The 25 Best Animated Films Of The 21st Century So Far

Surprendentemente, de todos os muitos, muitos nomes que fomos chamados sobre o nosso ranking dos 50 Melhores Filmes da Década Até Agora, “anti-animação, cripto-fascistas hegemónicos de acção ao vivo” não era um, apesar de não termos nenhum filme de animação nessa lista. Ficamos um pouco decepcionados, para ser honestos, pois tivemos um retorno rápido no pronto: já estávamos na fase de planejamento de um longa-metragem de animação, então nos sentimos justificados em separar as palhetas de ação ao vivo de seus irmãos desenhados à mão, gerados por computador, stop motion e claymation. Então aqui está essa lista: o prazo é estendido desta vez para incluir qualquer filme de animação em qualquer estilo (rotoscopia de barras, que excluímos por causa de sua dependência de filmagens de ação ao vivo primeiro) de 2000 até agora.

Nos últimos quinze anos, a indústria da animação passou por enormes convulsões, desde a união titânica da gigante da velha escola Disney com a amada Pixar, até à ascensão à glória internacional e vencedora de um Óscar do extraordinário Studio Ghibli (e a sua iminente dissolução), ao enorme salto de qualidade feito por gente como a DreamWorks e outros que se tornaram conhecidos. Todos estes factores combinam-se para proporcionar uma paisagem cinematográfica mais amistosa do que nunca para uma gama mais diversificada de estilos e temas de animação. A grande variedade de escolha que temos, e a natureza extremamente subjectiva da besta (a beleza de um espectador é o twee de outro espectador) significa que estamos plenamente confiantes de que este ranking irá inspirar a sua quota-parte de raiva/acusações de preconceito também. Mas como muitos dos filmes listados abaixo nos ensinaram, vamos ser corajosos, seguir nossos sonhos e encontrar reservas interiores de força e bondade para enfrentar o que quer que a vida e os comentadores nos atirem, enquanto os levamos nesta viagem através dos nossos 25 filmes de animação favoritos do século 21. E se você quiser mais dos melhores filmes desde 2000, você pode conferir aqui nosso longa-metragem sobre os melhores filmes de terror do século 21.

25. “Lilo & Stitch” (2002)
O final dos anos 90 e início dos anos 00 foram uma época sombria para a animação da Disney: aquela era pré-“Congelada” não pagava quase nada na bilheteira, em grande parte porque filmes como “Brother Bear” e “Home On The Range” eram extremamente pobres. Mas a grande luz brilhante (juntamente com “O Novo Grito do Imperador”, que é admiravelmente Chuck Jones-esqueado) era “Lilo & Stitch”. É um riff em “E.T.” na superfície – uma jovem excêntrica que se torna amiga da fuga intergaláctica – mas os realizadores Chris Sanders e Dean DeBlois (que continuariam a fazer “How To Train Your Dragon”) fazem-no cantar através da especificidade: a delirante travessia do adoravelmente psicótico Stitch, o deslumbrante cenário havaiano, e o surpreendente pathos de Lilo e da sua irmã mais velha, que estão a ser investigados pelos serviços sociais. Talvez não se mantenha com a era dourada do início dos anos 90 da Disney, mas é um filme maravilhosamente estranho e extremamente gratificante.

24. “Winnie the Pooh” (2011)
Cada geração sente a sensação de que as crianças de hoje estão a perder alguma parte vital da infância devido aos avanços tecnológicos da vida moderna (de volta ao primeiro pai neolítico que abanou a cabeça tristemente com o uso que o seu filho fez daquelas ferramentas de bronze recém-estilizadas). Mas o animado “Winnie the Pooh” dos realizadores Don Hall e Stephen J Anderson evoca tempos mais simples com encanto e inteligência e até -gasp!- sugere os prazeres da leitura, com as personagens a interagirem com o texto da página de uma forma continuamente inventiva. É certo que para crianças muito pequenas, e alguns adultos que cresceram com filmes anteriores da Disney Pooh ficaram aparentemente desapontados por isto não ter sido tão bem como a Disney. Mas esta é uma homenagem curta, calma e delicada a um dos mais queridos e doces personagens infantis de todos os tempos, que respeita o material original de Pooh – os maravilhosos livros de A Milne.

