat gør glædens sammenblanding med de strammeste magtakser tilgængelig på verdensscenen, samtidig med at vi sætter den til at gløde.