Analyyttinen kubismi vs. synteettinen kubismi – Mitä eroa?

Analyyttinen kubismi vs. synteettinen kubismi monille satunnaisille taiteen katsojille nämä kaksi termiä voivat aiheuttaa sekaannusta.

Kubismi on taidesuuntaus, joka on jättänyt lähtemättömän vaikutuksen koko ilmaisun maailmaan tuomalla huomion erilaisiin näkökulmiin.

Kubismin tyyli sai alkunsa, kun monet 1900-luvun alun taiteilijat siirtyivät pois perinteisemmistä tavoista esittää tiettyä aihetta ja kehittivät tyylejä, jotka paransivat esineen tai muun aiheen esitystapaa.

Kubismi oli alun perin monien vaikutusvaltaisten taidekriitikoiden ja taiteen harrastajien hylkäämää, koska se oli vastoin pitkään vallinneita ihanteita ja perinteisiä tapoja kuvata tiettyä kohdetta.

Taiteilijat, kuten Pablo Picasso ja George Braque, olivat kubismiliikkeen edelläkävijöitä ja toimivat aikakauden merkittävimpiä taiteilijoita, sillä he pystyivät tuomaan uuden maalaustyylin 1900-luvun taiteen näyttämölle.

Analyyttinen kubismi vs. synteettinen kubismi

Analyyttisen kubismin ja synteettisen kubismin erot ovat siinä, että synteettisen kubismin tavoitteena oli litistää esine 2D-kuvaksi usein kollaasina, kun taas analyyttinen kubismi pilkkoi esineen useista eri näkökulmista ja konfiguroi ne uudelleen niin, että kuvan jokainen osa-alue voitiin nähdä 2D-tasolla.

Mitä on kubismi?

Kubismin periaatetta voidaan kuvata taiteilijan pyrkimykseksi purkaa kohteen tai kohtauksen tavanomainen kuvaus ja luoda kollaasi visuaalisista kuvauksista, jotka antavat katsojalle monia eri näkökulmia kohteeseen. Sitä kuvataan usein niin, että se purkaa aiheen vain kootakseen sen uudelleen tavalla, joka korostaa erilaisia näkökulmia, joita katsoja ei ehkä olisi ottanut huomioon omin päin.

Toisin kuin muut maalaustaiteen muodot, joita oli ollut olemassa vuosisatoja ja jopa tuhansia vuosia aikaisemmin, kubismi pyöri uusien ja uudenlaisten menetelmien ympärillä, joilla aiheita voitiin kuvata tavalla, jota ei ollut koskaan ennen tehty.

Monet kubistitaiteilijat pyrkivät tuomaan uusia tapoja ajatella taidetta ja tiettyjen kohteiden kuvaamista. Joillakin taidekriitikoilla ajalta, jolloin kubismi alkoi nousta esiin tavallisemmista ilmaisumuodoista, oli vaikeuksia hahmottaa kubistisen liikkeen kokonaiskäsitystä. Pablo Picasson siteerataan sanoneen seuraavaa.

”Se, että – pitkään aikaan – kubismia ei ole ymmärretty ja että vielä nykyäänkin on ihmisiä, jotka eivät näe siinä mitään, ei merkitse mitään. En lue englantia, englantilainen kirja on minulle tyhjä kirja. Tämä ei tarkoita sitä, ettei englannin kieltä olisi olemassa. Miksi syyttäisin ketään muuta kuin itseäni, jos en ymmärrä sitä, mistä en tiedä mitään?”

Kubismin alkujuuret

Yksi ensimmäisistä taiteilijoista, joka on kokeillut sellaisten menetelmien ja käsitteiden käyttöä, joita myöhemmin pidettäisiin kubistisen ideologian peruspilareina, on Paul Cezanne (1839-1906). 1800-luvun lopulla Cezanne alkoi maalata tiettyjä aiheita ja kohtauksia tavalla, joka kuvasi useita näkökulmia samaan keskeiseen kuvaan.