23. “Rango” (2011)
Aven quando os filmes originais “Piratas do Caribe” não estavam funcionando, eles ainda eram admiravelmente estranhos. Por isso não é surpreendente em retrospectiva do que quando o diretor Gore Verbinski e a estrela Johnny Depp se remontaram para um filme de animação, eles produziram um dos filmes de animação mais estranhos já feitos por um estúdio. Raramente “Chinatown” com qualquer um de vários Westerns clássicos, mas com animais e uma vibração ligeiramente perturbada, vê o camaleão de Depp, Hunter Thompson, ser confundido com um herói por uma cidade que sofre de seca. Ensaiado com os atores em fantasia (uma raridade absoluta no mundo da animação) antes de ser trazido à vida impressionante pela Industrial Light & Magic, a única animação da companhia VFX até hoje, é um lembrete da visão bizarra que Verbinski poderia trazer sem o inchaço do blockbuster, e embora ele mal se qualifica como um filme infantil, ele ainda prova uma viagem extremamente divertida.

22. “A Town Called Panic” (2009)
Baseado em um programa de TV de língua francesa suavemente surreal e com a distinção de ser a primeira animação em stop-motion a ser exibida em Cannes, “A Town Called Panic” dos belgas Stéphane Aubier e Vincent Patar é a história absurda de Cowboy (um cowboy de brinquedo plástico), Indian (um índio de brinquedo plástico) e Horse (um brinquedo plástico que você tem a idéia) que vivem juntos em uma casa no campo e se envolvem em arranhões inexplicáveis. Uma tentativa de comemorar o aniversário do Cavalo vai mal quando uma encomenda de 50 tijolos pela internet é acidentalmente confundida com 50 milhões de tijolos, e assim eles constroem grandes paredes que são roubadas por criaturas maliciosas do mar, então eles vão rastreá-los através de um terreno nevado, aéreo, subterrâneo e arborizado… o enredo não faz sentido e a história pode parecer tão estúpida quanto a encantadora animação grosseira. Mas também é investido com uma energia totalmente lunática que é menos sobre grandes arcos narrativos do que as interações e estranhezas momentâneas que abarrotam todas as cenas loucas.

21. “Atriz do Milênio” (2001)
Pois ele dirigiu apenas quatro longas completos e infelizmente faleceu em 2010 com apenas 46 anos, Satoshi Kon se estabeleceu como um dos cineastas mais importantes e originais da anime. Podíamos facilmente (e quase o fizemos) incluir “Tokyo Godfathers” ou “Paprika” (este último dito por muitos para ter inspirado “Inception” de Christopher Nolan), mas diríamos que a sua obra-prima foi o seu segundo longa, “Millennium Actress” de 2001. Muito mais maduro que a maioria dos longas de animação, sejam japoneses ou americanos, este filme tem um conceito fascinante, pois uma estrela de cinema aposentada traz uma equipe de documentários através de suas memórias, trocando gêneros e formas enquanto conta sua história através de seus papéis cinematográficos. Os fãs da narrativa clara provavelmente ficarão desapontados, mas há uma fascinante e rica caixa de quebra-cabeças para desenrolar, lutando com sucesso com os temas favoritos de Kon sobre a natureza da realidade e o poder da arte.

20. “Monster House” (2006)
Fácilmente o melhor dos filmes de Robert Zemeckis, em parte devido a ser assustador apenas quando tenta ser e em parte por não ser dirigido por Zemeckis (Gil Kenan teve o show em seu lugar), “Monster House” é o raro filme a conseguir tanto ‘Burtonesque’ como ‘Amblin-esqueado’ de maneira bem sucedida, e o faz com um monte de coração e susto no processo. Co-escrito pelo criador de “Comunidade” Dan Harmon e seu amigo Rob Schrab, é o conto de três pré-teens aventureiros que investigam uma casa local assustadora. Trabalhando onde “O Expresso Polar” não estilizou mais os personagens, faz com que os seus jovens protagonistas se pareçam com crianças de uma forma que poucos filmes se preocupam, levando a grandes mordaças (“É a úvula!” “Então é uma casa de meninas?”) e pathos mais eficazes do que a maioria. Há filmes mais bonitos aqui, mas poucos que são tão divertidos.

