Cubismo analitico vs Cubismo sintetico – Qual è la differenza?

Cubismo analitico vs Cubismo sintetico per molti spettatori d’arte occasionali i due termini possono essere motivo di confusione.

Il cubismo è un movimento artistico che ha lasciato un’impressione duratura sul mondo dell’espressione nel suo complesso, portando l’attenzione a prospettive diverse.

Lo stile del cubismo iniziò quando molti artisti dell’inizio del XX secolo si stavano allontanando dai metodi più tradizionali di presentare un particolare soggetto e sviluppando stili che miglioravano il modo in cui un oggetto o un altro soggetto veniva presentato.

Il cubismo fu originariamente evitato da molti influenti critici d’arte e appassionati perché andava contro gli ideali a lungo sostenuti e i metodi tradizionali di ritrarre un dato soggetto.

Artisti come Pablo Picasso e George Braque furono pionieri nel movimento del cubismo e servirono come alcuni degli artisti più importanti durante il periodo di tempo in quanto furono in grado di portare il nuovo stile di pittura nella scena dell’arte del XX secolo.

Cubismo Analitico vs Cubismo Sintetico

La differenza tra Cubismo Analitico e Cubismo Sintetico è che il Cubismo Sintetico mirava ad appiattire un oggetto in un’immagine 2D spesso come un collage mentre il Cubismo Analitico ha rotto un oggetto da più punti di vista e li ha riconfigurati in modo che ogni aspetto dell’immagine potesse essere visibile su un piano 2D.

Che cos’è il Cubismo?

Il principio del Cubismo può essere descritto come lo sforzo dell’artista di decostruire la solita rappresentazione di un soggetto o di una scena e creare un collage di rappresentazioni visive che danno allo spettatore molte prospettive diverse del soggetto. È spesso descritto come la decostruzione del soggetto solo per riassemblarlo in modi che evidenziano vari punti di vista in cui lo spettatore potrebbe non aver considerato da solo.

A differenza di altre forme di pittura che erano esistite per secoli e anche migliaia di anni prima, il cubismo ruotava intorno a metodi nuovi e inediti di rappresentare soggetti in un modo che non era mai stato fatto.

Molti artisti cubisti hanno cercato di portare nuovi modi di pensare all’arte e alla rappresentazione di alcuni elementi. Alcuni critici d’arte del periodo in cui il cubismo stava cominciando ad emergere dalle forme più comuni di espressione hanno avuto difficoltà a cogliere il concetto generale del movimento cubista. Pablo Picasso è citato per aver detto quanto segue.

“Il fatto che – per molto tempo – il cubismo non sia stato capito e che ancora oggi ci siano persone che non ci vedono niente non significa niente. Io non leggo l’inglese, un libro inglese è un libro bianco per me. Questo non significa che la lingua inglese non esista. Perché dovrei incolpare qualcun altro se non me stesso se non riesco a capire ciò di cui non so nulla?”

Le origini del cubismo

Uno dei primi artisti ad essersi dilettato nell’uso di metodi e concetti che sarebbero poi stati considerati pilastri dell’ideologia cubista è Paul Cezanne (1839-1906). Alla fine del XIX secolo, Cezanne iniziò a dipingere certi soggetti e scene in un modo che rappresentava prospettive multiple riguardanti la stessa immagine centrale.

Questo metodo non era molto ben compreso durante questo periodo e molti critici d’arte vedevano le rappresentazioni deformate di Cezanne come errori da parte dell’artista stesso mentre cercava di dipingere scene che altrimenti potrebbero essere viste come comuni opere realiste.

Più tardi nella sua vita, Cezanne abbandonò il modo convenzionale di ritrarre il mondo che lo circondava e abbracciò un nuovo, curioso modo di dipingere che implicava il raggiungere nel profondo della mente dell’artista per tirare fuori diverse prospettive che egli credeva non fossero apprezzate dallo spettatore nel modo in cui avrebbero dovuto.

Cezanne iniziò a dipingere in un nuovo modo che non includeva profondità al di fuori del soggetto centrale che era spesso un cesto di frutta, strumenti musicali, o altri semplici oggetti che lavorava per portare nuova vita nel soggetto.

Che cos’è il Cubismo Analitico?