Tätäkään menetelmää ei tuohon aikaan ymmärretty kovin hyvin, ja monet taidekriitikot pitivät Cezannen vinoutuneita kuvauksia taiteilijan itsensä tekeminä virheinä, kun hän yritti maalata kohtauksia, joita muuten voitaisiin pitää tavallisina realistisina teoksina.

Myöhemmin elämässään Cezanne hylkäsi tavanomaisen tavan kuvata ympäröivää maailmaa ja omaksui uuden, uteliaan maalaustavan, jossa hän kurkotti syvälle taiteilijan mieleen piirtääkseen esiin erilaisia näkökulmia, joiden hän uskoi jäävän katsojalta arvostamatta sillä tavalla kuin niiden pitäisi.

Cezanne alkoi maalata uudella tavalla, joka ei sisältänyt syvyyttä keskeisen aiheen ulkopuolella, joka oli usein hedelmäkori, soittimia tai muita yksinkertaisia esineitä, joita hän työsti tuodakseen uutta elämää aiheeseen.

Mitä on analyyttinen kubismi?

Analyyttinen kubismi on lähinnä taiteen metodi, joka korostaa taiteilijan kykyä purkaa tiettyä aihetta ja koota yhteen monta erilaista näkökulmaa ja näkökulmaa tavalla, joka esittelee kohteen uudelleen katsojalle. Tämä pakottaa katsojan pohtimaan näitä uusia näkökulmia ja ”analysoimaan” niitä kaikkia kerralla tavalla, joka herättää suurempaa arvostusta näitä kohteita kohtaan.

Kun kubismin tyyli alkoi kasvaa ja kehittyä, oli muutamia taiteilijoita, jotka säilyttivät samanlaisen tavan kuvata esineitä, kun taas toisilla oli hyvin erilaisia maalaustapoja, joita pidettiin silti osana kubistista tapaa ilmaista omia tulkintojaan tietystä aiheesta.

Monet taidehistorioitsijat, kriitikot ja harrastajat ovat sitä mieltä, että analyyttiseen kubismiin kuuluu taiteilijan pyrkimys kuvata tiettyä aihetta käyttämällä geometrisia muotoja tietyn esineen esittämiseksi teoksissaan.

Analyyttinen kubismi alkoi vallata taidemaailmaa vuonna 1907, ja sen katsotaan saavuttaneen huippunsa muutamaa vuotta myöhemmin, ja se kesti noin vuoteen 1912 asti, ennen kuin tyyli väistyi muiden liikkeiden tieltä.

Mitä on synteettinen kubismi?

Synteettinen kubismi painottaa enemmän tietyn kuvan värimaailmaa ja kohteen uudelleenrakentamista tavoilla, jotka parantavat kuvia kollektiivisella tavalla, joka on usein kaksiulotteinen. Kun useimmat muut kubistiset maalaukset kuvasivat todellisia tai luonnollisia aiheita, synteettinen kubismi keskittyy enemmän kohteena olevan aiheen tai esineen jäljittelyyn elävämpien värien ja kontrastisävyjen avulla.

Synteettisen kubismin sanotaan syntyneen analyyttisen kubismin liikkeestä vuoden 1912 tienoilla, kun yhä useammat taiteilijat alkoivat ottaa omia inspiroivia ideoitaan ja näkökulmiaan tästä nimenomaisesta liikkeestä ja tutkia käsitettä, jossa aihetta jäljitellään epäsovinnaisilla menetelmillä.

Analyyttisen ja synteettisen kubismin vertailu

Kaiken taiteen ja sen historian tutkimuksen piirissä tiedetään hyvin, että synteettinen kubismi on liike, joka versoi analyyttisestä kubismista. Tämä uusi liike syntyi noin vuonna 1912, ja sitä vauhdittivat kaksi tunnetuinta kubistimaalaria, Pablo Picasso ja George Braque.