19. “Como Treinar o Seu Dragão” (2010)
Os filmes variam em qualidade desde os quase grandiosos (“Kung Fu Panda”, o original “Shrek”) até aos surpreendentemente divertidos (“Madagascar 3” – não, a sério!) até aos essencialmente inúteis (mais tarde “Shrek” sequelas, “Shark Tale”), mas qualquer que seja a participação, a DreamWorks Animation tem sido quase sempre vista como o segundo violino da Pixar. A excepção é “How To Train Your Dragon”, um emocionante conto de aventuras que combina um rapaz e o seu cão, “E.T” – uma relação central entre um jovem Viking e o seu amigo dragão com deslumbrantes sequências de voo em 3D, construção do mundo e o visual mais pintor da companhia (criado com a ajuda da lenda cinematográfica Roger Deakins). Tantas vezes a DreamWorks recorre à mordaça da cultura pop ou ao casting de celebridades, mas é aqui (e, em menor medida, na sua sequela) que eles deixam a história liderar o caminho, e o resultado é um triunfo absoluto.

18. “Finding Nemo” (2003)
Dado o historial misto da Pixar com sequelas, é difícil não ficar apreensivo com o “Finding Dory” do próximo ano, o seguimento tardio de uma das mais amadas realizações do estúdio, “Finding Nemo” de 2003. Afinal de contas, o original foi algo próximo de um milagre. A história do pai superprotetor (Albert Brooks), cujo pior pesadelo se torna realidade quando seu filho é levado através do oceano, é uma história vertiginosamente colorida, enormemente engraçada, cheia de personagens incrivelmente memoráveis e, sem dúvida, o melhor elenco de voz da Pixar (Brooks e a co-líder Ellen DeGeneres são perfeitos, mas também temos Willem Dafoe, Allison Janney, Stephen Root, Geoffrey Rush e Eric Bana). Mas, no seu coração, ele tem um soco emocional tão grande quanto qualquer coisa que o estúdio tenha feito, encurtando gradualmente o abismo entre um pai amoroso, mas destrutivamente neurótico, e seu filho aventureiro, mas vulnerável. Se a sequela é mesmo metade tão boa como esta, ainda deve ser um clássico.

17. “Monsters Inc.” (2001)
Após dois grandes filmes de “Toy Story” e o medianamente recebido (algo injusto) “A Bug’s Life”, “Monsters Inc.” foi o filme que sugeriu que a Pixar seria muito mais do que a casa que Buzz construiu. Assim como “Toy Story”, este filme assume um irresistível conceito de infância – a história por trás dos monstros debaixo da cama de cada criança ou no armário – e o encheu com dois dos personagens mais adoráveis da companhia no olho de Billy Crystal, Mike Wasowski e o Sully azul felpudo de John Goodman, que acidentalmente deixaram uma criança supostamente morta, o adorável Boo, entrar no paraíso dos seus monstros. O filme não é tão perfeito narrativamente quanto algumas das últimas fotos da Pixar (o desvio Yeti é ar morto), mas ainda assim é deslumbrantemente desenhado, tem um coração gigante e se mostra totalmente satisfatório. A “Universidade dos Monstros”, decente, mas desnecessária, é uma prova da força do original.

16. Toy Story 3″ (2010)
Com uma década inteira depois do amado “Toy Story 2” (e parecendo ser a palavra final em “Toy Story” apresenta… até “Toy Story 4”), “Toy Story 3” é um dos melhores filmes animados do século, o que demonstra a barra alta da Pixar. Em vez de ir para uma volta de vitória, a equipe criativa de John Lasseter, Andrew Stanton e o diretor Lee Unkrich trocaram as coisas pela terceira vez, permitindo que o tempo tivesse passado e que Andy fosse para a faculdade. As aventuras que se seguem são notáveis: há um perigo genuíno às vezes, um pouco de escuridão e um exame de consciência bastante profundo que o torna ainda mais afetante para os adultos do que os seus antecessores. Porque estes filmes nunca foram realmente sobre brincadeiras de plástico – eram sobre a infância, um estado que só se pode realmente apreciar depois de concluído e alguém novo está brincando com seus brinquedos antigos.

15. “Coraline” (2009)
Existe mais qualidade a sair de mais casas de animação hoje em dia, graças em parte à Laika de Portland, um estúdio em stop-motion que fugiu com a sublime “Coraline”. Baseado em um livro do ídolo nerd Neil Gaiman e dirigido pelo diretor “O Pesadelo Antes do Natal” Henry Selick, o filme foca na menina titular (Dakota Fanning) que foge de seus pais negligentes para outro mundo que se revela mais sinistro do que ela planejava. O filme é deslumbrantemente desenhado (com um uso de 3D que ainda está entre os melhores de sempre, plano no ‘mundo real’ e expansivo no fantástico, estilo “Feiticeiro de Oz”), inteligente, cheio de alma, atmosférico, rico, engraçado, excitante e estranho, e só envelheceu como um bom vinho na última meia-década. Vale a pena conferir “Paranorman” e “The Boxtrolls”, mas a primeira hora de Laika continua sendo a melhor até agora.