Il Cubismo Analitico è principalmente un metodo artistico che evidenzia la capacità di un artista di decostruire un particolare soggetto e portare molti punti di vista e prospettive diverse insieme in un modo che presenta il soggetto allo spettatore ancora una volta. Questo costringe lo spettatore a considerare questi nuovi punti di vista e ad “analizzarli” tutti insieme in un modo che ispira un maggiore apprezzamento per questi oggetti.

Quando lo stile del cubismo cominciò a crescere ed evolversi, c’erano pochi artisti che mantenevano un metodo simile di ritrarre gli oggetti mentre altri avevano metodi di pittura molto diversi che erano ancora considerati parte del modo cubista di esprimere le proprie interpretazioni di un dato soggetto.

Molti storici dell’arte, critici e appassionati ritengono che il Cubismo Analitico implichi gli sforzi dell’artista di raffigurare un dato soggetto usando forme geometriche per rappresentare un certo oggetto nelle loro opere.

Il movimento del Cubismo Analitico ha iniziato a prendere piede nel mondo dell’arte nel 1907 e si ritiene che abbia raggiunto il suo picco pochi anni dopo, durando fino a circa il 1912 prima che lo stile lasciasse il posto ad altri movimenti.

Che cos’è il Cubismo Sintetico?

Il Cubismo Sintetico si concentra maggiormente sulla colorazione di una particolare immagine e sulla ricostruzione di un soggetto in modi che valorizzano le immagini in un modo collettivo che è spesso bidimensionale. Mentre la maggior parte degli altri dipinti cubisti raffigurava soggetti reali o naturali, il cubismo sintetico si concentra maggiormente sull’imitazione del soggetto o dell’oggetto a fuoco per mezzo di colori più vivaci e tonalità contrastanti.

Si dice che il Cubismo Sintetico sia sorto dal movimento del Cubismo Analitico intorno all’anno 1912, quando sempre più artisti cominciarono a prendere le loro idee e prospettive ispirate da questo particolare movimento ed esplorare il concetto di imitazione di un soggetto usando metodi non convenzionali.

Confronto tra Cubismo Analitico e Sintetico

È noto in tutto lo studio dell’arte e della sua storia che il Cubismo Sintetico è un movimento sorto dal Cubismo Analitico. Questo nuovo movimento avvenne intorno al 1912 e fu stimolato da due dei più famosi pittori cubisti, Pablo Picasso e George Braque.

Molti artisti avrebbero seguito le orme di questi due artisti, mentre altri cercavano di esplorare il concetto di rappresentare un soggetto o un oggetto in un modo che tenesse conto non solo dei vari angoli e prospettive, ma delle variazioni di colori che portavano fuori nuovi modi di vedere certe cose sotto una nuova luce.

Sia Picasso che Braque dipinsero centinaia di opere cubiste tra i due artisti e attraverso il loro uso di forme geometriche, angoli acuti e piani oscurati, gli artisti avrebbero cercato di continuare a spingere i confini comunemente accettati della prospettiva all’epoca.

Picasso e Braque portarono le loro opere ad un nuovo livello scartando i vecchi metodi delle pennellate cubiste e l’idea di oggetto tridimensionale in favore dell’abbraccio della tela bidimensionale e della sua capacità di ritrarre un modo più semplicistico di caratteristiche che includevano tinte più brillanti, forme semplici e meno profondità di sfondo rispetto a prima.

Il viaggio cubista di Pablo Picasso

Picasso è considerato il padre del cubismo da molti storici e critici d’arte, poiché fu uno degli artisti più notevoli del tempo che sfidò le forme di espressione e prospettiva comunemente accettate.

La sua serie intitolata “Chitarra” è ampiamente considerata come l’esempio più importante di un singolo artista che passa dal cubismo analitico al cubismo sintetico nel corso di circa un anno.

Una delle differenze più notevoli nel lavoro di Picasso fu l’abbandono da parte dell’artista della profondità nei suoi dipinti. Mentre cominciava a dipingere in uno stile che trascurava la visione di oggetti tridimensionali, dipingeva sempre più oggetti che aderivano ad un approccio più semplice e piatto che era distintamente bidimensionale.