Monet taiteilijat seurasivat näiden kahden taiteilijan jalanjäljissä, kun muut pyrkivät tutkimaan käsitettä, jonka mukaan aihetta tai esinettä kuvataan tavalla, jossa otetaan huomioon paitsi erilaiset kuvakulmat ja näkökulmat, myös värien variaatiot, jotka toivat esiin uusia tapoja nähdä tietyt asiat uudessa valossa.

Picasso ja Braque maalasivat välisenä aikana satoja kubistisia teoksia, ja geometristen muotojen, terävien kulmien ja tummennettujen tasojen käytön avulla taiteilijat pyrkivät jatkamaan tuolloin yleisesti hyväksyttyjen perspektiivin rajojen työntämistä.

Picasso ja Braque nostivat teoksensa uudelle tasolle hylkäämällä vanhemmat kubistiset siveltimenvetomenetelmät ja ajatuksen kolmiulotteisesta objektista ja omaksumalla kaksiulotteisen kankaan ja sen kyvyn kuvata yksinkertaisemmalla tavalla piirteitä, joihin kuuluivat kirkkaammat värisävyt, yksinkertaiset muodot ja aiempaa vähemmän taustan syvyyttä.

Pablo Picasson kubistinen matka

Picassoa pidetään monien taidehistorioitsijoiden ja -kriitikoiden mielestä kubismin isänä, sillä hän oli yksi aikansa merkittävimmistä taiteilijoista, joka kyseenalaisti yleisesti hyväksytyt ilmaisun ja perspektiivin muodot.

Hänen ”Kitara” -nimistä sarjaansa pidetään yleisesti merkittävimpänä esimerkkinä siitä, että yksittäinen taiteilija on noin vuoden aikana siirtynyt analyyttisestä kubismista synteettiseen kubismiin.

Yksi merkittävimmistä eroista Picasson töissä oli se, että taiteilija luopui maalauksissaan syvyydestä. Kun hän alkoi maalata tyylillä, joka sivuutti kolmiulotteisten esineiden näkymisen, hän maalasi yhä useammin esineitä, jotka noudattivat yksinkertaisempaa, litteämpää lähestymistapaa, joka oli selvästi kaksiulotteinen.

Transitio analyyttisestä kubismista synteettiseen kubismiin

Yksi ensimmäisistä ja huomattavimmista eroista, jonka monet katsojat tunnistavat näiden kahden taidetyylin välillä, on eloisien ja kirkkaiden värien puuttuminen analyyttisessä kubismissa. Koska monet taiteilijat pyrkivät liikkeen aikana syventymään enemmän aiheisiin ja uusiin näkökulmiin erilaisten muotojen ja kaltevien tasojen avulla, näiden teosten värityksessä oli huomattava lämpimyyden puute.

Monissa Picasson ja Braquen varhaisissa analyyttisen kubismin tyyliin kuuluvissa teoksissa keskityttiin selvästi näkökulmien vaihteluun ja monien eri esitystapojen tutkimiseen yhden kohteen osalta. Myöhemmin taiteilijat kuitenkin siirtyivät tyyliin, jota pidetään synteettisenä kubismina, ja palasivat maalaamaan kirkkaita ja rohkeita värejä, jotka antoivat uutta määritelmää esineille muutoin tylsällä kankaalla.

Picasson synteettisen kubismin teosten väripaletti on selvästi kirkkaampi kuin hänen aiempien teostensa, mutta aiheet esitetään yksinkertaistetummin, kaksiulotteisemmalla tavalla, jonka katsotaan joskus olevan vailla perspektiivin syvyyttä, jota taiteilija valitsi työskentelyynsä muutamaa vuotta aikaisemmissa maalauksissaan.