14. “The Lego Movie” (2014)
Em papel, parecia ser um festival de sinergia corporativa de pesadelo (não é baseado apenas em um brinquedo, mas inclui versões de brinquedo de super-herói!). Na prática, “The Lego Movie” é uma alegria manhosa, subversiva e tonta, com Phil Lord e Chris Miller no topo da sua foto animada anterior “Cloudy With Chance Of Meatballs” (que alguns de nós são muito rabugentos não está nesta lista…). Falsificando narrativas ‘escolhidas’ como o Emmett de Chris Pratt é escolhido como a última grande esperança contra o malvado Lord Business (Will Ferrell), é uma ação-comédia profundamente tola e meta-tástica que ainda encontra espaço para um grau surpreendente de pathos, principalmente em seu gambit secreto de ação ao vivo no final do jogo. Capturando um sentido de brincadeira infantil de uma forma que poucos tinham feito fora de “Toy Story” mas filtrando-a através de uma mentalidade de mash-up milenar, ela deve figurar como uma das mais gloriosas surpresas mainstream na memória recente.

13. “Ratatouille” (2007)
“Ratatatouille” é algo estranho entre os cânones da Pixar, menos por causa da sua história de produção (“Os Incríveis”, o capacete Brad Bird retocou completamente o filme no final da produção, que é par para o curso no estúdio), e mais porque ele toca muito mais velho do que muitos dos outros filmes deles. Situado no mundo da culinária fina, o filme é alvo e celebra os críticos, tem um ritmo relativamente lento, e atrai de influências tão diversas como Lubitsch e Proust. É uma animação auteurística, de fronteira com o mundo inteiro, que de alguma forma fez centenas de milhões de dólares. O conto de Bird sobre um rato (interpretado perfeitamente por Patton Oswalt) com um paladar refinado e sonhos culinários funciona como um quadro de animais falantes, uma comédia romântica, uma carta de amor para Paris (aquelas paisagens urbanas!) e para a comida, e só poderia ter sido feito por Pixar. Alguns de seus outros filmes poderiam ter tido um apelo mais amplo, mas “Ratatouille” é verdadeiramente refinado.

12. “Chicken Run” (2000)
Em geral, as características da Aardman Animation não corresponderam bem aos seus calções “Wallace & Gromit” vencedores do Óscar (embora a aventura das características deste último seja uma alegria e quase fez esta lista). Dizemos “no geral” porque “Chicken Run”, o primeiro trabalho de longa-metragem do estúdio é tremendo, um filme mais encantador e inventivo do que a maioria com orçamentos muitas vezes superiores ao tamanho. Seguindo um grupo de galinhas que recorrem à ajuda do galo vermelho (um Mel Gibson pré-declínio) para escapar da sua quinta quando aprendem que estão destinados a ser transformados em tortas, canaliza brilhantemente e evocativamente filmes POW WW2 como “The Great Escape” com um encanto muito excêntrico britânico. Abrangendo o design imaculado, a clássica comédia física e a emocionante ação que caracterizou os curtas Aardman, é também mais narrativamente bem redondo, com um final tão emocionante como qualquer outra coisa nesta lista. Os dedos cruzados do Aardman voltam logo a este tipo de forma.

11. “Persepolis” (2007)
O Prêmio do Júri de Cannes e o Oscar “Persepolis” antecederam por um ano o também nomeado “Valsa com Bashir”, mas juntos, ambos representam o surgimento, ou talvez apenas a aceitação mais generalizada, de outra função de animação: contar histórias crescidas de autobiografia tão pessoais e/ou dolorosamente políticas que de alguma forma quase imploram para serem desenhadas em vez de filmadas. O filme de Marjane Satrapi é um relato pungente, engraçado, tocante e ocasionalmente horripilante de sua infância crescendo em Teerã durante a rebelião islâmica, contado em imagens simples, duras, em preto e branco, mas é o seu olho para o detalhe excêntrico e humanizador (grande parte do qual veio de sua tirinha de quadrinhos autoproclamada) que marcou Satrapi como um cineasta de promessa. E desde então ela se tornou uma das cineastas mais vivas e excêntricas da cena internacional, embora ainda não tenha igualado sua estréia por seu impacto e importância.

