Akeem Smith: No Gyal Can Test

Akeem Smiths No Gyal Can Test är ett utforskande av den visuella, ljudmässiga och materiella kulturen som emanerar från dancehall, där den numera globalt exporterade formen förstås utifrån sin sociala och politiska särart och inte bara för sin oförglömliga stil. Dancehall, som är en hemodlad, generationsöverskridande och gemensam happening, uppstod ursprungligen i Kingston på Jamaica i samband med tillväxten av huvudstadens storstadsliv. I slutet av 1970-talet, när det nyliberala – det vill säga nykoloniala – svaret på den världsomspännande antikoloniala kampen (som inkluderade Jamaicas egen nationella självständighet 1962) började ta fart, lyste den karibiska öns berömda dancehalldrottningar upp hela diasporan, som snubblade över imperier och rörde sig med den globaliserade konsumtionens hastighet.

Som både en vägran av rättslöshet och som en partyscen är dancehall en rörelse som centrerar periferier. Även om No Gyal Can Test är ett djupt personligt projekt för den professionella stylisten och kreativa chefen, så sammanställer Akeem Smith sitt omfattande arkiv av fotografier och sin samling av videoscener (som gått i arv från hans gudmors Ouch Crew) för att väcka liv i en kritisk genealogi av den diasporiska stil som fortsätter att påverka miljontals människor.

Medans betraktaren upplever en viss rumslig specificitet – en inbjudan till gården så att säga – och en uppriktig känsla av en viss historia någon gång i det nära förflutna, vägrar den här utställningen på ett graciöst sätt patoset av en etnografisk visning. I stället skapar Smith nya infallsvinklar genom selektivt sammansatt arkivmaterial, nya verk och samarbetsdesign – med uniformer för gallerister av Grace Wales Bonner, en tung ljudanläggningsarkitektur som speglar praktiska skyddsrum, fyra nya skulpturer av Jessi Reaves, hisnande omblandade flerkanalsvideoinstallationer och originella ljudlandskap från Total Freedom, Physical Therapy och Alex Somers. På det hela taget visar Smith upp komplexiteten hos svarthet genom dancehall, både en unik plats för kulturell innovation och en framtidsinriktad, internationellt sammanflätad rörelse; en rörelse som omfattar ett rikt energifält som både är inspirerat av och potentiellt inspirerande för svarta kvinnors ledda motstånd mot pågående och sammankopplade system av ojämlikhet och våld.

Smith är 29 år gammal och är känd över hela världen som ett underbarn som är stylist för mode på banan. I den här utställningen styr han vår blick genom att synkronisera betraktarens siktlinjer med deras rörelse genom gallerierna. När vi passerar genom foajén i Red Bull Arts innan vi möter den standardiserade väggtexten som meddelar att vi har trätt in i konstens rum, mellan att få ta temperaturen och checka in för att få ett möte för att hålla kapaciteten begränsad, kastar vi en blick över trappan och fångas genast av en otrolig syn: smyckesprydda händer som rör sig rytmiskt över ett gungande skrev. Att kröka nacken för att få en bättre bild hjälper inte i mörkret, eftersom galleriets egna strålar ytterligare skrapar den gigantiska väggen av skärmar nedanför, Soursop (2020). Närbilder av dansare som tävlar om kändisskapets symboliska kapital och andra ekonomiska belöningar strålar upp från vad som känns som en trettio meters djup och signalerar en omkalibrering av en oundviklig voyeurism som arbetar för att överväldiga betraktarens tränade manliga och koloniala blick. Den förväntade galleriögonblicken, som alltid beordrar svarta kvinnors kroppar att hållas nere, kortslutas och vi uppmanas omedelbart att omorganisera vår riktning och öppna upp nya siktlinjer. Detta avsiktliga ögonblick av desorientering skapar en halvt självständig blick tillbaka och bekräftar att dansarnas kroppar framkallar kittling på sina egna villkor.

Istället för att bara visa upp dancehallens historia genom upprepningen av lättklädda kroppar erbjuder Smith en personlig artikulation av sina polysemiska bostäder – han rör sig mellan enklaver av ”hem” som både håller tillbaka hemligheter och svämmar över av livfullhet – för att bli en kontinuerlig firande i den framtida perfekta tiden. Genom att omordna galleriets blick och vända på outsider-insider-statusen spekulerar Smith om vad som kommer att ha varit genom att återmontera det mode, de ritualer och de nattlandskap som utgör hans egen ungdoms habitus från en obestämd – men inte otänkbar – framtid. När vi går in i serien av installationer (tillsammans med en annan svart kritiker) känner vi oss genast avslappnade och börjar minnas barndomsresor fram och tillbaka från det globala norr till storfamiljen som bor längre söderut och på båda sidor av Atlanten.

För att känna igen dancehalldiasporan krävs det inte nödvändigtvis att vi har varit på samma platser eller ens delar någon totaliserande uppsättning välkända folkvandringar. Men likt Prousts madeleine är det som strömmar in för en svart kvinna genom till exempel hagelordet ”gyal” ett tjockt sensorium – så kulturellt tungt, som bär tyngden av en existens som är så tätt sammankopplad med interpoleringen av vad det innebär att bli igenkännbar som sådan. Det är ett ord med konnotationer som är så djupa och breda att det inte kan kommuniceras genom enbart översättning från patois. Grovt sett betyder gyal att hon är på väg in i sitt eget liv, och det är en term med en mängd olika böjningar som inte kan missförstås ens när den upplevs i ett nytt sammanhang. Att bli kallad gyal innebär bland annat att bli anklagad för att uppträda vuxet, ibland på allvar eller kanske på ett lekfullt skämt baserat på toner som man lärt sig (och aldrig glömt) av mostrar. Men det är också en indikation på att ”hon” är en erotisk varelse som kan uppleva njutning för sig själv. Utställningens titel ”No Gyal Can Test”, som är klottrad på baksidan av vad som nu är ett arkivfoto, betyder alltså att den aktuella gyal som lyser under ”videoljuset” är den som skapar sitt märke, den som bestämmer riktningen för sitt liv, om inte annat så bara i det ögonblicket av självbeundran.

Smiths omordningsoperationer, där han placerar de marginaliserade i centrum, når en toppnotering i den trekanals videoinstallationen Social Cohesiveness (2020). Minnesvärda bilder av en ensam, smal dansare, klädd i rosa och som fyller sin egen scen i gårdagens gryningsljustimmar och håller rytmen i sitt eget hypnotiserande groove, ställs mot varandra mellan blixtar av journalfilmer från prinsessan Margarets besök på Jamaica 1955 och den blåsky- och rökfyllda skärmen från attacken mot World Trade Center den 11 september 2001. Med ett avstånd på två generationer från varandra väver Ashland Mines musik till Social Cohesiveness – som tog andan ur mig – samman två mycket olika scener av imperiets sönderfall, och lämnar den enda intakta integriteten, den som är befogad från förtroendet hos dansarens outtröttliga grymhet.

Som No Gyal Can Test vittnar om, är betydelsen av att fira svart kultur i en anti-svart tid och rum att påminna svarta människor om att vi fortsätter att förstå oss själva och våra kulturella bidrag ganska väl; och att visa att det är vi som faktiskt fortsätter att göra glädjens sammanblandning med de snävaste maktaxlarna tillgängliga på världsscenen, samtidigt som vi sätter den i glöd.