Kylläiset värit olisivat synteettisen kubismin liikkeen tunnusmerkki, kun Picasson kaltaiset taiteilijat työskentelivät sinisen, vihreän, punaisen ja keltaisen värisävyjen kontrastisilla ja toisiaan täydentävillä viivoilla. Monet taidehistorioitsijat voivat yleensä tunnistaa synteettisen kubismin liikkeeseen kuuluvan Picasson maalauksen yksinkertaisesti siitä, että taiteilija tunnistaa kirkkaat, silmiinpistävät keltaiset värit, jotka hallitsivat kankaita.

Kumpikin, Braque ja Picasso, jatkaisivat työskentelyä tavalla, joka hyödynsi maalauksen kollaasityyliä, ja liimasivat toisinaan todellisia nuotteja kankaalleen työskennellessään maalauksen parissa, jonka keskiössä olivat soittimet.

Huomionarvoisia maalareita

Juan Gris oli toinen taiteilija, joka työskenteli kubismin liikkeessä ja tuotti joitakin tyylin ikonisimpia teoksia kauan sen jälkeen, kun Picasso ja Braque olivat aloittaneet liikkeen 1900-luvun alussa.

Grisin teosten keskiössä olivat ensimmäisen maailmansodan kauhut, sillä taiteilija joutui keskelle konfliktia kotimaassaan Espanjassa. Hänen maalauksiaan pidetään suurelta osin parhaina synteettisen kubismin teoksina.

Hän maalasi kohtauksia ensimmäisen maailmansodan väkivaltaisiin yhteenottoihin osallistuneista henkilöistä jättimäisillä kankailla, jotka sisälsivät kuvauksia sekä sotilaista että siviileistä, keskittyen sodan vaikutuksiin kaikkiin ja kaikkeen.

Hän maalasi myös yhden Picasson kuuluisimmista kubistisista potreteista nimeltä ”Picasson muotokuva”, joka teki Picassoon niin suuren vaikutuksen, että hän oli jossain määrin peloissaan Grisin lahjakkuudesta.

Hänen teoksensa olivat huomattavan kaksiulotteisia, ja niissä käytettiin huomattavan paljon elinvoimaisia värejä, joihin kuului myös valkoista ja mustaa, millä haluttiin kuvata hienoa rajaa elämän ja kuoleman välissä, jonka kanssa kaikki konfliktiin osallistuneet olivat jatkuvasti tekemisissä.

Johtopäätös

Muutama sata vuotta sekä analyyttisen että synteettisen kubismin synnyn jälkeen molemmat maalaustyylit ovat edelleen suosittuja nykytaiteilijoiden keskuudessa paljolti samalla tavalla kuin varhaisimmat kubistitaiteilijat tuottivat omia teoksiaan.

Nykyaikaiset analyyttisen kubismin maalarit työskentelevät edelleen aiheiden kanssa, jotka sijoitetaan kankaan keskelle ja maalataan tavalla, joka kuvaa laajaa vaihtelua näkökulmia käyttäen erilaisia geometrisia muotoja ja vähemmän värien sisällyttämistä.

Analyyttisen kubismin teokset 1900-luvun loppupuolelta muistuttavat liikkeen perustajajäsenten vanhempia teoksia, sillä taiteilijat jatkavat edelleen varjojen ja teräväkulmaisten muotojen käyttämistä korostaakseen yksittäisen kohteen erilaisia ulkoasuja.

Taiteilijat työskentelevät edelleen myös synteettisen kubismin tyylilajissa, joka on ollut erittäin vaikutusvaltainen useilla eri aikakausilla 1900-luvun aikana. Kirkkaiden, eloisien värien ja yksinkertaistettujen aiheiden käyttöä kankaalla tutkitaan edelleen teknologian ja tietokoneanimaation kehittymisen ansiosta.

On todennäköistä, että nämä kaksi kubismityyppiä ovat jatkossakin vaikutusvaltaisia taiteenlajeja, jotka inspiroivat yhä useampia taiteilijoita syventymään syvemmälle niihin moniin tapoihin, joilla maailmaamme voidaan kuvata.