10. “Wall-E” (2008)
Talvez algum do vitriol derramado em “Chappie” tenha vindo porque já temos um adorável (e criticamente aprovado) robô com uma personalidade no nosso léxico cinematográfico (não falando do Johnny Five). O “Wall-E” de Pixar, uma mensagem ambiental bastante mordaz envolta na história de um robô de lixo solitário e nos fragmentos de uma civilização negligenciada que só ele preza, foi um empreendimento audacioso. Com muito menos diálogo do que as sátiras das saídas anteriores e um protagonista quase silencioso, continua a ser um dos filmes mais formalmente austeros e satíricos do estúdio. No entanto, o filme de Andrew Stanton é caloroso e divertido, contando com a impressionante expressividade do desenho de Wall-E (o seu jogo com a bola e o taco é um exemplo perfeito da física imaculada em todo o seu trabalho) para contar com cintilante originalidade uma história que acaba por empregar todos os troféus da velha guarda do livro: um herói improvável luta para ganhar a mão da sua dama de amor e, ao fazê-lo, salva a humanidade de si mesma.

9. “The Wind Rises” (2013)
Hayao Miyazaki já se aposentou antes (ele tinha sugerido que já tinha feito cinema há uma década atrás), mas com o Studio Ghibli supostamente a dar corda, “The Wind Rises” parece definitivamente que pode ser a canção do cisne do mestre do anime. O filme certamente parece ser uma declaração definidora: um melodrama (em sua maioria) sem fantasia sobre o designer de aviões da vida real Jiro Horikoshi, é um retrato comovente do fim de uma era no Japão, um exame de como o progresso, a tecnologia e até a arte podem ser corrompidos, uma carta de amor à amada aviação do diretor e, mais do que qualquer outra coisa, um retrato autobiográfico do artista como um jovem obcecado. Qualquer pessoa que descarta isto como um desenho animado não tem a cabeça bem enroscada. Tão lindo quanto qualquer coisa que o diretor já fez, também, apesar de relativamente realista, só poderia ter funcionado como animação. Se for realmente o último filme de Miyazaki, sentiremos a falta dele.

8. “Valsa com Bashir” (2008)
Um forte exemplo de como a animação pode ser destro, o filme de Ari Folman hibridiza magistralmente o ensaio pessoal, o documentário e as imagens alucinógenas, tudo a serviço de um exame ousado da experiência de um soldado na Guerra do Líbano de 1982, que é a quantidade certa de estilização fria para prender você em seus insights. Infelizmente, os direitos humanos e os filmes de emissão são hoje em dia uma dúzia de centavos, por isso não é pouca coisa que Folman tenha conseguido transcender esses estreitos limites ao fazer “Valsa” totalmente cinematográfica. A animação – uma mistura de recortes Adobe Flash com animação clássica – acrescenta à natureza surrealista das memórias manifestadas por Folman de um tempo traumático em sua jovem vida. A partitura assombrosa de Max Richter e uma mistura de canções era-apropriadas (PiL’s “This is Not a Love Song” é um destaque) também contribuem para o seu poder geral. É eficaz, educativa e emotiva porque é divertida.

7. “Fantastic Mr Fox” (2009)
Stop motion animation e Wes Anderson provou ser uma combinação tipo amendoim e geleia nesta doce mas ácida adaptação do livro de Roald Dahl. Não argumentaríamos que é o melhor filme do auteur, mas em muitos aspectos é mais representativo da sua reputação como um “artista capital A”. Afinal, não são todos os seus dioramas cinematográficos hiper-controlados uma forma de animação de acção ao vivo? Para além de apreciar o seu lugar no legado de Anderson, ‘Fox’ é bonito de se ver e um dos seus filmes mais engraçados até hoje. A adaptação de uma história infantil permite que seu humor mais amplo e até pateta surja de formas agradáveis (o destaque vem quando os fazendeiros antagônicos são introduzidos em punhos de vinheta de rápido crescimento). O visual remete ao Rankin/Bass, provando que métodos antiquados podem se sentir novos quando bem feitos. Adoramos este filme porque é para todos, mas ainda tem bordas ásperas e consequências.