Transizione dal Cubismo Analitico a quello Sintetico

Una delle prime e più notevoli differenze che molti spettatori riconoscono tra i due stili artistici è la mancanza di colori vibranti e brillanti nel Cubismo Analitico. Poiché molti artisti durante il movimento hanno cercato di approfondire i soggetti e le nuove prospettive attraverso l’uso di varie forme e piani inclinati, c’era una significativa mancanza di calore nella colorazione di queste opere.

Molte delle prime opere di Picasso e Braque nello stile del Cubismo Analitico erano chiaramente dedicate al cambiamento delle prospettive e all’esplorazione di molte presentazioni diverse riguardanti un singolo oggetto. Tuttavia, gli artisti sarebbero poi passati a uno stile che è considerato Cubismo Sintetico e sarebbero tornati a dipingere colori brillanti e audaci che fornivano una nuova definizione agli oggetti su una tela altrimenti insipida.

La tavolozza di colori delle opere cubiste sintetiche di Picasso sono nettamente più luminose rispetto alle sue opere precedenti, ma i soggetti sono presentati in un modo più semplificato, bidimensionale che è talvolta considerato privo della profondità della prospettiva che l’artista ha scelto di lavorare nei suoi dipinti di pochi anni prima.

I colori in grassetto sarebbero un segno distintivo del movimento del Cubismo sintetico, in quanto artisti come Picasso lavorerebbero in contrasto e in complimento con tratti di blu, verde, rosso e giallo. Molti storici dell’arte di solito possono individuare un dipinto di Picasso dal movimento del Cubismo Sintetico semplicemente riconoscendo l’incorporazione dell’artista di colori brillanti e sorprendenti gialli che dominavano la tela.

Sia Braque che Picasso continuavano a lavorare in un modo che utilizzava uno stile di pittura a collage e a volte incollavano spartiti musicali reali nella loro tela quando lavoravano su un dipinto che era incentrato su strumenti musicali.

Pittori degni di nota

Juan Gris fu un altro artista che lavorò nel movimento cubista e produsse alcune delle opere più iconiche dello stile molto dopo che Picasso e Braque avevano iniziato il movimento all’inizio del XX secolo.

Le opere di Gris erano incentrate sugli orrori della prima guerra mondiale, dato che l’artista fu preso nel mezzo del conflitto nella sua nativa Spagna. I suoi dipinti sono in gran parte considerati come alcune delle migliori opere del cubismo sintetico mai prodotte.

Ha dipinto scene di individui coinvolti nei violenti scontri della prima guerra mondiale in tele giganti che includevano raffigurazioni di soldati e civili, concentrandosi sugli effetti che la guerra aveva su tutti e tutto.

Ha anche dipinto uno dei più famosi ritratti cubisti di Picasso intitolato “Ritratto di Picasso” che ha impressionato Picasso così tanto che era in qualche modo intimidito dal talento di Gris.

Le sue opere erano notevolmente bidimensionali e impiegavano un numero significativo di colori vibranti che includevano il bianco e il nero che aveva lo scopo di ritrarre la sottile linea tra la vita e la morte con cui tutti coloro che erano coinvolti nel conflitto erano continuamente in contatto.

Conclusione

Oltre cento anni dopo la nascita del Cubismo Analitico e Sintetico, entrambi gli stili di pittura rimangono popolari tra gli artisti moderni nello stesso modo in cui i primi artisti cubisti hanno prodotto le loro opere.

I moderni pittori del Cubismo Analitico continuano a lavorare con soggetti che sono posti al centro della tela e dipinti in un modo che raffigura un’ampia variazione di prospettive utilizzando diverse forme geometriche e una minore incorporazione di colore.

I lavori del Cubismo analitico dell’ultima parte del XX secolo sono simili ai vecchi lavori dei membri fondatori del movimento in quanto gli artisti continuano ad utilizzare ombre e forme angolate per enfatizzare le diverse apparenze di un singolo oggetto.

Gli artisti continuano anche a lavorare nello stile del Cubismo Sintetico, che è stato molto influente in una serie di epoche diverse nel corso del XX secolo. L’uso di colori brillanti e vivaci e di soggetti semplificati su una tela vengono esplorati ancora di più grazie ai progressi della tecnologia e dell’animazione al computer.

È probabile che questi due tipi di cubismo continueranno ad essere generi influenti dell’arte che ispirano più artisti ad approfondire i molti modi in cui il nostro mondo può essere ritratto.