6. “The Tale Of Princess Kaguya” (2013)
Não recebeu tanta atenção como “The Wind Rises”, mas “The Tale Of Princess Kaguya”, o canto do cisne para o co-fundador do Studio Ghibli de Miyazaki e diretor do “Grave Of The Fireflies” Isao Takahata, é um adeus ainda mais elegante, maravilhosamente agridoce de um dos mestres do meio. Uma fábula baseada vagamente no conto tradicional do Cortador de Bambu e animada de forma deslumbrante e pintada, o filme vê a descoberta da personagem título dentro de uma filmagem de bambu por seus humildes pais. Ela é elevada à riqueza e cortejada por pretendentes sem fim, mas nada pode mudar a sensação de que seu tempo na Terra será breve. Simples tanto na expressão quanto na história, mas ainda incrivelmente rico (há fortes temas feministas e ambientais em ação junto com as meditações sobre a mortalidade), é um filme delicado, pastoral, que serve tanto como uma síntese definitiva da carreira de Takahata quanto como uma despedida profundamente pungente.

5. “The Triplets of Belleville” (2003)
78 minutos de puro êxtase francês. O roteiro de Sylvain Chomet (com quase nenhum diálogo audível) é feito de voltas aparentemente aleatórias à esquerda que não só o mantém adivinhando, mas milagrosamente gelificando em um todo mágico e único. A animação de trabalho intensivo, lindamente antiga e pintada é uma maravilha para se ver, trazendo à vida esta história bizarra de uma mãe adorável amante de tarefas, cujo filho ciclista é raptado pela máfia e usado para esquemas de jogo nefastos. Ela se junta aos trigémeos titulares que a ajudam no resgate, somando-se à alegria musical contagiante infundida em todo o filme. É uma narrativa totalmente original, dirigida por Chomet, com uma perfeita compreensão do material. Apesar de ainda ser um item de culto (apesar de ter sido candidato a 2 Oscars em 2003), o filme é mais do que acessível a qualquer público.

4. “It’s Such A Beautiful Day” (2012)
Ele está longe de ser um nome familiar (embora recentemente tenha contribuído com uma das melhores sequências de sofá para “The Simpsons” na história de 25 anos do programa), mas os fãs de animação há muito que cantam os elogios de Don Herzfeldt de Austin, particularmente depois de “It’s Such A Beautiful Day”. Combinando o curta 2011, de 23 minutos, com dois curtas anteriores, “Everything Will Be Ok” e “I Am So Proud Of You”, é uma trilogia assombrosa e estranhamente afirmadora da vida na marca registrada de Herzfeldt, um estilo de desenho em linha (embora embelezado com uma coleção de efeitos cada vez mais aguda) que absorve sátira, ultraviolência e no surpreendente segmento final, doença mental e identidade. Oblíqua e estranhamente acessível, sombria e transcendente, simples e infinitamente re-vistível, é uma obra-prima de pedra fria que confirma que Herzfeldt é um grande cineasta.

3. “Para cima” (2009)
Então estamos a dar o terceiro lugar a “Para cima” na sua totalidade, ou estamos a conceder esse lugar graças àquela montagem de 4 minutos de Carl & A vida de casada de Ellie que nos reduz a escombros emocionais? Será que isso importa? Tomando uma visão de helicóptero ou de casa voadora, “Up” não é a narrativa mais satisfatória que a Pixar já criou, mas é a apoteose da capacidade alquímica do estúdio com a criação de personagens e relações. Com este filme, Pete Docter e Bob Petersen nos deram simplesmente um dos maiores filmes de luto já feitos escondidos dentro de um conto cheio de caprichos, balões coloridos, batedores e cães falantes hilários. Assim, embora tenha tanto a dizer sobre o fosso entre gerações como o filme médio de Ozu, e o fato de começar com a morte animada mais afetuosa desde o falecimento da mãe de Bambi, por sua conclusão “Up” é nada menos que uma alegre afirmação da vida em qualquer idade e em qualquer altura acima do nível do mar.

2. “Os Incríveis” (2004)
O melhor filme do director Brad Bird até à data é uma amálgama de amálgamas de imaginária mitologia de banda desenhada, melodrama familiar e animação gerada por computador. Veio no final da primeira grande onda de títulos da Pixar, mesmo antes de o estúdio falhar com “Cars” e depois voltou aos eixos com “Ratatouille” (graças novamente ao Bird, natch). Na verdade, esta ainda parece ser a melhor hora da animação e provavelmente o filme mais completo, cheio de peças de cenários de ação legitimamente emocionantes e drama de personagens facilmente relatáveis (bom para adultos e crianças), e tocando incisivamente na obsessão do super-herói da cultura antes que ela descesse ao seu nível atual de ubiqüidade. Com um design magistral (verifique a conformidade suburbana dos locais de casa e do escritório no estilo dos anos 50), com uma programação inteligente para que os enredos A e B se complementem e melhorem constantemente, e com uma valiosa mensagem anti-cape que Madonna teria feito bem em atender, “Os Incríveis” não é apenas um grande filme de animação de todos os tempos, mas é um grande filme de super-heróis de todos os tempos, ponto final.

1. “Spirited Away” (2001)
Se a grande força da animação é a sua facilidade de imersão total em mundos apenas limitados pelos limites da imaginação de um cineasta, não há realmente outra escolha para o nosso lugar número um a não ser o deslumbrante “Spirited Away” de Hayao Miyazaki, curador de uma das mais completas e belas imaginações cinematográficas existentes. Começando como um “cuidado com o que você deseja”, enquanto uma jovem se aventura com entusiasmo em um reino mágico depois que seus pais são transformados em porcos, o filme se torna mais peculiar, mais fantasioso e mais ambíguo à medida que avança, tornando-se o oposto polar do tipo de simplificação paternalista e moral negra que martela o gênero cinematográfico familiar em outros lugares. Grotesco, assustador, emocionante, belo e muito estranho a qualquer pessoa criada na animação ocidental, “Spirited Away” é, devido ao seu sucesso no Oscar e à promoção mais ampla nos EUA, para muitas pessoas o primeiro filme Miyazaki ou Studio Ghibli que viram, e assim devem ocupar um lugar muito especial nos nossos corações como o portal luminoso para o mundo fantástico, de Ghibli. Faça dessa multidões de mundos.

Honorable Mentions: Então a lista longa para este longa correu para mais de 100 títulos, e as paixões correu alto demais para listar aqui, mas há alguns que nos custou a excluir, especialmente quando eles eram de estúdios menores ou cineastas independentes que podiam fazer com o brilho. Assim, o adorável e sereno “The Secret of Kells”, da casa de animação irlandesa Cartoon Saloon; o seu seguimento, o também nomeado Oscar “Song of the Sea”; a mistura de jazz dos anos 20, mitologia indiana e animação em flash “Sita Sings the Blues”, da realizadora Nina Paley; e “Mary and Max”, do realizador australiano Adam Elliott e com a voz do falecido lamentado Philip Seymour Hoffman, são todos fortemente recomendados.

E outros filmes de perfil mais elevado mas não menos amados que pairavam muito perto do topo da lista incluída: “The Pirates!”, “Ernest & Celestine”, “Wallace e Gromit”: “A Maldição do Coelho”, “Nublado com uma Chance de Almôndegas”, “Castelo em Movimento”, “Corajoso”, “Fantasma na Concha 2″: Inocência”, “O Ilusionista”, “Paranorman”, “Os Boxtrolls”, “Padrinhos de Tóquio”, “Paprika”, “Ponyo”, “Shrek”, “Crianças Lobo”, “As Aventuras de Tintin”, “Kung Fu Panda”, “A Menina que Saltou pelo Tempo”, “Evangelion”: Você Não Está Sozinho”, “Folhas Mortas”, “O Mundo Secreto da Arriedade”, “Frankenweenie”, “Emaranhados”, “O Novo Sulco do Imperador” e “Ralph Destruído” – podemos continuar para sempre, por isso não o faremos.

Como dissemos, nós ummed e aaahed sobre incluir filmes rotoscoped antes de decidir que eles não se qualificam bem, o que não é para subestimar a arte de Richard Linklater “Waking Life” ou “A Scanner Darkly”. E no caso de estar a pensar, não esquecemos “Frozen”, que é um bom filme, mas no conjunto não vemos bem o porquê de todo este alarido. Expresse sua indignação sobre sua não-comparência e qualquer outra coisa que esteja em sua mente na seção de comentários abaixo. Ou, você sabe, deixe ir.

– Jessica Kiang, Oliver Lyttelton, Erik McClanahan

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